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Une Palme d'Or Inoubliable

Meryl Streep exprime sa surprise et sa gratitude d'avoir reçu la Palme d'Or d'honneur du Festival de Cannes. Elle admet que sa vie remplie d'obligations familiales et professionnelles limite le temps qu'elle consacre au visionnage de films, mais reconnaît rechercher les films d'actrices qu'elle admire.

Façonner son rôle dans Kramer vs Kramer

Discutant de sa performance oscarisée dans Kramer vs Kramer, Meryl Streep révèle l'effort collaboratif qui a permis de façonner son personnage. Le portrait initialement unidimensionnel a été étoffé grâce à des discussions avec le réalisateur Robert Benton et Dustin Hoffman. 

Un film qui reflétait son époque

Meryl Streep reconnaît l'importance du film pendant le mouvement féministe à propos du divorce et la garde des enfants.

Un Oscar oublié

Meryl Streep rit en avouant qu'elle a failli laisser son premier Oscar dans les toilettes après la cérémonie !

La puissance du film "Voyage au bout de l'enfer"  (The Deer Hunter) 

L'actrice revient sur son rôle dans ce film qu'elle considère comme essentiel. Tout en reconnaissant la portée limitée de son personnage, elle souligne la représentation de la guerre du Vietnam dans le film et son impact sur l'Amérique des petites villes. Fait intéressant, Meryl Streep révèle qu'elle a eu la liberté d'écrire ses propres dialogues dans ce rôle précoce.

Une présence

 Didier Allouch observe que les personnages de Meryl Streep, malgré un temps d'écran parfois limité, laissent une impression durable. Elle l'attribue humblement à l'époque où les films mettaient souvent en scène un seul personnage féminin central.

Le chant, une connexion directe au coeur

Meryl Streep révèle son amour pour le chant, qu'elle a dû abandonner à cause du cheerleading et du tabac à l'adolescence. Elle loue le pouvoir du chant comme une "ligne directe vers le coeur" et raconte comment son professeur de théâtre l'a poussée à s'y confronter.

"Le choix de Sophie" en une prise ?

Meryl Streep revient sur son incroyable performance dans "Sophie's Choice", où la scène du choix déchirant n'a nécessité qu'une prise. Elle explique que ce n'est pas tout à fait vrai : la première prise n'a pas capturé la réaction bouleversante de la petite fille.

Se plonger dans l'émotion à l'état pur

Interrogée sur son état d'esprit pendant le tournage de cette scène, Meryl Streep confie que la simple lecture du script la bouleversait. Elle explique qu'elle préfère ne pas trop réfléchir et se plonger dans l'émotion brute pour ce genre de scènes intenses.

Une formation classique au service de la polyvalence

On lui demande si sa formation classique l'aide à gérer les rôles difficiles. Meryl Streep répond que face à l'émotion brute, aucune technique n'est d'un grand secours mais que que sa formation à l'école d'art dramatique lui permet de piocher dans différentes "poches" en fonction du rôle.

L'accent comme moyen d'explorer et non de se protéger

Meryl Streep aborde la question des accents, un domaine où elle excelle. Elle explique que pour elle, l'accent n'est pas un masque pour se protéger du personnage, mais un moyen d'explorer et d'incarner des femmes différentes. Elle détaille sa méthode d'apprentissage intuitive, basée sur l'imitation et l'observation.

Mike Nichols, un réalisateur qui donnait confiance

Meryl Streep évoque ensuite ses collaborations avec deux grands réalisateurs : Mike Nichols et Steven Spielberg. Elle décrit Mike Nichols comme un réalisateur brillant qui donnait aux acteurs une grande confiance en plaisantant et en les faisant rire sur le plateau.

Spielberg, un maestro de la vision globale

En comparaison, elle décrit Steven Spielberg comme un génie qui a une vision globale du film et de la musique dès le départ.

Meryl Streep évoque "Out of Africa", Clint Eastwood et l'évolution des rôles féminins à Hollywood

Dans cette rencontre, Meryl Streep est revenue sur d'autres films marquants de sa carrière :

Out of Africa : Elle raconte une anecdote amusante sur le tournage du film en Afrique, où elle a failli se faire piquer par un insecte géant. Elle souligne également la sensualité de la scène du shampooing avec Robert Redford. Le succès commercial du film l'a propulsée au rang de star internationale.

