MUBI Podcast: Encuentros

En este episodio, se habla de la escritura como un ejercicio permanente en la creación cinematográfica.

Santiago Mitrees un director argentino reconocido inicialmente por su trabajo como guionista en películas de Pablo Trapero, como Leonera, Caranchoy Elefante blanco, todas estrenadas en el Festival de Cannes. Con su ópera prima El estudiante obtuvo el Premio Especial del Jurado en Locarno y desde entonces ha desarrollado una exitosa filmografía como director, usando las estrategias del cine clásico para renovar las posibilidades narrativas de géneros como el thriller político. Recientemente, obtuvo un Globo de Oro y fue nominado a los Premios Oscar por su largometraje Argentina, 1985, también galardonado con el Premio FIPRESCI en el Festival de Venecia. 

Por otro lado, Alejandro Landes es un director nacido en Brasil que creció entre Ecuador y Colombia. Después de trabajar algunos años en la prensa y televisión de Estados Unidos, debutó como director en Sundance con el documental Cocalero, un registro de la campaña electoral de Evo Morales en Bolivia. En 2011 estrenó en la Quincena de Realizadores de Cannes Porfirio, una ficción inspirada en hechos reales que utiliza elementos documentales en su puesta en escena. Siete años después obtuvo el Premio Especial del Jurado del Festival de Sundance por Monos, una ambiciosa representación de la juventud y del conflicto armado en Colombia, que también fue seleccionada para ser parte del Panorama de la Berlinale.

Santiago y Alejandro se reúnen aquí para hablar de los procesos de investigación que nutren sus guiones y su trabajo con actores naturales y profesionales.

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

En la sexta temporada de Encuentros conversan Alejandro Landes + Santiago Mitre, Esteban Bigliardi + Luis Gnecco, Alberto Gracia + Théo Court, Ana Cristina Barragán + Sofía Quirós Ubeda, Elena Pardo + Niles Atallah y Nele Wohlatz + Rodrigo Moreno.

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En este episodio, se habla del cine de archivo como un medio para hablar del futuro. 

Agustina Comedies una directora argentina reconocida internacionalmente por su ópera prima El silencio es un cuerpo que cae, estrenada en el IDFA, y Playback. Ensayo de una despedida, premiado como Mejor Cortometraje en Mar del Plata y ganador del Teddy Award de la Berlinale.  A través de archivos familiares y de la escena underground de los años 80, Comedi ha señalado el conservadurismo de la sociedad cordobesa y la consecuente represión sexual, al tiempo que ha dado forma a una filmografía comprometida políticamente desde la libertad y la desobediencia del ensayo cinematográfico. 

Por otro lado, Jerónimo Atehortúa es un director, productor y crítico colombiano. Ha producido los largometrajes Pirotecnia, de Federico Atehortúa, y Como el cielo después de llover, de Mercedes Gaviria, presentados en Rotterdam y Visions du Réel. Es codirector de Mudos testigos, largometraje póstumo de Luis Ospina, en el que toma como materia prima las imágenes del cine colombiano silente y explora su amplio potencial expresivo como material de archivo. También es autor del libro Los cines por venir, publicado en Colombia, España y Argentina, una recopilación de diálogos con importantes directores contemporáneos. 

Agustina y Jerónimo se reúnen aquí para hablar de la política del cine y del ensayo cinematográfico como un laboratorio para crear nuevas formas. 

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En este episodio, se habla del cine como un motivo para regresar y marcharse del lugar de origen. 

Elena López Riera es una directora española. Dirigió los cortometrajes Pueblo, Las víscerasy Los que desean, tres obras con un exitoso recorrido y el último de ellos premiado con el Pardino de Oro del Festival de Locarno. En 2022, su ópera prima El agua, se presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes, Toronto y San Sebastián y fue nominada a dos premios Goya. En su filmografía, rodada enteramente en Orihuela, ha explorado la sensación de convertirse en extranjera, el deseo y la tradición oral de su pueblo natal, conjugando de forma sensible la realidad con la fantasía y el documental con la ficción. También ha trabajado como programadora para los festivales de Sevilla, Entrevues Belfort y Visions du Réel. 

Por otro lado, Eduardo “Teddy” Williams es un director argentino, cuyo singular reconocimiento comenzó con su primer cortometraje Pude ver un puma, estrenado en la Cinéfondation del Festival de Cannes. Tras dirigir varios otros cortometrajes, en 2016 estrenó su ópera prima El auge del humano en Locarno, donde obtuvo el Premio Cineastas del Presente. Siete años más tarde, volvió a la competencia oficial de este mismo festival con El auge del humano 3 y obtuvo el Premio Tabakalera de San Sebastián. En su filmografía, caracterizada por su innovación técnica y espontaneidad, se ha aproximado a la virtualidad, escenarios geográficamente distantes y el desenfado y el malestar de distintos jóvenes alrededor del mundo. 

Elena y Eduardo hablan aquí de la necesidad de reconocer otros esquemas de producción que hoy permiten la creación de un cine diverso. 

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En este episodio se habla del cine como un espacio para integrar las voces y los relatos ignorados por las Historias oficiales.

Laura Huertas Millánes una artista visual y cineasta franco-colombiana cuya investigación se ha preocupado principalmente por cuestionar los discursos coloniales, las formas en que la etnografía se ha acercado a los sujetos que estudia y la relación del ser humano con la naturaleza. Su obra, de una fuerte impronta experimental, está compuesta por videoinstalaciones y trabajos de corta duración como El laberinto y Sol negro, que se han presentado en los festivales de Toronto, Berlín, Rotterdam, Locarno y Marsella. El Film Archive de Harvard, la Cinemateca de Bogotá y festivales como Mar del Plata y FICUNAM han organizado retrospectivas de su trabajo.  

Por otro lado, Luis López Carrasco es un director y productor español de cine experimental, con un especial interés en la creación y la reflexión sobre el material de archivo. En su filmografía, que explora la idea del “fake found footage”, ha retratado de formas oblicuas relatos y personajes de la contracultura española que subvierten los relatos oficiales posteriores a la dictadura. En 2008 cofundó con Javier Fernández Vásquez y Natalia Marín Sancho el colectivo Los Hijos, con quienes codirigió su ópera prima Los materiales. En solitario ha dirigido los largometrajes El futuro, estrenado en Locarno, y El año del descubrimiento, ganador del Tiger Award como Mejor Película del Festival de Rotterdam en 2020.

A partir de sus propias biografías, Laura y Luis se reúnen para hablar de una urgencia personal por crear un archivo de imágenes y sonidos que cuestione las ideas instauradas en el pasado de Colombia y España hasta su historia reciente.  

