Prohibido contar ovejas

Festejamos 450 ediciones, con el estomago lleno, y con mucho rock, el tributo al pionero Juan Atkins y la cinta sobre la campeona Sandra Sánchez En esta nueva edición de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el equipo capitaneado por Felipe Couselo celebra la emisión del programa número 450 en un ambiente distendido y gastronómico. La tertulia arranca con el análisis culinario de los manjares llevados al estudio por los colaboradores, entre los que destacan los torreznos caseros de Daniel Palacios y la tarta de queso aportada por Isaac Vizcaíno, antes de dar paso al habitual repaso a la actualidad musical, teatral y cinematográfica. El bloque de novedades musicales comienza con el debate en torno al canadiense Bryan Adams y su reciente lanzamiento How It's Going, anticipando su próxima gira española. A continuación, Daniel Palacios destaca el regreso discográfico de Queens of the Stone Age con canciones como Runaway From The Mob, en la que colabora Dave Grohl a la batería, además de confirmar sus fechas de conciertos en Bilbao, Sevilla y Valencia. Asimismo, se descubren las guitarras analógicas de la banda debutante estadounidense The Heathers y su álbum Awesome, para cerrar el tramo con el rock industrial de Ministry y su disco de despedida Hopeless to Go... liderado por Al Jourgensen. Por su parte, Isaac Vizcaíno dedica su sección a los sonidos electrónicos y rinde homenaje al recientemente fallecido Juan Atkins, considerado uno de los padres fundadores del techno de Detroit al frente de proyectos como Model 500 y Cybotron. Además, analiza la contundencia sonora en directo del trío portugués MÁQUINA tras su concierto en Madrid, caracterizado por fusionar el krautrock y el ritmo motorik únicamente con bajo, batería y guitarra sin sintetizadores. Completa el apartado con el mítico productor Jeff Mills y su serie de grabaciones Gamma Rays, recuperando clásicos concebidos para sus sesiones en Tokio con la legendaria caja de ritmos Roland TR-909. En el ámbito escénico, Alma Espinosa recomienda la obra teatral Menú degustación, que se representa en el Teatro Infante Isabel de Madrid. Dirigida por Carlos Aladro y con texto de Jordi Casanovas, la pieza teatral está protagonizada por Carlos Santos, Raúl Fernández de Pablo y Nacho López. La trama se centra en el reencuentro de tres amigos de mediana edad que acuden a cenar al restaurante con estrella Michelin regentado por uno de ellos, donde una velada aparentemente frívola de confidencias masculinas sobre fútbol y conquistas da un giro hacia el drama íntimo para desmontar arquetipos y reflexionar sobre la vulnerabilidad emocional. El crítico cinematográfico Juanma González repasa los estrenos de la cartelera, deteniéndose en la secuela japonesa Godzilla Minus Zero, continuación de la galardonada cinta de Takashi Yamazaki, donde el clásico monstruo sirve de trasfondo histórico y parábola sobre el trauma nuclear en el Japón de la posguerra. En segundo término, analiza la monumental producción gala Los miserables, adaptación de tres horas de la obra de Víctor Hugo enfocada con pulso de suspense de época. Finalmente, reivindica en taquilla a la cinta española Karateka, un largometraje biográfico centrado en los sacrificios y el triunfo olímpico de la campeona mundial Sandra Sánchez. Para concluir la noche, Felipe Couselo presenta las novedades anglosajonas con un adelanto navideño firmado por Alanis Morissette, Good Weather for Immaculate Conception, junto al pop acústico de Kings of Leon, la agresividad de los australianos Party Dozen y el sonido garajero de Twisted Twins, despidiendo el programa con el post-rock ambiental del británico Steven Wilson.

Repaso a la trayectoria del artesano que modeló el sonido de Pantera, Soundgarden y Deftones sin imponer su firma sobre la identidad de cada grupo. El espacio radiofónico Prohibido contar ovejas dedica un exhaustivo monográfico a la figura de Terry Date, uno de los productores discográficos más determinantes en la evolución del heavy metal, el thrash y el rock alternativo durante las décadas de los ochenta y noventa. A diferencia de otros productores reconocidos como Ross Robinson o Rick Rubin, caracterizados por imponer un sello propio sobre las bandas, Date es definido en el programa como un auténtico artesano del sonido, cuya virtud radica en poner toda la técnica a disposición de los músicos para extraer exactamente el resultado que cada grupo persigue. Los inicios de su trayectoria profesional quedaron marcados por su aportación al sonido de formaciones clave en la década de los ochenta. Su primer trabajo relevante llegó con el debut homónimo de Metal Church en 1984, donde sobresale la nitidez y el equilibrio instrumental en temas como Beyond the Black. Posteriormente consolidó su prestigio en el género con producciones de gran complejidad técnica, entre las que destacan The Years of Decay de Overkill y la primera referencia de estudio de Dream Theater, titulada When Dream and Day Unite. Con la llegada de los años noventa y la explosión del sonido de Seattle, la versatilidad de Date le permitió adaptarse al nuevo paradigma sin perder contundencia. El productor fue el encargado de moldear Apple, el único disco de estudio de Mother Love Bone, y resultó una pieza decisiva en el despegue internacional de Soundgarden al firmar álbumes tan influyentes como Louder Than Love y Badmotorfinger, trabajos que cimentaron la antesala del posterior triunfo masivo de la banda encabezada por Chris Cornell. Uno de los capítulos más brillantes de su carrera tuvo lugar junto a Pantera, a quienes acompañó en su radical transición estilística hacia el groove metal. Date logró canalizar y cohesionar el inmenso talento de cuatro personalidades arrolladoras —Phil Anselmo, Dimebag Darrell, Rex Brown y Vinnie Paul— a través de obras fundamentales como Cowboys from Hell y Vulgar Display of Power, culminando en un histórico número uno en las listas de ventas con el lanzamiento de Far Beyond Driven en 1994. A lo largo de esa misma década, Date mantuvo un ritmo frenético de trabajo en el que demostró su pericia con géneros híbridos. Condujo a White Zombie hacia su cenit sonoro en Astro-Creep: 2000 y revalidó su éxito comercial con Limp Bizkit en álbumes superventas como Significant Other. No obstante, el productor siempre ha señalado que su mayor logro artístico se produjo junto a Deftones, especialmente en White Pony, disco cumbre lanzado en el año 2000 donde combinó la fuerza del metal alternativo con texturas atmosféricas y recursos pop. El legado del productor estadounidense sigue presente en producciones modernas como las de Bring Me the Horizon en su álbum Sempiternal, donde se percibe esa misma capacidad para potenciar el sonido sin domesticar la energía de las guitarras. Tras el repaso discográfico, el programa despide la emisión al compás de la canción No Stars, interpretada por Rebekah Del Rio dentro del universo sonoro de la serie televisiva Twin Peaks.

El 'big beat' dominó las pistas en los noventa con The Prodigy o Fatboy Slim, un sonido arrollador que alcanzó su cumbre en 1997. La década de los noventa fue un periodo de enorme efervescencia musical en el que florecieron corrientes tan diversas como el britpop, el grunge o el trip-hop. En este contexto destacó con fuerza el big beat, un subgénero electrónico eminentemente británico que, a diferencia de otros estilos coetáneos, no ha experimentado un movimiento de nostalgia o revisión en la actualidad. Su impacto en las pistas de baile y en la cultura popular de aquellos años resultó formidable, definiendo el pulso de toda una generación. Musicalmente, esta corriente se sustenta sobre una base rota y acelerada, similar al compás sincopado del electro pero ejecutada a una velocidad superior y con un enfoque marcadamente festivo. La seña de identidad del sonido reside en sus baterías contundentes, caracterizadas por bombos y cajas de gran relieve que dotan a los temas de una pegada monumental. El movimiento alcanzó su momento de máximo esplendor en 1997, año en el que vieron la luz las producciones más determinantes y comerciales de la escena. Uno de los grandes artífices de la difusión y masificación del género fue Norman Cook, universalmente conocido bajo el alias artístico de Fatboy Slim. Tras su etapa como bajista en The Housemartins, Cook fundó en 1995 el club The Big Beat Boutique en la ciudad costera de Brighton, acuñando y expandiendo la etiqueta musical. Con sencillos de alcance global como The Rockafeller Skank, sus sesiones se convirtieron en auténticas celebraciones multitudinarias basadas en la energía del directo y la combinación constante de muestreos vocales. Por su parte, The Chemical Brothers ejercieron de pioneros e impulsores fundamentales de este sonido desde principios de los años noventa con grabaciones tempranas como Song to the Siren. El dúo británico alcanzó una de sus cotas de mayor impacto mediático y comercial con el lanzamiento de Block Rockin' Beats, pieza que sintetizó a la perfección la unión entre el funk más rápido y la distorsión electrónica, situándolos a la vanguardia de la música electrónica mundial. La vertiente más agresiva y heredera del espíritu inconformista del punk estuvo encarnada por The Prodigy. Procedentes del circuito de las raves británicas y capitaneados por Liam Howlett, consolidaron su transición hacia este sonido arrollador con el álbum The Fat of the Land. Su corte principal, Firestarter, logró traspasar todas las fronteras estilísticas al desembarcar con asiduidad en las radiofórmulas generalistas, demostrando el alcance comercial de una música tan contundente. Entre los precursores esenciales que abonaron el terreno para la eclosión del estilo sobresale el grupo Meat Beat Manifesto gracias a su influyente trabajo en Radio Babylon a comienzos de la década. Esta formación logró tender un puente pionero al combinar la frialdad maquinal de la música industrial con la rítmica y los recursos de producción propios del hip-hop, anticipando las fórmulas que poco después dominarían los clubes británicos. La banda Apollo 440 aportó una sonoridad singular al mezclar ritmos frenéticos próximos al drum and bass con guitarras deudoras del rock de estadio. Himnos como Stop the Rock y su conocida revisión electrónica de la sintonía de Perdidos en el espacio certificaron la conexión directa del género con el cine y la industria de los videojuegos, campos donde estas composiciones aceleradas encontraron un escaparate idóneo. Otra referencia imprescindible del periodo fue el dúo Propellerheads con su álbum Decksandrumsandrockandroll, publicado también en 1997. De este disco formó parte Spybreak!, composición ampliamente recordada por su inclusión en la emblemática banda sonora de Matrix y por servir de sintonía al formato televisivo Caiga quien caiga en España, demostrando la enorme versatilidad narrativa que ofrecían estos arreglos instrumentales. Aunque el epicentro del fenómeno radicó en el Reino Unido, Estados Unidos aportó una notable excepción con The Crystal Method y su exitoso Busy Child. Paralelamente, otros proyectos como Death in Vegas exploraron senderos menos convencionales a través de temas como Dirt, distanciándose del hedonismo playero para abrazar texturas más hipnóticas influidas por el krautrock y el ruidismo. El repaso concluye con piezas desenfadadas como Bentley's Gonna Sort You Out! de Bentley Rhythm Ace, sustentada en el inconfundible timbre ácido del sintetizador Roland TB-303, y el clásico Ooh La La de The Wiseguys. En la valoración final se remarca que las canciones adscritas a esta etiqueta requerían una gran destreza a la hora de mezclarse en cabina debido a sus estructuras complejas y su acusada personalidad rítmica, muy alejada de la linealidad previsible de estilos como el techno o el house.