Sur la route de Madison : Meryl Streep garde un excellent souvenir du tournage aux côtés de Clint Eastwood, homme discret et efficace sur le plateau.

L'évolution des rôles féminins : Elle constate des progrès notables concernant l'égalité salariale et la diversité des rôles proposés aux actrices et souligne l'importance de la présence de femmes aux postes décisionnels dans l'industrie du cinéma. Elle regrette qu'il soit encore difficile pour les hommes de s'identifier aux héroïnes de films. "C'était fascinant pour moi, mais aucun homme ne regarde Voyage au bout de l'enfer et s'identifie à la fille ! Pourtant, je peux regarder ce film et m'identifier à John Savage, aux personnages de Chris Walken ou à De Niro. Une femme peut le faire. Nous parlons ce langage, mais c'est trés difficile pour eux (les hommes)....

Time's Up : Meryl Streep reconnaît l'impact du mouvement sur Hollywood et au-delà, soulignant son rôle dans la dénonciation des abus.

Jouer Margaret Thatcher : Elle discute de sa fascination à incarner l'ancienne Première ministre britannique dans "La Dame de fer", en se concentrant sur la nature humiliante du pouvoir.

Accepter la vieillesse : Meryl Streep décrit sa fascination d'enfance pour le vieillissement et sa satisfaction artistique à utiliser le maquillage pour se transformer en un personnage âgé.

Interpréter la présidente (dans "Don't Look Up") : Bien qu'elle n'imite pas directement une dirigeante spécifique, Meryl Streep reconnaît s'être inspirée de la façon dont certaines femmes américaines se présentent à la télévision.

Personnages et costumes : Meryl Streep souligne que le choix des vêtements est une forme d'expression de soi. Elle cite une anecdote humoristique impliquant le processus méticuleux de sélection des costumes de Robert De Niro.

Personnages réalistes vs. irréalistes : Meryl Streep considère tous les personnages comme des gens qui s'efforcent de vivre leur vie, elle trouve de l'humour et de la liberté à incarner des personnages extravagants comme la Mort dans "La mort vous va si bien" .

Amitié avec Carrie Fisher : Elle se souvient avec émotion de son lien avec Carrie Fisher pendant le tournage de "Nuits blanches à Seattle", malgré les inquiétudes initiales du réalisateur.

Travailler avec de grands réalisateurs : Meryl Streep identifie la confiance, une vision claire et une passion pour la narration comme les caractéristiques d'un grand réalisateur.

Conseils aux aspirants acteurs : Meryl Streep encourage la persévérance, rappelant aux jeunes acteurs qu'une seule bonne opportunité peut ouvrir la voie du succès.

Photo: Amandine Bacconnier

PHOTO:  "Les Sept Samouraïs" a été présenté à Cannes Classics en présence de Shion Komatsu, des mythiques studios Tōhō qui ont Restauré le film en 4K.

Le chef-d'œuvre d'Akira Kurosawa fête en 2024 ses 70 ans. Restauré en 4K par les studios Tōhō, l'une des plus grandes maisons de production du cinéma japonais.

Le génie de Kurosawa

Pour Shion Komatsu, le génie du film réside dans la mise en scène d'Akira Kurosawa, "le cinéaste du mouvement". La façon dont se meuvent les personnages et le dynamisme du montage ont bouleversé le cinéma d'action.

Adaptations

Parmi les adaptations les plus remarquables du film, on trouve Les Sept Mercenaires (1960) de John Sturges et Les Mercenaires de l'espace (1980) de Roger Corman, une série B de science-fiction avec un scénario de John Sayles et des décors de James Cameron.

Les studios Tōhō

Tōhō, la plus importante major de l'histoire du cinéma japonais, est à l'origine de nombreux chefs-d'œuvre comme ceux d'Akira Kurosawa et Mikio Naruse. Après-guerre, le studio s'est spécialisé dans la comédie musicale et le film à grand spectacle, et a donné naissance au monstre Godzilla. Aujourd'hui, Tōhō continue d'écrire l'histoire du cinéma japonais en produisant de nouveaux succès et en distribuant les films du Studio Ghibli.