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En este episodio, reunimos a dos figuras emblemáticas del cine en español que comparten una larga amistad y admiración mutua.

Víctor Gaviria es un director y poeta colombiano reconocido internacionalmente por los largometrajes Rodrigo D. No Futuro y La vendedora de rosas, primeras películas en la historia de su país en competir por la Palma de Oro de Cannes en los años 90. Su obra se ha caracterizado por el trabajo con actores naturales y su persistencia en retratar, sin prejuicios ni concesiones, las realidades más violentas de los márgenes de Medellín. Esto lo ha convertido en una figura ineludible del cine latinoamericano y una gran influencia para las nuevas generaciones de cineastas de Colombia.

Por otro lado, Fernando Trueba es un director y guionista español ganador de numerosos premios Goya, un Premio Oscar y el Premio Nacional de Cinematografía de España. Su filmografía, que comprende casi 20 títulos, ha explorado temas tan diversos como la música, el teatro y la crisis política que produjo la Guerra Civil, pero siempre desde una perspectiva luminosa y cercana a la comedia. Ha dirigido ficciones como Ópera prima y Belle Époque, el documental Calle 54 y las animaciones Chico y Rita y Dispararon al pianista, la primera nominada al Óscar y la segunda estrenada en San Sebastián. También adaptó al cine la novela colombiana El olvido que seremos, película seleccionada en Cannes.

Gaviria y Trueba hablan aquí de su amor por el cine y de las mayores influencias en su obra.  

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En este episodio, se habla del cine como un espacio en el que es posible conjugar elementos del mundo simbólico con la realidad.

María Alché es una actriz, directora y guionista argentina. Debutó en el cine como protagonista de La niña santa, de Lucrecia Martel. En sus obras como directora se ha interesado por retratar personajes impredecibles en contextos familiares disfuncionales, en los que la vida cotidiana se diluye con la fantasía y la dimensión onírica.

Dirigió los cortometrajes Noelia y Gulliver, seleccionados en las competencias de ZINEBI y Locarno. En 2018 estrenó su ópera prima Familia sumergida, también presentada en Locarno y ganadora del Premio Horizontes Latinos de San Sebastián, festival en el que también obtuvo el Premio a Mejor Guion por su segundo largometraje, Puan, en codirección con Benjamín Naishtat.

Por otro lado, Marcelo Martinessi es un director y guionista paraguayo, cuyo trabajo ha cuestionado la desigualdad y el conservadurismo de su país. En 2010 se encargó de la creación de la primera televisión pública de Paraguay y con ello emprendió un revolucionario proyecto cultural que, rápidamente, se vio truncado por el golpe militar.  

Dirigió los cortometrajes Karai Norte, Calle últimay La voz perdida, con el que ganó el León a Mejor Cortometraje en el Festival de Venecia. En 2018, su primer largometraje, Las herederas, hizo parte de la Competencia Oficial de la Berlinale y obtuvo el Premio a la Mejor Ópera Prima, el Premio de la Crítica FIPRESCI y el Oso de Plata a Mejor Actriz. 

María y Marcelo se reúnen para hablar de sus primeras experiencias cinematográficas y del ritual colectivo que entrañan las salas de cine. 

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En este episodio, se habla de la forma cinematográfica como la expresión de una visión singular del mundo.  

Lois Patiño es un artista visual y cineasta español. En su filmografía ha explorado el paisaje y la tradición oral de Galicia, así como la relación del ser humano con la naturaleza y la muerte. Sus largometrajes y cortometrajes, de carácter experimental y contemplativo, han sido exhibidos en escenarios como la Quincena de Cineastas, el festival de Nueva York y FICUNAM. Su ópera prima, Costa da morte, obtuvo el premio a la Mejor Dirección en la competencia Cineastas del Presente de Locarno y, más recientemente, Samsara, su tercer largometraje, obtuvo el Premio Especial del Jurado de la sección Encounters de la Berlinale. 

Por otro lado, Natalia López Gallardo es una montajista, actriz y directora boliviana-mexicana. Ha editado películas como Heli, de Amat Escalante; Jauja, de Lisandro Alonso, y Luz silenciosa, de Carlos Reygadas, por la cual fue nominada al premio Ariel. Debutó en la dirección en 2006 con su cortometraje En el cielo como en la tierra, presentado en Rotterdam, y 17 años después su primer largometraje, Manto de gemas, hizo parte de la Competencia Oficial de la Berlinale, donde obtuvo el Premio del Jurado. Mediante el uso predominante del fuera de campo y una aproximación enigmática al entorno, López Gallardo retrata el complejo entramado social instaurado por la violencia en México. 

Lois y Natalia se reúnen aquí para reflexionar sobre sus procesos creativos y sobre la necesidad de renovar la relación entre la forma y la narrativa en el cine. 

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

La quinta temporada de Encuentros se compone de diálogos informales en episodios de aproximadamente 1 hora de duración. Conversaciones profundas entre colegas, en un espacio donde se habla con total libertad. En esta temporada podrás escuchar a Lois Patiño, Natalia López Gallardo, María Alché, Marcelo Martinessi, Fernando Trueba, Víctor Gaviria, Luis López Carrasco, Laura Huertas Millán, Teddy Williams, Elena López Riera, Mariana Enríquez y J.A. Bayona .

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En este episodio, se habla de la muerte y la representación de la sexualidad, a propósito de un nuevo estreno exclusivo de MUBI. 

Sebastián Silva es un director, guionista, cantante y pintor chileno. En quince años se ha consolidado como una de las voces más singulares y prolíficas del cine latinoamericano. Su filmografía, compuesta por ocho largometrajes hasta ahora y caracterizada por un audaz humor negro, señala algunos problemas de la vida contemporánea como el choque entre clases sociales, el racismo y el suicidio. En 2009, con su segundo largometraje, La nana, consiguió para su país la primera nominación a los Globos de Oro y el Gran Premio del Jurado de Sundance, festival que ha acogido el estreno de otras de sus películas como Crystal Fairy y el cactus mágico, Tyrel y Nasty Baby, esta última ganadora del Teddy Award de la Berlinale.  

Por otro lado, Catalina Saavedraes una actriz chilena de cine, teatro y televisión. Además de un gran reconocimiento internacional, su papel protagónico en La nana, de Sebastián Silva, en 2009, la hizo merecedora de premios en Sundance, Gotham, La Habana, Cartagena y Guadalajara, entre otros. 

Además de colaborar con este mismo director desde 2007, Saavedra ha trabajado con importantes directores de su país como Valeria Sarmiento, Pablo Larraín, Matías Bize, Marialy Rivas y Sebastián Sepúlveda. En sus papeles, ha explorado con gran éxito y desde la sobriedad la comedia y el drama, demostrando una gran precisión dramática y expresividad corporal. 

