Las dos carátulas

Las dos Carátulas, ciclo emblemático de Radio Nacional, presenta "Joven, Viuda y Estanciera " de Claudio Martínez Payva con la actuación de Esther Goris y un equipo de primeros actores. Producción y Dirección General: Nora Massi/ Escuchá desde las 20hs por FM 96.7 Radio Clásica Nacional o www.radionacional.com.ar.

Las dos Carátulas, ciclo emblemático de Radio Nacional, presenta "El abanico de Lady Windermere " de Oscar Wilde con la actuación de Ingrid Pelicori y un equipo de primeros actores. Producción y Dirección General: Nora Massi/ Escuchá desde las 20hs por FM 96.7 Radio Clásica Nacional o www.radionacional.com.ar.

Las dos Carátulas, ciclo emblemático de Radio Nacional, presenta "OTELO" de William Shakespeare con la actuación de Daniel Miglioranza, Ruben Stella y un equipo de primeros actores. Producción y Dirección General: Nora Massi/ Escuchá desde las 20hs por FM 96.7 Radio Clásica Nacional o www.radionacional.com.ar.

Las dos Carátulas, ciclo emblemático de Radio Nacional, presenta "Mirandolina, La posadera" de Carlo Goldoni con la actuación de Ana María Cores y un equipo de primeros actores. Producción y Dirección General: Nora Massi.

Siguiendo con nuestros estrenos Temporada Oficial 2022 Las Dos Carátulas… el teatro de la humanidad presentamos "Doña Clorinda la descontenta", de Tulio Carella, adaptación de Paola Lavín, grabada en el auditorio de Radio Nacional con la actuación Claudia Lapacó y un equipo de primeros actores.

Siguiendo con nuestros estrenos Temporada Oficial 2022 Las Dos Carátulas… el teatro de la humanidad presentamos “SERVIDUMBRE” de Vicente Martínez Cuitiño , adaptación Paola Lavín, grabada en el auditorio de Radio Nacional con la actuación de un equipo de primeros actores.


Equipo Técnico- Artístico
Locutores: Alicia Cuniberti, Hernán Jechsymer, Jefe Técnico en estudio Claudio Canullán, Realización Técnica y Editor de Arte Javier Chiavone, Coordinación de auditorio Patricia Brañeiro, Asistente de Producción Patricio Schultze, Producción y Dirección General Nora Massi.

Siguiendo con nuestros estrenos Temporada Oficial 2022 Las Dos Carátulas, el teatro de la humanidad presentamos “La viuda astuta” de Carlo Goldoni , adaptación Paola Lavín, grabada en el auditorio de Radio Nacional con la actuación de la primera actriz Ana María Cores acompañada por Luis Albano, Gustavo Bonfigli, Lucio Cerdá, Hugo Cosiansi, Néstor Hidalgo, Alejandra Lafer, Luis María Laserre, Graciela Martinelli, Betina Ruscelli, Viviana Salomón.

Locutores: Alicia Cuniberti, Hernán Jechsymer, Jefe Técnico en estudio Claudio Canullán, Realización Técnica y Editor de Arte Javier Chiavone, Coordinación de auditorio Patricia Brañeiro, Asistente de Producción Patricio Schultze, Producción y Dirección General Nora Massi.

Las d'enfrente, de Federico Mertens. Adaptación: Paola Lavín. Actriz invitada: Dorys del Valle acompañada por Gustavo Bonfigli, Hugo Cosiansi, Néstor Hidalgo, Marcela Jove, Alejandra Lafer, Gabriela Licht, Viviana Salomón.
Equipo Técnico- Artístico

Locutores: Alicia Cuniberti, Hernán Jechsymer,
Jefe Técnico en estudio: Claudio Canullán,
Realización Técnica y Editor de Arte: Javier Chiavone,
Coordinación de auditorio: Patricia Brañeiro,
Asistente de Producción: Patricio Schultze,
Producción y Dirección General: Nora Massi.

Durante los meses de Mayo y parte de junio 2022, Las Dos Carátulas… el teatro de la humanidad rinde homenaje al dramaturgo PLACIDO DONATO. Entre otras disciplinas, abordó dentro de la literatura teatral, el teatro de suspenso y policial. Con Material de archivo- #TeatroEnRadio Las dos Carátulas, ciclo emblemático de Radio Nacional, presentó eljueves 12 de mayo "El cuadro" de Plácido Donato con la actuación María Aurelia Bisutti y un equipo de primeros actores.

Producción y Dirección General: Nora Massi.

Iniciamos la temporada oficial 2022 con “Nuestro fin de semana” del dramaturgo argentino Roberto Tito Cossa, adaptación Paola Lavín, protagonizada por Claudia Lapacó, Héctor Calori y acompañados por Luis Albano, Gastón Ares, Hugo Cosiansi, Néstor Hidalgo, Alejandra Lafer, Graciela Martinelli, Viviana Salomón.

Locutores: Alicia Cuniberti, Hernán Jechsymar, jefe Técnico en estudio Claudio Canullán, Realización Técnica y Editor de Arte Javier Chiavone, Coordinación de auditorio Patricia Brañeiro, Asistente de Producción Patricio Schultze, Producción y Dirección General Nora Massi.

Con este título inauguramos la temporada oficial 2022 de nuestro ciclo que cumple el 9 de Julio 72 años.

Una de las piezas más reconocidas del prolifero autor Gregorio de Laferrere. Un clásico de la literatura Nacional. Refleja una situación social que es el eje fundamental de esta historia. Con tintes dramáticos y pinceladas de comedia nos permite descubrir a la viuda del Capitán Barranco, mujer inescrupulosa y capaz de lucrar con sus propias hijas y empeñar su propia alma con el afán de mantener un lugar en la sociedad. Fría, autoritaria y calculadora, su egoísmo ha sido la única fuerza para manejarlo todo. Intentará manipular a todos, pero no podrá con “El amor”.

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Las de Barranco se estrenó el 24 de abril de 1908. La obra tuvo su origen en un monólogo que Laferrère había escrito para la estupenda actriz Orfilia Rico y que luego convirtió en una pieza de cuatro actos que se presentò en el Teatro Moderno.

En el marco del ciclo “Escenas en sINTonía” surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos, “Visto de cerca nadie es normal" de Toto López,  desde LRA 7 Nacional Córdoba.
Con las actuaciones de Julieta Martín y Ana Baliano.

Grabación: José Ignacio Gómez

Dirección: Toto López

En el marco del ciclo “Escenas en sINTonía” surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos  “La mujer del carburo” de Soledad Barreto, desarrollada en LRA 15 Radio Nacional Tucumán Mercedes Sosa.



Elenco:

Relatora------- Soledad Barreto

Percy------------ Darío Herrera

Carmela--------- Esilda Ortiz

María----------- Elina Robles

Juan-------------- Gastón Barros

Rodolfo-------- Sergio Osorio

Zulema---------- Laura Monteros

Tana--------------- Nora Jacobo

Amanda y Doña Pancha -----Flavia Diaz Cabrera

Juana------------ Carolina Osorio

Remedios------- Gaby García

Milagros--------- Raquel Robles

Pedro------------ Santiago Moreira

Músicos

Teclado------------------- Mateo López

Percusión---------------- Camilo López

Flauta---------------------- Federico Escobar

Violín----------------------- Alicia Arroyo

Guitarra y charango-----Emanuel Godoy

Quena---------------------- Natanael Ocaranza

Bajo------------------------- Rony López

Voces------ Angelica Camuña - Elina Robles

Autor y Director Musical------ Rony López

Director General---------- Soledad Barreto

En el marco del ciclo “Escenas en sINTonía” surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos "En mi barrio", de Sergio Ferreyra y María Angélica Paredes Sánchez

𝘌𝘕 𝘔𝘐 𝘉𝘈𝘙𝘙𝘐𝘖 es la historia de dos niños (Nico y Lucas) que viven un barrio de la ciudad de Caleta Olivia, situada en el norte de la provincia de Santa Cruz en la Patagonia argentina.

Además serán parte de la acción Don Pepe, La Madre, El Policía, la Hermana y La Vecina.

Con la ayuda del Narrador todos los personajes darán vida a este suceso teatral llevado al medio radiofónico en el formato clásico de radioteatro.