En savoir plus

LES 7 SAMOURAÏS - Bande-annonce officielle 

Quentin Dupieux frappe fort une fois de plus avec son dernier film,"Le Deuxième Acte", présenté en ouverture du Festival de Cannes 2024. Dans cette œuvre mi-décalée mi-grinçante, le réalisateur démantèle les rouages du star-système, offrant une critique acerbe et hilarante de l'industrie cinématographique sur fond de science fiction où un film est dirigé par l'intelligence artificielle.

Le casting réunit quatre acteurs jouant leurs propres caricatures. Léa Seydoux, Vincent Lindon, Louis Garrel et Raphaël Quenard se prêtent avec brio à ce jeu de miroirs où la frontière entre la réalité et la fiction devient de plus en plus floue. La révélation est le comédien  Manuel Guillot, sorti sur casting et dont la simple évocation du personnage vous en dirait trop sur le film.

L'histoire se déroule sur une route de campagne, où quatre personnages se retrouvent pour un déjeuner en apparence banal. Mais très vite, les masques tombent, révélant des stars en plein tournage d'un film contrôlé par une IA. Les égos surdimensionnés se livrent alors à une joute verbale savoureuse, oscillant entre mesquineries et démonstrations de force, dans un ballet absurde et jubilatoire.

Dupieux, maître de l'absurde et de la métanarration, pousse les limites du réel et de la fiction, interrogeant avec finesse la frontière entre la vie et le cinéma illustrée par cette scéne où le personnage de Vincent Lindon se maquille et se costume aprèsle tournage. À travers des dialogues ciselés et une mise en abyme millimétrée, il nous plonge dans un univers où l'artiste se confond avec son œuvre, où la réalité se fond dans la fiction.

Pour La radio du cinéma,Laura Vandenhede a rencontré Laurence Equilbey, chef d'orchestre reconnue depuis plus de trois décennies nous plonge dans l'univers innovant de son dernier projet, Beethoven Wars. Dans cette interview, elle nous dévoile les coulisses de cette création audacieuse.

En provenance de Vienne, Laurence Equilbey a fondé l'ensemble professionnel Accentus avant de donner naissance à Insula Orchestra, un orchestre dédié à l'interprétation sur instruments d'époque, avec un intérêt particulier pour les œuvres de Beethoven.

Beethoven Wars se présente comme un Space Opera immersif, un projet transmédia qui investit les plateformes de réalité virtuelle. L'expérience en salle promet un spectacle grandiose avec un écran de près de 500 m² et une mise en scène combinant images en 2D et décors en 3D. Antonin Baudry, le réalisateur, a collaboré avec Equilbey pour transposer l'histoire originale de Beethoven dans un univers manga futuriste où la Terre est devenue inhabitable.

Initié dans le cadre de l'appel à projet Paris 2036, Beethoven Wars représente une convergence innovante entre le spectacle vivant et la réalité virtuelle. Avec des déclinaisons en mini-série VR, ce projet explore de nouvelles frontières artistiques.

La collaboration avec des talents tels qu'Antonin Baudry, Arthur Qwak et Sandrine Lanno, a été cruciale pour donner vie à cette vision. Les équipes créatives ont travaillé main dans la main pour réaliser un spectacle d'envergure, mêlant musique, narration et technologie de pointe.

L'histoire de Beethoven Wars tire son inspiration de deux pièces de théâtre de Beethoven, König Stephan et les Ruines d'Athènes, réunies dans une saga épique. À travers ces récits, Laurence Equilbeyévoque des thématiques universelles telles que la paix, la rédemption et la renaissance artistique.

Au-delà de son aspect spectaculaire, Beethoven Wars véhicule un message écologique et pacifiste, interpellant sur l'avenir de notre planète et l'importance des arts dans notre société.

La première mondiale de Beethoven Wars à La Seine Musicale marque une étape majeure dans l'histoire de la musique classique, ouvrant de nouvelles perspectives pour son exploration et sa diffusion.

Ce space opéra immersif sera présenté en création mondiale à La Seine Musicale du 23 au 26 mai 2024.