Sebastián y Catalina se reúnen para recordar su trabajo en su más reciente largometraje juntos, Rotting in the Sun, comedia negra rodada en México y estrenada en el pasado festival de Sundance.

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En este episodio, se habla del cine y la literatura de horror como medios para observar aquello que resulta innombrable de la experiencia humana. 

Mónica Ojedaes una escritora ecuatoriana, ganadora del Premio Príncipe Claus 2019 y finalista de los National Book Awards 2022, uno de los premios más prestigiosos en Estados Unidos. Es autora de las novelas La desfiguración Silva, Nefando y Mandíbula, así como de los poemarios El ciclo de las piedras e Historia de la leche, y más recientemente del libro de cuentos Las voladoras. Ojeda mezcla en su literatura elementos de la cultura popular, el cine y un crisol de referencias literarias y orales. Es considerada una de las voces más potentes de la literatura latinoamericana contemporánea por problematizar el deseo, la sexualidad femenina y la maternidad como experiencias íntimamente ligadas al horror y la violencia. 

Por otro lado, Michelle Garza Cervera es una guionista y directora mexicana egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica y becaria Chevening de la Universidad de Londres. Ha dirigido los cortometrajesIsósceles, La rabia de Clara y The Original, seleccionados en festivales como Toulouse, La Habana y SITGES. Después de colaborar en el largometraje antológico México Bárbaro, en 2022 presentó Huesera, su ópera prima, en los festivales de Tribeca, SITGES y Morelia, cosechando importantes reconocimientos del público y el jurado y liderando las nominaciones a los Premios Ariel de 2023. Su filmografía, protagonizada siempre por personajes femeninos, utiliza la ciencia ficción y el terror para exponer las violencias y temores de las mujeres en México.

Mónica y Michelle se reúnen aquí para reflexionar sobre las obras de terror latinoamericanas y reclaman un lugar mayor para este género en la historia del arte.

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En este episodio, se habla del encuentro con el cine a través de la actuación.

Mariana Di Girolamoes una de las actrices chilenas más reconocidas hoy en día. Tras una exitosa trayectoria en televisión, debutó en el cine en 2019 como protagonista del octavo largometraje de Pablo Larraín, Ema, estrenado en la Competencia Oficial de Venecia. 

Sus interpretaciones se han caracterizado por un singular acercamiento dramático al trabajo físico y corporal, y por representar personajes femeninos complejos e impredecibles. También ha colaborado en películas del director Leonardo Medel, con quien ha explorado formatos narrativos poco usuales, como la videodanza y la realidad virtual, y originales puestas en escena como en La Verónica, estrenada en San Sebastián. 

Por otro lado, Peter Lanzani es un actor argentino que desde muy pequeño participó en producciones televisivas muy populares tanto en su país como en América Latina. En 2015, debutó en el cine como protagonista de El clan, noveno largometraje de Pablo Trapero estrenado en la Competencia Oficial de Venecia. Desde entonces ha interpretado alternadamente papeles luminosos y de una oscuridad abrumadora en series y películas dirigidas por Marcelo Piñeyro, Bruno Stagnaro, Luis Ortega y Mario Cohn. Recientemente, regresó a la Competencia Oficial de Venecia por su importante rol en Argentina 1985, de Santiago Mitre, película nominada al Óscar como Mejor Película Extranjera en 2023. 

Además de sus primeras experiencias en el cine como protagonistas, Peter y Mariana hablan de la exigencia de los roles que han interpretado y de un significativo intercambio con generaciones anteriores de realizadores y actores.  

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En este episodio se habla de las películas y los personajes como preguntas sin respuesta. 

Celina Murgaes una de las principales exponentes del Nuevo Cine Argentino. A través de una sólida filmografía, que combina ficción y documental, ha impulsado la producción en su ciudad natal, Entre Ríos, y ha retratado las tensiones sociales que corren bajo la calma de la cotidianidad rural. Desde 2008, tras participar de la Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos, el trabajo de Murga ha contado con la producción ejecutiva del mítico director estadounidense Martin Scorsese y sus obras se han presentado en festivales alrededor del mundo como la Semana de la Crítica de Venecia, Rotterdam, BAFICI y la Competencia Oficial de la Berlinale. 

Por otro lado, Marina De Tavira es una actriz mexicana con una larga trayectoria, reconocida internacionalmente en el medio cinematográfico por su participación en la película Roma, de Alfonso Cuarón, papel con el que obtuvo una nominación a los Premios Óscar como Mejor Actriz de Reparto. Heredera de un importante legado teatral, y apasionada conocedora de las artes escénicas, De Tavira ha alternado su trabajo en las tablas con papeles en cine bajo la dirección de realizadores de México, Uruguay y Estados Unidos.

Después de trabajar juntas en el largometraje El aroma del pasto recién cortado, Celina y Marina se reúnen para hablar de su interés en el drama y el valor de la duda para la escritura y la actuación. 

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En este episodio, se habla del vínculo entre un director y sus actores, una relación creativa llena de goce y admiración mutua.

Rodrigo Sepúlvedaes un escritor, director y productor chileno. A pesar de haber dirigido exitosas producciones televisivas en los años 80 y 90, debutó en el cine en 2002 y desde entonces ha cultivado una filmografía de corte humanista con la que examina el amor y los vínculos familiares, así como los prejuicios de la sociedad chilena. En 2020, estrenó en la sección paralela de Venecia, Giornate degli Autori, Tengo miedo torero, exitosa adaptación cinematográfica de la novela de Pedro Lemebel, protagonizada por Alfredo Castro en una de sus interpretaciones más brillantes y memorables. 

Por otro lado, Julieta Zylberberg es una actriz argentina que ha trabajado por más de veinte años en cine, series, televisión y teatro. Debutó en el cine en La niña santa, el segundo largometraje de Lucrecia Martel. Con sobriedad y contundencia, Zylberberg ha interpretado personajes que reflejan una gran ambigüedad. Ha protagonizado películas como Mi amiga del parque, de Ana Katz, La mirada invisible, de Diego Lerman, y Relatos salvajes, de Damián Szifrón, todas presentadas en reconocidos escenarios como Cannes, Sundance y Rotterdam, y la última nominada a los Premios Óscar. También ha colaborado con directores de Chile y Uruguay, como Adrián Biniez, Rodrigo Sepúlveda y Matías Bize. 

Tras trabajar juntos en Tengo miedo torero, Rodrigo y Julieta se reúnen para hablar del amor por sus oficios, de la escritura y del cine como una emocionante creación colectiva.