Actúan
María Angélica Paredes Sánchez...........Vecina, mama de Nico
Sergio Steve Ferreyra...............................Don pepe, policía
Liber Ferreyra Paredes.............................Narrador
Lester Ferreyra Paredes...........................Lucas
Loren Ferreyra Paredes............................Nico, robot
Paula Lucia Vera........................................Hermana de Nico
Rosario Zurita.............................................Mamá de Lucas

En el marco del ciclo "Escenas en sINTonía" surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos “Vaya Ramona vaya” de  José Ignacio Serralunga elaborado desde la región del NOA en LRA 15 Radio Nacional Tucumán Mercedes Sosa

Reparto:
Ramona: Chabela Díaz
Señora Mónica: Julio Chacana
Director: Benjamín Tannuré Godward
Edición: Benjamín Tannuré Godward
Técnico de grabación: Gerardo Alderete para el Ente Cultural de Tucumán

En el marco del ciclo "Escenas en sINTonía" surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos “El Rey desvisto” ( estrafalaria versión de "El traje nuevo del emperador" de Hans Christian Andersen; de Hernesto Mussano, Las Chacras, San Luis.
Narrador y Ministro: CARLOS VILLEGAS
Rey: HERNESTO MUSSANO
Tejedor 1 y Emisario: GUILLERMO MATHIEU
Tejedor 2 y Niñe: EZEQUIEL LAINA
Coordinación Musical: EZEQUIEL LAINA
Técnico de Grabación: GUSTAVO BORDAGORRYS
Concepto sonoro y Dirección General: HERNESTO MUSSANO













 

 

 

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En el marco del ciclo “Escenas en sINTonía” surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos “La última batalla de los Pincheira", de Alejandro Finzi.

Región Patagonia, elaborado en Radio Nacional Chos Malal.

 





 

En el marco del ciclo "Escenas en sINTonía" surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos "Magdalena", obra dramática del autor argentino Mauro Molina, que habla de las mujeres de los años 50, realizada por la Cía. "Somos los que estamos-Teatro"
Síntesis
Nos construyen otros y nosotros aceptamos. ¿Cuánto más tiene que esperar Magdalena para ser ella misma?
Ficha Técnica Artística
Dramaturgia: Mauro Molina
Interpretes
Magdalena: Cristina López
Narrador Claudio: Salis Neyem
Técnico de grabación: Rubén Caballero
Técnico de edición: Maximiliano Ríos - Claudio Salis Neyem
Asistente de Dirección: Claudio Salis Neyem
Dirección: Ada Valdez
Producción Institucional: Radio Nacional San Juan; Director Mauricio Lucero

En el marco del ciclo "Escenas en sINTonía" surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos “También fuimos revolución” de Jorge Oriola.

Una obra que, en representación de la Región Patagónica de nuestro país fue grabada en LRA 9 Radio Nacional Esquel.

Responsable de los textos: Jorge Oriola

Grupo de Teatro PICAPORTE (elenco radioteatral)

Director: Jorge Oriola

Narrador: Vicente Calvo

Personaje e intérprete:

Acto 1: Mercedes

Mercedes Fontecilla: Valeska Zúñiga

Acto 2: Guadalupe

María Guadalupe Cuenca: Julieta Caravaggio

Actos 3: Juana

Juana Azurduy (anciana) Amanda Fernández

Juana Azurduy (joven) Mirta Ester de Godos

Acto 4: Manuela

Manuela Sáez (anciana) Celia Vallés

Manuela Sáez (joven) Nadia Soledad Ibaldi

Controles técnicos y operación: Matilde Murúa

Colaboración musical: Pablo Ernesto Williams

Federico Oriola - Sergio Juárez













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En el marco del ciclo “Escenas en sINTonía” surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos "REGINA PACINI, TODAVIA" de Maria Mercedes Di Benedetto, elaborado en Radio Nacional Catamarca.


Actores:

Yamile Pereyra

Esther Cuneo

Gina Belincanta

Roberto Albarenga

Hector Cangi

Marcela Monteverde

Fabian Diaz

Relator: Maria Elena Sosa

Sonomontaje: Julio Cesar Bazan

Coordinación de producción: Maria Elena Sosa

Asistente de Dirección: Nahuel Pianetti

Dirección General: Maria  Elena  Sosa

En el marco del ciclo "Escenas en sINTonía" surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos  “Mi cuento en un cuento en un cuento” de Martín Giner.
Grabada en LRA 15 Radio Nacional Tucumán Mercedes Sosa.
Guión y dirección: Martín Giner
Juliana Gonzáles: Niña y Cabo
Francisca Valero: Narradora, niñera y Orberto
Sergio Domínguez: Abuelo y capitán.
Edición y música Gerardo Alderete.

En el marco del ciclo "Escenas en sINTonía" surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos “Las costureras” de  Adriana Tursi.

Con las actuaciones de:

Relator: Julio Ordano

Remedios: Iardena Stilman

Azucena: Silvina Muzzanti

Blanquita: Flavia Vitale

Albertito: Gustavo Rey

Música original: Somos Nosotros producciones

Diseño gráfico : Nahuel Lamoglia

Dirección general: Julio Ordano















 

En el marco del ciclo "Escenas en sINTonía" surgido de un acuerdo entre Radio Nacional y el Instituto Nacional del Teatro, presentamos “La denuncia” de Rafael Bruza elaborado en Radio Nacional Jujuy

Con la actuación de Claudia Lapacó, María Rosa Fugazot, Ingrid Pelicori, Pablo Alarcón, Héctor Calori, Daniel Miglioranza, Rubén Stella y un elenco de primeros actores.

Producción y Dirección: Nora Massi.

Jueves 31 de Diciembre, 20 hs por FM 96.7 RADIO NACIONAL CLÁSICA - LA RADIO PUBLICA.

“Homenaje al Radioteatro Nacional” realizado dentro de los festejos de los 100 años de la Radiofonía Argentina. El mismo incluye una cabalgata de microficciones siendo su autora la investigadora-guionista-dramaturga y docente argentina María Mercedes Di Benedetto. Esta emisión inédita dentro de Las Dos Carátulas… el Teatro de la Humanidad rinde a las voces queridas de antes el merecido homenaje en las nuevas voces de los actores de hoy.

Tres Jueces para un Largo Silencio de Andrés Lizarraga, es un drama de corte histórico que expone con crudeza los últimos días del revolucionario Juan José Castelli, su participación en la Campaña del Norte, la derrota en la batalla de Huaqui, el juicio grotesco al que se ve sometido, la traición de sus antiguos camaradas, el avance implacable de su enfermedad, la muerte, el miedo al olvido.

La obra, con la actuación de Daniel Miglioranza y un elenco de primeros actores fue producida y dirigida por Nora Massi.

En el Día Nacional del Actor Argentino, la actriz, directora teatral y directora de "Las dos carátulas", Nora Massi, dialogó con la Radio Pública sobre los 70 años del ciclo por el que han pasado primeros actores de la escena nacional y que es reconocido a nivel mundial.



Nora Massi

Con El hombre, la bestia y la virtud, Luigi Pirandello logró un perfecto y alegre “vodevil” a la italiana. Dos de los personajes que intervienen en el juego equivalen a fantoches de tabladillos de feria popular. La heroína es llamada, con sorna, "La virtuosa Señora Pereyra", esposa del Capitán de Navío, siempre en viaje hacia puertos lejanos, mientras que el amante de “La virtuosa” es designado "El transparente Señor Paulino, profesor particular".



La trama echa a andar y se comprende, de inmediato, que en la circunstancia el autor ha querido divertirse y divertir a los espectadores, lo que no es común en Pirandello y lo logra plenamente. El enredo, en el que tanto tiene que ver el gastado “menage a trois” de estirpe vodevilesca, por los últimos tramos culmina con un par de escenas, incisivas y bien humoradas, que son de antología.

Ese gran actor de nuestro pasado que fuera Luis Arata, elogiado por el propio Luigi Pirandello por la fuerza de su temperamento y la riqueza de su máscara para “lo grotesco”, en 1942 tomó a su cargo la animación de “El transparente Don Paulino", mientras a su vera, la recordada Antonia Herrero daba vida a “La virtuosa Señora Pereyra”.

En una localidad cuya principal fuente de riqueza es su balneario, el doctor Thomas Stockmann descubre que sus aguas están contaminadas y advierte sobre los graves peligros que amenazan la salud de los habitantes del pueblo y de los turistas y pacientes que lo frecuentan. Pero tropieza con el rechazo frontal de influyentes personajes, entre ellos el alcalde, que es además su propio hermano. Todos parecen más preocupados por los inconvenientes económicos que implicaría la desinfección del agua y por la posible pérdida de clientes que sufriría el balneario que por el efecto perjudicial que tendría en su salud.

Como en otras obras del dramaturgo noruego, en Un enemigo del pueblo se exalta la figura del individuo rebelde e idealista a través del personaje de Stockmann, quien ha sido considerado como el reflejo del mismo Ibsen y portavoz de sus ideas respecto de la corrupción de la vida política moderna, las fallas de la democracia parlamentaria y los problemas que puede acarrear la existencia de una mayoría compacta.