Homer poseído, Bart convertido en vampiro o mutado en insecto: analizamos los míticos capítulos de miedo de la célebre serie animada de Fox. El equipo del programa dedica su espacio televisivo a repasar algunos de los episodios y fragmentos más emblemáticos de los especiales de Halloween de Los Simpson, conocidos popularmente como La Casa-Árbol del Terror. A lo largo de sus más de tres décadas de emisión, estas entregas anuales se han consolidado como una tradición indispensable para los seguidores de la animación, ofreciendo un formato en el que las reglas habituales de la serie se suspenden por completo para dar rienda suelta al absurdo y al humor negro. En estos especiales, la continuidad de la trama principal no importa: cualquier personaje puede morir, adoptar roles monstruosos o transformarse sin que afecte a la serie regular. La tertulia destaca cómo estas historias han marcado a generaciones enteras y cómo su éxito ha derivado en recopilaciones específicas en plataformas de emisión y en ediciones de coleccionista en papel, codiciadas por los aficionados al cómic y a la comedia de terror. El primer relato destacado es la parodia vampírica de la quinta temporada, emitida en 1993, en la que el señor Burns asume el rol del conde en una recreación cómica del clásico cinematográfico de Francis Ford Coppola. En esta historia, Bart Simpson es convertido en vampiro, lo que desata las sospechas de su hermana Lisa en medio de una tenebrosa mansión. Durante la conversación, los colaboradores evocan también referencias cruzadas de su infancia y juventud vinculadas a este tipo de relatos, como las novelas juveniles y adaptaciones del género. La segunda elección viaja hasta la décima temporada, emitida en 1998, con la historia protagonizada por el cabello maldito del convicto Snake. Tras ser ejecutado en la silla eléctrica por sus crímenes, sus órganos y su melena son trasplantados, recayendo este último injerto en Homer. El peluquín cobra vida y voluntad propia, poseyendo al patriarca de la familia para ejecutar una sangrienta venganza contra quienes testificaron en su contra, dando lugar a una delirante sátira sobre los trasplantes con personalidad propia. El tercer fragmento seleccionado corresponde a la novena temporada, estrenada en 1997, inspirada directamente en la película de culto La mosca. En esta ocasión, Homer compra una máquina de teletransporte en una venta de garaje a un precio ridículo, utilizándola con pereza para evitar caminar hasta el cuarto de baño. Sin embargo, la imprudencia de Bart al meterse en la cabina junto a un insecto provoca una mutación genética inmediata, resultando en un intercambio de cabezas entre el niño y la mosca. En cuarto lugar, los tertulianos rememoran el sangriento episodio de la duodécima temporada, del año 2000, centrado en la rebelión marina. Lisa, guiada por su activismo bienintencionado, libera del cautiverio a Snorky, un delfín que resulta ser el líder de una civilización milenaria oculta en el océano. Este acontecimiento desemboca en una violenta invasión de delfines armados que logra expulsar a todos los habitantes de Springfield hacia el mar para reconquistar la superficie terrestre. La última gran historia analizada pertenece a la sexta temporada, emitida en 1994, considerada por el equipo como una de las cumbres de la animación: la parodia de El Resplandor. Encargados de cuidar la mansión de invierno del señor Burns desprovista de telecomunicaciones y bebidas alcohólicas, Homer sufre una pérdida total del juicio, dejando para la posteridad frases memorables de la historia televisiva que los propios colaboradores confiesan seguir utilizando de forma cotidiana. Para concluir, los miembros del programa recuerdan con nostalgia otros hitos imborrables de la antología terrorífica de la serie, entre los que figuran la célebre lectura de El cuervo de Edgar Allan Poe, el muñeco homicida de Krusty el payaso, el hermano siamés oculto en el desván o la recurrente presencia de los extraterrestres Kang y Kodos, demostrando la profunda huella dejada por la ficción en la cultura popular contemporánea.

De 'Twin Peaks' y la electrónica británica a las parodias de 'Los Simpson' y el rock de Pantera: un exhaustivo repaso sonoro y televisivo Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, capitaneada por Felipe Couselo y con la participación habitual de Isaac Vizcaíno, Miriam García, Dani Palacios y Juanma González, arrancó entre bromas sobre la indumentaria del equipo, anécdotas de vestuario y los preparativos para la tradicional cena navideña de Libertad Digital. En la sección inicial de retrospectiva, Isaac Vizcaíno recuperó el tema She's Gone Away de Nine Inch Nails para recordar el regreso televisivo en 2017 de Twin Peaks. Bajo la dirección de David Lynch, la tercera temporada de la célebre serie retomó la historia veinticinco años después de su final original, alejándose de las respuestas fáciles para abrir nuevos enigmas cinematográficos arropados por una banda sonora monumental que incluyó actuaciones en el Roadhouse de artistas como Chromatics, Eddie Vedder o Julee Cruise. A continuación, Vizcaíno dedicó un monográfico musical al Big Beat, subgénero de la música electrónica nacido en la década de los noventa en el Reino Unido. Este sonido se caracterizó por sus ritmos acelerados sincopados de compás cuatro por cuatro, sus contundentes líneas de batería con cajas prominentes y una marcada influencia del rock, el funk y el hip hop más bailable. El recorrido por este fenómeno repasó a sus figuras capitales, empezando por Fatboy Slim y su mítico club Big Beat Boutique de Brighton, pasando por The Chemical Brothers y su tema Block Rockin' Beats, hasta alcanzar la explosión comercial de The Prodigy con Firestarter dentro de su álbum The Fat of the Land. También sonaron referentes esenciales como Apollo 440 y su recordada revisión de Lost in Space, la banda sonora de The Matrix con el tema Spybreak! de Propellerheads, The Crystal Method, Death in Vegas y The Wiseguys con su éxito Ooh La La, canciones que definieron la escena de música electrónica de finales de siglo. El bloque dedicado a la televisión estuvo a cargo de Miriam García, quien desgranó sus momentos predilectos de los especiales de Halloween de la serie de animación The Simpsons. Estos episodios recopilatorios, conocidos popularmente como La casa-árbol del terror, constituyen una tradición anual que subvierte las reglas del universo de Springfield para homenajear o parodiar al cine de género. Entre los fragmentos más destacados, el equipo rememoró la sátira de Bram Stoker's Dracula con el señor Burns encarnando al vampiro; el trasplante capilar asesino en Hell Toupée con el pelo de Snake poseyendo a Homer; la parodia de The Fly protagonizada por Bart; la rebelión armada de los cetáceos liderada por el delfín Snorky y, muy especialmente, la célebre recreación de The Shining de Stanley Kubrick en la que Homer enloquece bajo la ya clásica premisa: "Sin tele y sin cerveza Homer pierde la cabeza". La tertulia recordó también los orígenes del formato con la lectura del poema El cuervo de Edgar Allan Poe y las recurrentes apariciones de los extraterrestres Kang y Kodos. Por su parte, Dani Palacios centró su intervención en la figura del productor musical estadounidense Terry Date. A diferencia de otros productores reconocidos por imponer un sello estético invasivo sobre sus proyectos, Date destacó como un artesano sonoro capaz de respetar la identidad de cada formación y potenciar al máximo sus virtudes sin desvirtuar su estilo primigenio. A través de varios cortes musicales, Palacios ilustró la trayectoria de Date desde sus inicios en el thrash metal ochentero con Metal Church y Overkill, su colaboración en el debut de Dream Theater o el disco Apple de Mother Love Bone, hasta consagrarse como pieza clave del sonido alternativo de los noventa. Su labor técnica fue decisiva en el despegue de Soundgarden con Badmotorfinger, en la reinvención agresiva de Pantera con Vulgar Display of Power y Far Beyond Driven, en el sonido industrial de White Zombie, en el éxito multitudinario de Limp Bizkit con Significant Other y en la cumbre compositiva de Deftones con el aclamado álbum White Pony, reafirmando a Date como uno de los nombres fundamentales del rock pesado contemporáneo.

Felipe Couselo repasa las canciones que lideraron las listas de ventas británicas y estadounidenses, desde Elvis hasta The Beatles. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, dedica su edición número 478 a repasar grandes éxitos discográficos que alcanzaron el número uno de las listas de ventas un 4 de noviembre a ambos lados del Atlántico, comparando las clasificaciones británicas y las estadounidenses de Billboard a lo largo de varias décadas. El recorrido musical comienza en el año 1953 con el éxito de Les Paul y Mary Ford interpretando Vaya con Dios, que lideró la lista norteamericana durante once semanas. Couselo aprovecha la pieza para reflexionar sobre cómo la música cruzaba el océano con mayor lentitud en aquella época y cómo la técnica de guitarra de Les Paul transformó por completo la música popular contemporánea. Cuatro años más tarde, en 1957, la lista británica estaba encabezada por Buddy Holly y The Crickets con That'll Be the Day, composición inspirada en la película Centauros del desierto de John Wayne y pieza fundacional para numerosas bandas inglesas, entre ellas The Beatles. Mientras sonaba en el Reino Unido, en Estados Unidos el puesto de honor lo ocupaba Elvis Presley con Jailhouse Rock. El propio Elvis Presley protagoniza el repaso de 1960 gracias a It's Now or Never, su adaptación de O sole mio, que conquistó las listas británicas vendiendo decenas de millones de copias y demostrando la versatilidad vocal del artista más allá del rocanrol tradicional. En territorio estadounidense, mientras tanto, el liderato recaía en The Drifters con Save the Last Dance for Me. La factoría de Detroit y el sonido Motown asumen el protagonismo de 1964 con The Supremes y su clásico Baby Love, compuesto por el reputado trío Holland-Dozier-Holland, copando la primera plaza en Estados Unidos. Por su parte, en las islas británicas triunfaba Sandie Shaw interpretando la composición (There's) Always Something There to Remind Me de Burt Bacharach y Hal David. En 1965 se produjo una coincidencia transatlántica con The Rolling Stones situando en lo más alto de ambos mercados su enérgico Get Off of My Cloud. Apenas un año después, en 1966, el trío creativo de la Motown volvía a dominar en el Reino Unido de la mano de The Four Tops con Reach Out I'll Be There, mientras en las listas americanas imperaba The Monkees con Last Train to Clarksville. La llegada de 1968 trae consigo el análisis de Hey Jude de The Beatles, un tema concebido por Paul McCartney para apoyar al hijo de John Lennon tras la separación matrimonial de sus padres. Pese a romper las normas comerciales radiofónicas por superar los siete minutos de duración, se convirtió en un himno universal, compartiendo protagonismo temporal con Mary Hopkin y su célebre Those Were the Days. La década de los setenta queda inaugurada en el espacio con el éxito en 1971 de Rod Stewart y su emblemático Maggie May, perteneciente al álbum Every Picture Tells a Story, que despegó hacia el número uno impulsado por la mandolina de Ray Jackson. En 1972, el texano Johnny Nash introdujo los ritmos jamaicanos en la cúspide de Billboard gracias a la célebre I Can See Clearly Now. La alianza compositiva formada por Elton John y Bernie Taupin dominó Norteamérica en noviembre de 1975 mediante Island Girl, canción que contó con la participación del sintetizador de James Newton Howard. Por aquellas mismas fechas, en el Reino Unido triunfaba la reedición especial de Space Oddity de David Bowie. El bloque dedicado a las bandas sonoras cinematográficas cobra fuerza con el año 1978, cuando el fenómeno musical de Grease situó a John Travolta y Olivia Newton-John en el primer puesto británico con Summer Nights. Esta tendencia continuó en 1982 gracias al dueto formado por Joe Cocker y Jennifer Warnes en Up Where We Belong, tema central de la cinta Oficial y caballero que obtuvo el premio Oscar. La recta final del programa aborda los años ochenta con Berlin y la balada Take My Breath Away perteneciente a Top Gun en 1986, el pop adolescente de Tiffany con I Think We're Alone Now en 1987 y el regreso triunfal de The Beach Boys con Kokomo en 1988 gracias al filme Cocktail. La emisión concluye en 1990 recordando el renacimiento de Unchained Melody de The Righteous Brothers, catapultada al número uno un cuarto de siglo después de su grabación gracias a su inclusión en la película Ghost.

