35mm de podcast

Un épisode de 24 minutes sur le "chef-d’œuvre" de Jan De Bont, Speed, paru en 1994 et mettant en vedette Keanu Reeves, Sandra Bullock, Jeff Daniels et Dennis Hopper. On niaise ben, mais on a eu beaucoup de fun à le revoir pour vous en parler.

On revisite la comédie musicale la plus célèbre de l'histoire du cinéma qui fête ses 70 ans cette année.

L'année 2003 était foisonnante pour le cinéma québécois puisque paraissait entre autre Gaz Bar Blues, le 2e long-métrage de Louis Bélanger, qui fait encore du bien à l'âme près de 20 ans après sa sortie.

On revient sur ce classique de Richard Kelly qui a révélé à un plus grand public l'acteur Jake Gyllenhaal dans le rôle d'un adolescent torturé qui commet des actes criminels à cause d'un lapin nommé Frank.

On profite du mois de l'épouvante pour vous partager un court épisode sur le premier film d'Ari Aster, Hereditary (2018), pour qui Maxime, Jonathan et Mathieu ont beaucoup d'admiration.

Mathieu nous partage un de ses premiers coups de cœur au cinéma alors qu'il avait 8 ans, la comédie d'action Last Action Hero qui a été un flop lors de sa sortie, mais qui semble retrouver son public maintenant que l'humour méta est au goût du jour.

C'est le classique des classiques en matière de film d'hockey, pour le Québec en tout cas. Nous avons une relation particulière avec ce film dû au célèbre doublage qui nous a donné des citations savoureuses comme par exemple : Donne-moé un coke ou ben un orangeade, toute sauf d'l'hostie d'root beer.

Le classique de science-fiction de Luc Besson.

Le cinéaste qu'on vous présente ce mois-ci c'est le néerlandais Paul Verhoeven qui est principalement connu pour ses films américains tels que Robocop, Total Recall, Basic Instinct, Showgirls et Starship Troopers. Ce sont les principaux films que nous allons approfondir dans cet épisode, mais nous allons aussi faire un survol de sa carrière néerlandaise et française qui en vaut vraiment la peine. Verhoeven sème la controverse dans le monde du cinéma depuis les années 70 puisque c'est un réalisateur qui ne fait pas de compris. Il aborde la sexualité, la violence et la religion avec beaucoup de vérité. C'est un artiste qui ne laisse personne indifférent et qui cherche toujours à divertir l'auditoire.

Voici notre lettre d'amour à un de nos réalisateurs préférés, un monument méconnu du Québec qui repousse sans cesse les limites du cinéma, l'inimitable Robert Morin.

Le décès de Jean-Marc Vallée nous a tous pris par surprise et nous a attristés durant le temps des fêtes. On a perdu un grand cinéaste qui a marqué le cinéma québécois et international avec des films touchants et divertissants à la fois. Voici un épisode hommage à sa belle et trop courte carrière qui a commencé au grand écran avec Liste noire (1995) et qui s'est terminé avec Demolition (2015). Repose en paix Jean-Marc.

Noah Baumbach est un des grands réalisateurs du moment. Max et Jo en parlent avec passion durant cet épisode qui parcourt sa carrière de 1995 à aujourd'hui. De toute évidence, Baumbach fut très influencé par le cinéma de Woody Allen, mais il est plus qu'une copie du cinéaste d'Annie Hall, il a sa propre sensibilité à propos des relations de couple, du milieu artistique new-yorkais et de la famille dysfonctionnelle. Ses personnages sont assez sombres, ils ont de la difficulté à communiquer entre eux et ça laisse place à des situations où l'humour et le drame se côtoient à merveille. S'il n'est pas un grand technicien du cinéma, il est un scénariste de haut niveau puisque ses dialogues sont toujours justes et intelligents. Il est capable de nous faire pleurer de rires et pleurer tout court dans la même scène.

Le cinéma sud-coréen est en plein essor depuis une vingtaine d'années et il était plus que temps de l'aborder. On survole donc la carrière d'un des plus grands ambassadeurs du pays : Bong Joon-ho. La popularité du réalisateur de 52 ans a montée en flèche après que Parasite (2019) est remporté la Palme d'or au Festival de Cannes et 4 oscars dont meilleur film (une première pour un film en langue étrangère). Vous avez peut-être déjà entendu parler de Okja (2017) et/ou Snowpiercer (2013) puisqu'ils sont présentement accessibles sur Netflix, ce sont ses deux seuls films qui sont majoritairement en anglais. Avant d'être considéré comme une des personnalités les plus influentes de 2020 par le magazine TIME, le cinéaste a fait des films brillants dans son pays natal. Memories of murder (2003) est un thriller policier qui tente de faire la lumière sur le premier tueur en série de la Corée du Sud, The Host (2006) est un monster movie réinventé au sujet d'une créature géante qui menace une ville entière et Mother (2009) est une drame hitchcockien au sujet d'une mère qui est prête à tout pour prouver l'innocence de son fils qui est accusé de meurtre.

C'est avec beaucoup d'excitation qu'on vous présente le premier épisode qui aborde un réalisateur du cinéma d'animation et pas n'importe lequel, le maître Hayao Miyazaki. Sa carrière s'échelonne sur 6 décennies (!), il a co-fondé le mythique Studio Ghibli en 1985, il a produit des séries télés, des courts-métrages, des mangas et réalisé 11 longs-métrages. À l'aube de ses 81 ans, il est en production depuis plus de 5 ans sur son prochain film "How do you live?". L'imaginaire du cinéaste japonais est sans borne et empreint de plusieurs messages à caractères sociaux et politiques. Il s'est exprimé sur la pollution et la déforestation bien avant son temps, il aborde le féminisme à travers ses nombreuses héroïnes et il est un féroce militant anti-guerre.