Lors de cette rencontre avec le réalisateur Pascal Bonitzer,Manuel Houssaisa eu le privilège de découvrir les secrets de fabrication du film "Le Tableau Volé". Ce film nous entraîne dans l'univers des ventes aux enchères, où secrets et intrigues se côtoient. Pour amorcer son scénario, il s'est appuyé sur les expériences de galeristes, commissaires-priseurs, spécialistes d'art moderne... Tous ont contribué à façonner l'intrigue du film.

Art, Enchères et Fiction : Un mélange captivant

Parmi ces récits, une histoire a particulièrement captivé Pascal Bonitzer. Bien que basée sur des faits réels, Le Tableau Volé reste une œuvre de fiction. Le protagoniste, un commissaire-priseur, se retrouve au cœur d'une enquête complexe où secrets d'art, rivalités et mystères s'entremêlent dans un monde où chaque coup de marteau peut changer le destin d'une toile.

Quand l'Histoire et l'Art se rencontrent

Le Tableau Volé explore les méandres d'une histoire qui mêle deux mondes diamétralement opposés. Entre argent et innocence, entre Paris cosmopolite et la banlieue de Mulhouse, ce film nous entraîne dans une quête où l'art et l'Histoire se rejoignent.

L'Histoire Cachée

Au cœur de cette fiction, l'Histoire : celle d'une œuvre d'art volée par les nazis pendant l'occupation. Pascal Bonitzer a puisé dans les récits de galeristes, de spécialistes d'art moderne et d'antiquaires pour recomposer les personnages et tisser sa trame. Le tableau, symbole de singularité artistique, devient le fil conducteur.

Le Tableau Volé nous invite à plonger dans les méandres de l'histoire, là où les toiles portent en elles bien plus que des pigments. Une quête qui transcende les époques et révèle les facettes sombres de la France passée.

Les rôles principaux sont attribués à:

Alain Chamfort incarne un personnage d'une élégance rare. Alex Lutz, personnage principal, apporte sa fougue et son immense talent. Nora Hamzawi, dans le rôle d'une avocate, brille par sa justesse. Et Louise Chevillotte dont la performance est tout simplement remarquable.

En salles le 1er mai 2024

Dans cet entretien pour la radio du cinéma, le réalisateur Antoine Rimbaud nous plonge dans les arcanes de son dernier long métrage, Une Affaire de Principe. Ce thriller nous entraîne au cœur des institutions européennes, où les enjeux politiquesse mêlent aux secretsles plus sombres.

Point de Départ et Inspiration

Antoine Rimbaud a confié à Manuel Houssais que son point de départ pour ce film était une question brûlante : Que reste-t-il de nos démocratiesface au financement privé de plus en plus présent dans les institutions publiques ? Ses recherches sur les lobbysl’ont conduit à une affaire intrigante : celle du commissaire européen John Dally.

L’Affaire Dally et José Bové

L’affaire Dally, du nom de ce commissaire à la santé de la Commission européenne, a secoué les coulisses du pouvoir. En 2012, John Dally est limogé en 30 minutes par le président de la Commission, José Manuel Barroso. Mais quels étaient les secrets qu’il détenait ? Quels lobbys puissants ont influencé cette décision brutale ?

C’est là que le député européen José Bové entre en scène. Dans son ouvrage Hold-up à Bruxelles, il mène une contre-enquête minutieuse, dévoilant les connexions obscures entre les intérêts privés et les décisions politiques. Antoine Rimbaud a vu en cette histoire le potentiel d’un véritable thriller, mettant en lumière des parlementaires engagés dans une quête de vérité.

José Bové : Un Personnage de Cinéma

Rencontrer José Bové sur le plateau du Larzac a été un moment clé pour le réalisateur. Ce député au franc-parler et à la détermination sans faille est devenu le protagoniste idéal pour Une Affaire de Principe. Rarement les institutions européennes ont été représentées avec autant de réalisme au cinéma, et encore moins avec des parlementaires menant l’enquête.

Sortie le 1er mai 2024

Avec: 

Photo: Antoine Rimbaud et Manuel Houssais au Festival du Cinéma européen de Meyzieu

Lors de la première avant-première du film Un P'tit Truc en Plus, nous avons rencontré Clovis Cornillac, l’un des protagonistes de cette aventure cinématographique accompagné de deux comédiens extraordinaires Mayane-Sarah El Baze et Sofian Ribes. Il nous a livré ses impressions sur le scénario et l’essence même du film.