El influjo del rebelde autor inglés recorre obras cumbre del folk y la contracultura, desde Donovan hasta The Verve. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, presentado por Felipe Couselo, dedica su entrega a desgranar la profunda huella que dejó William Blake en la música popular contemporánea. Considerado mucho más que un autor literario, el artista británico aunó poesía, grabado, pintura y misticismo, legando un imaginario rebelde que sedujo a generaciones enteras de creadores dentro del rock, el folk y las corrientes contraculturales. El recorrido se inicia con la figura de Allen Ginsberg, quien en 1969 llevó al formato musical las obras cumbres del poeta en su disco Songs of Innocence and of Experience. Acompañado por músicos de jazz, el referente de la generación beat pretendió atrapar el espíritu visionario del escritor inglés para sintonizarlo con las inquietudes sociales y artísticas de su propia época. La reivindicación de su figura también abarca su entorno más íntimo de la mano de Frank Turner y su tema I Believed You, William Blake, perteneciente al álbum No Man's Land. La composición rinde tributo a Catherine Blake, esposa del autor, cuya devoción y trabajo manual iluminando grabados resultaron fundamentales para preservar una producción artística ignorada por la sociedad de su tiempo. La obra de madurez espiritual de Bob Dylan también bebe directamente de este influjo en canciones como Every Grain of Sand, perteneciente a su trabajo Shot of Love de 1981. En plena etapa evangélica, el músico de Minnesota reformula los célebres versos de los augurios de inocencia para reflexionar sobre la redención, el sentimiento de culpa y la experiencia mística ante lo cotidiano. El influjo del grabador londinense cruzó asimismo las fronteras anglosajonas para calar en el rock español de la mano de Enrique Bunbury. Al frente de Héroes del Silencio concibió El camino del exceso, pieza angular de El espíritu del vino inspirada en los proverbios infernales de El matrimonio del cielo y el infierno, donde se aborda la búsqueda de los límites frente a la moral convencional y la libertad de elección del individuo. En el ámbito del britpop y el rock independiente inglés destacan aproximaciones como la de The Verve en History, corte de 1995 donde Richard Ashcroft toma el inicio del poema London para ambientar un doloroso paseo urbano y existencial. Años después, la formación londinense Bloc Party situaba en Ion Square una peregrinación sentimental vinculada a la búsqueda de la tumba del genial ilustrador en Bunhill Fields. La compositora Patti Smith representa otra de las devociones más sinceras hacia el poeta, plasmada en My Blakean Year dentro de su disco Trampin'. La dama del punk encuentra en las penurias materiales y la incomprensión sufridas por el artista un espejo donde reafirmar la vocación creadora por encima de los aplausos del público o las dificultades del entorno vital. Las metáforas sobre las emociones humanas adquieren tono íntimo con Beth Orton y su lectura de A Poison Tree en Sugaring Season, adaptando los versos sobre la cólera acumulada a su dolencia física. En el plano psicodélico de los años sesenta, Donovan se inspiró en los contrastes entre inocencia y experiencia para construir su balada Legend of a Girl Child Linda dentro del aclamado Sunshine Superman, exhibiendo una notable carga alegórica y pastoral. La travesía concluye con figuras indispensables como The Doors y Jim Morrison, cuyo propio bautismo artístico procede de los textos de Blake, patente en cortes como End of the Night. Del mismo modo, las complejas mitologías del autor encuentran acomodo en el heavy metal de Bruce Dickinson en Accident of Birth, el misticismo céltico de Van Morrison en Veedon Fleece y las resonancias épicas de Led Zeppelin, certificando la influencia inagotable del ilustrador sobre el arte sonoro contemporáneo.

Una queja de Robert De Niro y un batacazo en cines precedieron al último gran himno triunfal grabado por 'La Voz' a finales de los 70. En el espacio Prohibido Contar Ovejas de esRadio, Alicia Valiente y el equipo del programa abordan la historia que rodea a una de las piezas musicales más universales del siglo XX: la canción "New York, New York". Aunque en la actualidad el tema está indisolublemente asociado a la voz de Frank Sinatra, su nacimiento estuvo marcado por un inicio accidentado, discrepancias creativas y un notable fracaso en taquilla antes de alcanzar la categoría de himno indiscutible. El origen de la composición se sitúa en el año 1976, en el marco de los preparativos de la película musical que dirigía Martin Scorsese con Liza Minnelli y Robert De Niro al frente del reparto. Los prestigiosos compositores John Kander y Fred Ebb presentaron ante el equipo de producción las canciones diseñadas para la banda sonora original. Aunque la sesión parecía desarrollarse en un ambiente distendido y entusiasta, uno de los presentes mostró de inmediato su desacuerdo con la melodía principal. Fue el actor Robert De Niro quien manifestó en privado al director que la pieza resultaba débil y poco convincente para su personaje, señalando que quedaba eclipsada por los números vocales de Minnelli. Ante las exigencias del actor, el cineasta solicitó a los autores una reescritura completa del tema principal, dando pie a la versión definitiva y enérgica que finalmente grabó Liza Minnelli para la película. A pesar del esfuerzo creativo, el largometraje se estrenó en 1977 y se convirtió en un sonoro fracaso comercial, lo que provocó que la melodía pasara desapercibida para el gran público. No obstante, la esposa del afamado vocalista, Barbara Sinatra, vislumbró el potencial oculto de la obra tras visionar la cinta y le insistió para que la incorporara a su repertorio, una sugerencia que en un primer momento el intérprete descartó por considerarla una pieza ajena a su estilo. La perseverancia de su entorno cercano terminó por convencer a Sinatra, quien comenzó a probar el tema en directo en 1978 sobre el escenario del Radio City Music Hall, en pleno centro de Manhattan. La reacción del auditorio fue tan entusiasta que el cantante decidió acudir al estudio a finales de 1979 para dejar constancia grabada del arreglo definitivo, publicándolo en la primavera de 1980 dentro del álbum Trilogy: Past Present Future. La grabación se convirtió en un auténtico fenómeno de masas y supuso el último gran éxito en las listas comerciales para Sinatra antes de su fallecimiento. Décadas después, convertida en el símbolo sonoro de la Gran Manzana, la canción demuestra cómo una objeción artística en una sala de ensayo acabó transformando un fracaso cinematográfico en una leyenda de la música norteamericana.

Analizamos cómo Sinatra convirtió en mito un tema de Scorsese, el regreso de Tony Iommi y las claves del teatro de La Abadía entre otras cosas. Una nueva edición de Prohibido contar ovejas en esRadio, conducida por Felipe Couselo junto a Dani Palacios, Isaac Vizcaíno y Alma Espinosa —con la consabida ausencia de Juanma González—, ofreció un amplio repaso por novedades musicales del panorama independiente y diversas citas culturales. El bloque sonoro arrancó con la veteranía de la banda australiana The Church y su último trabajo de estudio, seguido por las reflexiones en torno a Queens of the Stone Age y el concepto estético japonés del kintsugi aplicado a su sonido. La sesión continuó con el regreso discográfico de Editors mediante su sencillo Seriously, publicado por el sello PIAS, además de la propuesta híbrida entre electrónica y punk del dúo londinense RIP Magic, quienes recientemente ejercieron como teloneros de Tame Impala. El programa exploró asimismo interesantes revisiones y fusiones contemporáneas. Por un lado, se destacó el lanzamiento del grupo canadiense Dwayne Gretzky, especializado en versiones con motivo de las fechas de Halloween, como su interpretación de Magic Dance de David Bowie. Por otro, se prestó atención al fenómeno del trap metal abanderado por Ghostemane, un estilo que entrelaza la crudeza vocal del black metal tradicional y sintetizadores industriales con bases procedentes del trap. La vertiente guitarrera se completó con la vuelta de Tony Iommi junto al vocalista noruego Jørn Lande, rememorando la sonoridad de la clásica etapa de Black Sabbath con Ronnie James Dio. En el terreno nacional y británico emergente, destacaron el trío femenino de pop punk La 126 con su primer álbum en Mushroom Pillow y el enérgico dúo de Brighton Lambrini Girls. A su vez, se abordó la reedición conmemorativa de Texas, la banda liderada por Sharleen Spiteri, que vuelve a poner en valor su histórico catálogo discográfico. En el apartado escénico, Alma Espinosa desgranó la obra teatral Mantener fuera del alcance de los niños, escrita e interpretada por la dramaturga María Velasco en el Teatro de La Abadía. El montaje, concebido como una pieza de autoficción experimental con danza y flamenco, profundiza en el aislamiento y la hipersensibilidad infantil a partir de las vivencias de su autora en aulas de educación especial. El espacio contó también con la intervención de Jorge Loser para presentar el estreno del portal web unificado de Horror Losers en Madrid. La iniciativa busca reivindicar el cine de terror de culto y la arqueología audiovisual frente a la tiranía de los algoritmos de las plataformas digitales, celebrando un encuentro especial con proyecciones de cortometrajes y sesiones temáticas de pinchadiscos. Para concluir, Alicia Parente protagonizó la sección habitual de vodevil centrada en el nacimiento de Theme from New York, New York. Diseñado originalmente por John Kander y Fred Ebb para el filme homónimo de Martin Scorsese con Liza Minnelli y Robert De Niro —quien exigió endurecer la melodía por considerarla floja—, el tema fracasó en taquilla antes de que Barbara Sinatra convenciera a su marido para versionarlo. El legendario himno de Frank Sinatra terminaría convirtiéndose en un éxito mundial imperecedero y en el último gran hito de su carrera artística.

El nuevo portal rescata películas de culto y rarezas olvidadas al margen de los algoritmos, con un evento especial de presentación en Madrid. El programa aborda la puesta de largo del portal digital oficial vinculado a Horror Losers, una destacada comunidad consagrada a la divulgación del cine de género y fantástico. Su creador y crítico cinematográfico, Jorge Loser, interviene en directo para detallar las claves del acto de presentación que se celebrará en la sala y bar Fotomatón, ubicada en las proximidades de la plaza de España en Madrid, en un encuentro concebido para congregar a los seguidores de la iniciativa en un entorno físico y distendido. Loser relata que la creación del portal responde a la imperiosa necesidad de centralizar y poner a buen recaudo el inmenso volumen de material generado a lo largo de varios años. Ante las sucesivas transformaciones y la volatilidad que sufren las redes sociales, donde gran cantidad de hilos divulgativos y artículos quedan sepultados o resultan difíciles de localizar, la web actuará como un centro neurálgico unificado que albergará textos revisados, análisis pormenorizados y material inédito para ofrecer una lectura mucho más sosegada y estructurada. Durante la conversación se profundiza en la apuesta editorial del proyecto, caracterizada por una firme resistencia a la tiranía del algoritmo y a la obsesión por la actualidad inmediata. Frente a la tendencia generalizada de los medios culturales de hablar exclusivamente del estreno de la semana o de la película del mes, la filosofía de la bitácora se orienta hacia la arqueología cinematográfica, rescatando cintas de culto, producciones pretéritas, rarezas olvidadas y anécdotas de rodaje que merecen ser reivindicadas por sus propios valores visuales o narrativos. Respecto a la futura hoja de ruta del proyecto, el colaborador adelanta que la siguiente meta prioritaria será el lanzamiento inminente de un podcast propio de cine. Aunque el mantenimiento de la plataforma se realiza de forma artesanal y exige un considerable esfuerzo de compaginación con su trabajo profesional de crítica en diversas cabeceras escritas, Loser confirma que el salto al audio constituirá la base sobre la que después se estudiará la viabilidad de incorporar formatos en vídeo. El evento programado en Madrid ofrecerá una completa agenda de actividades que arrancará con una charla centrada en la evolución del cine de terror actual, seguida por la proyección en pantalla grande de varios cortometrajes de culto antiguos y desconocidos, cuidadosamente seleccionados por el propio crítico. La jornada incluirá además el reparto de obsequios a los asistentes, destacando una lámina exclusiva numerada obra de la ilustradora Nuria Mermelada de Sesos, antes de clausurar la noche con una sesión musical especial orientada a Halloween. La intervención concluye con el recuerdo de algunos hitos virales de la comunidad, como el rescate de secuencias analógicas de brujería y transformaciones sorprendentes sin efectos digitales contemporáneos. Asimismo, los locutores invitan a Jorge Loser a reeditar la tradicional mesa redonda del terror al término de la temporada para desgranar los títulos más representativos exhibidos en certámenes especializados como el Festival de Sitges.