C'est pas un nom qui est familier avec tout le monde, mais il suffit de mentionner quelques-un de ses films (Heat, Last of the mohicans, Collateral, Miami Vice) pour le replacer. Le vétéran de 78 ans se situe à mi-chemin entre le classicisme d'Hollywood et le cinéma d'auteur. Étant un fan du cinéma de genre, principalement le film néo-noir, il nous offre des œuvres très accessibles et dynamiques tout ayant sa propre signature. La première décennie de sa carrière est plutôt hétérogène, il jongle entre le film néo-noir, l'horreur et le film d'époque. Mais c'est en 1995 qu'il frappe un grand coup avec le film Heat qui réunit deux légendes, Robert De Niro et Al Pacino. Michael Mann trouve sa véritable identité dans ce thriller brillamment écrit et mis en scène. Il décrochera par la suite 7 nominations aux Oscars pour son film suivant, The Insider (1999), et il surprendra tout le monde en choisissant Tom Cruise pour interpréter un tueur à gages dans l'excellent Collateral (2004).

Maxime reçoit son ami Francis Juteau, auteur et professeur de littérature et de cinéma au cégep, pour parler d'un réalisateur qu'ils admirent tous les deux. Pierre Falardeau n'est pas que le père d'Elvis Gratton. Il est un pamphlétaire qui a défendu la liberté durant près de quatre décennies et tout a commencé par des courts-métrages documentaires qu’il a coréalisés avec son acolyte Julien Poulin. C’est Pea Soup (1979) qui retient le plus l’attention dans cette période, grâce au PFK Kid, et Le temps des bouffons (1993) où il déverse sa violente poésie sur le Beaver Club. Dans les années 80, le tandem Falardeau/Poulin mettent au monde le personnage le plus iconique du cinéma québécois : Bob Gratton. C’est sous le couvert de la comédie qu’ils parlent de la crise identitaire de la société québécoise et qu’ils ridiculisent la fascination pour l’American Dream. Avec les suites, le personnage d’Elvis Gratton devient une caricature de lui-même et s’en prend au monde des médias, au star système, aux politiciens, à tout le monde dans l’fond! L’autre volet de sa filmographie est plus posé et dramatique. Avec Le Party (1990), Octobre (1994) et 15 février 1839 (2001), Pierre Falardeau s’intéresse à des personnages, parfois issus de notre histoire, qui rêvent de liberté dans un monde d’oppression. Il pose sa caméra au cœur d’une situation fragile et raconte les motivations qui poussent un groupe à se battre pour son indépendance.

Edgar Wright a conquit toute une génération en 2004 avec la sortie de Shaun of the dead sur les écrans. En plus d'exposer de nouveaux talents (Simon Pegg et Nick Frost en particulier), il a apporté un vent de fraicheur dans la comédie au cinéma avec son sens du punch, mais aussi, son sens du spectacle. Trois ans après ce succès, il revient à la charge avec le même duo d'acteurs dans un autre style soit celui du film d'action policier. Il s'agit bien de Hot Fuzz et c'est un hit encore une fois. On parle même d'une trilogie thématique qui s'est concrétisée avec la sortie de The World's End en 2013 et qui est ironiquement appelé The Three Flavours Cornetto Trilogy. Le troisième opus joue encore sur les thèmes de l'amitié et la nostalgie, mais cette fois-ci à travers la science-fiction. Edgar Wright est réputé pour s'amuser avec les différents genres cinématographiques et amène une dimension hautement divertissante grâce à sa maîtrise du montage. Scott Pilgrim vs. the world est l'ultime exemple d'un film au rythme effréné, remplit d'emprunts aux autres formes d'art et le résultat est à couper le souffle. Avec Baby Driver, il a poussé son utilisation de la musique à un autre niveau en chorégraphiant toutes ses scènes en fonction de la bande sonore. Le cinéaste anglais propose toujours une réalisation audacieuse et son plus récent Last Night In Soho n'y fait pas exception sur le plan visuel. Le film est présentement à l'affiche et on l'a vu pour vous, mais on ne divulgâche rien, promesse de cinéphile!

Celui de l'on surnomme le maître de l'horreur a créé le mythique film Halloween en 1978. Avec un budget de 300 000$, des acteurs inconnus et un masque; il a instauré certains codes du slasher movie. Et que dire de la trame sonore iconique qu'il a lui même composé comme c'est le cas dans la plupart de ses films. 43 ans plus tard, Michael Myers continue de tuer à travers l'une des plus grandes franchises du cinéma d'horreur. Le réalisateur américain n'est pas l'auteur d'un seul grand film. Avec Kurt Russell, son acteur fétiche des années 80, il a utilisé l'archétype du anti-héros à toutes les sauces à commencer par Escape from New York. Un film de science-fiction hautement divertissant qui s'inscrit dorénavant dans la culture populaire. En 1982, c'est l'arrivée de The Thing sur les écrans et c'est un flop... Mais le temps a donné raison à John Carpenter puisqu'on le voit maintenant comme une œuvre culte avec des scènes sanglantes incomparables. Carpenter ne s'éloigne pas trop de l'horreur avec l'adaptation du roman de Stephen King « Christine » en 1983 avant de se lancer dans la comédie fantastique d'action « Big trouble in little China ». De toute évidence, il s'est amusé avec un film sans prétention qui pastiche les films d'aventure qui gagnaient en popularité à l'époque. En 1988, il nous offre sa création la plus politisée « They Live » en réponse aux décisions de Ronald Reagan. C'est à travers la science-fiction qu'il passe son message alors qu'un homme sans histoire découvre des lunettes qui lui permettent de voir le monde tel qu'il est réellement c'est-à-dire gouverné par des extra-terrestres.