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En este episodio, se habla de la teatralidad como una posibilidad expresiva poco explorada en el cine latinoamericano.

Ilse Salases una actriz mexicana de cine, series y teatro, reconocida internacionalmente por su papel protagónico en Las niñas bien, de Alejandra Márquez Abella, película seleccionada en Toronto y premiada en Málaga. Su experiencia cinematográfica abarca producciones tanto industriales como independientes, en las que demuestra un interés por registros tan disímiles como la comedia romántica y el drama social. Ganadora de un Ariel y nominada en dos ocasiones a los Premios Platino, Salas ha trabajado con importantes directores de Latinoamérica como Abner Benaim, Lucía Puenzo y Alonso Ruizpalacios.

Por otra parte, Guillermo Calderón es un dramaturgo chileno con un profundo compromiso político, y guionista de algunas de las más importantes películas de su país en la última década, como Ema, El cluby Neruda, todas dirigidas por Pablo Larraín y estrenadas en Venecia, Berlín y la Quincena de Realizadores de Cannes. Interesado en los universos femeninos y crear protagonistas complejas, también ha colaborado en películas de Andrés Wood y Rodrigo Sepúlveda y recientemente debutó como director con Maquíllame otra vez, comedia rodada en Ciudad de México y estrenada en el Festival de Morelia. 

Tras colaborar en ese largometraje, Ilse y Guillermo se reúnen para hablar de un interés común: el goce de la estridencia. 

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

La cuarta temporada de Encuentros se compone de diálogos informales en episodios de aproximadamente 1 hora de duración; conversaciones profundas entre colegas en un espacio donde se habla con total libertad. En esta temporada podrás escuchar a Ilse Salas, Guillermo Calderón, Julieta Zylberberg, Rodrigo Sepúlveda, Celina Murga, Marina de Tavira, Mariana di Girolamo, Peter Lanzani, Michelle Garza Cervera, Mónica Ojeda, Catalina Saavedra y Sebastián Silva.

El podcastes la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine.

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En este episodio, se habla de la problemática relación del wéstern con la representación de la Historia, pero también como un arma para reescribir el pasado. 

Felipe Gálvez Haberlees un director y montajista chileno. Antes de estrenar su primer largometraje en el Festival de Cannes en 2023 y obtener allí el premio FIPRESCI de la sección Una cierta mirada, Gálvez dirigió algunos cortometrajes seleccionados en Rotterdam, BAFICI y la Semana de la Crítica de Cannes. Desde hace 15 años trabaja como montajista y ha colaborado en importantes películas latinoamericanas como El gran movimiento, de Kiro Russo; Princesita, de Marialy Rivas, y La última tierra, de Pablo Lamar.  

En conversación con la programadora y crítica Pamela Biénzobas, Felipe habla de su ambiciosa ópera prima y de la reescritura como un acto radical en el montaje y en el set.

Este es un episodio especial de MUBI Encuentrosrealizado en el marco del Festival de Cannes 2023 que tendrá una versión en audio y en video. 

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En este episodio se habla de la relación de los cineastas con su contexto social. 

Amat Escalantees un director y guionista mexicano que se ha preocupado por retratar en su filmografía de manera frontal y provocadora la cruda violencia de su país. 

Sus primeros tres largometrajes se estrenaron en el Festival de Cannes: Sangre y Los bastardos hicieron parte de la sección "Una cierta mirada" y en 2013 compitió con Helipor la Palma de Oro, obteniendo el Premio a Mejor Dirección. En 2016, presentó en la Competencia Oficial del Festival de Venecia La región salvaje, una película con elementos de ciencia ficción que de nuevo le otorgó el Premio a Mejor Director. Recientemente, estrenó en la sección Cannes Premieres 2023  su quinto largometraje Perdidos en la noche. 

En conversación con la programadora y crítica Pamela Biénzobas, Amat habla de su relación con la ciudad de Guanajuato como fuente de inspiración y de su interés por establecer un diálogo cada vez más cercano con el público de su país. 

Este es un episodio especial de MUBI Encuentros realizado en el marco del Festival de Cannes 2023 que tendrá una versión en audio y en video. 

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En este episodio, se habla de la libertad y la poesía cinematográfica como alternativa al realismo imperante en el cine latinoamericano. 

Rodrigo Morenoes un director, productor y guionista de Argentina. Tras colaborar en largometrajes antológicos de ficción que fueron pilares del Nuevo Cine Argentino, dirigió en solitario El custodio, estrenado en 2006 como parte de la selección oficial de la Berlinale, competencia a la que regresó cinco años más tarde con Un mundo misterioso. También dirigió Reimón y Una ciudad de provincia, obras presentadas en Róterdam y BAFICI con las que se acercó al registro documental. Su filmografía se ha caracterizado por señalar las problemáticas laborales y sociales, a través de personajes que en ocasiones dan cuenta de la incertidumbre y el goce del ocio. Recientemente, estrenó Los delincuentesen la sección Una cierta mirada de Cannes 2023.

En conversación con la programadora y crítica Pamela Biénzobas, Rodrigo habla de su interés por regresar a algunos gestos esencialmente cinematográficos y la relación del cine con el tiempo presente. 

Este es un episodio especial de MUBI Encuentros realizado en el marco del Festival de Cannes 2023 que tendrá una versión en audio y en video. 

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En este episodio, se habla de la actuación como un espacio donde las identidades se disuelven y las palabras pueden cobrar un nuevo sentido.

Ernesto Alterio nació en Argentina, pero tuvo que migrar a España con su familia siendo niño. Entre estos dos países ha desarrollado una robusta filmografía que navega por géneros tan diversos como el thriller, el drama histórico y la comedia familiar. Fue nominado por primera vez al Goya en 1998 por su actuación en Los años bárbaros, de Fernando Colomo, y cinco años después fue nominado de nuevo por la comedia Días de fútbol, de David Serrano. Ha trabajado con importantes directores de Argentina y España como Marcelo Piñeyro, Mariano Barroso, Emilio Martínez-Lázaro, Carlso Saura, Benjamín Ávila y Álex de la Iglesia.

Por otro lado, Cecilia Suárez es una actriz mexicana con una larga trayectoria, nominada en tres ocasiones a los Premios Ariel y ganadora de dos Premios Platino. Debutó en la gran pantalla en Sexo, pudor y lágrimas, de Antonio Serrando, una exitosa comedia que se convirtió en una película de culto del cine mexicano, y en 2007, protagonizó el drama Párpados azules, de Ernesto Contreras, estrenado en la Semana de la Crítica de Cannes. Desde hace 10 años trabaja con el director y guionista mexicano Manolo Caro en proyectos para cine y plataformas, una colaboración con la que ha explorado la comedia romántica y el melodrama desde códigos que han renovado estos mismos géneros. En los últimos años, ha trabajado en España en películas de Fernando Colomo y Violeta Salama.