Con la participación del primer actor Luis Brandoni, Las dos carátulas presenta Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen.

Los días de Julián Bisbal, de Roberto "Tito" Cossa, es una obra de estética costumbrista, testimonio de la clase media argentina y de las frustraciones que atraviesa un hombre que llega a cierto momento de su vida.



Cuestionándose "qué hice de ella", Julián Bisbal es un ser simple, casado con una mujer tan simple como él, Carmen, aterrada ante la idea de que su marido se quiera separar o pueda perder su empleo. Desilusionado de la vida, Julián transita en un día por el bar, donde el dueño le hace ver que lo que no se hizo no se hace más. Julián Bisbal es el prototipo del antihéroe, rodeado de sus pequeñas ambiciones cotidianas.

Las mujeres sabias data de 1672. Moliére retrata un mundo de mujeres obsesionadas por los avances de la ciencia que se jactan de conocer en profundidad, pero de la que nada entienden. A través de esta sátira, el autor critica a los literatos pretenciosos y a las damas de la corte de su tiempo, así como la hipocresía reinante en la sociedad en que vivía.



En esta comedia ácida la afectación y arrogancia de las “mujeres sabias”, Filaminta, Armanda y Belisa, y de su principal referente, el “erudito” Tritontin, contrasta con la sencillez de Enriqueta y su enamorado, Clitandro, cuyo único objetivo es casarse y disfrutar de su amor, o la de Crisalo, más preocupado por satisfacer su gula que por cultivar su espíritu.

Las mujeres sabias se presentó en 1964 en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín dirigida por Carlos Muñoz para la Comedia Nacional.

Hoy, Las dos carátulas la presenta con la participación especial de Edda Díaz.

Bien pudo ser este ámbito el que tentó una vez más a William Shakespeare para ubicar el nuevo tema que le rondaba y se concretaría en "La Tempestad".



A los estudiosos de la dramática "shakesperiana" les sigue intrigando que la mayoría de los personajes que participaban en la obra lleven nombres y apellidos españoles. Yendo más a fondo, ha llegado a suponerse que el suceso original incitante bien pudo ser el ocurrido en 1526, durante la conquista española del Río de la Plata.

Se alude a la leyenda del enamoramiento de los caciques indígenas Mangoré y su hermano Siripo, de la bella Lucía Miranda, esposa del soldado español Sebastián Hurtado, y la consecuente destrucción del Fuerte Sancti Spíritu levantado por las fuerzas de Gaboto, cerca del Río Paraná.

La suposición parte de que en la pieza no sólo aparecen un Sebastián y una Miranda (hija de Próspero), sino también que Caliban- dado por John Wain como anagrama evidente de "cannibal" – se refiere a Setebos, tal como los habitantes primitivos de Tierra del Fuego nombraban al diablo.

Casas de Muñecas, de Henrik Ibsen, que fue escrita dos años después de Las columnas de la sociedad, se estrenó el 21 de diciembre de 1879 y fue la primera obra dramática del autor que causó furor.



Hoy en día es quizá su obra más famosa y su lectura es obligatoria en muchas escuelas y universidades. Cuando la obra se publicó, generó gran controversia, ya que crítica fuertemente las normas matrimoniales del siglo XIX, y aunque el escritor negó que su obra sea feminista, es considerada por muchos críticos como la primera verdadera obra teatral feminista

Describe la situación en la que se encuentra la protagonista Nora y de la cual intenta salir. Su padre es un hombre conservador y bien situado socialmente. Sin embargo, trata a Nora como si fuera su propiedad. Su marido, Torvaldo Helmer, no se diferencia mucho del padre y la considera también simplemente un objeto más de su propiedad.

Leandro Fernández de Moratín escribió la comedia dramática El sí de las niñas en la España de comienzos del siglo XIX. Tras la oleada cultural que supuso la Ilustración, el Enciclopedismo y la filosofía racionalista, el movimiento neoclásico (con raíces en el pensamiento grecolatino e influencia filosófica renacentista) está en pleno auge.

El sí de las niñas se representó por primera vez en el Teatro de la Cruz el 24 de enero de 1806 y supuso un éxito inmediato de público, de manera que sólo se suspendió su representación una vez que llegó el tiempo de Cuaresma durante el cuál, como era tradición, se cerraban los espectáculos teatrales.

“Caray, lo que sabe esta chica”, es una obra de comedia y farsa que se estrenó en el Teatro Liceo de Buenos Aires el 7 de Julio de 1932, animada por un conjunto encabezado por Eva Franco y compuesto por intérpretes igualmente notables como Orestes Caviglia, Irma Córdoba, Felisa Mary y Lolo Bouhier. El guionista de la obra, Pedro Eugenio Pico, hace gala, una vez más, de su gracia chispeante y de un humor expresado con pícara elegancia.

En ésta reposición de Las dos carátulas, - con la participación especial de la actriz, Gladys Romero Marcial- se presentó una obra del siglo 392 A.C, autoría del griego Aristófane, en donde un grupo de mujeres de Atenas, pretende convencer a los hombres, para que les cedan el control político y social de la ciudad, porque ellas pueden gobernar mejor.



Durante la obra, el personaje principal - y líder de las mujeres -, Praxágora realiza una arenga, donde se evidencia la relación entre la crisis social ateniense, y la necesidad de doctrinas igualitarias, inexistentes en esa época.

La dama duende es una comedia escrita por el dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca. Compuesta y estrenada en el año 1629, se publicó por primera vez en la primera parte de comedias de don Pedro Calderón de la Barca, en 1636.



La dama duende pertenece al subgénero de la comedia de capa y espada y tiene como modelo la trama de la amante invisible, que proviene del mito de Cupido y Psique, pero invierte los roles de estos dos personajes. Es ahora el hombre curioso el que se enamora de una dama invisible, o sea, una mujer tapada o escondida, o invisible en la oscuridad. Esta trama ya se encuentra en novelas italianas de Masuccio y Bandello, y luego pasa al Siglo de Oro español.



Aunque Calderón utiliza elementos de la comedia de Lope de Vega, La viuda valenciana, su modelo principal es una novela intercalada en El soldado Píndaro, de Gonzalo de Céspedes y Meneses.

Como es habitual en este tipo de comedias, es la protagonista femenina, Doña Ángela, quien constituye el motor de la acción. Su objetivo será conquistar a Don Manuel, burlando la vigilancia que sobre ella ejercen sus dos hermanos varones. Para ello, trazará un ingenioso engaño que le permita comunicarse con Don Manuel de manera aparentemente misteriosa e inexplicable.

"Esposa último modelo" es una típica comedia de los años 40-50, donde los dramaturgos argentinos exploraban con singular ingenio el género que iba de la comedia al vodevil.



Las mismas eran estrenadas en los teatros porteños y después eran llevadas al cine, triunfando en nuestro país y toda América. Los autores eran diestros en el manejo del diálogo ágil, brillante, predominando por sobre todas las cosas la finura. La comedia argentina de los 40-50, cultivada por grandes comediantes, le valió al cine argentino rotundos éxitos.

Después del resonante éxito en el teatro de "Esposa último modelo" (1950), el mismo binomio se hizo cargo del guión para el cine con las actuaciones de Mirtha Legrand, Ángel Magaña, Felisa Mary, Osvaldo Miranda, Nélida Romero, entre otros, bajo la dirección de Carlos Schlieper.

A través de los hechos de la pieza, que en los tonos sombríos y las tintas amargas no bastan a apagar la sensación de humanidad de las figuras, "La casa grande" está conducida con espontaneidad en sus reacciones y animadas en un ámbito descripto con una fidelidad que llega por momentos a resultar pródigo en detalles.



Alternadas con sentido de su eficacia, las escenas de ligero acento festivo y las de efectos emotivos o sentimentales, se consigue con ello oportunos matices en la acción de la comedia que encierra elementos de teatralidad suficiente para mantenerse.

Un pueblo perdido en Rusia, una visita inesperada y un pícaro oportunista son los elementos que constituyen esta comedia de enredos basada en el clásico de Nikolái Gógol.



Mientras el alcalde y sus funcionarios esperan aterrorizados la visita de un inspector general que investigará sus desmanes y corruptelas, un joven misterioso llegado de San Petersburgo se hospeda en la posada del pueblo. Todas las suposiciones indican que él es el huésped tan temido.

Lo que sigue será una serie de enredos en donde se colmará de regalos, sobornos y honores a un pícaro que con mucha astucia aprovechará la situación en su propio beneficio.