Une Ambition Remarquable

Dès la première lecture du scénario, Clovis Cornillac a été conquis. Le projet porté par le réalisateur Artus avait une ambition singulière : réunir des acteurs et actrices qui possèdent ce p'tit truc en plus. Ce défi ambitieux a séduit l’acteur, d’autant plus qu’il avait déjà collaboré avec Artus par le passé. Les producteurs, avec qui il partage une longue histoire commune, ont également joué un rôle essentiel dans cette aventure.

L’Enchantement du Film

Un P'tit Truc en Plus a laissé une empreinte indélébile sur Clovis Cornillac. Il qualifie le film d’enchanteur. selon lui, le film ouvre une porte vers une nouvelle manière de vivre ensemble, de se regarder, de rire et de pleurer. Les premières projections ont confirmé cette magie qui opère sur le public.

En somme, Un P'tit Truc en Plus transcende les émotions et nous invite à explorer notre humanité sous un angle différent. Une invitation à l’amour, à la complicité, et à la découverte des autres avec leurs différences.

"Un p'tit truc en plus" n'est pas un film sur le handicap, comme le souligne son réalisateur Artus. C'est un film avec des acteurs qui ont un "petit truc en plus". Une nuance importante qui reflète l'intention du réalisateur de ne pas stigmatiser la différence, mais plutôt de la banaliser.

Le film suit l'histoire d'un père et son fils en cavale qui se réfugient dans une colonie de vacances pour jeunes adultes handicapés. Obligés de se faire passer pour un pensionnaire et son éducateur, ils se confrontent à un univers nouveau et enrichissant.

Artus explique que son regard sur le handicap n'a jamais été influencé par des préjugés. Déjà petit, il allait vers les personnes isolées, sans distinction. Cette expérience personnelle a nourri son désir de réaliser un film qui ne tombe pas dans les clichés et le pathos.

"Un p'tit truc en plus" est une première réalisation touchante et drôle qui met en avant l'importance de l'inclusion et de la tolérance. Sans sonner comme un plaidoyer, c'est avant tout, comme toute bonne comédie, un film riche en émotions. Au cinéma le 1er mai 2024.

Photo: Amandine Bacconnier

Pendant le festival du Cinéma européen de Meyzieu, Manuel Houssais a rencontré José Bové, militant écologiste et ancien député européen à propos du film’Une affaire de principe'inspiré de l'un de ses combats contre le puissantlobby du tabac au sein duParlement européen.Après le limogeage soudain du commissaire à la santé, José Bové et ses assistantsmènent l'enquêteet découvrent un complot visant à influencer ladirective tabacen faveur des intérêts de l'industrie.

Malgré les pressions et les obstacles, José Bové et son équipe parviennent à démasquer les protagonistes du scandale et à faire adopter la directive dans sa version initiale, protégeant ainsi la santé publique.

"Une affaire de principe"met en lumière les rouages de l'influence des lobbiesau sein des institutions européennes et souligne l'importance de la transparence et de la démocratiedans le processus législatif.

Dans cette interview, son regard sur le mouvement agricole

Pour La radio du cinéma, Manuel Houssais a rencontré Ivan Calbérac (L'Étudiante et Monsieur Henri), de retour avec un 7ème long métrage, N'avoue jamais, une comédie avec André Dussollier, Sabine Azéma et Thierry Lhermitte.

Le point de départ est un fait divers italien : un homme de 92 ans découvre des lettres d'amour destinées à son épouse,datant de 60 ans et demande le divorce. Ivan Calbérac arajeuni le personnage et en fait un homme de 73 ans qui, après 50 ans de mariage, découvre que sa femme l'a trompé 40 ans plus tôt. Il décide de retrouver l'amant de sa femme pour se venger.

Le film utilise les ressourcesdu comique de situation, de répliques, du burlesque... Mais il y a aussi de la trame de caractère et une réflexion sur les rapports dans le couple, la jalousie, le pardon et la prescription.

Le film explore également les relations familiales, les incompréhensions entre parents et enfants. André Dussolier découvre que ses enfants ne sont pas ce qu'il pensait et il est forcé de réapprendre à les connaître.

Sortie en salle le 24 avril 2024.