Ernesto y Cecilia se reúnen para hablar frente al público de su interés por la actuación y del valor y los riesgos de la comedia en el cine.

Éste, es un episodio especial de MUBI Encuentros realizado con público en la Casa de México en Madrid en el marco del Festival Estación Podcast.

Por primera vez MUBI Encuentros tendrá una versión en audio y en video.

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En este episodio, nuestros invitados se rebelan contra las expectativas formales y temáticas que desde Europa se han impuesto sobre el cine hecho en Latinoamérica. 

Nelson Carlo de Los Santoses un director dominicano reconocido internacionalmente por su segundo largometraje, Cocote, película ganadora de la sección Signs of Life del Festival de Locarno en 2017. En su cine se conjugan la materialidad y la plasticidad del lenguaje cinematográfico con intereses literarios y la oralidad propia de la cultura de su país. Sus películas mezclan con especial libertad recursos de la ficción y el documental, logrando obras casi inclasificables que se han presentado en escenarios como Toronto, Marsella y San Sebastián. 

Por otro lado, Affonso Uchôaes un cineasta brasileño en cuya obra también es muy difusa la frontera entre ficción y documental. En el rodaje y la escritura de sus películas, ha trabajado muy estrechamente con los mismos protagonistas para dar cuenta de problemáticas como el clasismo y el abuso policial y construir una memoria de la clase proletaria. Sus largometrajes y mediometrajes, rodados todos en su natal Mina Gerais, se han presentado en los festivales de Tiradentes, Rotterdam, y Visions du Réel. 

Nelson y Affonso debaten aquí cierta idea de “lo latinoamericano” construida por una tradición eurocéntrica y defienden con vehemencia la pluralidad, libertad y universalidad de las cinematografías de la región.

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En este episodio, se habla de las licencias que el cine y el teatro independientes brindan para la creación desde distintos roles. 

Laura Paredeses una actriz argentina, reconocida en la escena teatral por ser parte de Piel de Lava, uno de los grupos más destacados dentro y fuera de su país por un fuerte carácter experimental. Paredes ha trabajado en cine con directores argentinos como Martín Rejtman, Santiago Mitre y Matías Piñeiro. Ha protagonizado los dos largometrajes de Laura Citarella: Ostende y Trenque Lauquen, este último estrenado en la más reciente edición del Festival de Venecia. Con Piel de Lava filmó la película de 14 horas dirigida por Mariano Llinás, La Flor, un ambicioso proyecto estrenado en la Competencia Internacional de Locarno que combina distintos géneros y estilos cinematográficos.   

Por otro lado, Manuela Martellies una actriz y directora chilena cuya carrera comenzó con destacadas interpretaciones en películas de su país dirigidas por Andrés Wood y Gonzalo Justiniano. Desde entonces, ha participado en películas de importantes directores latinoamericanos como Sebastián Lelio, Martín Rejtman y Alicia Scherson, así como en proyectos en Italia, España y Bélgica.  Tras debutar en 2015 en la dirección con el cortometraje Marea de tierra,  seleccionado en la Quincena de Realizadores de Cannes, en 2022 regresó a esta misma sección con su largometraje 1976, un aplaudido thriller de época protagonizado por Aline Kuppenheim. 

A partir de sus más recientes experiencias, Laura y Manuela comparten algunas ideas sobre la actuación y la provechosa relación que se ha establecido entre el cine y el teatro. 

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En este episodio, se habla de la íntima relación que puede existir entre las obras de arte y la vida misma cuando sus protagonistas ponen en escena sus propias experiencias.

Lola Arias es una artista argentina residente en Berlín. Su obra se ha desarrollado orgánicamente entre los campos del cine, el teatro, la literatura y las artes visuales. Sus proyectos se han caracterizado por reenactments que parten de fenómenos políticos y las biografías de sus protagonistas, con el fin de provocar importantes reflexiones sobre temas como la migración, la violencia estatal y el pasado histórico de Chile y Argentina. En 2018 estrenó en el Forum de la Berlinale su primer largometraje Teatro de guerra, una obra que forma parte de un proyecto artístico con el que suscitó el encuentro de antiguos enemigos argentinos e ingleses de la Guerra de las Malvinas.

Por otro lado, Valeria Luiselli es una reconocida escritora mexicana, cuya obra se ha inspirado en su propia biografía, las fronteras lingüísticas y una gran preocupación por las políticas migratorias de los Estados Unidos, país en el que reside actualmente. Además de hacer referencia a grandes autores de la literatura mundial, sus obras de ficción y no ficción se centran en reflexiones en torno a la lengua y a los procesos de escritura, evidenciando así la palabra como un dispositivo para documentar la realidad.

Lola y Valeria se reúnen para hablar del cine, el teatro y la literatura como medios para dar forma a relatos individuales y colectivos.

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En este episodio, se habla de la actuación como un acto creativo en el que no siempre es conveniente mantener el control. 

Verónica Llináses una actriz argentina de teatro, cine y televisión, reconocida especialmente por su maestría en la comedia, dos veces ganadora del Premio Martín Fierro y un Cóndor de Plata. Fue integrante del mítico grupo teatral Gambas al Ajillo, parte del gran movimiento cultural que emergió tras la caída de la dictadura en su país.  En su larga trayectoria cinematográfica, ha trabajado con importantes realizadores argentinos como Martín Rejtman, Sebastián Borensztein y El Pampero Cine. En 2015, protagonizó y codirigió con Laura Citarella La mujer de los perros, un autorretrato ficcionado y contemplativo estrenado en el Festival de Rotterdam, en el que exploró de manera admirable las posibilidades del lenguaje no verbal.

Vladimir Durán es un actor y director colombiano radicado en Buenos Aires desde hace varios años. En 2011 compitió por la Palma de Oro de Cannes con su cortometraje Soy tan feliz y en 2018 estrenó en el Forum de la Berlinale su primer largometraje, Adiós entusiasmo. Ha actuado en películas de Franco Lolli, Alejo Moguillansky, Mariano Lllinás y Melisa Liebenthal. En su filmografía ha sido central el trabajo actoral como un proceso de investigación desde el cuerpo y un uso no informativo de la palabra, así como el examen de vínculos ambiguos, especialmente en contextos familiares. 

Tras colaborar en Adiós entusiasmo, Vladimir y Verónica se reúnen de nuevo aquí para hablar de la actuación como un misterioso oficio en el que la búsqueda de la verdad es esencial, pero sin temer al error o al fracaso.   