En una nueva emisión de Las Dos Carátulas, el histórico ciclo de Radio Nacional presenta "Vestir al desnudo", de Luigi Pirandello.



En esta obra vuelve a plantearse la problemática de cómo se "siente vivir" el personaje, el "ser en conflicto" frente a cómo quisiera que se le viera y cómo es en realidad. Una realidad que abruma al acosado con las "cien mil" máscaras distintas del típico tormento pirandelliano.

Ersilia Drei, la protagonista de "Vestir al desnudo", es una mujer desesperada en su soledad, en su asumida indigencia por la falta de motivaciones para encauzar y cumplir un destino. Confiesa que nunca pudo descubrir el papel que le correspondía representar en la vida y se siente desnuda. Por eso, para morir, buscará cubrirse con un "vestido decente": el de novia engañada.

Así lo suponía ella. Fallará la primera vez, al ser puesta fuera de peligro, y, en el segundo intento, reconocerá que, a pesar del esfuerzo, de nada servirá la mentira que ha tramado y deberá morir desnuda, tal cual ha vivido.

Desde Concepción del Uruguay, el ciclo "Las dos Carátulas Federal" presenta "El abuelo", de Benito Pérez Galdós. Hugo Arana, Paloma Contreras y un elenco de actores locales, seleccionados mediante un casting dirigido por Miryam Strat, realizaron la función ante una sala colmada en el auditorio municipal Carlos María Scelzi.

Ser víctima de la extorsión de un usurero hace que Nora se enfrente a una realidad más dura: sólo es una muñeca que adorna la vida de su marido, un objeto más en la vida del director del banco. Al descubrir la raíz machista de su relación conyugal, tiene que decidir sobre su propia vida.

Cuando "Casa de muñecas" se publicó generó gran controversia, ya que critica fuertemente las normas matrimoniales del siglo XIX. Aunque Ibsen negó que su obra fuera feminista, es considerada por muchos críticos como la primera verdadera obra teatral feminista.

En una nueva emisión del ciclo federal de Las dos carátulas, desde la provincia de Tucumán, el histórico radioteatro de la radiofonía argentina emite "Delirios de grandeza", de José Antonio Saldías.



Se trata de una típica comedia clásica y costumbrista urbana de la dramática nativa de la primera década del siglo XX, que busca mostrar algunas cuestiones inherentes a una clase media en ascenso. Doña Tránsito intenta vivir una realidad llena de ambiciones. Los personajes atraviesan la disconformidad y la ambición sobre la vida del otro que suponen mejor en una clase alta.

Esta postura los conduce a que cometan todo tipo de disparates para lograr escalar y posicionarse en los estratos de la alta sociedad.

"Delirios de grandeza" fue estrenada el 21 de junio de 1919 en el Teatro Nuevo por la Compañía Orfilia Rico, acompañada por Ana Arneodo y Pablo Podestá, entre otros. Esta obra fue especialmente escrita para la primera actriz Orfilia Rico.

En esta emisión, Las Dos Carátulas presenta un estreno exclusivo y por única vez en la radiofonía argentina para todo el país.



Auspiciado por la Embajada de la República Francesa, la Alianza Francesa, el Instituto de Cultura Francés y organizado por Radio Nacional y el Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos, se presenta "El Malentendido", de Albert Camus, con las actuaciones de Claudia Lapacó, Daniel Miglioranza y un elenco de primeros actores, grabado en la Cúpula del Centro Cultural Kirchner

"Las tres hermanas", de Antón Chéjov posee gran significación. Esta obra muestra maravillosamente personalidades, relaciones y las motivaciones, y explora la distancia entre la esperanza y la plenitud.



Chéjov describió esta pieza como una obra de comedia, donde no hay héroes ni sucesiones de actos trágicos. Los personajes tienen muchas fallas así como virtudes, pero todas en escalas humanas. En este marco se desarrolla la obra, sin héroes ni grandes sucesos, pero con un gran reflejo de la personalidad humana.

En 1968, el Piraikon, teatro de Grecia, se presentó en nuestro Teatro Nacional Cervantes con tres espectáculos memorables y sorprendentes. Pudieron apreciarse allí "La Orestíada", de Esquilo, y el "Hipólito" y la "Ifigenia en Áulide", de Eurípides.



Cabe recordar que los temas de "Ifigenia en Áulide" y "Tauride” llegaron a la ópera al promediar la segunda mitad del siglo XVIII, con partituras del compositor alemán Christoph Willibald Von Gluck. Entre una pieza y la otra pasan 30 años.

Por eso, la producción creyó conveniente que Ifigenia fuera interpretada por dos actrices diferentes con edades totalmente distintas.

“Los pequeños burgueses”de Maximo Gorki fue presentada en la Rusia Zarista.

El clima se encontraba muy agitado por los graves conflictos sociales que se vivían y las autoridades de Moscú no veían con agrado que la obra de Gorki, espíritu crítico y rebelde, fuera representada por los artista del Teatro Arte.

Hubo censuras  y prohiciones. Sin embargo, el ensayo general de la obra se realizó en el Teatro Panaiévski el 20 de Marzo de 1902.

Animado por la exitosa experiencia inicial Máximo Gorki, además de su narrativa, siguió produciendo obras teatrales muy apreciadas por la escena rusa de la época y por la dramática moderna universal.

Una versión notable de “Los pequeños burgueses” se ofreció en Buenos Aires en 1976, en el antiguo Teatro del Centro, bajo la dirección de Manuel Iedvabni, sobre escenografía de Saulo Benavente y vestuario de Graciela Galán.

"Los disfrazados", ambientado en el carnaval porteño de principios de siglo XX, expone la angustia que provoca en el hombre el fracaso de los anhelos más íntimos.



La compañía de José Podestá estrenó "Los disfrazados" en el Teatro Apolo el 21 de diciembre de 1906. La obra excedía ampliamente la etiqueta de "sainete" con la que Carlos Mauricio Pacheco la había clasificado, incluso más allá del añadido de "cómico-lírico-dramático".

Como escribió el investigador Alberto Wainer "...se distanciaba sutilmente del costumbrismo y desvelaba costados trágicos, siniestros, inquietantes, en las amables realidades familiares. Estábamos, sin dudas en las puertas del Grotesco".

"Bodas de sangre", de Federico García Lorca, es una creación fundamental. Con "Yerma" y "La casa de Bernarda Alba" compone un tríptico impar dentro del teatro español contemporáneo y cada una de las partes ocupa, por sí mismas, un lugar descollante en la dramática universal de nuestro tiempo.



Alfredo de la Guardia asevera que por "Bodas de sangre" corre "la vena colorida y sustanciosa del siglo de oro hispano". La tragedia lorquiana desarrolla el conflicto de pasiones incontroladas que viven una mujer y un hombre con los raigones bien hundidos en dura tierra de labriegos. En "Yerma" se muestra el drama desgarrante de la hembra infecunda -no por culpa de la mujer, se entiende-, y en "La casa de Bernarda Alba" flamean los girones estremecidos de una virginidad forzada, que se alborota hasta la rebelión. En "Bodas de sangre", a su vez, se impone, incontenible, la pasión carnal que "en un día, entre las dos y las tres", llevará a dos hombres a enfrentarse en un duelo rabioso, que dejará dos muertos.




















La novia, el novio y Leonardo son los trebejos de un ajedrez pasional muy común, pero la Madre, personaje arquetípico de la tragedia, debe ser volcado sobre el escenario por actrices estupendas. En Buenos Aires hemos tenido la suerte, y la emoción gozosa, de verlo corporizado por las dos intérpretes màs singulares de la escena contemporánea de habla hispana: Lola Membrives y Margarita Xirgu. Ambas dejaban en pie particularidades de una misma imagen. Mientras la Membrives entregaba una madre toda reciedumbre en las reacciones y los enfrentamientos, la Xirgu iba exponiendo cuidadosamente y con extraño vigor, la ternura que se le estaba agriando y poniendo ácida en sus extrañas tan martirizadas.

"Bodas de Sangre" llegó a la pantalla nacional, dirigida por Edmundo Guiburg, con los personajes principales a cargo de la inolvidable Margarita Xirgu y el no menos recordado Pedro López Lagar. En la temporada veraniega de 1990 el público porteño pudo asistir a una versión notable de la obra, ofrecida en el antiguo mercado de Abasto, con la madre animada por María Luisa Robledo y dirección de Alejandra Boero.

"El casamiento", de Nikolái Gógol, es una comedia que transcurre en un pequeño pueblo de Rusia y cuenta una historia que, por ese entonces, era un episodio corriente: las divertidas desventuras de un solterón vocacional llamado Podkolésin (derivado de pod koleso, en ruso el que debe caer), un amigo entrometido, una mujer casadera y una casamentera ducha en caídas.