De 'Troll 2' al tropiezo de 'El exorcista 2': repaso a producciones terroríficas arruinadas por decisiones inverosímiles o guiones absurdos. En esta entrega del espacio cinematográfico conducido por Juanma González, los colaboradores dedican la tertulia a repasar una selección de películas de terror notablemente deficientes. Lejos de detenerse en aquellos filmes de serie B que resultan simpáticos por sus limitaciones o entran en la categoría de títulos de culto involuntariamente cómicos, el análisis se centra en producciones fallidas de principio a fin, donde las decisiones creativas y técnicas arruinaron el resultado. El recorrido comienza con Alone in the Dark, dirigida por el realizador alemán Uwe Boll y basada de manera muy libre en la popular franquicia de videojuegos. La mesa comenta la desconcertante escena romántica protagonizada por Christian Slater y Tara Reid al son de una canción totalmente descolocada, señalando los problemas estructurales de guion y dirección que ya caracterizaban a otras obras del director como House of the Dead. La conversación se detiene después en Troll 2, producción de culto de 1990 firmada por Claudio Fragasso. El rodaje en Utah estuvo plagado de desencuentros lingüísticos entre los cineastas italianos y un elenco de actores no profesionales de habla inglesa, lo que derivó en interpretaciones insólitas y en el recordado plano del joven gritando ante la cámara. Además, se subraya el absurdo argumento en el que unos supuestos duendes convierten a sus víctimas en masa vegetal para devorarlas. Otro de los títulos destacados es Tiburón, la venganza, cuarta entrega de la célebre saga marina en la que el escualo persigue a la familia Brody hasta las Bahamas. Al hilo de la cinta, se rememora su emisión clásica en Telecinco dentro del espacio Cine 5 Estrellas, además de curiosidades como la apresurada producción de Universal, el inaudito rugido del tiburón saliendo del agua o las declaraciones de Michael Caine asegurando que nunca vio la película pero sí la casa que pudo costearse gracias a su sueldo. El debate también aborda la polémica en torno a El exorcista 2: El hereje, dirigida por John Boorman. A pesar de contar con figuras de primer nivel como Richard Burton en el reparto y Ennio Morricone en la banda sonora, los contertulios coinciden en el despropósito de su enfoque hipnótico y las secuencias de langostas, que sepultaron el legado directo de la obra maestra original antes de la llegada de la tercera entrega. En el terreno de las sagas de asesinos, el programa recuerda la decadencia de la franquicia ideada por John Carpenter a través de Halloween: Resurrección, filme que liquidó en su prólogo al personaje de Jamie Lee Curtis para centrarse en un falso programa de telerrealidad con Busta Rhymes. De igual modo, se menciona el naufragio de Jeepers Creepers: El renacer, criticada por sus precarios efectos digitales y su falta de rumbo. Para finalizar, se analiza Juego asesino, el thriller en el que Keanu Reeves encarnó a un criminal en serie tras verse supuestamente atado por problemas contractuales. Los participantes cierran el repaso citando de pasada otros proyectos irregulares como Gothika o Stigmata, antes de despedir la emisión con un homenaje musical a David Bowie.

Dumbo, Pinocho o Coraline demuestran cómo la animación infantil oculta a menudo pasajes siniestros dignos del mejor cine terrorífico. A propósito de la celebración de Halloween, el equipo del programa aborda el curioso fenómeno de cómo ciertas producciones catalogadas como infantiles o familiares albergan secuencias auténticamente perturbadoras. Aunque muchos padres optan por evitar el cine de terror explícito para sus hijos y recurren a clásicos de animación, la tertulia subraya que en ocasiones son precisamente estas películas las que terminan provocando auténticos traumas infantiles. El primer título analizado es el clásico de animación Dumbo, estrenado en 1941. Pese a ser recordada como una historia tierna sobre el pequeño elefante marginado, la cinta incluye el célebre y delirante pasaje de los elefantes rosas, desatado tras ingerir alcohol accidentalmente. La secuencia, calificada por los contertulios como un prodigio de psicodelia y técnica animada, resulta profundamente inquietante por sus transformaciones grotescas, su música estridente y una atmósfera surrealista que descoloca por completo al espectador más joven. El repaso continúa con Pinocho, otro largometraje temprano de Disney donde destaca la sobrecogedora escena de la Isla de los Juegos. En ella tiene lugar la transformación de Polilla en burro, un momento de puro horror corporal en el que el personaje, entre risas iniciales y burlas a Pepito Grillo, descubre con desesperación cómo pierde su forma humana. Sus gritos llamando a su madre antes de rebuznar y el hecho de que el castigo sea irreversible convierten a este episodio en una experiencia angustiosa. Asimismo, se rescata la imponente factura visual de La bella durmiente, señalando la aparición de la villana Maléfica en los aposentos del castillo. Su presencia envuelta en llamas verdes dentro de la chimenea, la frialdad de sus ojos brillantes y la hipnosis con la que guía a la princesa Aurora hacia el huso para cumplir la profecía representan, a juicio de los comentaristas, un ejercicio de suspense y terror que nada tiene que envidiar a directores consagrados del género. En el ámbito de la acción real destaca Chitty Chitty Bang Bang, adaptación en la que intervino como guionista el escritor Roald Dahl. En esta obra sobresale la figura del cazador de niños, interpretado por Robert Helpmann. Este siniestro antagonista, que atrae a los pequeños ofreciendo caramelos para después enjaularlos en una aldea donde la infancia está prohibida, encarna el arquetipo del depredador infantil y evoca las leyendas urbanas sobre dulces envenenados o adulterados que marcaron a varias generaciones. La década de los ochenta dejó también títulos oscuros como Oz, un mundo fantástico, una secuela oficiosa que arranca directamente con la protagonista internada en un psiquiátrico a punto de recibir una sesión de terapia de electrochoque. A este inicio se suman criaturas grotescas como los rodadores, la colección de cabezas intercambiables de la princesa Mombi o la conversión de los habitantes de Oz en piedra. De tono similar es la pesadilla sufrida por el electrodoméstico protagonista en La tostadora valiente, acechado por un payaso macabro entre humo y la amenaza mortal de precipitarse en una bañera con agua. El cine híbrido de finales de los ochenta aportó el desenlace de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, donde el descubrimiento de la verdadera identidad del juez Doom, aplastado por una apisonadora y resurgido con ojos de dibujo animado y voz chirriante, supuso un impacto mayúsculo. Durante la conversación también se recuerdan momentos perturbadores en filmes como Un mundo de fantasía, la icónica marcha de las escobas en Fantasía o la desoladora muerte de un ewok en El retorno del Jedi. Para concluir, se destaca como la cúspide moderna de este subgénero a Los mundos de Coraline. Dirigida en animación tradicional mediante técnica de paso de manivela, la película construye un universo alternativo donde la aparente perfección maternal oculta a un monstruo con botones en los ojos. Los tertulianos coinciden en que este cuento gótico demuestra cómo el cine familiar de calidad puede abordar el terror psicológico sin concesiones edulcoradas, recomendando cautela a los padres que busquen entretenimiento ligero para estas fechas.

De los traumas animados de 'Dumbo' a los disparates de 'Troll 2': un viaje por los grandes espantos y descalabros del celuloide. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, con Felipe Couselo al frente junto a Juanma González, Dani Palacios, Alma Espinosa e Isaac Vizcaíno, arrancó al ritmo de clásicos del soul y el rock para combatir las malas jornadas cotidianas. Tomando como punto de partida canciones emblemáticas como Ain't No Mountain High Enough de Marvin Gaye y Tammi Terrell o las bandas sonoras que James Gunn incorpora en Guardianes de la Galaxia, el equipo reflexionó sobre cómo la música sirve de refugio emocional y articula los recuerdos de toda una generación. El primer gran bloque de la noche corrió a cargo de Dani Palacios con su sección dedicada a repasar momentos terroríficos en películas infantiles, secuencias que en su día traumatizaron a millones de niños. Entre los ejemplos más destacados se analizó la alucinación etílica de los elefantes rosas en Dumbo (1941) y la sobrecogedora transformación de Polilla en burro en Pinocho (1940), donde los desgarradores gritos llamando a su madre subrayan la crudeza que contenían los clásicos animados tradicionales. El repaso continuó con la inquietante presencia de Maléfica hipnotizando a la protagonista en La Bella Durmiente (1959) y la inolvidable figura del cazador de niños en Chitty Chitty Bang Bang (1968), un personaje concebido por Roald Dahl que encarna los peores miedos infantiles al atraer a los pequeños con dulces para secuestrarlos. La nómina de horrores prosiguió con títulos oscuros de los años ochenta y noventa como Oz, un Mundo Fantástico (1985) —con sesiones de electrochoque y personajes grotescos como los rodadores—, la pesadilla de electrocución en la bañera de La Tostadora Valiente (1987), el tétrico desenlace del juez Doom en ¿Quién Engañó a Roger Rabbit? (1988) y los siniestros juguetes mutilados por Sid en Toy Story (1995), culminando en la animación contemporánea con la inquietante estética de ojos de botón de Los Mundos de Coraline (2009). Por su parte, Juanma González tomó el testigo en El Resplandor para centrarse en el reverso tenebroso de la cartelera: las peores películas de terror de la historia del cine, aquellas producciones fallidas que no logran asustar y rozan el desastre absoluto. En esta categoría se destacaron despropósitos como Alone in the Dark (2005) de Uwe Boll —con una infame escena de sexo a ritmo musical poco apropiado— y la comedia involuntaria de culto Troll 2 (1990), con sus duendes vegetarianos que transforman humanos en clorofila. Asimismo, se desgranaron los descalabros de sagas consagradas, como Tiburón: La Venganza (1987), famosa por mostrar a un escualo que ruge mientras busca venganza en las Bahamas, y El Exorcista II: El Hereje (1977) de John Boorman, cinta vapuleada en su estreno pese a contar con Richard Burton. El análisis cinematográfico se completó con títulos como Halloween: Resurrection (2002), Jeepers Creepers: El Renacer (2022) y el fallido thriller Juego Asesino (2000), cerrando el programa entre debates cinéfilos y los acordes de David Bowie.