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En este episodio, se habla de la memoria y del cine como espacios propios de la imaginación.

Carla Simón es una directora española ganadora del Oso de Oro de la Berlinale por su segundo largometraje, Alcarràs. Cinco años atrás, Simón había conseguido en ese mismo festival el Premio a Mejor Ópera Prima por Verano 1993, posteriormente reconocida con tres premios Goya y otras cinco nominaciones. Su filmografía, compuesta también por cortometrajes de documental y ficción, se caracteriza por retratar delicados y entrañables dramas familiares inspirados en episodios de su propia vida y relacionados especialmente con la vida rural en Cataluña, la infancia, la muerte y el VIH.

Por su parte, Dominga Sotomayor es una directora y productora chilena. Tras haber conseguido el Tiger Award de Rotterdam con su ópera prima De jueves a domingo, en 2018 se convirtió en la primera directora de la historia en obtener el Premio a Mejor Dirección del Festival de Locarno por su tercer largometraje, Tarde para morir joven. En sus trabajos, la infancia y la adolescencia ocupan un lugar tan central como el paisaje, lo que produce exploraciones formales alejadas de cualquier convención narrativa. También es cofundadora de Cinestación, empresa con la que no solo ha desarrollado sus propios proyectos, sino los de otros realizadores de su país y de Latinoamérica como Manuela Martelli, Alejandro Fadel y Pablo Lamar.

Tras colaborar en 2020 en el cortometraje Correspondencia, Carla y Dominga se reúnen de nuevo para hablar de la íntima relación que existe entre su memoria personal y sus filmografías.

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En este episodio, se habla del cine como un medio para exponer la violencia que pueden generar las instituciones judiciales y de la masculinidad como origen de la violencia misma. 

Laura Mora es una directora colombiana cuyo reconocimiento internacional comenzó con su largometraje Matar a Jesús, estrenado en el Festival de Toronto, y más recientemente obtuvo la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por Los reyes del mundo, una película de carretera con episodios líricos aplaudida unánimemente por el jurado, el público y la prensa. En su filmografía, Mora ha expuesto la relación de los jóvenes con la violencia, como víctimas y victimarios, pero también se ha interesado en buscar allí las posibilidades poéticas del lenguaje audiovisual y un cariz luminoso y humanista que contrarreste la realidad.   

Por otro lado, el director chileno Fernando Guzzoni ha estrenado sus largometrajes en escenarios como Toronto, San Sebastián y Venecia, consiguiendo en este último el Premio a Mejor Guion de la sección Orizzonti por su más reciente película Blanquita. Inspirado en hechos y personajes reales que han sido mediáticos en su país, Guzzoni ha construido oscuras ficciones que se alejan del maniqueísmo para evidenciar un complejo entramado social que ha permitido la emergencia de una violencia soterrada y la juzga de formas disímiles e insospechadas.  

Laura y Fernando se encuentran aquí para hablar de sus contextos inmediatos y de un interés común: la violencia del Estado.

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

La tercera temporada de Encuentros se compone de diálogos informales en episodios de aproximadamente 1 hora de duración. Conversaciones profundas entre dos colegas, en un espacio donde se habla con total libertad. 

Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine. 

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This conversation touches on the creative process of two of film’s greatest names while working together on the film Memoria, an intimate collaboration founded on their long friendship.

Apichatpong Weerasethakulis a world-renowned Thai artist and film director. The topics of dreams and death are essential to his filmography. His style raises big questions about time and our relationship with the spiritual world. 

Winner of the Cannes Palme d'Or in 2012 for Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, Weerasethakul returned to the main competition years later with Memoria, his first film shot outside of Thailand, which received the Jury Prize (ex-aequo).

Tilda Swinton is a Scottish artist, actress, and producer. She began her career performing and collaborating with experimental filmmaker Derek Jarman. She has worked with directors such as Jim Jarmusch, Wes Anderson, Luca Guadagnino, the Coen brothers, and Joanna Hogg. Her performances have been characterized by the subtlety of her gestures and her magnetic presence. In 2007 she won the Academy Award for Best Performance by an Actress in a Supporting Role for the movie Michael Clayton. 

She has combined her acting in major Hollywood productions with a wide range of characters created by contemporary filmmakers such as Bong Joon-ho, Pedro Almodóvar, Lynne Ramsay, and more recently Apichatpong Weerasethakul. 

Swinton and Weerasethakul reunited in Colombia for Memoria’s release and talked about the importance of understanding that you’re not in control and how cinema is an attempt to put what’s inside one’s head on screen, something they achieved through sound. 

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En esta ocasión presentamos un episodio especial de MUBI Podcast, el premiado podcast en inglés de MUBI que está estrenando su segunda temporada titulada "Only in Theaters", Solo en cines.

Para suscribirte al podcast de MUBI y ver todos los episodios de esta temporada, visita mubi.io/podcast

En 1970, un descuidado teatro de repertorio -dirigido por el visionario Ben Barenholtz- publicó discretamente un anuncio en el Village Voice anunciando proyecciones de medianoche de un western en español que, según ellos, era "demasiado intenso para ser proyectado de otra manera". La película era EL TOPO de Alejandro Jodorowsky y daría comienzo a la moda de "Midnite Movie" que cambió la forma de ver el cine.

Escucha la historia del Teatro Elgin y sus legendarias proyecciones de EL TOPO, llenas de humo de marihuana, con los comentarios del ex crítico del Village Voice J. Hoberman, Amy Nicholson del podcast "Unspooled", los ex programadores del Elgin, Chuck Zlatkin y Steve Gould... y el propio Jodorowsky.

La segunda temporada de MUBI Podcast, titulada "Sólo en los cines", cuenta historias sorprendentes de salas de cine que marcaron la historia del séptimo arte y, en algunos casos, la historia en general.

MUBI es un servicio global de streaming, productora y distribuidora de películas. Un lugar para descubrir y ver películas hermosas, interesantes e increíbles. Cada día llega a MUBI una nueva película seleccionada a mano. Cine de todo el mundo. Desde directores emblemáticos hasta autores emergentes. Todo ello cuidadosamente seleccionado por los curadores de MUBI.

Y con MUBI GO, los miembros de determinados países pueden obtener una entrada de cine seleccionada cada semana para ver las mejores películas nuevas en salas de cines. Para saber más, visita mubi.com/go

Y recuerda que la temporada 3 de Encuentros llegará muy pronto a este feed.

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En este episodio se habla de la música en el cine como un catalizador de emociones y de diferentes métodos para abordar un personaje.