Los hombres en general son torpes y vergonzosos, lo que permite vislumbrar pocas esperanzas de que la boda se concrete con un final inesperado y sorprendente, muestra de gran teatro. Así las situaciones, las palabras y los tipos son de una comicidad directa y que mueve a la risa más franca y candorosa. Hay mucho del encantador infantilismo en esta sátira sin amargura en torno del trance matrimonial de Agata y sus pretendientes.

"El casamiento" se estrenó en 1897, en el Teatro de Arte de Moscú.

Desencajado y hastiado por la celeridad con que su mundo se ha visto colapsado (la muerte de su padre seguida prontamente por el casamiento entre su tío –ahora nuevo rey- y su madre; la omnipresencia de su padre y las inquietantes revelaciones que este trae), Hamlet rechaza la oferta de su tío de quedarse quieto y heredar a su turno el reino. En cambio, desencadena el desconcierto, la locura y pone en jaque a un gobierno. El desbarajuste será total, y la muerte se precipitará sobre todos los personajes.

"Al campo", de Nicolás Granada, es la obra que presenta esta nueva emisión del ciclo federal de "Las Dos Carátulas". En esta ocasión, desde la provincia de Salta.



La obra se esquematiza con humor y términos del campo-ciudad, mediante el trazado de prototipos que llevan la antítesis valiéndose, a veces, de máscaras intencionadas, pero amables y graciosas. Hay que decir que los efectos cómicos de la obra descansan, sobre todo, en la dificultad de ciertos personajes. Básicamente "Doña Fortunata", para manejar códigos que resultan plenamente ajenos a su visión de mundo.

A la manera de aquellos recursos que Alberto Vaccarezza llevará a la perfección, Doña Fortunata también hace gala de un híbrido lexical muy jugoso.

"El hombre que yo maté", de Maurice Rostand, es una de esas piezas que por los años inmediatos al término de la Primera Guerra Mundial abundaban tanto en los escenarios europeos como en las pantallas del cine mudo. Obras que variaban de conflicto y, a veces, de argumento, pero que conservaban el mismo espíritu. Un espíritu antibélico que se reflejaba en muchas obras, sobre todo de Giraudoux, de Jacques Bernard y de Paul Reynal.

"La loca de Chaillot", de Jean Giraudoux, es una sátira poética con tintes políticos, que se estrenó en París durante la ocupación alemana, en el año 1943.



Aurelia, una condesa de París de los años 40, que es conocida como La Loca de Chaillot, descubre que en el barrio donde vive hay una conspiración para realizar unas prospecciones subterráneas y apropiarse del petróleo de la ciudad de París. Alarmada y harta de la creciente deshumanización de los hombres parisinos, confecciona un plan apoyada por sus amigos incondicionales para deshacerse de los conspiradores. Celebrarán un juicio secreto y condenarán a muerte a todos ellos, encerrándolos en el sótano de la casa.

Desde San Carlos de Bariloche, Río Negro, "Las dos carátulas" emite una nueva edición de su ciclo federal.



En esta oportunidad, la obra elegida es Mariana Pineda. Su protagonista es es conocida como la "Mártir de la Libertad". Tenía ideas liberales y, al encontrarle las autoridades de Granada bordando una bandera liberal que reclamaba 'Ley, Libertad e Igualdad', fue condenada a muerte y ajusticiada en 1831.

En un homenaje que le brindaron en la ciudad española, en 1929, Federico García Lorca LORCA declaró que había que hacer justicia a Mariana Pineda y la obra de teatro fue escrita en su honor. Recibiendo numerosas influencias históricas de la heroína y leyenda española, "Mariana Pineda" aborda la historia de una mujer del mismo nombre que, en parte bajo las influencias de su amante Don Pedro de Sotomayor, se comenzó a involucrar más en el movimiento liberal, siendo éste el primero sus mayores preocupaciones, sobreponiéndose al cuidado de sus niños y sus relaciones familiares y sociales que se vieron ligeramente perjudicadas, pero el ocultamiento de sus involucraciones en dicho movimiento se ven más perjudicadas cuando el Señor Pedrosa la ve como sospechosa y objeto por sus misteriosas acciones.

"A ver si cuidas de Amelia" es un vodevil en tres actos, y es considerado la obra maestra de George Feydeau.



Estrenado en París, en el Théâtre des Nouveautés, el autor hace gala de un rigor y de una precisión implacables en el modo de mover los personajes y en la composición de las situaciones, conduciéndoles de la mano, firmemente, hacia una solución plausible. Se añade a ello un diálogo vivo, chispeante, directo, precipitado, plagado de palabras y recursos del autor, a menudo cómicos, que hacen perdonar la psicología, pobre a veces, de los personajes.

Desde Córdoba Capital, Las dos carátulas, en su versión federal, presenta "Las de Barranco", una de las piezas más reconocidas del prolífico autor Gregorio de Laferrere.



Un clásico de la literatura Nacional, que refleja una situación social que es el eje fundamental de esta historia. Con tintes dramáticos y pinceladas de comedia, nos permite descubrir a la viuda del capitán Barranco, mujer inescrupulosa y capaz de lucrar con sus propias hijas y empeñar su propia alma con el afán de mantener un lugar en la sociedad. Fría, autoritaria y calculadora, su egoísmo ha sido la única fuerza para manejarlo todo. Intentará manipular a todos, pero no podrá con "El amor".

Una comedia en tres actos: Tartufo es uno de los personajes más singulares de la creación dramática de Molière.



Se ofreció en 1664, ante Luis XIV y su corte. De inmediato, se levantó la fuerte reacción de quienes se suponían señalados, de manera particular, y empezaron las prohibiciones. En 1667 llega completa la comedia y cuando dos años después se pone y edita por cuenta del autor “con privilegio del rey”, se la denomina "Tartufo" o "El impostor".

Con respecto al nombre que calificara definitivamente a una individualidad taimada y tramposa, se habla de antecedencias alemanas (der Teufel: el diablo), de que en la baja Italia se daba a "tartuffe", la acepción de charlatán y mentiroso. Lo cierto es que desde Molière, Tartufo es una figuración de vigencia permanente y con decidido contenido humano canallesco.

En La edad de merecer, Federico Mertens crea una comedia costumbrista urbana típica de la dramática nativa de la primera década del siglo pasado. Por espíritu y formulación, se encuentra en la línea que encabezan obras como En familia, de Florencio Sánchez, y Las de barranco, de Gregorio de Laferrere, aunque varíen los logros y difiera en la importancia de sus alcances.

Crónica de un secuestro es una alegoría.



Parte de la premisa de que la culpabilidad y la inocencia en nuestra sociedad son conceptos tan relativos como la seguridad y la desprotección. El secuestro, situación límite, sirve para desplegar ante nosotros el esqueleto de una sociedad corrupta, basada en el lucro y la mentira.

Un individuo obligado a desnudar su vida por la fuerza de una amenaza cuya naturaleza desconoce es capaz de alcanzar intensidades trágicas y genera un fenómeno dramático, allí, en algún punto medio entre los actores y los espectadores, donde el teatro cobra su verdadera vida.

La acción se inicia en las primeras décadas del siglo XX.



Son tres etapas amables de un grupo familiar que muestran momentos trascendentes en el fluir de los acontecimientos, tanto privados como del contexto que los rodea. Edmundo Guibourg señala que se está ante "una pieza sainetesca, en el mejor sentido de la palabra", y el juicio del maestro equivale a un merecido elogio. Arturo Berenguer Carisomo, por su parte, asevera que los autores "mos colocan en nuestra propia circunstancia vital y el problema por ellos descripto: la familia que se rompe, que se deshace", es algo que "atrae y cautiva sin remedio al espectador".

Con la dirección de Nora Massi y la participación de un equipo de primeros actores.

"Locos de verano" es una obra perteneciente al autor argentino Gregorio De Laferrere.



Una familia, venida a menos, discute su futuro mientras la vida los lleva la ruina. Un hermano que volvió de Estados Unidos cree haber encontrado la solución. Peleas de dinero y desencuentros amorosos. Y obviamente no puede faltar la presencia de los mucamos, impecables trabajadores que, a pesar de los maltratos de sus dueños, siguen al pie del cañón. Un texto clásico de nuestra cultura teatral que sigue causando repercusión.

El scapin molieresco no es simplemente un ser que huye y escapa- que lo hará cuando le convenga- sino también es un ser pícaro creador de embrollos de los que, con maña y destreza, logrará salir siempre bien del apuro. El mismo Scapin de Moliere se define, en los primeros pasos de la comedia.