De 'House' a 'Scrubs': desmontamos las leyendas de las series hospitalarias y abordamos los desafíos del día a día del personal sanitario. En esta entrega de Prohibido contar ovejas en esRadio, Felipe Couselo y Juanma González dedican el espacio al análisis de la ficción médica televisiva y su contraste con la realidad asistencial de los hospitales. Para ello cuentan en el estudio con la presencia del doctor Alejandro Regueiro –médico especialista en medicina interna y coordinador del servicio de urgencias–, quien aporta su experiencia profesional a la hora de desgranar los aciertos, exageraciones y mitos de algunas de las producciones más populares de la pequeña pantalla. El recorrido arranca con un clásico imprescindible del género como Urgencias, ficción creada por Michael Crichton que revolucionó el formato hospitalario en la década de los noventa. Durante la charla se analiza el vértigo de las salas de emergencias de Chicago y cómo la serie reflejaba con crudeza el día a día de médicos, enfermeros y residentes. El doctor Regueiro destaca cómo la producción ayudaba a visibilizar patologías complejas como los sarcomas óseos en niños o el impacto del VIH, aunque matiza que en la práctica real los pacientes no responden a los tratamientos con la inmediatez milagrosa que exige el ritmo dramático. Asimismo, se aborda la tensión diaria en urgencias, el estrés ante la llegada simultánea de ambulancias críticas y las situaciones conflictivas que a veces derivan en agresiones y amenazas hacia el personal sanitario. El programa continúa repasando títulos contemporáneos como The Pitt, ficción protagonizada por Noah Wyle que narra un turno de trabajo completo en tiempo real. En este bloque se subraya la dependencia tecnológica de la medicina moderna, recordando situaciones límite como los apagones o ciberataques que obligan a los hospitales a prescindir del historial digital y retornar repentinamente al soporte en papel. Frente al realismo crudo, los tertulianos contraponen la comedia con Scrubs, ensalzada por el invitado como uno de los retratos más fidedignos de la etapa formativa de los residentes, donde el compañerismo, las novatadas inocuas, el cansancio acumulado tras guardias de 24 horas y el humor actúan como válvulas de escape indispensables. Uno de los momentos centrales del análisis se dedica a House, donde el personaje encarnado por Hugh Laurie encarna la faceta del internista como detective clínico. El doctor Regueiro reflexiona sobre la célebre premisa de que todo el mundo miente, explicando que los pacientes suelen omitir detalles esenciales por vergüenza, miedo o desconocimiento –como ocurre en cuadros de cefalea coital–, lo que obliga al facultativo a cultivar la empatía para obtener un historial certero. Asimismo, se debate sobre los riesgos del autodiagnóstico en internet y las limitaciones de la inteligencia artificial a la hora de formular un diagnóstico diferencial riguroso, rememorando casos reales insólitos como el de una paciente afectada por la enfermedad de Kikuchi. Para concluir, el espacio repasa obras de época como la novela El médico de Noah Gordon y su adaptación cinematográfica, vinculándola a la vocación médica y el afán por aprender en tierras lejanas, experiencia que el invitado compara con sus propios años de formación en México y Portugal. La emisión culmina con un repaso a títulos como The Knick –donde se plasman los inicios de la cirugía moderna, la asepsia y las adicciones a la cocaína medicinal– y una recopilación de cuerpos extraños insólitos extraídos en las salas de urgencias, despidiendo el programa con una llamada a la comprensión y reconocimiento de la labor sanitaria.

De Nick Cave a Kurt Cobain, viajamos por el horror más humano a través de mitos sonoros inspirados en ejecuciones y celos sangrientos. En esta entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, Felipe Couselo aborda la temática de Halloween desde una perspectiva alejada de lo sobrenatural para centrarse en el horror puramente terrenal. El programa realiza un exhaustivo recorrido por el subgénero de las murder ballads, composiciones musicales con siglos de tradición que relatan historias marcadas por homicidios, venganzas y pasiones desbordadas. El espacio comienza recordando la figura de Nick Cave and The Bad Seeds y su emblemático álbum Murder Ballads, publicado en 1996. El locutor destaca la colaboración de Kylie Minogue en Where The Wild Roses Grow y rescata Henry Lee, pieza interpretada a dúo junto a PJ Harvey. Esta balada hunde sus raíces en el folclore escocés a través de Young Hunting y narra el destino de un joven asesinado a puñaladas y arrojado a un pozo tras confesarle a su amante que su corazón pertenece a otra mujer. La crónica criminal continúa con The Night The Lights Went Out in Georgia, éxito de Vicki Lawrence que alcanzó el número uno en las listas en 1973. La letra describe la ejecución de un hombre inocente debido a una conspiración judicial y pasional, escondiendo un inesperado giro de guion en el que la propia narradora confiesa haber cometido los disparos mortales, una trama singular recordada también por su mención en la película Reservoir Dogs. El crimen pasional adquiere tintes legendarios con Hey Joe, pieza convertida en himno por The Jimi Hendrix Experience en su debut discográfico tras haber sido ideada por Billy Roberts en la escena folk. En ella, el protagonista relata con crudeza cómo ha disparado a su pareja tras descubrir una infidelidad, detallando sus planes inmediatos para cruzar la frontera mexicana y escapar del verdugo. La música tradicional estadounidense también encuentra su reflejo en Tom Dooley, éxito de The Kingston Trio editado a finales de los años cincuenta. Inspirada en un suceso real acaecido tras la Guerra de Secesión en las montañas de los Apalaches, la historia recuerda al violinista confederado Tom Dula, quien fue condenado a la horca tras el hallazgo del cadáver apuñalado de Laura Foster. Por su parte, Johnny Cash aporta su inconfundible impronta desde su histórico directo en la prisión de Folsom con Long Black Veil. El tema cuenta la tragedia de un hombre que asume la pena de muerte por un asesinato que no cometió, negándose a revelar su coartada al juez para proteger el honor de la esposa de su mejor amigo, con quien se encontraba en el momento del crimen. El viaje musical se adentra en el descontrol de las adicciones mediante Cocaine Blues, interpretada por Hank Williams III pero popularizada décadas atrás por el propio Johnny Cash. En este relato, el protagonista acaba con la vida de su pareja bajo los efectos combinados del alcohol y las sustancias ilegales, recibiendo una severa condena de noventa y nueve años de prisión. La crudeza lírica prosigue de la mano de The Louvin Brothers y su clásica versión de Knoxville Girl, balada campestre con antecedentes en las islas británicas que describe el linchamiento a golpes de una muchacha junto a un río, subrayando el remordimiento y la reclusión permanente que aguardan al asesino en una celda. El programa rescata asimismo el clásico Frankie and Johnny en la versión de Brook Benton. Inspirada en un homicidio documentado a finales del siglo XIX, la trama expone la furia de Frankie al constatar el engaño sentimental de su amante, abriendo fuego contra él con un revólver del calibre cuarenta y cuatro en un salón. La figura de los bajos fondos de Misuri queda plasmada en Stagger Lee mediante la enérgica interpretación de Lloyd Price. El tema narra la violenta reyerta ocurrida la noche de Navidad de 1895 en San Luis, donde el proxeneta Lee Shelton descerrajó un tiro mortal a Billy Lyons motivado por una disputa ideológica y la discusión por un sombrero. Felipe Couselo recupera además la vertiente social del género con Johnny 99, tema firmado por Bruce Springsteen en su disco Nebraska de 1982. La composición relata cómo el cierre de una fábrica automovilística y la desesperación económica arrastran a un operario al robo a mano armada y al homicidio, pidiendo al juez ser enviado al corredor de la muerte antes que cumplir casi un siglo en presidio. La rebeldía frente a la opresión y el abuso de poder se manifiesta en I Shot The Sheriff, obra maestra de Bob Marley and The Wailers popularizada a escala global por Eric Clapton. En ella, el cantante reconoce haber abatido a la autoridad local en un acto de legítima defensa personal, desmintiendo de forma insistente la muerte del ayudante del comisario. El lado más macabro bajo una melodía aparentemente jovial lo firma The Beatles con Maxwell's Silver Hammer, incluida en Abbey Road. Ideada por Paul McCartney ante la abierta desaprobación de sus compañeros de banda, describe las andanzas de un estudiante que comete asesinatos en serie empleando un martillo plateado de juguete. Tras repasar la aportación contemporánea de The Killers con Jenny Was a Friend of Mine, el programa se despide con Where Did You Sleep Last Night. Esta centenaria canción folclórica estadounidense, inmortalizada por Lead Belly y elevada a mito por Nirvana, concluye la velada con el desgarrador lamento de Kurt Cobain sobre la muerte y la soledad en mitad de los pinos.

Hablamos con el dúo electrónico Gameboyz, acerca de su próximo lanzamiento "The Contact". y su próxima actuación en Madrid la Noche de Halloween. El espacio musical de esRadio ha contado con la participación de Kali y Charlie, integrantes del grupo Gameboyz, para presentar su nuevo trabajo discográfico titulado The Contact. Este proyecto musical supone el regreso de la formación al panorama sonoro en este otoño, apostando de manera decidida por una propuesta cargada de energía en la que vuelven a explorar su vertiente más enérgica y característica dentro de la música electrónica. El nuevo lanzamiento saldrá al mercado en formato vinilo el próximo 30 de octubre a través de una cuidada tirada limitada de aproximadamente doscientas copias. Esta edición física estará disponible en tiendas especializadas de referencia. Los seguidores de la formación tendrán la oportunidad de presenciar su sesión en directo el próximo 31 de octubre con motivo de la noche de Halloween en la sala High Club Room de Madrid. Durante la emisión, tanto los artistas como los conductores del espacio han elogiado el excelente estado que atraviesa la escena nocturna madrileña, subrayando la enorme oferta de pinchadiscos, la fuerza de las corrientes alternativas y la autenticidad del público que acude a las pistas en busca de sesiones especializadas

Couselo y su equipo analizan la cartelera, el nuevo montaje del Teatro de la Zarzuela y la música de Michael Kiwanuka entre muchas cosas Una nueva entrega del espacio nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, reunió a Felipe Couselo junto a su equipo habitual compuesto por Dani Palacios, Juanma González, Isaac Vizcaíno y Alma Espinosa. La tertulia arrancó entre anécdotas, comentarios distendidos sobre las redes sociales y el seguimiento de las reproducciones en plataformas de música digital, derivando en la clásica disputa humorística sobre las promesas gastronómicas pendientes entre torreznos de Soria y focaccias caseras. En el apartado de novedades musicales, el programa repasó una variada selección que comenzó con la emotiva propuesta intimista de Michael Kiwanuka. También tuvieron su espacio los ritmos ochenteros de Bleachers –la formación liderada por Jack Antonoff– con su tema Blood Brothers, así como la contundencia de la banda ucraniana de stoner metal Stoned Jesus y su composición Velvet. La sesión musical continuó de la mano de Isaac Vizcaíno, quien apostó por la frescura del trío californiano The Blushes y su sencillo Orange Peel, el pop bailable con reminiscencias electrónicas de los australianos The Avalanches junto a Panda Bear, y los singulares paisajes sonoros de drum and bass del creador ecuatoriano Un Soviético XD, cargados de texturas ambientales e imaginería visual vinculada a la animación japonesa. En el ámbito escénico, Alma Espinosa destacó el estreno de Aión a cargo de la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. El montaje propone una exploración coreográfica sobre el transcurso temporal articulada mediante tres piezas de diferente sensibilidad estética: el clasicismo académico de Paquita, la expresividad sensual de Petite Mort y la modernidad contemporánea de The Secret Delight. El bloque cinematográfico capitaneado por Juanma González abordó tres títulos destacados de la cartelera y los próximos estrenos. En primer lugar, analizó la vertiente siniestra de Clayface, cinta que conjuga el cine de terror corporal y el universo de superhéroes evocando referentes como Darkman. A continuación, valoró la nueva versión de época de Sentido y Sensibilidad dirigida por Georgia Oakley, para finalizar con la ambiciosa producción en animación fotograma a fotograma Wildwood, la esperada obra del estudio Laika dirigida por Travis Knight. Para concluir la emisión, el programa conectó en directo con los integrantes del proyecto Gameboyz, Kali y Charlie, con motivo del lanzamiento en vinilo de su trabajo The Contact. Los artistas desgranaron los detalles de su producción, en la que combinan las raíces del sonido electro clásico con líricas en español y portugués, anunciando además su próxima sesión en directo en la noche madrileña de Halloween.