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Pour la radio du cinéma, Manuel Houssais a rencontré Brigitte Lecordier, comédienne, directrice artistique et voix française de personnages cultes tels que Son Goku, Oui-Oui, Nicolas dans Bonne nuit les petits ou encore Bouba (le petit ourson),  marraine duFestival du Cinéma Européen de Meyzieu: FCEM

De l'enfance à aujourd'hui, une voix qui nous accompagne

Brigitte Lecordier a marqué l'enfance de plusieurs générations avec sa voix expressive, elle a donné vie à des personnages inoubliables qui font désormais partie de notre patrimoine culturel.

Un parcours riche et varié

Comédienne de formation, Brigitte Lecordier a débuté sa carrière au théâtre avant de se tourner vers le doublage. Sa voix unique et son talent lui ont permis d'incarner une multitude de personnages, des héros courageux aux créatures fantastiques.

Une passion communicative

Brigitte Lecordier est une artiste passionnée qui aime partager son métier avec le public. Elle participe régulièrement à des conventions et des festivals, où elle rencontre ses fans et échange avec eux sur son parcours et ses projets.

Pour aller plus loin

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Julien Rappeneau, scénariste et réalisateur, est un fervent adepte du genre policier. Son parcours et ses influences éclairent sa vision de ce genre cinématographique riche et varié.  Dans cette interview de David Marmier pour la radio du cinéma, il devellope les thémes suivants:

Co-scénariste de films policiers avec Olivier Marshall et Jérôme Salle, Julien Rappeneau a également travaillé avec Kad et Olivier sur "Mais qui a tué Pamela Rose ?" et sa suite, ces expériences lui ont permis d'explorer les différentes nuances du genre, du film noir à la comédie parodique.

En tant que membre du jury des premiers Thrillers TV Awards, le 15 mars 2024 il a découvert une large sélection de séries policières, saluant la diversité des traitements et des thématiques abordées. "Engrenages", "Polar Park" et "Sam" l'ont particulièrement marqué par leur originalité et leur engagement.

Influencé par les Frères Coen, Coppola, Sergio Leone et Alain Corneau, Julien Rappeneau reconnaît une véritable "signature française" dans le film policier. Pour lui, ce genre est intrinsèquement lié à la société dans laquelle il s'inscrit, reflétant ses tensions et ses mutations.

L'avenir dira si Julien Rappeneau réalisera un film ou une série policière. Son intérêt pour le genre et sa passion du cinéma ne font aucun doute, et il ne manquerait pas de nous offrir une vision unique et personnelle de ce monde fascinant.

Préparez-vous à être surpris par Crimson & Clover, le nouveau spectacle de cabaret de Tracy Phillips. Ce spectacle décadent et audacieux se déroule tous les samedis au Cinegrill Theater du célèbre Hollywood Roosevelt Hotel à Los Angeles.

Inspiré par les années 1920 et le cabaret berlinois

Crimson & Clover vous plonge dans la République de Weimar des années 1920, une période de décadence et d'expérimentation artistique. Le spectacle suit l'histoire d'Anita Berber, une artiste et danseuse avant-gardiste connue pour ses performances provocantes.

Un mélange de danse, d'acrobatie et de sensualité

Le spectacle est un mélange saisissant de numéros de danse à couper le souffle, d'acrobaties et de performances chargées d'une sexualité débridée. Il explore également les thèmes de la dépendance, de l'amour et de la célébrité.

Une collaboration entre artistes passionnés

Tracy Phillips et Zak Agha, les producteurs du spectacle, ont collaboré étroitement avec les danseurs et les artistes pour créer un univers vivant et en constante évolution. Ils se sont inspirés de l'histoire de l'hôtel Hollywood Roosevelt, construit il y a près de 100 ans, pour donner une dimension historique au spectacle.

Un héritage du cabaret et du burlesque

Tracy Phillips aime la forme d'intimité du cabaret et la possibilité de créer une connexion avec le public. Elle cite le film Cabaret de Bob Fosse comme une source d'inspiration.

Un spectacle en constante évolution

Crimson & Clover est un spectacle vivant qui continuera d'évoluer au fil des représentations. Les producteurs envisagent d'ajouter des éléments techniques supplémentaires, tels que des jeux de lumière et de fumée, pour enrichir l'expérience du public.