Ceux qui nous suivent depuis longtemps se souviennent peut-être d’un épisode sur les « films d’action qui ont une grande valeur artistique » (succès populaire et critique) où nous avions jasé de The Dark Knight, Skyfall et Mad Max : Fury Road. On vous avait titillé avec la plus récente franchise de Batman et l’univers de Christopher Nolan par le fait même. 1 an plus tard, on parcourt la filmographie complète du cinéaste anglais qui nous a offert plusieurs gros canons du cinéma contemporain. Christopher Nolan a rapidement fait tourner les têtes en début de carrière avec l’audacieux Memento qui lui a valu une nomination aux Oscars pour le scénario qu’il a co-écrit avec son frère Jonathan. Il a non seulement prouvé qu’il était capable de créer un suspense original, mais qu’il avait une fascination pour le temps. On peut qualifier plusieurs de ses films de « high concept » puisqu’il s’amuse avec des histoires complexes qui comptent de nombreuses couches narratives. Avec un casting récurrent, on n’a qu’à penser à Christian Bale, Michael Caine, Marion Cotillard ou Tom Hardy, et son fidèle collaborateur musical Hans Zimmer, Nolan nous a habitué à un haut standard de divertissement au fil des deux dernières décennies. Dans cet épisode, on souligne les bons coups du réalisateur d’Inception et on se questionne sur son dernier long-métrage, Tenet, qui n’a pas reçu autant d’éloge que les précédents.

Depuis les années 60, il a élevé la barre du septième art en proposant des œuvres riches, tous différentes les unes que les autres, qui font dorénavant partie de l'imaginaire collectif. Reconnu comme étant un perfectionniste maladif, le réalisateur qui nous a quitté en 1999 aimait aborder la violence et la sexualité pour dépeindre la société au risque de semer la controverse. Même si ses films n'ont pas toujours fait l'unanimité à leur sortie, le temps lui a donné raison et il occupe maintenant une place bien spéciale au panthéon du cinéma mondial.

Voici un cinéaste qui a fait couler beaucoup d'encre au cours des dernières années. À ses débuts, les critiques étaient dithyrambiques et les recettes de ses films lui ont fait monter les échelons d'Hollywood à une vitesse record. Six nominations aux Oscars pour The Sixth Sense dont meilleur réalisateur, meilleur scénario et meilleur film. Sa carrière était lancée! Il a rapidement été étiqueté comme le spécialiste des « plot twist » ou des revirements inattendus. Une marque de commerce à double tranchant? Hmm... Il faudrait lui demander son avis. N'empêche qu'il a frappé des coups de circuit au box-office lors de ses trois films suivants : Unbrekable, Signs et The Village. Si plusieurs personnes connaissent le nom de M. Night Shyamalan c'est aussi à cause de ses flops, malheureusement. C'est fascinant de voir un réalisateur atteindre les sommets et les bas fonds dans un intervalle aussi court. Mais que s'est-il passé? Des œuvres comme Lady in the water, The Happening, The Last Airbender et After Earth n'ont pas fait sonner les cloches du succès critique. Nous avons beaucoup de compassion pour M. Night. Et de l'admiration aussi, il faut le mentionner. Malgré un passage à vide, il a su rebondir dans les années 2010 avec des propositions étonnantes notamment le film d'horreur à petit budget de type « found footage » The Visit et le thriller d'enlèvement Split qui a rallié plusieurs fans de la première heure.

Dans nos descriptions, on utilise souvent le mot "univers" comme synonyme de "filmographie". Tous les cinéastes créent un monde avec leurs films peu importe le genre, que ce soit des œuvres réalistes ou fantastiques. En ce qui concerne notre réalisateur vedette, on peut définitivement le décrire comme un créateur d'univers qui a fait une rencontre magique avec le cinéma. Tim Burton a fait rayonner les marginaux tout au long de sa carrière. Se considérant lui-même comme un "weirdo", il a développé son imaginaire très tôt dans sa vie et a décroché un emploi chez Disney à la fin des années 70, mais ses dessins ne ressemblaient pas vraiment à Mickey... On s'comprend? Heureusement qu'il a quitté le studio puisque nous avons eu droit à des œuvres originales telles que Beetlejuice, Edward Scissorhands, Nightmare before Christmas et bien sûr, Batman et Batman Returns. Dans cet épisode, on souligne les bons moments de cette longue carrière qui dure depuis plus de 35 ans et on tente définir ce qui est burtonesque, ce fameux genre fantastico-comique d'horreur pour la famille.

Mesdames et messieurs, le moment est venu de parler de la grande carrière de Quentin Tarantino. Il se passe de présentation, mais nous allons en faire une quand même. Lorsqu'on apprend qu'il était un geek de cinéma à l'adolescence, on n'est pas surprit de constater qu'il s'amuse avec les codes du septième art, pastiche les genres les plus célèbres et déconstruit ses récits. Le meilleur exemple de ça c'est Pulp Fiction, son 2e film désormais culte qui remporte la Palme d'or au Festival de Cannes en 1994. Tarantino a choisi la vengeance comme moteur principal de ses scénarios, mais il trouve toujours une façon différente de l'aborder. On se souvient des criminels de Reservoir Dogs qui se confronte à la manière d'un mexican standoff, la blacklist de Beatrix Kiddo dans Kill Bill ou encore Shoshanna Dreyfus qui s'en prend au Troisième Reich dans Inglourious Basterds. C'est avec beaucoup de plaisir de nous avons survolé les neuf longs-métrages du réalisateur chouchou des cinéphiles.