De 'Dragon Ball' a 'Frieren, vuelve la plataforma favorita de anime, el debate sobre el 'true crime' y las portadas más reconocidas de Andy Warhol Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, conducido por Felipe Couselo, arranca en un ambiente distendido marcado por la celebración del cumpleaños del equipo y una selección musical que rinde tributo al talento compositivo de Paul Simon y su clásica pieza Homeward Bound, incluida en el álbum Parsley, Sage, Rosemary and Thyme. La primera gran sección de la noche corre a cargo de Juanma González, quien dedica un monográfico a las series de animación japonesa disponibles en plataformas de streaming como Crunchyroll. Entre los títulos analizados destaca el regreso del universo de Akira Toriyama con la reedición del arco de Beerus en Dragon Ball Super, una saga que sigue congregando a millones de seguidores en todo el mundo. El repaso continúa con la aclamada Frieren, una obra de tono pausado y melancólico que reflexiona sobre el paso del tiempo a través de la fantasía épica. Asimismo, se comentan propuestas de acción pura como Solo Leveling y fenómenos cómicos y sobrenaturales como Dandadan, una historia centrada en batallas urbanas, leyendas tradicionales y fenómenos extraterrestres. González destaca el arrollador éxito comercial de Guardianes de la noche (Kimetsu no Yaiba), cuya traslación a la gran pantalla logró cifras históricas de recaudación en taquilla equiparables a los grandes taquillazos de Hollywood. La sección se completa con valoraciones de series de notable impacto como Jujutsu Kaisen, la crudeza explícita de Chainsaw Man, la intriga palaciega de Los diarios de la boticaria y la popular comedia de espionaje Spy x Family. Por su parte, Alma Espinosa centra su intervención en el auge del género true crime dentro del catálogo de Netflix. La colaboradora abre un debate en la mesa sobre los límites éticos de la ficción criminal cuando se adaptan sucesos muy recientes y dolorosos, citando proyectos en desarrollo sobre el mediático caso de Daniel Sancho en Tailandia. Entre las producciones más destacadas del género, Espinosa analiza el impacto de Dahmer, protagonizada por Evan Peters, y examina el caso nacional de El caso Asunta, miniserie encabezada por Candela Peña y Tristán Ulloa que recrea con minuciosidad judicial la investigación del asesinato de la menor Asunta Basterra. La ficción televisiva española vuelve a ser protagonista con El cuerpo en llamas, producción en la que Úrsula Corberó y Quim Gutiérrez encarnan a los agentes implicados en el mediático crimen de la Guardia Urbana de Barcelona. A escala internacional, se revisa la miniserie británica La serpiente, inspirada en los asesinatos en serie perpetrados por Charles Sobhraj en el sudeste asiático durante los años setenta. Espinosa concluye su intervención elogiando Creedme (Unbelievable), una producción dramática basada en un reportaje de investigación ganador del Premio Pulitzer que expone la incomprensión policial y judicial sufrida por una joven víctima de agresión sexual. El tramo final del programa lo protagoniza Isaac Cejudo con un exhaustivo recorrido por la faceta de Andy Warhol como diseñador de portadas de discos. El artista pop comenzó en los años cincuenta realizando ilustraciones publicitarias para sellos de jazz como Blue Note, dejando su firma en trabajos para Thelonious Monk, Kenny Burrell o Paul Desmond. La consagración musical de Warhol llegó en los años sesenta y setenta con portadas legendarias como la célebre banana pelable de The Velvet Underground & Nico o el diseño de la cremallera en Sticky Fingers de The Rolling Stones, censurada en España. Cejudo cierra su recorrido detallando colaboraciones posteriores con figuras como John Cale, Diana Ross, Miguel Bosé en su álbum Made in Spain, el disco póstumo de John Lennon y los últimos trazos gráficos del artista neoyorquino para Aretha Franklin.

Juanma González analiza en Crunchyroll el auge de la animación japonesa con éxitos como 'Frieren', 'Solo Leveling' o 'Dandadan'. El colaborador Juanma González regresa con una nueva entrega dedicada a las producciones de animación japonesa disponibles en la plataforma de transmisión Crunchyroll. En un tono distendido y entre bromas con los integrantes del programa acerca de la pronunciación de la marca, el crítico realiza un exhaustivo recorrido por algunos de los títulos más relevantes del panorama audiovisual contemporáneo. González subraya cómo la ficción nipona ha roto las fronteras tradicionales del nicho para convertirse en fenómenos de masas que lideran las listas de visionado globales. El primer título analizado es el retorno de Dragon Ball Super con el arco centrado en Beerus, el dios de la destrucción. La producción recupera y reelabora el material dibujado por Toyotaro bajo la supervisión del maestro Akira Toriyama, solventando las deficiencias técnicas de las emisiones originales de 2015. El colaborador explica que esta renovación responde a una práctica habitual en la animación japonesa, orientada a ofrecer un acabado visual más cinematográfico, maduro y riguroso para satisfacer tanto a los veteranos como a los nuevos espectadores. A continuación, la tertulia destaca Frieren, una obra aclamada de manera unánime por su factura técnica y su tempo narrativo. A contracorriente de las historias de acción desenfrenada, la serie se distingue por un desarrollo pausado, reflexivo y de un gran detallismo estético. La trama acompaña a una elfa maga inmortal que rememora sus andanzas pasadas mientras aprende a valorar la brevedad de los vínculos humanos, logrando transmitir sensaciones de nostalgia y reflexión que la distancian de los moldes comerciales habituales del género fantástico. En un tono diametralmente opuesto se sitúa Solo Leveling, una obra enfocada en la acción descarnada, la fantasía épica y la constante superación de niveles en mazmorras subterráneas. El panel aborda durante la conversación la falsa creencia de que las producciones japonesas son siempre inabarcables, recalcando que la tendencia actual se decanta por temporadas breves y accesibles, con tandas de doce a veinticinco episodios de apenas veinte minutos que facilitan el consumo ágil y continuado sin exigir compromisos dilatados. La selección continúa con Dandadan, una ingeniosa propuesta que mezcla comedia romántica, leyendas urbanas, invasiones alienígenas y espíritus ancestrales. González ensalza la solvencia del dibujo original y el dinamismo de su adaptación en pantalla, definiéndola como una de las obras más frescas de la actualidad. Asimismo, se recuerda el poderío visual y argumental de Jujutsu Kaisen, cuyos arcos narrativos han destacado por desplegar intensas secuencias de combate y giros dramáticos que no dudan en sacrificar a figuras clave de la historia. El repaso incluye también a Chainsaw Man, célebre por su crudeza visual, sus dosis de humor negro y su trasfondo melancólico, con proyectos cinematográficos que continúan batiendo récords de recaudación. Asimismo, se ensalza Los Diarios de la Boticaria, una intriga ambientada en un palacio imperial donde una joven investigadora resuelve complejos casos criminales mediante la medicina y la observación. González equipara la brillantez deductiva del personaje con los grandes referentes de la novela de misterio, alabando su creciente complejidad política y social. Para concluir, el análisis aborda Spy × Family, comedia de enredo ambientada en un trasunto de la Guerra Fría donde un espía, una asesina y una niña telépata forman un falso hogar para cumplir una misión diplomática. A través de este mosaico de recomendaciones, el espacio reivindica el notable atractivo transversal del medio, capaz de reunir a públicos de todas las edades mediante relatos emotivos, humorísticos y repletos de inventiva que consolidan su hegemonía en el mercado del entretenimiento.

De la banana de Nico a la cremallera de The Rolling Stones: esRadio repasa los carismáticos vinilos creados por el genio de The Factory. El espacio cultural de esRadio aborda la faceta de Andy Warhol como creador de portadas de discos, un recorrido artístico que comenzó mucho antes de que se convirtiera en el gran icono del arte pop. A partir de una exposición exhibida en el MUSAC de León, el programa repasa los orígenes del artista estadounidense durante la década de 1950, cuando trabajaba como ilustrador comercial en Nueva York elaborando encargos para prestigiosas firmas discográficas. Entre sus primeros trabajos descuella el realizado en 1957 para el pianista Thelonious Monk en su álbum Monk, cuya cubierta destacaba por las caligrafías realizadas a mano por la madre del dibujante, Julia Warhola. Asimismo, Warhol colaboró asiduamente con el histórico sello de jazz Blue Note, donde plasmó su característico trazo a tinta sobre fondo blanco en el disco homónimo de Kenny Burrell o en el álbum Take Ten del saxofonista Paul Desmond para RCA Victor. El salto definitivo hacia el mito cultural se fraguó en la década siguiente al abrigo de The Factory, período en el que alumbró dos de las imágenes más influyentes de la historia de la música. En 1967 diseñó la célebre portada del plátano para el estreno discográfico de The Velvet Underground junto a la cantante y modelo alemana Nico, una pieza interactiva con una pegatina desplegable cuyo frontal prescindía de créditos y lucía únicamente la firma del artista. En 1971 repetiría la experiencia volumétrica con el lanzamiento de Sticky Fingers de The Rolling Stones, cuya edición original incorporaba una cremallera metálica funcional sobre la fotografía de unos pantalones vaqueros masculinos. Este atrevido diseño fue censurado en España por el régimen de la época, que forzó su reemplazo por una carátula alternativa con dedos de mujer saliendo de una lata de salsa. Ya consolidado como una celebridad internacional durante la década de 1980, Warhol continuó diseñando cubiertas para destacadas estrellas del pop y del rock. En 1981 ideó el concepto gráfico de Honi Soit, séptimo trabajo en solitario de John Cale, tras haber bromeado previamente con colocar una imagen de Yoko Ono desnuda; finalmente compuso un fotomatón en blanco y negro con estética de pasaporte británico que el propio músico prefirió colorear, decisión de la que más tarde confesó arrepentirse. En 1982 la cantante Diana Ross pagó cerca de 95.000 dólares para que el artista elaborara una serigrafía con su imagen para el elepé Silk Electric. No obstante, el retrato con los hombros al descubierto volvió a toparse con la censura en las ediciones en casete de países como Egipto, donde las autoridades dibujaron prendas de vestir sobre la fotografía original. La versatilidad de sus proyectos alcanzó tanto a músicos de proyección anglosajona como a formaciones internacionales y artistas españoles. Para la vocalista Kim Carnes compuso en 1982 la portada de Voyeur, inspirada en las líneas sombrías del expresionismo alemán y en la estética del filme Metrópolis. La firma de Warhol llegó asimismo a Japón de la mano de Rats & Star para su trabajo Soul Vacation de 1983, adaptando las fotografías de la banda a sus inconfundibles serigrafías. Ese mismo año, y gracias a la mediación de Bianca Jagger, retrató mediante instantáneas Polaroid a Miguel Bosé, concibiendo la imagen y el título de su disco Made in Spain. La trayectoria de Warhol en la música concluyó poco antes de su fallecimiento con dos creaciones para mitos indiscutibles. En 1986 diseñó la portada del recopilatorio póstumo de John Lennon titulado Menlove Ave. a petición de Yoko Ono, adaptando su reconocible cromatismo al rostro del excomponente de The Beatles. Su último trabajo discográfico antes de morir fue la portada homónima de Aretha Franklin para su disco publicado en 1986, un vibrante retrato multicolor de la reina del soul que culminó más de tres décadas de comunión entre las artes plásticas y la música popular.