Así es (si así os parece), obra que emitió Las Dos Carátulas,  es una "farsa filosófica”. El autor desarrolla la obra a partir de un relato. En este caso la comedia está tomada del cuento "La señora Frola y el Señor Ponza", su yerno. La pieza trata el tema de la verdad, el contraste entre realidad y apariencia, entre verdadero y falso. Pirandello pone en crisis la idea de una realidad objetiva que pueda interpretarse de modo unívoco mediante los instrumentos de la racionalidad.

En “El Café de la Plaza San Marco”, obra que emitió Las Dos Carátulas… el teatro de la humanidad, diversas historias se suceden a la vez, teniendo como centro el café, al que los personajes acuden impulsados por diferentes intereses. Goldoni se adentra en el problema del juego y la corrupción moral con una brillante comedia de caracteres: el bondadoso Ridolfo, propietario del café; Eugenio, el incorregible jugador; Victoria, su desesperada esposa; el insidioso Don Marzio; Lisaura, la protegida del supuesto Conde Leandro; el granuja Pandolfo; la misteriosa Plácida que busca a su esposo.

En esta obra, Carlo Goldoni, supera la comicidad de la commedia dell’arte con una caracterización más profunda de los personajes y un lenguaje más espontáneo y realista.

María Estuardo, de Friedrich Schiller, se estrenó en el teatro de Weimar el 14 de Junio de 1800.



El drama plantea no sólo el enfrentamiento de dos caracteres femeninos muy fuertes, y contrapuestos por sus credos religiosos, el protestantismo de la Reina Isabel y el Catolicismo de María Estuardo- sino también la lucha tremenda por el poder de las posiciones distintas que ambas encabezaban. María Estuardo -Reina de Escocia- e Isabel Tudor -Reina de Inglaterra- son dos seres que no se explican uno sin en el otro. Pueden pensarse como el anverso y el reverso de una misma medalla histórica. La bella, pasional y católica María, en una de las caras; la fea, despótica, puritana y protestante Isabel, en la otra. Se entabla una lucha que no es de ficción, sino verdadera, más allá de las libertades que se tomó el autor con todo derecho y buen logro. Cada una vale por sí misma y por lo que significa y representa; pero la contienda se profundiza ante las posibilidades escénicas –dado que en la realidad no se produce-, del encuentro de las dos mujeres frente a frente. Entonces culmina el clima de la tragedia. Aunque la trama se adensa hasta el desasosiego y la angustia cuando, tras ser ejecutada María, Isabel se siente abandonada por varios de los suyos, y más sola que nunca. Tan unidas como enfrentadas en la vida, María Estuardo e Isabel Tudor reposan ahora juntas en la Abadía de Westminster, de Londres y reviven y se reencuentran cuando, como en estos momentos, se las convoca, una vez más, para ser las protagonistas del drama de Schiller.

El ciclo federal de Las Dos Carátulas presenta "Israfel", del escritor Abelardo Castillo. Desde la ciudad de Resistencia, Chaco, en el Aula Magna de la Universidad del Nordeste, y bajo la dirección de Miryam Strat, con las actuaciones de Rubén Stella y María Ibarreta.

Acreedores, de August Strindberg, es una especie de radiografía de los cerebros de tres personajes que, dejando de lado convencionalismos escénicos que el autor no hubiera aceptado nunca, denuncian conflictos y contradicciones que bordean y aún transitan lo patológico. En síntesis muy apretada, se ha dicho que en Acreedores la mujer vence a un hombre y ella, a su vez, como no podía ser de otra manera en Strindberg, será derrotada por otro hombre. Tecla es la mujer en cuestión, y Adolfo y Gustavo son los hombres de turno. Como en otras piezas del autor, se asiste a un enfrentamiento permanente, con avances y retrocesos, en una lucha despiadada que, por ello, será a muerte.

En “La Gringa” el autor, Florencio Sánchez, se vale personajes- símbolos a los que encarna y da nervio con su peculiar destreza, para anunciar la llegada posible-  de un porvenir social venturoso, en una plena etapa inmigratoria. De la mezcla y consustanciación de criollos y gringos se logrará la descendencia vigorosa, que, con poderosa fuerza idealista, se empeña  en subrayar el autor.  “La Gringa” capta el clima que impera en ciertos círculos político sociales de la época, que se suponían de avanzada, ya expresado un par de meses antes por Roberto J. Payró en “Sobre las ruinas”, y por única vez en su teatro, áspero y crítico por lo común, Sánchez entona un canto de fe y de esperanzas en el futuro.

Hedda Gabler, acosada por impulsos negativos, también es un ser estético que odia la vulgaridad. Vive sin decidirse a llevar a cabo del todo sus ambiciones, por carecer de raíces vitales que nutran su espíritu para luchar por lo que desea, aunque no sepa bien qué. Hedda es la personificación de una aristocracia del hastío que, ya sin un rumbo preciso, habrá de conducirla a la propia destrucción. Asimismo Ibsen penetró profundamente en el personaje, lo desentrañó hasta dejar en descubierto facetas insólitas del ser humano.

En una nueva emisión de Las Dos Carátulas, el equipo de Radio Nacional presentó la obra de Aristófanes, "Los Caballeros”. Asimismo esta obra se conoció por el año 325 antes de Cristo, durante las fiestas leneas o leneanas, que se celebraban en honor a Dionisos, el alegre y bullicioso dios griego de la vid y los lagares, que según se afirma, la obra obtuvo el primer premio.

Además, al mejor estilo de los griegos y posteriormente el teatro isabelino, que usan la misma modalidad como así también la comedia del Arte, el personaje de Demos, que en la obra representa al vapuleado pueblo, está interpretado en este caso por una actriz.

El emblemático ciclo de teatro por radio presenta “Sueño de una noche de verano”, de William Shakespeare.



La diversión burlesca, mezclando el reino fabuloso de las hadas y los duendes, con seres mortales de una Atenas histórica convencional. Al mejor estilo del teatro isabelino la producción opta que actores representen a actrices o que actrices interpretes personajes de hombres.

Todo ello habrá de suceder no como el simple “sueño de una noche de verano”, sino de una “noche de encantamiento”. En la Inglaterra del Siglo XVI, la fecha correspondía a la noche anterior al solsticio de verano, o sea el 21 de junio, y se llamaba “la noche mágica”, dado que todo era posible en su transcurso.

La obra de Moliere, Anfitrión, es una comedia atípica dentro de la producción del autor y a la vez, junto con "George Dandin" y "El avaro", forma parte de una trilogía escrita en 1668.



Se trata de una obra que está muy influenciada por "Anfitrión", de Plauto, y en la que el francés se sirve de la mitología, también, para criticar seguramente a su rey Luis XIV, muy afecto, según dicen, a compartir la cama con las mujeres de los marqueses que formaban parte de su corte. Existen muchos más enredos que los acostumbrados y ese juego entre lo divino y lo real le aporta, además, una mezcla de estilos muy particular, porque conviven, sin molestar, lo realista, lo cómico y lo lírico.

El emblemático teatro por radio, Las Dos Carátulas, se replicará a nivel nacional en distintas regiones del país por segunda vez. En esta ocasión se realizó en la ciudad de Ushuaia con las actuaciones de Victor Laplace, Daniel Miglioranza y un elenco integrado por actrices y actores la Provincia de Tierra del Fuego, bajo la dirección general de Miryam Strat.

Asimismo Las Dos Carátulas, "El Teatro de la Humanidad” en su versión federal presentó la obra de Florencio Sánchez , “Barranca Abajo”, que en esta emisión será desde la ciudad de Ushuaia, Tierra del Fuego.

En "Barranca Abajo" el clima que predomina es de agresión y de angustia, la agresividad se evidencia a través de la relación de las mujeres con Robustiana y Don Zoilo. La angustia está siempre presente en la figura del viejo gaucho que va quedando cercado en su íntima soledad.

Además se describe la imagen en soledad de un hombre inocente sometido a los avatares de un destino adverso. La figura de don Zoilo adquiere dimensión de trágico patetismo, no sólo por la tremenda soledad que lo rodea, sino también por la inconsistencia de las pasiones que lo arrastran a su destrucción.  Su decisión final es coherente con su personalidad: ya no hay nada, muerto su único afecto, Robustiana- que lo ate a la vida. Es un hombre manso, sin reacciones violentas. Aparece mesurado aun cuando se presiente en él una gran fuerza interior. Sus únicas expresiones de ternura están dirigidas hacia su hija menor.