Elle est née sous les projecteurs, ou presque, dans The Godfather, elle a jouée dans plusieurs films de son père Francis, mais c'est à titre de réalisatrice accomplie que nous consacrons un épisode sur Sofia Coppola. C'est en 1999 qu'elle se fait connaître derrière la caméra avec The Virgin Suicides, une adaptation du roman du même nom. La cinéaste impose déjà sa vision intimiste et développe ses thèmes de prédilection : la jeunesse, la solitude, la famille et la quête d'identité. Quatre ans plus tard, elle frappe un grand coup avec Lost in translation mettant en vedette Scarlett Johansson et Bill Murray. Sofia prouve qu'elle peut raconter une histoire amoureuse tout en subtilité, sans cliché et avec peu de dialogue. Une idylle purement cinématographique. En plus de 20 ans de carrière, elle compte 7 longs-métrages, plusieurs publicités et vidéoclips, l'oscar du meilleur scénario (Lost in translation), un Lion d'or à la Mostra de Venise (Somewhere) et le prix de la mise en scène à Cannes (The Beguiled).

Au cours de la dernière décennie, les cinéastes mexicains étaient à l'honneur à Hollywood. Alejandro G. Iñárritu et Guillermo Del Toro ont tous les deux remporter l'oscar du meilleur réalisateur, mais cette semaine, c'est le 3e amigos (surnom donné par l'industrie) qui nous intéresse: Alfonso Cuarón. Le réalisateur originaire de Mexico City fut le premier latino-américain à remporter l'oscar du meilleur réalisateur pour Gravity (2012), un titre qu'il rafle à nouveau pour Roma (2018). Avant d'être acclamé à travers le monde, Cuarón a côtoyé le cinéma fantastique en réalisant des contes pour la famille tels que A Little Princess (1995), Great Expectations (1998) ainsi que Harry Potter and the prisoner of Azkaban (2004). Mais c'est avec Y tu mama tambien (2001) qu'il trouve sa véritable voix alors qu'il renoue avec le Mexique dans un road movie aux allures documentaires. En 2006, le drame dystopique Children of men prend d'assaut les écrans et permet au cinéaste d'exécuter ses plus grandes prouesses techniques notamment les plans séquences qui deviendront sa marque de commerce.

Le moment est venu d'aborder le cinéma de David Lynch, cet enfant terrible du 7e art qui fascine les uns et frustre les autres. Les films du cinéaste américain laissent souvent les spectateurs sans réponse, mais jamais indifférents. Utilisant le genre néo-noir comme véhicule principal pour raconter ses histoires, Lynch s'amuse avec plusieurs procédés pour susciter des émotions vives qui restent gravées dans notre esprit. Qu'est-ce qui est lynchéen? Les habitués de son cinéma savent de quoi il est question, mais encore faut-il être capable de le mettre en mots. Nous allons tenter de décoder son univers onirique, mais c'est une lourde tâche, c'est possible qu'on termine l'épisode encore plus mêlés.

On s'attaque à une œuvre adorée des amateurs de cinéma pour ce 28e épisode. C'est un incontournable des 25 dernières années, mesdames et messieurs... Wes Anderson! Voici un bel exemple d'un style visuel unique, il suffit d'une seule image pour deviner qu'il s'agit d'une réalisation du cinéaste américain. Film après film, il a peaufiné ses types de plans, ses mouvements de caméra, ses palettes de couleurs, bref son propre langage. Le tout résulte en une filmographie très accessible, accrocheuse, divertissante et techniquement impressionnante. Le cinéma d'Anderson semble toujours joyeux et coloré en surface, mais l'humour cache un côté sombre. Ses personnages, bien qu'amusants, vivent des drames humains et leurs problèmes sont universels. Malgré une approche non-naturelle de la vie, nous sommes confronté à la réalité telle qu'on l'a connait. En attendant son nouveau long-métrage, The French Dispatch, replongez avec nous dans les films qui ont fait sa renommé.

Êtes-vous fan des thrillers psychologiques? Si oui, vous connaissez surement notre prochain cinéaste vedette. Il s'agit d'un scénariste/réalisateur qui aime surprendre son auditoire avec un film là où on ne l'attend pas. C'est peut-être pour cette raison qu'on a tendance à l'oublier, son nom n'est pas aussi connu que certains de ses contemporains, mais on ne peut pas lui reprocher de se répéter. C'est pourquoi nous avons cru bon faire une incursion dans le cinéma du très ambitieux Darren Aronofsky. Dès son premier long-métrage, Pi (1998), le new-yorkais fait preuve de beaucoup de créativité pour nous transmettre l'angoisse et la douleur d'un mathématicien paranoïaque. Deux ans plus tard, Requiem for a dream (2000) a l'effet d'une bombe puisqu'il sort tout l'arsenal visuel et sonore pour aborder la dépendance, le tout à travers un montage dynamique qui est passé à l'histoire. En 30 ans de carrière, Aronofsky a utilisé différentes avenues pour raconter les tourments de ses personnages telles que l'hyperréalisme dans The Wrestler (2008), le surréalisme avec Black Swan (2010), le traitement poétique pour The Fountain (2006) ou le suspense claustrophobique avec Mother! (2017).