Ne manquez pas ce spectacle unique

Le spectacle "Crimson & Clover" produit par Tableau Productionsse déroule tous les samedis au Cinegrill Theater du Hollywood Roosevelt Hotel à Los Angeles.

Hollywood Roosevelt Hotel 7000 Hollywood Boulevard Los Angeles, CA 90028

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Get ready to be amazed by Crimson & Clover, Tracy Phillips' new cabaret show.

This decadent and daring show takes place every Saturday at the Cinegrill Theater of the famous Hollywood Roosevelt Hotel in Los Angeles.

Inspired by the 1920s and Berlin cabaret, Crimson & Clover takes you to the Weimar Republic, a time of decadence and artistic exploration. The show follows the story of Anita Berber, an avant-garde artist and dancer known for her provocative performances.

Crimson & Clover is a mesmerizing blend of breathtaking dance numbers, acrobatics, and performances charged with unbridled sensuality. It also explores themes of addiction, love, and celebrity.

Producers Tracy Phillips and Zak Agha worked closely with the dancers and performers to create a living, ever-evolving world. They drew inspiration from the history of the Hollywood Roosevelt Hotel, built nearly 100 years ago, to give the show a historical dimension.

Tracy Phillips is passionate about cabaret and burlesque. She loves the intimate form of cabaret and the ability to create a connection with the audience. She cites Bob Fosse's film Cabaret as a source of inspiration.

Crimson & Clover is a living show that will continue to evolve over the course of its performances. The producers plan to add additional technical elements, such as lighting and smoke effects, to enrich the audience experience.

Don't miss this unique show!

Crimson & Clover

Produced by Tableau Productions

Every Saturday

Cinegrill Theater

Hollywood Roosevelt Hotel

7000 Hollywood Boulevard

Los Angeles, CA 90028

Tickets on sale now!

https://www.eventbrite.com/e/crimson-and-clover-tickets-821880997187

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Le vendredi 15 mars a eu lieu la première édition des Thriller TV Awards, une cérémonie destinée à honorer les œuvres françaises qui ont marqué l’année dans ce domaine. À cette occasion, David Marmier a rencontré, pour la radio du cinéma, l’organisateur de l’événement, Patrick Suquet.

Ancien rédacteur en chef d’Écran Total pendant 17 ans, Patrick Suquet a fait un détour par le monde de l’internet avant de revenir à ses premiers amours : l’audiovisuel et le cinéma. Il a constaté l’absence d’un événement annuel pour célébrer la diffusion de fictions, comme c’est le cas en Grande-Bretagne et aux États-Unis. C’est ainsi qu’est né le concept des Thriller TV Awards, une cérémonie dédiée au genre le plus représenté : le thriller.

La cérémonie a impliqué le magazine Télé Loisirs et a remis des prix dans quatre catégories : meilleures séries et mini-séries, meilleur téléfilm, meilleur comédien et meilleure comédienne. Chaque catégorie a vu la remise de deux types de prix : un prix décerné par un jury professionnel, comprenant notamment Emmanuel Béart et Julien Rappeneau, et un prix grand public, suite au vote des lecteurs de Télé Loisirs.

La cérémonie a pris en compte à la fois les plateformes disponibles pour le public aujourd’hui et les chaînes traditionnelles. Pour évaluer les séries thriller, le jury professionnel a jugé la qualité du scénario, de l’interprétation, de la réalisation, le suspense et l’originalité.

Parmi les acteurs et actrices nommés, on retrouve des noms bien connus comme Jean-Paul Rouve et Ramzy Bédia, preuve que ce prix a une vraie valeur en termes professionnels. Cette première édition a été une véritable découverte pour tout le monde et nous avons hâte de voir ce que les prochaines éditions nous réservent.

Palmarès complet

Prix des professionnels :

Prix Télé-Loisirs :

Fondée en 1989, Scutum s'impose comme un acteur majeur de la sécurité et de la sûreté. Forte de ses solutions technologiques de pointe, l'entreprise protège les personnes, les biens, les infrastructures et les données de ses clients, des grands groupes aux particuliers. Présente dans 10 pays avec plus de 2 500 collaborateurs, Scutum offre une gamme complète de services, de la sûreté électronique à la cybersécurité, en passant par la sécurité incendie et la protection des expatriés.

Photo David Marmier