Esta obra fue estrenada en Montevideo, el 26 de abril de 1905 por la compañía de José Podestá. La obra alcanzó de inmediato enorme éxito; y le valió a Sánchez ganancias que le permitieron comprar su casa en Buenos Aires.

Antiyer, obra que emitió hace instantes Las Dos Carátulas, sitúa desde un ángulo distinto al habitual, la historia del coraje suburbano y cuchillero. En Antiyer se enfoca un barrio de Avellaneda, situada a fines de la década del 30, para desmitificar a un “guapo” que no lo es, y a su madre, orgullosa por las mentadas y mentidas hazañas de su hijo.

Antiyer, fue estrenada en el teatro Independiente Nogoyá en 1966. En Enero de 1972 se animó al aire libre, en la Plaza Noruega del Barrio de Palermo, protagonizada por Josefina Ríos, Néstor Hugo Rivas, María Elena Sardi, Mario Labarden y Zelmar Gueñol, entre otros intérpretes calificados bajo la dirección de Julio Baccaro.

Seis personajes en busca de un autor, de Luigi Pirandello, es una vuelta de tuerca, violenta y audaz, que desmenuza dramáticamente los problemas de la personalidad. Mediante el doble juego de una realidad que se hace ficción al ser “representada” y una ficción que se siente más real que la propia “realidad”, se transparente la profundidad del conflicto y se alcanza el desgarrón trágico inevitable.

Asimismo, es una de las obras mayores de la dramática moderna universal. Se estrenó el 10 de mayo de 1921, en el Teatro Valle, de Roma, bajo la dirección de Darío Niccodemi.  Al año siguiente, también dirigida por el nombrado Niccodemi, llegó por primera vez al Teatro Cervantes de Buenos Aires.

El drama ha sido presentado por elencos italianos y conjuntos locales.

Por primera vez en su historia, el emblemático teatro por radio Las Dos Carátulas se replicará a nivel nacional en distintas regiones del país. La primera experiencia se realizó en el Teatro Mitre de San Salvador de Jujuy, donde se estrenó, a sala completa, "El Carnaval del Diablo", de Juan Oscar Ponferrada, con adaptación de Paola Lavin.



“El carnaval del diablo” transcurre durante “La Chaya”, el carnaval de los valles calchaquíes. Toda la obra posee un fuerte clima rural, que se particulariza desde el comienzo, al toparse Pucly, suerte de “momo rural” -como lo señala el autor- alegre y pronto para el festejo, y Chiqui, que simboliza el dolor, la fatalidad, la tragedia. Se penetra profundamente en el tema cuando los dos compadres del ritual chayero cambian sus máscaras y de alguna manera anuncian los conflictos humanos que habrán de producirse.

En “La Loba” de Francisco Defillipis Novoa, la madre soltera adquiere una dimensión inusitada para la época en que la obra fue estrenada. Mama Julia se erige en protectora de esa “Loba” que defiende a su hijo contra la hipocresía que la rodea. María Magdalena, la madre soltera en cuestión con un sórdido pasado, encuentra en esta noble mujer el sostén y el amor que la protegerá siempre. En cuanto Angélica dará su decidido apoyo para que María Magdalena pueda llevarse a su pequeño cuando su Padre Carlos viene a arrebatárselo. “La Loba” se inserta con el tratamiento de la madre soltera y su dignidad para criar a su hijo dentro del género del melodrama pero con recursos genuinos que hacen de ella una de las obras más representativas en la lucha y defensa de la madre soltera.

Las Troyanas asoma al momento en que, teniendo como fondo la ciudad de Troya en llamas, aparecen cuatro mujeres entrelazadas fuertemente con los sucesos. Hécuba, la antigua reina troyana, será convertida  en esclava del griego Ulises; Casandra su hija, doncella desorbitada por el poder de los dioses con sus evidencias y profecías, pasará a ser la concubina de Agamenón; Andrómaca, la viuda del valeroso Héctor, se verá despojada de su pequeño hijo, para ser despeñado por miedo a que, cuando fuera grande, encabezará la venganza contra los helenos ahora triunfadores; finalmente Helena, fácil ante las tentaciones del amor y diestra en argucias, por quien griegos y troyanos se destrozaron durante diez años, aguarda la decisión sobre su destino que ha quedado en manos de su esposo Menelao.

Sin embargo, Las Troyanas no es un drama guerrero; por lo contrario se la estima, y en grado sumo, como una obra anti guerrera y pacifista, por la denuncia de horrores semejantes, debido a la fuerza trágica que posee y por el grito clamante y desgarrado en contra de la guerra.

En una nueva propuesta de Las Dos Carátualas, presentan la obra de Friedrich Schiller, "La Doncella de Orleans”, que es una obra para reflexionar acerca de los valores revolucionarios, una apuesta a la construcción de una identidad tan romántica como rebelde con causa.

Juana nació en 1412 en Domrémy, Francia. Fue una joven campesina que dirigió al ejército francés contra los soldados ingleses durante la Guerra de los Cien Años. Llamada "la Doncella de Orleáns", es para los franceses su santa patrona y heroína nacional. A la edad aproximada de 13 años, Juana empezó a oír "voces" que le encomendaron la misión de liberar a Francia de la dominación inglesa, quienes en ese momento asediaban Orleáns.

Después de ser interrogada por un grupo de teólogos, se convenció al príncipe de que reagrupase sus tropas y las enviase a los campos de batalla bajo el mando de Juana con el fin de liberar la ciudad. La liberación de Orleáns y la coronación del delfín hicieron renacer las esperanzas del pueblo Francés.

Capturada y vendida a los ingleses. Éstos últimos querían verla ejecutada pero eran reacios a aceptar la responsabilidad de tal acción, por lo que la entregaron a un tribunal eclesiástico en Rouen. Allí fue juzgada bajo la acusación de herejía y brujería y los jueces declararon sus visiones como diabólicas. El 30 de mayo de 1431 fue quemada viva en la hoguera en Rouen, cuando finalmente se restauró el orden en Francia, Juana fue rehabilitada en un juicio formal en 1456 ordenado por Carlos VII.

El mismo rey que no había hecho nada para salvarla cuando aún estaba viva.

“M'hijo el dotor” , obra que emitió Las Dos Carátulas, se estrenó en el Teatro de la Comedia, capitalino, el 13 de agosto de 1903 y es una pieza fundamental de la creación de Florencio Sánchez. El realismo tuvo en él una expresión descollante, pero debe reconocerse que su inteligente equilibrio le permitió evitar todo exceso y dar una obra fuerte, vivaz, vibrante, que también es un testimonio social inconfundible de una época. Asimismo la transformación del país, la antinomia de la ciudad y el campo quedaron reflejados con trazos magistrales, además del sentido de la arquitectura teatral y visión de los cambios sociales subrayan sus méritos.

Por consiguiente la obra trata de un viejo campesino de estirpe gaucha que muere sin perdonar lo que juzgaba severamente como la traición de su hijo, Doña Mariquita, por sobretodos los desencantos que puede producir el comportamiento de su hijo, se erige como la madre tierra, protectora, sosteniendo hasta el final a Julio.

“El reloj de Baltasar”, de Carlos Gorostiza desarrolla una trama singular como inquietante, de tomarse como realidad concreta la situación que se plantea. El protagonista, El Baltasar que da título a la pieza, aparece “condenado”, a vivir eternamente. Por una circunstancia muy particular, su organismo ha quedado detenido en el tiempo, en una madurez que trastorna al personaje y sobresalta a quien, por su condición de médico investigador especialista en la materia, se compromete a curarlo del extraño mal que lo aqueja, dado que el personaje así lo considera.

"El Rey Lear", de William Shakespeare, es una obra que abarca las más profundas emociones humanas. El amor, la corrupción, la rabia, el humor, la fragilidad, la vejez; desde el amor más puro hasta el más cruel egoísmo atraviesan esta tragedia, cuya temática seguirá siendo actual mientras la humanidad exista.

Las dos carátulas presenta Las Nueve tías de Apolo, estrenada en 1958, en el Nuevo Teatro bajo la dirección de Alejandra Boero y Pedro Asquini.

“Comedia para sobrinos” la subtitula Ferrari, quien advierte que “bordea la farsa, el apólogo moral y la comedia de costumbres”. El trasfondo aflora con nitidez plena al escucharse, en el parlamento final, que “de nada sirve la divina perfección de Apolo sin la humana inquietud de Prometeo”. A través de las graciosas escenas que se desarrollan en el Parnaso doméstico, que conforman las señoritas Garmendia, en su vieja quinta bonaerense de Temperley, se aprecia la destreza del autor y los alcances de su intencionalidad trascendente.