On revient en terrain québécois dans le prochain épisode puisqu'on plonge dans l'univers coloré, musical et passionné de Xavier Dolan. À l'âge de 20 ans, il fait ses débuts à la réalisation avec son premier long-métrage "J'ai tué ma mère" et remporte le Jutra du meilleur film. Avec un passage remarqué à la quinzaine des réalisateurs, le jeune cinéaste devient rapidement le chouchou de la croisette. Il enchaîne les films à un rythme fou et 5 ans plus tard, il décroche le grand prix du jury à Cannes avec "Mommy". Ce drame puissant illustre bien toutes les caractéristiques de son cinéma: la quête identitaire, les relations troubles, l'utilisation de musique pop, les ralentis, les cadrages hors-normes et bien plus.

Par où commencer? C'est d'abord un des pionniers du cinéma américain moderne aux côtés de Spielberg, Coppola, De Palma, Lucas et plusieurs autres. C'est probablement le plus imprévisible du lot, il est reconnu pour ses films de gangsters certes, mais il s'est aussi aventuré dans la comédie noire, le music hall, le suspense, les films spirituels et les drames historiques. C'est un menu très chargé puisqu'on tente d'aborder plusieurs aspects clés de son cinéma soit les rues new yorkaises, les anti-héros névrosés, la violence, les dialogues improvisés, la religion, le montage rythmé et la caméra très mobile. En plus de dire un p'tit mot à propos de Mean Streets (1973), King of comedy (1982), After Hours (1985), Gangs of New York (2002), Shutter Island (2010) et Hugo (2011), voici les films qui captent notre attention: Taxi Driver (1975), Raging Bull (1980), Goodfellas (1990), Casino (1995), The Departed (2006) et The Wolf of Wall Street (2013).

L'œuvre de Michael Haneke est déconcertante et fascinante à la fois. C'est difficile d'être insensible devant ses films puisqu'il nous renvoie le reflet de notre société de manière très réaliste. Un montage lent et une caméra fixe pour bien comprendre la souffrance de ses personnages. Y'a pas d'échappatoire dans le cinéma du réalisateur autrichien. La violence occupe une grande place dans sa filmographie, mais on n'est pas dans le spectacle comme il aime critiquer les américains. Souvent symptomatique d'une détresse profonde, la virulence est montrée de manière très froide et non stylisée. Si il utilise parfois le thriller et l'horreur pour véhiculer son message, il s'éloigne certainement des clichés du genre. Malgré qu'il a fait paraître son premier film à l'âge de 47 ans, Michael Haneke s'est illustré comme un des maîtres de sa génération avec 12 longs-métrages à sa fiche et des critiques dithyrambiques à tout coup (ou presque). À Cannes, il fait partie des chouchous de la croisette puisqu'il a remporté deux palmes d'or, la meilleure mise en scène ainsi que le grand prix du jury.

Dans cet épisode, on s'intéresse à l'énigmatique Danny Boyle. On va se le dire, sa filmographie est dure à suivre : comédie noire, drame, horreur, science-fiction, film familiale, biopic, comédie romantique et autres dérivés. Rares sont les réalisateurs qui prennent autant de risques en changeant de style d'une œuvre à l'autre. Le cinéaste anglais a un désir de ne pas se répéter, il aime le challenge et c'est tout à son honneur. Il n'a pas atteint la cible à tout coup certes, il a connu son lot d'échecs, mais il rebondit toujours avec un film qui gagne le cœur du public et/ou de la critique. Malgré tout, on reconnait la "touche" Boyle. On parle ici d'une caméra dynamique et immersive, d'un montage rythmé et créatif, de scènes surréalistes, d'une présence importante de la musique et plusieurs autres distinctions audacieuses.

Nous avons eu un plaisir fou à enregistrer cet épisode relatant la grande filmographie des frères Coen, 18 films en près de 40 ans de carrière (ouf!). Évidemment, on n'a pas pu faire le tour de tous leurs longs métrages, mais on a jasé des plus importants (selon nous) pour tenter d'expliquer ce qui distingue leur cinéma. Ethan et Joel sont scénaristes, réalisateurs, monteurs et producteurs de tous leurs films. Ils jouissent d'une liberté créative impressionnante, ce qui leur permet probablement de naviguer aisément dans le cinéma de genre. Peu de cinéastes sont capable d'alterner aussi habilement entre la comédie et le drame, et parfois, de réunir les deux styles dans la même œuvre. Ils n'ont jamais eu la prétention de conquérir le box-office, de toute manière, ils n'ont pas toujours été compris du premier coup. N'empêche qu'ils ont raflé les plus prestigieux honneurs du 7e art soient la Palme d'or et l'Oscar du meilleur film. Et c'est sans compter leurs nombreux films qui sont considérés comme étant cultes aux yeux de plusieurs critiques.