Ficciones inspiradas por Jeffrey Dahmer o Rosa Peral abren el debate acerca del límite ético entre el valor dramático y el morbo del dolor. El auge del fenómeno del true crime continúa marcando la pauta en las plataformas de emisión en continuo, consolidándose como uno de los formatos de mayor impacto y seguimiento entre los espectadores. En los micrófonos de esRadio, el equipo repasa el indiscutible tirón de estas producciones centradas en crímenes reales, aprovechando el anuncio de proyectos futuros como la ficción inspirada en Daniel Sancho para analizar una cuidada selección de miniseries y series del catálogo de Netflix. La primera de las producciones analizadas es Dahmer – Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer, estrenada en 2022 y protagonizada por Evan Peters. La trama recrea los brutales asesinatos de diecisiete jóvenes perpetrados por el conocido criminal entre 1978 y 1991 en Milwaukee, en el estado de Wisconsin. Más allá del relato escabroso, la obra profundiza en la soledad y la discriminación institucional que rodeó a las víctimas, conformando un perturbador retrato psicológico que la llevó a ser un éxito de audiencia absoluto. El debate en torno a los límites éticos de este género cobra especial fuerza cuando se abordan tragedias muy cercanas en el tiempo. La recreación ficcionada suscita interrogantes constantes sobre la ética de dramatizar sucesos recientes, donde el dolor de las familias afectadas sigue latente y las heridas continúan abiertas. Los colaboradores reflexionan sobre la delgada línea que separa el legítimo interés cinematográfico del morbo, cuestionando el tratamiento de estos dramas de la crónica negra contemporánea. En el ámbito nacional destaca El caso Asunta, miniserie de seis episodios producida por Bambú Producciones y lanzada en 2024. La trama reconstruye el asesinato de la menor de doce años Asunta Basterra, ocurrido en septiembre de 2013, sustentando su tensión dramática en las sobresalientes actuaciones de Candela Peña y Tristán Ulloa en los papeles de Rosario Porto y Alfonso Basterra. La producción recrea con detalle las comparecencias judiciales y los interrogatorios oficiales, retratando las contradicciones de los progenitores condenados. Otra de las grandes ficciones españolas comentadas es El cuerpo en llamas, obra de 2023 ambientada en el crimen de la Guardia Urbana acontecido en mayo de 2017. Con Úrsula Corberó en el papel de Rosa Peral, la serie desentraña la investigación tras el hallazgo del cadáver calcinado del agente Pedro Rodríguez en el pantano de Foix. El relato explora el complejo triángulo amoroso existente entre los involucrados y las versiones cruzadas que mantuvieron los acusados a lo largo del proceso judicial. En el panorama internacional sobresale también La serpiente, una prestigiosa coproducción de la BBC británica y Netflix ambientada en la década de los setenta. La miniserie sigue las andanzas del estafador y asesino en serie Charles Sobhraj, interpretado por Tahar Rahim, quien utilizaba el negocio de las gemas como tapadera en países asiáticos como Tailandia, Nepal e India. El hilo conductor se centra en la persecución diplomática y policial iniciada por un funcionario holandés para esclarecer la misteriosa desaparición de varios turistas occidentales. Para concluir la selección, se repasa la miniserie Creedme, estrenada en 2019 y basada en una serie de investigaciones periodísticas galardonadas con el Premio Pulitzer. La historia se sitúa en 2008 para relatar el calvario de Marie, una joven que denuncia una agresión sexual en su domicilio y acaba retractándose debido a la desconfianza del entorno policial. La producción destaca por generar una honda empatía hacia la víctima mientras reivindica la perseverancia en la investigación de dos inspectoras que lograron desenmascarar al verdadero culpable.

Felipe Couselo rinde homenaje en esRadio a leyendas recientemente fallecidas como Robe Iniesta, Jimmy Cliff, Willie Colón o Steve Cropper. En esta edición especial del programa Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo dedica un sentido monográfico musical a modo de homenaje anticipado al Día de Difuntos. A lo largo del espacio, se repasa la trayectoria de diversas figuras esenciales de la música popular internacional y española que han fallecido en el último año, reivindicando que su legado artístico permanece imborrable a través de sus canciones. El recorrido se inicia con la emblemática voz de David Clayton-Thomas al frente de Blood, Sweat & Tears interpretando su clásico Spinning Wheel, recordando la partida del cantante canadiense a los 84 años. A continuación, el programa se adentra en el universo psicodélico de Grateful Dead con Sugar Magnolia, corte perteneciente a su legendario álbum American Beauty, para honrar la memoria del guitarrista Bob Weir y de la vocalista Donna Jean Godchaux, subrayando cómo la mítica formación californiana y su fiel legión de seguidores desafiaron las convenciones temporales de la industria. El rock británico tiene su espacio de tributo con I Wanna Be Adored de The Stone Roses, pieza angular del movimiento Madchester. Couselo rememora con especial cariño al bajista Gary Mounfield –conocido popularmente como Mani–, fallecido a los 63 años por problemas respiratorios, destacando su carácter afable, su posterior paso por Primal Scream y la multitudinaria despedida que congregó a referentes como Liam Gallagher en la catedral de Mánchester. La influencia universal de los ritmos jamaicanos llega con Jimmy Cliff y su célebre composición Many Rivers to Cross. El locutor ensalza la trascendencia del artista caribeño en la popularización del reggae a escala global desde principios de los años setenta, recordando su papel cinematográfico y musical en The Harder They Come, así como la vigencia de sus letras de superación y resistencia espiritual frente a la adversidad. El programa continúa evocando el sonido sureño del sello Stax con el instrumental Green Onions de Booker T. & the M.G.'s, rindiendo tributo al guitarrista y productor Steve Cropper. Pieza capital del rhythm and blues y del rock estadounidense, Cropper dejó su impronta en obras maestras junto a leyendas de la talla de Otis Redding o Wilson Pickett, consolidándose como uno de los instrumentistas más admirados por contemporáneos como John Lennon y Paul McCartney. El homenaje al panorama nacional se centra en la figura de Robe Iniesta a través de Buscando una luna, corte de apertura del celebrado disco Agila de Extremoduro. El espacio rememora el fenómeno contracultural que supuso la banda extremeña al conquistar a públicos masivos desde la más absoluta independencia, destacando la poesía desgarrada y la autenticidad que el músico plasmó tanto en el grupo como en su posterior carrera en solitario. En el terreno del rock alternativo de principios de siglo, suena Here Without You de 3 Doors Down para recordar al vocalista Brad Arnold, quien perdió la vida a causa del cáncer a los 47 años. Couselo analiza el impacto comercial de su disco Away from the Sun y el significado emocional que esta balada adquirió para miles de familias y soldados durante los años de la guerra de Irak bajo la producción de Rick Parashar. El broche final lo integran la salsa y los orígenes del pop clásico: primero con Willie Colón y la narración urbana de Pedro Navaja junto a Rubén Blades en el álbum Siembra, exaltando la genialidad instrumental y la visión social del trombonista neoyorquino; y finalmente con Neil Sedaka y su inolvidable Breaking Up Is Hard to Do, repasando su brillante trayectoria como compositor en el Brill Building y su posterior renacer en la década de los setenta.

Servimos un nuevo menú degustación con grandes títulos del cine siniestro y de culto, rescatando filmes como 'Halloween' o 'Línea Mortal'. El equipo de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, capitaneado por Felipe Couselo, celebra la noche de difuntos con su tradicional entrega cinematográfica dedicada a Halloween. En esta ocasión, el espacio radiofónico cuenta una vez más con la participación estelar de Dani Palacios y Juanma González, responsables del pódcast Par-Impar, para confeccionar un completo y variado menú de cine de terror dividido en primeros platos, platos principales y postres, abarcando desde clásicos ochenteros y joyas de culto en blanco y negro hasta cintas contemporáneas y secuelas singulares. Para abrir boca con los primeros platos, Felipe Coucelo propone la reivindicación de Witchboard (1986), dirigida por Kevin Tenney y protagonizada por Tawny Kitaen. La cinta explora el mundo del espiritismo y los peligros de la güija a través de un triángulo amoroso ochentero, destacando tanto la presencia de personajes icónicos como la inolvidable estética de videoclip que marcó la carrera de su actriz protagonista. Por su parte, Juanma González se decanta por Halloween 4: El Regreso de Michael Myers (1988), el título que devolvió a la franquicia su fórmula slasher clásica tras el experimento sin psicópata de la tercera entrega. La mesa analiza el excelente pulso de Dwight H. Little, el carisma infantil de Danielle Harris como Jamie Lloyd y el incombustible papel del doctor Sam Loomis interpretado por Donald Pleasence. El primer plato de Dani Palacios viaja a finales de los noventa con The Faculty (1998), colaboración entre Robert Rodriguez y el guionista Kevin Williamson. Los tertulianos destacan cómo esta obra subvierte las reglas del terror adolescente fusionándolo con los tropos de la ciencia ficción paranoica de los años cincuenta al estilo de La Invasión de los Ladrones de Cuerpos. Con un reparto juvenil que incluía a Josh Hartnett y Elijah Wood, y adultos de la talla de Famke Janssen, Piper Laurie o Salma Hayek, el filme sobresale por su brillante banda sonora alternativa y su ácida metáfora sobre la alienación escolar. En la tanda de los platos fuertes, Juanma González rescata El Carnaval de las Almas (1962), ópera prima y única película de ficción de Herk Harvey. Rodada con un presupuesto irrisorio procedente de material publicitario, la obra se consagra como un referente insoslayable del terror psicológico y espectral, cuya influencia directa reverbera en directores como David Lynch, George A. Romero o M. Night Shyamalan en El Sexto Sentido. La atmósfera enrarecida y la alienación de su protagonista, interpretada por Candace Hilligoss tras sufrir un accidente automovilístico, articulan una pesadilla en blanco y negro donde los límites entre la vida y la muerte se desdibujan. Continuando con los platos principales, Dani Palacios selecciona Línea Mortal (1990), dirigida por Joel Schumacher y fotografiada por Jan de Bont. La trama sigue a un grupo de ambiciosos estudiantes de medicina liderados por Kiefer Sutherland, Julia Roberts y Kevin Bacon que buscan experimentar con paradas cardíacas inducidas para asomarse al más allá. El filme sobresale por plantear el regreso a la vida como una condena donde la culpa y los pecados del pasado se materializan físicamente para atormentar a sus protagonistas, combinando el melodrama moral con una estética visual exuberante. El plato fuerte de Felipe Coucelo recae en Hellraiser (1987), el debut de Clive Barker adaptando su propia novela corta. Los contertulios se detienen en el impacto visual y conceptual de los cenobitas, criaturas consagradas a los límites sensoriales entre el placer y el dolor extremo bajo el liderazgo de Pinhead (Doug Bradley). La película supuso una auténtica revolución dentro de la corriente de la nueva carne y el sadomasoquismo, arropada por la majestuosa partitura sinfónica de Christopher Young y unos efectos prácticos que transformaron para siempre el imaginario del género fantástico. En la recta final reservada a los postres, Dani Palacios elige Psicosis II (1983), secuela tardía dirigida por Richard Franklin con libreto de Tom Holland. El análisis ensalza el respeto reverencial hacia la obra maestra de Alfred Hitchcock y la brillantez con la que se aborda la rehabilitación de Norman Bates, donde un Anthony Perkins magistral es víctima de un entorno empeñado en empujarlo de nuevo hacia la demencia homicida. Seguidamente, Felipe Coucelo apuesta por la reciente e inquietante Caveat (2020), cinta irlandesa de Damian McCarthy que destaca por su claustrofobia y atmósfera opresiva, articulada en torno a sótanos cochambrosos, muñecos tenebrosos y una constante sensación de indefensión. Para cerrar la velada, Juanma González escoge La Novia de Chucky (1998), dirigida por Ronny Yu y escrita por Don Mancini. La película revitalizó la saga del muñeco diabólico mediante un arriesgado viraje hacia la comedia negra autoconsciente y la parodia conyugal, potenciada por la carismática incorporación de Jennifer Tilly encarnando a Tiffany. Entre anécdotas sobre doblajes, bandas sonoras de culto y reflexiones sobre la evolución del género, los micrófonos de esRadio despiden un completo banquete fílmico diseñado para disfrutar durante la madrugada más terrorífica del año.