Dolores Fonzies una actriz argentina cuya filmografía se ha caracterizado por interpretar personajes con un amplio rango dramático: de espíritu libre completamente desenfadados y otros inquietantes que sufren una desazón permanente. Ha trabajado con importantes directores de su país como Damián Szifrón, Daniel Burman, Fabián Bielinsky y Santiago Mitre y otras figuras latinoamericanas como Claudia Llosa y Federico Veiroj. Ha sido nominada en distintas ocasiones a los Premios Martín Fierro y a los Cóndor de Plata y ha ganado estos mismos reconocimientos y otros en los festivales de Biarritz y Málaga por su personaje en La patota, de Santiago Mitre, estrenada en la Semana de la Crítica de Cannes en 2015. 

Por su parte, Julieta Venegases una de las artistas mexicanas más reconocidas a nivel mundial: compositora, cantante y productora musical, su carrera se ha desarrollado a lo largo de 25 años alcanzando gran popularidad por su estilo minimalista, una preferencia por los sonidos acústicos y letras emotivas. Ganadora de un Premio Grammy, seis Grammys Latinos y dos Billboard Awards, ha compuesto música para cine y debutó como actriz en 2017 en la obra de teatro La Enamorada, del escritor, dramaturgo y director de cine argentino Santiago Loza. En los últimos años, también ha sobresalido por su interés en la literatura y la crítica literaria.

Dolores y Julieta hablan de sus más gratos recuerdos como espectadoras de cine y de dos formas distintas de enfrentarse a la palabra y las emociones: la música y la actuación. 

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En este episodio se habla de los vínculos familiares desde una perspectiva política y cinematográfica.

Ana Katz es actriz, guionista, directora y productora argentina. Ha alternado y trabajado paralelamente en estos roles a lo largo de una filmografía propia de seis largometrajes, estrenados en festivales como San Sebastián, Sundance y Cannes. También ha colaborado con colegas de Argentina, España y Uruguay como Carlos Sorín, Paco León, Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella. En películas como El juego de la silla, Sueño Florianópolis, Mi amiga del parque y El perro que no calla, ha examinado con un humor impredecible la idea de familia que tejen personajes inestables y profundamente incómodos. 

Por otro lado, Pablo Stoll es guionista, director, productor y editor de Uruguay.  Junto con Juan Pablo Rebella dirigió dos obras que se han convertido en grandes hitos del último auge del cine latinoamericano: 25 Watts y Whisky, películas con narrativas minimalistas a través de las cuales ha explorado otras caras de la amistad, la familia y el amor romántico. La Quincena de Realizadores de Cannes, Rotterdam y Toronto han acogido el estreno de estas películas y sus otros dos largometrajes en solitario, Hiroshima y 3. 

Tras colaborar juntos en Whisky, Ana y Pablo han fundado una amistad y en este episodio hablan de sus respectivas filmografías para confirmar un elemento en común: que la vida privada también puede ser política. 

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En este episodio se habla del cine como un vínculo entre el presente y el pasado, una forma de confrontar y reescribir el relato oficial de la Historia. 

Cristina Gallegoes productora y directora de cine. Su carrera se caracteriza por una larga y estrecha colaboración con el director Ciro Guerra. Juntos han formado una exitosa dupla creativa que ha realizado algunos de los títulos más relevantes de la cinematografía colombiana contemporánea. Los viajes del viento, Pájaros de verano y El abrazo de la serpiente —todas estrenadas en Cannes y esta última nominada a los Premios Óscar— son obras que dan cuenta de la compleja geografía colombiana y retratan otras caras de su Historia y su cultura. Además, desde su productora Ciudad Lunar, Cristina ha colaborado con directores de otros países como Abner Benaim, Pedro Aguilera y Annemarie Jacir. 

Por otro lado, Jayro Bustamantees un guionista, director y productor de Guatemala, formado en Francia e Italia. Su películaIxcanulobtuvo el Premio a Mejor Ópera Prima en la Berlinale, con la cual ha conseguido atraer la atención de la crítica en el cine de su país. Su filmografía se ha caracterizado por abordar de manera frontal los problemas sociales más agudos de Guatemala: el racismo, la homofobia y el conservadurismo más recalcitrante. Sus películas se han presentado en festivales como Berlín y Venecia y su más reciente largometraje, La llorona, fue nominado como Mejor Película Extranjera en los Globos de Oro. 

Cristina y Jayro hablan del cine con un claro compromiso político.

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En este episodio dos artistas de diferentes disciplinas se encuentran para hablar de música, cine y su relación con la comedia.

Martín Rejtmanes guionista, escritor y autor de una filmografía y una literatura que conjugan un interés por la vida urbana y el humor, con una estética austera pero rica en personajes, escenarios y situaciones absurdas. Como pionero del Nuevo Cine Argentino, algunas de sus obras se han convertido en hitos de la historia de su país y en películas de culto del cine en español. Rapado, Silvia Prieto y Los guantes mágicos son algunos de los títulos que se han presentado en festivales como Locarno, Toronto, San Sebastián y Rotterdam. 

Por su parte, Santiago Motorizadoes un vocalista y compositor de rock argentino, reconocido por ser el líder de la banda Él Mató a un Policía Motorizado. Con ellos ha publicado álbumes como La Dinastía Scorpio, La síntesis O’Konnor y La otra dimensión, trabajos que exploran diversas formas musicales del género, conservando cierta melancolía y cierto humor. También ha colaborado para las bandas sonoras de series y películas como Okupas y La muerte no existe y el amor tampoco, de Fernando Salem. 

Martín y Santiago se rebelan contra la solemnidad y hablan con gracia de su primer encuentro con el cine y la música: un descubrimiento irrepetible.

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En este episodio se habla del cine como la posibilidad de reducir las distancias entre quien filma y la otra persona.

Paz Encinaes una directora paraguaya, cuyo trabajo ha sido un referente en la historia cinematográfica de su país. Sus obras han abordado, a través de la palabra y la forma poética, importantes episodios del traumático pasado de Paraguay y se han convertido en ejercicios necesarios sobre la guerra, la más larga dictadura de Latinoamérica y la destrucción del campo y quienes habitan en él. Sus largometrajes Hamaca paraguaya, Ejercicios de memoria yEAMI se han presentado en escenarios como Cannes, San Sebastián y Rotterdam, en donde han obtenido reconocimientos como el FIPRESCI de la sección Una Cierta Mirada y, más recientemente, el Tiger Award.  

Por otro lado, Kiro Russose ha consolidado en muy poco tiempo como el director más importante de Bolivia. Interesado en retratar la vida de la población minera de su país, ha dirigido una filmografía caracterizada por la predominancia de la oscuridad, la complejidad de sus bandas sonoras y una experimentación técnica que da cuenta de la vitalidad del cine contemporáneo. 