Connaissez-vous Taika Waititi? Son nom n’est pas très répandu encore, mais son œuvre attire l’attention des cinéphiles depuis plusieurs années déjà. Originaire de la Nouvelle-Zélande, il a flirté avec la scène, les arts visuels et l'écriture avant de se lancer définitivement dans le cinéma au début des années 2000. Il se démarque avec son 2e court-métrage, Two cars, one night (2005), en décrochant une nomination aux Oscars. C'est deux ans plus tard qu'il fera paraître son premier long-métrage, Eagle vs. Shark (2007), une comédie mettant en scène deux jeunes adultes geeks avec peu d'habileté sociale. En 2010, Taika s'inspire de ses souvenirs de jeunesse pour son film "Boy". Il raconte le point de vue d'un jeune de 11 ans qui est désillusionné par l'image fantasmé de son père lorsqu'il revient dans sa vie durant sa cavale. On retrouve ici l'ADN de quelques films qui vont suivre dans sa carrière puisqu'il a un talent pour illustrer la naïveté et l'imagination des enfants. Il déclenche le rire et accroche émotivement le spectateur sans toutefois tomber dans la complaisance ou la morale. Si il commence à se faire connaître du grand public c'est grâce à la grande famille de Disney puisqu'il s'est fait repêcher par Marvel Studios pour réaliser Thor Ragnarok (2017). Suite au succès du film, il signera le prochain opus de la franchise ainsi qu'un épisode de Star Wars dans les prochaines années.

On commence la nouvelle année avec un cinéaste qui est à l'origine de notre amour pour le cinéma. Ses premières œuvres, principalement des thrillers psychologiques aux revirements inattendus, avaient tout pour plaire aux jeunes adolescents que nous étions. Ce 20e épisode sera consacré à David Fincher. Avec une cinquantaine de vidéo-clips en poche, le jeune réalisateur se fait confier les rênes du troisième volet de la franchise Alien à l'âge de 29 ans. Un drôle de départ dans le milieu du cinéma quand on connait le reste de sa filmographie, il a d'ailleurs renié le projet. Trois ans plus tard, il rencontre le succès avec le film néo-noir "Se7en" et marque l'imaginaire des cinéphiles avec une scène finale devenue culte. Sa carrière est donc lancée, mais elle ne sera pas dépourvue de défis et d'embûches. David Fincher développe une relation amour/haine avec la critique et le public tout au long de sa carrière. Ses films sèment parfois la controverse (Fight Club), reçoivent 13 nominations aux Oscars (The Curious Case of Benjamin Button), ne remplissent pas les salles (Zodiac) et sont adulé par ses pairs (The Social Network). Étant un adepte du cinéma d'Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick et Martin Scorsese; ce n'est pas surprenant que Fincher soit décrit comme un perfectionniste, très soucieux des moindres détails, et maître de la technique. C'est probablement pour cette raison qu'il fait partie des réalisateurs les plus respectés de sa génération encore aujourd'hui.

Eh oui, on n'a pas pu résister à la nostalgie du temps des fêtes. C'est sûr que le choix est grand quand il est question d'aborder Noël au cinéma, c'est pas les classiques qui manquent. Mais pour être fidèle au concept du podcast, nous avons choisi un cinéaste qui a notamment contribué à la magie hivernale, mais aussi aux comédies familiales. On le surnomme entre nous le "réalisateur bonbon" ou encore "le roi des années 80" : l'unique John Hughes. Son nom ne sonne pas une cloche à tout le monde et c'est normal puisqu'il a réalisé seulement huit films, mais il a consacré le reste de sa carrière à l'écriture d'une trentaine de longs métrages. Pour vous donner une idée de l'ampleur de son œuvre, il est responsable de Sixteen Candles (1984), Pretty in pink (1986), Uncle Buck (1989), Beethoven (1992), Dennis the menace (1993), Miracle on 34th street (1994), 101 Dalmatians (1996), Flubber (1997) et plusieurs autres. C'était un éternel adolescent qui a donné une voix aux jeunes X en plus d'inspirer les générations futures avec ses personnages iconiques. Il nous a malheureusement quitté trop tôt à l'âge de 59 ans, mais ses films resteront à jamais dans l'imaginaire des cinéphiles au cœur d'enfant.

Parcourir la carrière d'un monument du cinéma en moins d'une heure c'est un défi de taille, surtout lorsque ce cinéaste a une cinquantaine de longs-métrages à sa fiche. Oui, nous devions l'honorer tôt ou tard : Sir Alfred Hitchcock. Nous avons dû faire des choix. Les années 50 ont été très prolifiques pour le réalisateur anglais, dorénavant installé à Hollywood, avec 11 films et une série télé. En rétrospective, on peut affirmer hors de tout doute qu'il était au sommet de son art. C'est pourquoi notre focus s'est fait sur cette période avec des films différents qui ont marqué l'histoire du cinéma: Rear Window (1954), Vertigo (1958), North by northwest (1959), Psycho (1960) Celui qu'on surnomme le maître du suspense a été actif durant 6 décennies, il a été au cœur des plus grands changements du 7e art. Il a vécu le passage du muet au parlant, du noir et blanc à la couleur, et c'est sans compter toute l'évolution de l'équipement audio/visuel. Chacun de ses films (ou presque) avait l'ambition d'apporter une lumière différente sur le cinéma. Ses révolutions esthétiques et techniques ont contribué à l'élaboration du langage cinématographique tel qu'on le connait aujourd'hui. Que ce soit le huis clos de Rope, l'effet Vertigo dans le film du même nom ou encore le montage chirurgical de la scène de la douche dans Psycho; nul ne peut nier l'apport créatif de Hitch.