Una mujer sin importancia nos muestra un Oscar Wilde sumamente crítico de la aristocracia inglesa, curiosamente moderno en cuanto a la independencia de la mujer, siempre manteniendo la agudeza de conceptos por la cual es famoso: "las mujeres son cuadros, los hombres son problemas", "si querés saber la verdad de lo que es una mujer- y eso es siempre algo muy arriesgado- mirala, y no la escuches", "no hagan una ley para los hombres, y otra para las mujeres".

Con “El abanico de Lady Windermere”, Oscar Wilde destacaba la importancia de la labor teatral que habría de marchar paralela con la de su coterráneo George Bernard Shaw.

Ambos asumieron una actitud diferente pero igualmente crítica ante la sociedad de su tiempo, cada uno desde sus propias inquietudes y talento.

Algunos críticos señalan que “El abanico de Lady Windermere”, que data de 1892, es la mejor obra teatral de Wilde (aún sobre “La importancia de llamarse Ernesto”, tan famosa como celebrada).

Es evidente que la comedia posee elementos escénicos muy bien manejados pues, sin desdeñar ciertas cercanías peligrosas con el melodramatismo finisecular, consigue una articulación ágil y elegante, típicamente wildeana.

"El abanico de Lady Windermere" se estrenó en el teatro Haymarket de Lóndres con éxito resonante el 19 de Abril de 1892.

Lo que le pasó a Reynoso de Alberto Vaccarezza fue estrenada en el Teatro Nacional por la Compañía Enrique Muiño- Elias Alippi.

El 18 de Febrero de 1937 fue llevada a la pantalla grande con guion y dirección de Leopoldo Torres Ríos, tuvo como protagonistas a Florén Delbene, Luis Arata, Herminia Franco y Teresa Serrador.

En 1955 se conoce su segunda versión donde se inaugura el sistema ferraniacolor.

Fueron sus protagonistas  Florén Delbene, Pola Alonso, Egle Martin, Benita Puertolas entre otros.

En La señorita Julia, Strindberg presenta un perfil negativo sobre el mundo femenino, y especialmente sobre la denominada nueva mujer, ambiciosa y literaria, que se ve reflejada en el texto en la crudeza con que los hechos se presentan y en la intensidad con que el autor desciende al fondo de las almas, extrayendo los impulsos del instinto y dejando a un lado cualquier justificación de origen pseudocientífico sobre las leyes hereditarias y la educación.

Esta pieza fue llevada al cine en 1951 por el director sueco Alf Sjöberg y sobre ella se escribió un ballet, coreografiado por la sueca Birgit Cullberg en 1950, además de una ópera creada por el compositor norteamericano Ned Rorem en 1965.

En esta edición de Las Dos Carátulas bajo la conducción de Nora Massi, las obra en emisión es El debut de la Piba, de Roberto Lino Cayol, que se estrenó en el Teatro Nuevo de Buenos Aires en abril de 1916.

Los principales papeles de la obra se hallaban a cargo de Rosa Catá, Enrique Muiño, Elías Alippi y Enrique Arellano.

Asimismo el equipo de Radio Nacional presentó Mentiras Criollas, de Julio Escobar. La obra entretiene, tiene un breve toque sentimental y se adecua al gusto popular de la época. Mentiras Criollas se estrenó en el viejo teatro Apolo el 30 de octubre de 1930 por la compañía encabezada por Olinda Bozán acompañada entre otros por Rosita Arrieta, Paco Busto, Miguel Ligero, Luis Laino con dirección de éste último.

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En esta emisión de Las Dos Carátulas, la obra de William Shakespeare esconde lúcidas reflexiones acerca de la justicia que es injusta llevada al extremo; y del riesgo que es necesario asumir si se quiere triunfar. Aunque el tema central (la extracción de la libra de carne) sea tan cruel y trágico, Shakespeare hábilmente distrae de él al espectador mediante las escenas que se desenvuelven en la villa de Porcia; de manera que, por ejemplo, después de la escena culminante del proceso, que dejará una impresión fuerte y amarga, podemos deleitarnos en la sublime poesía de la noche lunar, con la música y el diálogo de los amantes.

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Los Hijos del sol trata sobre un grupo de intelectuales, -científicos y artistas- que discurren sobre el futuro y los cambios venturosos de la humanidad, pero son incapaces de comprender la situación de tensiones sociales que los rodean.

Mientras ellos hablan de arte, de ciencia, de amor, alrededor se desata una epidemia de cólera.

El texto, escrito por Máximo Gorki en la cárcel luego de ser apresado en los tiempos de la revolución de 1905 en la Rusia zarista, describe con agudeza la inutilidad del pensamiento pseudoprogresista de una sociedad en decadencia.

Un grupo de adolescentes experimenta cambios físicos y emocionales propios de su edad. Sin embargo, estas fuerzas desatadas en su naturaleza interior chocarán con las normas morales y las prohibiciones sociales. El pudor con el que se aborda el tema de la sexualidad no permite llamar a las cosas por su nombre, relegándolas al silencio y a la oscuridad.

Virginia Lago junto a un elenco de primeros actores, interpretan la obra de Florencio Sánchez, Los Derechos de la Salud. La obra trata de Luisa, Esposa y madre aún joven que ha ido perdiendo los derechos de la vida. No es su enfermedad lo que la condena, sino la conmiseración de su marido y su hermana que han ido acostumbrándose prematuramente a una muerte que todavía no llega.  Una historia familiar cruzada por las connotaciones de una enfermedad paradigmática de comienzos de siglo: la tuberculosis. Pero en otro plano, lo que se desarrolla es la serie de estrategias que adoptan los habitantes de la casa para convencer a la enferma de que lo suyo no es grave. Sumado a esto, se nos ofrece la imagen auto condenatoria y exagerada que la enferma insinúa de sí misma, con deseo y temor, para saber la verdad.

Año 1938, en un pueblo de la pampa bonaerense. Afamada por una belleza que conquista a todos los forasteros que llegan al pueblo, Rosalía se encariña con un abogado recién arribado de Buenos Aires. Entre chismes, desengaños y comentarios por lo bajo, ella se mantendrá fiel a su historia, en la búsqueda de un amor que no siempre es correspondido.

Alejandro Dumas hijo presenta a Margarita Gautier como una mujer independiente, decidida, resuelta. Frente a las damas sujetas a la dominación patriarcal tradicional , ella representa un nuevo tipo de fémina, autónoma y ansiosa por disfrutar de lo que le ofrece la vida.  Margarita es toda una creación: su personalidad vivaracha, su ansia por el placer o su desprecio por la opinión ajena son características inéditas en una protagonista del sexo femenino, lo cual, por sí solo, constituye un mérito de la obra que debe ser muy tenido en cuenta.

En esta edición de Dos Caratulas, un elenco de primeros actores interpretan la obra Como Gusteis de William Shakespeare. Hace unos trescientos años,  Shakespeare no sabiendo que hacer con sus personajes, los puso a jugar en los bosques. Permitió que una muchacha se disfrazara de muchacho y se divirtió especulando sobre el efecto de la curiosidad femenina.

Como si de un chiste se tratara, Carlo Goldoni presenta a un francés, un español y un italiano, con los rasgos típicamente característicos de sus respectivas nacionalidades, empeñados en enamorar a la viuda Rosaura, quien recibe a cada uno de los tres, siempre aconsejada por su criada Marionette.

Realidad y ficción, comportamientos sociales y acciones escénicas, seres humanos que se encuentran en un mundo fatalmente contradictorio y personajes de teatro que actúan en el marco de una peripecia cuidadosamente urdida.

Actriz invitada, Dorys del Valle.

Delirio de Grandezas, de José Antonio Saldías, fue estrenada el 21 de junio de 1919 en el Teatro Nuevo de Buenos Aires por la compañía de Orfilia Rico y Pablo Podestá. La obra fue escrita especialmente para la actriz Orfilia Rico.

En “La Madrecita”, Sara es una individualidad recia, pero predominan su hondura, su comprensión y su capacidad para perdonar, ante el comportamiento pasional, ofensivo y hasta un tanto dislocado de Jorge, su marido. Por eso es no solo “la madrecita” de sus hijos, sino también del padre de esos hijos, a quien, a pesar de todo lo que la ha agraviado y hecho padecer, la mujer lo nombrará, con gran ternura, su “hijo mayor”.

“La madrecita” fue estrenada por la Compañía de Camila Quiroga, en el teatro Liceo de Buenos Aires, el 12 de agosto de 1920. Sara estuvo animada por la nombrada primera actriz, secundada por Carmen Casnell, Gloria Ferrandiz, Alemany Villa, Carlos Perelló y Guillermo Battaglia, entre otros intérpretes.