Su ópera prima, Viejo calavera, y su segundo largometraje, El gran movimiento, han sido seleccionados en festivales como Locarno, San Sebastián, Nueva York y Venecia. 

Paz y Kiro hablan de sus intereses autorales y de su relación con las tradiciones cinematográficas de sus propios países. 

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En este episodio se habla de dos oficios complementarios en el cine: la dirección de arte y la actuación. 

Antonia Zegerses una de las actrices chilenas más reconocidas dentro y fuera de su país. Además de su trabajo en teatro y televisión, ha participado en más de una quincena de largometrajes dirigidos por autores locales como Pablo Larraín, Marcela Said, Sebastián Leilo y Dominga Sotomayor. Una permanente pugna entre luz y oscuridad ha caracterizado los personajes más memorables de su filmografía, que ha interpretado con entrega y osadía.  

Por otro lado, Eugenio Caballeroes hoy uno de los referentes del diseño de producción. Alfonso Cuarón, Sebastián Cordero, Fernando Eimbcke, Jim Jarmusch y Alejandro González Iñárritu conforman parte de la lista de directores con los que ha trabajado y dan cuenta de la amplia riqueza de registros de este creador, que también ha incursionado en el diseño para piezas museográficas, de teatro y circo.

En 2006 obtuvo un premio Oscar por su trabajo en la creación de los monstruos y los fantásticos escenarios de El laberinto del fauno, de Guillermo Del Toro.

La amistad entre Antonia y Eugenio, fundada en el cariño y la admiración mutua, los lleva a hablar en este espacio con sinceridad y confianza de las experiencias que ambos han acumulado a lo largo de más de dos décadas de trabajo en sus respectivos oficios. 

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

La segunda temporada de Encuentros se compone de diálogos informales en episodios de aproximadamente 1 hora de duración. Conversaciones profundas entre dos colegas, en un espacio donde se habla con total libertad. 

Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine. 

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En esta conversación dos reconocidas actrices se reúnen para cerrar con afecto y calidez esta primera temporada de MUBI Podcast: Encuentros. 

Para Paulina García y Mercedes Morán el cine representó un importante descubrimiento en la madurez de sus carreras. Han protagonizado obras memorables del cine latinoamericano y a lo largo de las últimas décadas han atestiguado grandes transformaciones en la industria, algunas de ellas a causa de las luchas feministas. En este episodio hablan de algunos aspectos del rodaje que han enriquecido su oficio y de un anhelo compartido: que el cine se convierta en una lengua común para América Latina. 

En este encuentro, se vislumbra el amor y la entrega que Morán y García han transmitido a sus personajes para materializar el sueño de otros. 

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Dos grandes amigos se reúnen en este episodio para intercambiar ideas acerca de procesos creativos similares que han producido obras notablemente distintas.  

Matías Piñeiro y Nicolás Pereda son dos de los realizadores independientes más prolíficos de Latinoamérica, pues filmar para ellos es un acto tan natural como respirar y por ello han buscado cultivar un estado permanente de rodaje. A través de la escritura, la imagen y el sonido ambos moldean sus pensamientos y materializan sus reflexiones sobre las posibilidades narrativas del cine.

Pereda y Piñeiro hablan de las formas en que la literatura y las experiencias de sus actores y actrices atraviesan sus obras más recientes y sus próximos proyectos. 

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Después de trabajar juntos en Rojo(2018), el director Benjamín Naishtat y el actor Alfredo Castro se reencuentran para hablar del terror, el placer y el misterio que representa hacer una película.

La incertidumbre es para ellos un factor esencial del rodaje: el director no conoce todas las respuestas y el actor no sabe qué personaje reencarnará en su cuerpo. Al intentar describir la experiencia de un rodaje, ambos coinciden en que la esencia de la creación es la locura.

Castro y Naishtat reclaman un cine subversivo que no pueda ser domesticado por los modelos actuales y que sea capaz de usar la imaginación para releer la historia.

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La desobediencia, el desaprendizaje y la transgresión son los principios que defienden Albertina Carri y Camila José Donoso en esta conversación. 

Estas cineastas se han empeñado en romper los límites de los géneros cinematográficos y reivindican el cine como una experiencia libre y colectiva. Donoso y Carri hablan con complicidad de la urgencia de poner en escena deseos socialmente rechazados y alejarse de las jerarquías tradicionales entre directora y personaje.

Aún sin conocerse en persona, se abren y reflexionan profundamente sobre los cuestionamientos que las luchas feministas han despertado en ellas y cómo han influenciado los procesos de sus propias películas.

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A pesar de reconocer la imposibilidad de hallar un método único para actuar, Lázaro Gabino Rodríguez y Romina Paula se preguntan en este episodio por las particularidades del séptimo arte: ¿qué captura la cámara de quien se deja filmar?

Su estrecha colaboración con dos directores les ha inspirado a despojarse de todo artificio para interpretarse a sí mismos e intentar descifrar un lenguaje tan poderoso como popular. El cine es un arte capaz de abrir las puertas que otras ni siquiera pueden tocar y ofrece a cualquiera la posibilidad de convertirse en espectador. 

Desde la camaradería, Romina y Lázaro reflexionan sobre la puesta en escena como el lugar donde biografía y ficción se mezclan, a la vez que cuestionan la forma en que las convicciones políticas cobran vida en el cine.

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Con este episodio se inaugura un nuevo espacio de diálogo entre algunas de las voces más interesantes del cine latinoamericano: Encuentros, un podcast de MUBI y La Corriente del Golfo Podcast.

A pesar de conocerse previamente por las redes sociales, esta es la primera vez que Gael García Bernal y Carolina Sanín se encuentran para pensar juntos en la relación del cine y la actuación con la vida misma. La escritora colombiana presenta con mucho entusiasmo una serie de teorías sobre la actuación que desembocan en entrañables anécdotas del actor mexicano para dar cuenta del importante lugar que el cine ocupa en nuestras vidas y de su interés por retratar en la gran pantalla el vínculo más esencial: la amistad.

Al tiempo que hablan del carácter más intenso y vital del cine, también exponen los efectos inevitables de su violencia desde su experiencia como actores.

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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.

La primera temporada de Encuentros se compone de diálogos informales en episodios de aproximadamente 1 hora de duración. Conversaciones profundas entre dos colegas, en un espacio donde se habla con total libertad. 

Es la invitación a ser parte de un encuentro entre dos personas que comparten su amor por el cine. 

No te pierdas este miércoles 23 de junio el primer episodio de MUBI Podcast: Encuentros y cada semana, una nueva conversación.

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