Dans cet épisode, on se consacre à la carrière hors-Québec de Denis Villeneuve qui a été très fleurissante durant la dernière décennie. Cette aventure américaine est caractérisée, entre autres, par ses débuts dans les films de genre, particulièrement la science-fiction qu'il affectionne depuis qu'il est tout jeune. Les années 2010 pour le cinéaste québécois c'est aussi des rencontres bénéfiques pour son cinéma, on n'a qu'à penser à Roger Deakins (DOP), Johann Johannsson (compositeur) et Jake Gyllenhaal (acteur). Dans les bandes-annonces, on n'écrit plus: "du réalisateur de...", mais plutôt "de Denis Villeneuve". C'est maintenant un nom qui résonne à Hollywood et qui se retrouve très haut dans l'estime des cinéphiles qui le considèrent comme l'un des plus grands réalisateurs contemporains.

Avant de devenir un des réalisateurs les plus estimés à travers le monde, Denis Villeneuve s'est illustré au Québec avec des œuvres marquantes de notre cinéma. Originaire de Bécancour, Villeneuve est découvert par la Course Europe-Asie (1990-1991), une émission diffusée à Radio-Canada qui lui a permis de parcourir plusieurs pays et réaliser des dizaines de courts-métrages. Il gagnera le concours. Avec 5 autres jeunes réalisateurs, dont André Turpin avec qui il va collaborer à trois reprises, Denis prend part au film collectif "Cosmos" (1996) qui se rendra à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes. C'est donc à la fin des années 90 que le nom de Denis Villeneuve commence à circuler dans les médias d'ici, mais aussi dans les grands festivals à travers le monde. Dans notre prochain épisode, nous allons aborder sa carrière pré-américaine avec ses quatre premiers longs-métrages.

Place aux maîtres de la comédie satirique: David Zucker, Jim Abrahams et Jerry Zucker; aussi connus sous le nom de ZAZ. Dans les années 70, ils s'illustrent pour la première fois à titre de scénaristes pour le film à sketchs "Kentucky Fried Movie" (1977) de John Landis, mais la réalisation est cruciale pour populariser leur univers absurde. C'est "Airplane!" (1980) qui marque leurs débuts à titre de réalisateurs et l'impact est immense. Ils se servent du médium cinématographique pour livrer leur humour (mouvements de caméra, effets de perspective, voix-off, intertitres, musique, etc) et la quantité de gag devient leur marque de commerce. Top Secret! (1984) est probablement leur œuvre la plus sous-estimée puisqu'elle a été mal comprise à l'époque. Avec nos yeux d'aujourd'hui et notre bagage humoristique, c'est plus facile de comprendre cette parodie de films d'espionnage qui se déroule en Allemagne durant la guerre froide avec une vedette de rock'n'roll (et que dire du skeet surfing, les vrais savent). En 1988, le vétéran acteur Leslie Nielsen reprend son rôle de Frank Drebin dans le film "Naked Gun: From the files of Police Squad!", le premier opus de la trilogie policière qui est maintenant une référence en matière de comédie. Bien qu'ils ont fait des bons coups en solo dans les années 90 (Hot Shots!, Hot Shots! Part Deux, BASEketball), c'est en tant que trio que ces trois génies de l'humour ont influencé à leur manière le cinéma.

Nous consacrons cet épisode au cinéaste grec Yorgos Lanthimos qui nous a tout simplement charmé durant la dernière décennie. Son univers surréaliste et rigide n'a pas d'autre choix que d'ébranler le spectateur puisque la violence côtoie souvent l’égoïsme et l'insensibilité. Après avoir réalisé ses quatre premiers films dans son pays natal, il se tourne vers l'Angleterre, l'Irlande et les États-Unis pour la production de ses plus récents longs métrages. L'humour noir, les ambiances insoutenables, les cadrages atypiques et le jeu décalé des acteur.trices sont quelques unes des nombreuses caractéristiques de son cinéma. On ne peut pas en dire plus, il faut que vous puissiez vous faire surprendre.

D'abord scénariste pour des films de Spike Jonze, Michel Gondry et George Clooney, Charlie Kaufman a réalisé trois longs-métrages depuis 2008 incluant "I'm thinking of ending things" paru sur Netflix en 2020. Déjà en 1999 avec "Being John Malkovich", l'auteur new-yorkais faisait preuve d'audace et d'originalité avec un scénario aussi drôle que surréaliste. L'empreinte de Kaufman est dorénavant reconnaissable, mais totalement imprévisible.

On s'intéresse à un des réalisateurs français les plus prolifiques de sa génération, Jacques Audiard. Après deux générations à titre de scénariste pour les autres, il fait le saut derrière la caméra au milieu des années 90 avec des films qui ont dévoilés des grands talents pour la première fois tels que Mathieu Kassovitz, Vincent Cassel, Emmanuelle Devos, Romain Duris, Tahar Rahim et plusieurs autres. Huit films plus tard, il est devenu un chouchou des festivals notamment à Cannes où il rafle le prix du meilleur scénario, le grand prix du jury et la palme d'or. Les films d'Audiard prennent place dans des milieux défavorisés, souvent violents, mais s'articulent autour de personnages en quête d'un meilleur sort. Ils mélangent les genres cinématographiques dans des récits d'une profonde humanité et d'une poésie surprenante.

The Dark Knight (2008) de Christopher Nolan, Skyfall (2012) de Sam Mendes et Mad Max: Fury Road (2015) de George Miller sont trois films à gros budget qui ont eu un succès populaire et critique. Il s'agit de films que nous avons vu (et revu) au cinéma à l'époque et qui nous font encore vibrer. Dans cet épisode, on tente d'expliquer pourquoi ils se démarquent des autres blockbusters américains.

Puisque nous aimons analyser le travail d'un réalisateur à travers ses œuvres, nous vous offrons la première partie de la filmographie d'un cinéaste qui nous est cher, Alejandro González Iñárritu. Il a contribué à mettre le Mexique sur la map cinématographique dans les années 2000 avec sa trilogie de la mort qui compte Amores Perros (2000), 21 Grams (2003) et Babel (2006).

Épisode nostalgique puisqu'on le consacre à un film phare des années 90, Twelve Monkeys (1995), qui reste à ce jour un des meilleurs films de science-fiction selon nous. Dix ans après Brazil, Terry Gilliam a frappé un autre grand coup avec une adaptation libre du film La Jetée (1962) de Chris Marker mettant en vedette Bruce Willis, Madeleine Stowe et Brad Pitt dans un de ses premiers grands rôles au cinéma. L'ancien des Monty Python a connu plusieurs revers au courant de sa carrière, mais ce thriller était taillé sur mesure pour son univers steampunk. Le succès du film résonne encore 25 ans plus tard.

Après 6 ans d'attente de financement, le scénario de "Sorry to bother you" a finalement vu le jour sur grand écran en 2018. Cette comédie noire se déroule à Oakland (Californie) et met en scène Cassius Green (Lakeith Stanfield), un jeune employé d'une compagnie de télémarketing qui va gravir les échelons et sombrer dans les coulisses du capitalisme. C'est audacieux, engagé et vraiment drôle. C'est d'autant plus impressionnant puisqu'il s'agit du premier film du réalisateur et scénariste Boots Riley qui s'est fait connaître dans le monde du rap et des mouvements activistes depuis le début des années 90.

Un enfant de 12 ans poursuit ses parents en justice pour lui avoir donné la vie. Hé oui, c'est la prémisse de "Capharnaüm" de Nadine Labaki célébré à Cannes en 2018 avec le Prix du Jury et récipiendaire du trophée du Meilleur film en langue étrangère aux Oscars, Golden Globes, ainsi qu'aux Césars. C'est un changement de ton radical pour l'actrice/réalisatrice libanaise qui flirtait plutôt avec la comédie romantique et dramatique auparavant (Caramel & Et maintenant on va où) puisqu'elle nous offre une réalisation plus authentique et moins soignée dans ce drame qui a des allures de documentaire. Témoignant de la dure réalité des familles pauvres à Beyrouth, ce film poignant risque de vous tirer une larme, mais le courage et la résilience du protagoniste principal vous donnera fort probablement une lueur d'espoir. Une œuvre complète et remarquable sur laquelle on se penche dans cet épisode.

Under the silver lake est le 3e long-métrage de David Robert Mitchell (The myth of the american sleepover, It follows) et malgré son passage au Festival de Cannes en 2018 dans la sélection officielle, le film est passé sous le radar de plusieurs cinéphiles. La compagnie A24 a l'habitude de prendre des risques et nous offrir des productions qui osent, c'est le cas avec UTSL puisqu'il s'agit d'un mélange des genres à mi-chemin entre le néo-noir, le suspense, la comédie et l'horreur. Si vous aimez les énigmes, les théories du complot et le mythe hollywoodien, vous allez adorer! Cet épisode contient des spoilers, mais vous serez avertis avant qu'on embarque dans le cœur de l'intrigue.

À l'occasion de la remise de prix du Gala Québec Cinéma, nous avons décidé de faire un spécial québecois en se concentrant sur les 7 films en nomination pour le meilleur film de l'année c'est-à-dire Mafia Inc (Podz), La femme de mon frère (Monia Chokri), Jeune Juliette (Anne Émond), Il pleuvait des oiseaux (Louise Archambault), Fabuleuses (Mélanie Charbonneau), Kuessipan (Myriam Verreault) et Antigone (Sophie Deraspe).

On s'est gâté en consacrant cet épisode à un de nos réalisateurs préférés soit Paul Thomas Anderson ou PTA pour les intimes. En trente ans de carrière, le réalisateur californien nous a livré 8 longs métrages, une vingtaine de vidéo clips, un documentaire et quelques courts-métrages. Plusieurs de ces films se retrouvent dans la courte liste des nos plus grands coups de cœur du cinéma contemporain.

Suite à notre visionnement de ce film de 2017, nous partageons nos commentaires sur la réalisation de Lynne Ramsay, le jeu incroyable de Joaquin Phoenix, la musique de Jonny Greenwood, le scénario récompensé à Cannes. Nous avons fait également le parallèle avec le précédent film de la réalisatrice écossaise "We need to talk about Kevin" (2011).

Mathieu et Maxime ont visionné ce deuxième film de Robert Eggers mettant en vedette Willem Dafoe et Robert Pattinson. Un huis-clos qui se déroule à la fin du 19e siècle sur une île de la Nouvelle-Angleterre alors que deux hommes y débarquent pour une durée de 4 semaines afin d'assurer la maintenance d'un phare. En deuxième partie, nous survolons ce qu'on aime appeler "la nouvelle vague du cinéma d'horreur" c'est-à-dire des films de la dernière décennie qui revisitent le genre, mais avec une signature qui relève plus du cinéma d'auteur. On parle de films tels que It comes at night, Hereditary, Midsommar, Babadook, It follows, The invitation, The Witch, A quiet place, The killing of a sacred deer et plusieurs autres.

Pour briser la glace, on analyse une des rares nouveautés des dernières semaines: "Jusqu'au déclin" de Patrice Laliberté. Puisqu'il s'agit du premier film québécois entièrement financé par Netflix, on se questionne sur l'entreprise américaine comme compagnie de production cinématographique et on fait le point sur l'entente avec le gouvernement fédéral sur le contenu canadien.