Treinta segundos y treinta disparos marcaron en 1881 el choque de Tombstone entre los Earp y el clan Clanton. En la sección dedicada a la recreación teatral y sonora dentro de esRadio, el equipo de Prohibido Contar Ovejas, encabezado por Felipe Couselo y con la participación de Alicia Parente, Dani Palacios y Juanma González, aborda la historia real que inspiró la conocida composición The Ballad of Boot Hill, popularizada por Johnny Cash. A través de una dramatización radiofónica, el espacio rememora los hechos previos y el desarrollo del legendario tiroteo en el O.K. Corral, uno de los hitos más emblemáticos de la crónica estadounidense. La trama se sitúa en 1881 en la localidad minera de Tombstone, en el territorio de Arizona. Apenas tres años después de que se descubriese un importante yacimiento de plata, la población se había disparado de apenas un centenar de personas a más de siete mil vecinos, contando con salones, teatros, bancos y una intensa actividad mercantil. No obstante, por su cercanía con la frontera de México, la población se convirtió al mismo tiempo en punto de encuentro de cuatreros y fugitivos, desatándose una creciente rivalidad con los representantes de la ley. La disputa principal enfrentaba a los hermanos Earp —Virgil, quien ejercía de comisario, Wyatt y Morgan—, asistidos por el jugador y pistolero Doc Holliday, con una facción de vaqueros forajidos entre los que estaban Ike y Billy Clanton, Tom y Frank McLaury, y Billy Claiborne. La desconfianza mutua por robos de ganado y asaltos a diligencias se agravó debido a la conducta del sheriff del condado, Johnny Behan, y a la entrada en vigor de una ordenanza municipal que prohibía portar armas dentro de los límites de la villa, una disposición desafiada de continuo por los delincuentes. El punto de inflexión tuvo lugar la noche del 25 de octubre en el salón Alhambra, donde un altercado entre Ike Clanton y Doc Holliday obligó a intervenir a las autoridades para evitar el derramamiento de sangre. Tras proferir amenazas de venganza, la mañana del 26 de octubre de 1881 Clanton volvió a dejarse ver armado por el pueblo; aunque fue arrestado y obligado a pagar una sanción económica, a las pocas horas regresó respaldado por los suyos con intención manifiesta de plantar cara a los comisarios. El fatal encuentro ocurrió finalmente en las inmediaciones del estudio fotográfico de Fly, en las proximidades del O.K. Corral. Tras el requerimiento formal de Virgil Earp para que se desarmaran, los vaqueros hicieron el gesto de empuñar sus revólveres. En un lapso de treinta segundos y treinta disparos, cayeron muertos en el acto Billy Clanton y los hermanos Tom y Frank McLaury, mientras que Holliday, Morgan y Virgil resultaron heridos, Wyatt Earp salió indemne e Ike Clanton huyó del lugar alegando encontrarse desarmado. Los pistoleros fallecidos fueron enterrados en el conocido cementerio de Boot Hill, bautizado así por acoger a quienes perecían de forma violenta con las botas puestas. Entre bromas sobre las interpretaciones del reparto y la ambientación del wéstern, los locutores de esRadio concluyen repasando cómo este choque armado forjó la leyenda del viejo Oeste e inauguró un prolongado reguero de represalias y emboscadas posteriores.

De la crisis de los 40 al duelo de Wyatt Earp en Tombstone: esRadio combina estrenos de cine, teatro en la Gran Vía y lo nuevo de Fontaines D.C. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio arranca con la habitual tertulia distendida capitaneada por Felipe Couselo y su equipo de colaboradores, compuesto por Daniel Palacios, Alma Espinosa, Juanma González e Isaac Vizcaíno. Entre bromas sobre la edad, el salto generacional entre plataformas como Facebook y TikTok, y los tópicos de la crisis de los 40 –marcada hoy en día por maratones, bicicletas de alta gama o la elaboración de pan de masa madre–, el espacio radiofónico da paso a su habitual mezcla de novedades musicales, teatro, cine y dramatizaciones históricas. En el apartado puramente musical, el programa comienza repasando el nuevo material discográfico de Eels, el proyecto encabezado por Mark Oliver Everett, destacando su capacidad para conjugar ironía y composiciones brillantes. A continuación, Daniel Palacios presenta a la banda californiana Death Valley Girls y su tema Basic Witch, una formación femenina apadrinada por Iggy Pop cuyo estilo ha evolucionado desde el punk de garaje hacia sonoridades psicodélicas con arreglos de teclado y coros, influenciada por los incendios forestales vividos en su región. La sesión musical prosigue con The Interrupters y su canción Warrior Spirit, un avance de sonido ska-punk y claras reminiscencias de la new wave que cuenta con destacadas colaboraciones del entorno del punk estadounidense, como Travis Barker a la batería, Jesse Michaels y Brett Gurewitz. Como contrapunto de distorsión más pesada, suena la formación de metal Trivium con In the Court of the Dragon, un trabajo que toma como referencias explícitas la atmósfera de las películas de terror japonés y el clásico Trono de sangre de Akira Kurosawa, buscando el impacto de los grandes álbumes de los años noventa. Por su parte, Isaac Vizcaíno aporta su selección de novedades independientes, destacando el tema de Fontaines D.C. con una inédita colaboración vocal de Rosalía íntegramente en inglés, calificada en la mesa como una sobresaliente balada post-punk. Completan esta sección la cantautora neoyorquina Lily Konigsberg con su sencillo Sweat Cold y la propuesta electrónica y jazzística del productor japonés afincado en Nueva York Takuya Nakamura junto a Greentea Peng. En la cartelera teatral, Alma Espinosa recomienda Six: The Musical, una exitosa producción que llega al Teatro Gran Vía de Madrid tras triunfar en Broadway y el West End. La obra plantea una original comedia musical pop en la que las seis esposas de Enrique VIII relatan sus vivencias a modo de concierto, encarnando a grandes divas contemporáneas como Beyoncé, Adele, Rihanna o Avril Lavigne para reivindicar su papel histórico desde el humor y un potente despliegue vocal. En la sección cinematográfica, Juanma González desgrana los estrenos semanales, comenzando por Whalefall, un thriller dramático protagonizado por Austin Abrams y Josh Brolin que narra la claustrofóbica odisea de un buzo atrapado en el interior de un cachalote mientras explora su conflictiva relación paternofilial. Asimismo, analiza la adaptación en acción real de Street Fighter, cargada de guiños retro y pasajes animados para los seguidores del videojuego clásico, y concluye con La invitación, remake estadounidense de la comedia española de Cesc Gay centrado en una peculiar reunión de vecinos y parejas. Para finalizar la emisión, Alicia Parente dinamiza el Vodevil Ovejil transportando a los oyentes hasta Tombstone (Arizona) en 1881 para recrear el célebre tiroteo en el O.K. Corral. A través de la mítica balada de Johnny Cash inspirada en el cementerio de Boot Hill, el equipo recrea la tensa disputa entre los agentes de la ley Wyatt, Virgil y Morgan Earp, apoyados por Doc Holliday, frente a la banda de forajidos liderada por los hermanos Clanton y McLaury, un enfrentamiento que resolvió viejas rencillas en apenas treinta segundos y marcó la leyenda del Lejano Oeste.

Un repaso a cintas míticas como 'El baile de los vampiros' para dilucidar cómo el humor y los sustos conviven sin restar dramatismo a la trama. El espacio radiofónico dedica su entrega a analizar la delgada línea que separa el cine cómico del aterrador mediante una selección de títulos clásicos del género, planteando el dilema de si deben considerarse comedias de terror o películas de terror con comedia. El debate examina la intención original de los directores, el equilibrio de tonos en el guion y el modo en que el público percibe el miedo y el humor cuando conviven dentro del mismo metraje cinematográfico. La conversación da inicio analizando El baile de los vampiros, la célebre cinta de Roman Polanski en la que el cineasta interpreta a uno de los protagonistas que se adentra en el castillo de un vampiro. Los tertulianos destacan cómo la trama arranca bajo las convenciones de una farsa ligera, pero evoluciona hacia una atmósfera tétrica, sucia y opresiva donde el horror se impone al humor, especialmente en secuencias tan inquietantes como el rapto de la joven en la posada o el baile final. El siguiente título abordado es Un hombre lobo americano en Londres, obra cumbre dirigida por John Landis. Se resalta la habilidad de la película para presentar a dos mochileros simpáticos en escenas de tono jovial que rápidamente se tornan en una pesadilla implacable en los páramos. Los contertulios coinciden en que se trata indiscutiblemente de una película de horror en la que el elemento cómico —presente en diálogos agudos o situaciones surrealistas en un cine para adultos— potencia la tragedia y el dramatismo de la transformación del protagonista. El análisis prosigue con Gremlins, el éxito de 1984 dirigido por Joe Dante. El equipo reflexiona sobre la naturaleza del terror familiar ochentero y recuerda que el metraje original tuvo que suavizarse debido a la crudeza de algunas muertes. La presencia del adorable Gizmo y el tono lúdico no anulan la brutalidad y el suspense de escenas clave como el enfrentamiento en la cocina o el desenlace en el centro comercial, que consolidan a la obra como un referente del terror con trasfondo cómico y gamberro. Asimismo, los colaboradores repasan El regreso de los muertos vivientes, realizada por Dan O'Bannon en 1985. Aunque incluye chistes memorables y elementos paródicos, como zombis articulados que solicitan más patrullas por la radio policial, se subraya el carácter genuinamente siniestro de los cadáveres reanimados, los efectos visuales prácticos y su desenlace profundamente nihilista, muy en sintonía con las obras más crudas del subgénero. En el apartado de adaptaciones literarias se examina Re-Animator, dirigida por Stuart Gordon y basada en el relato de H.P. Lovecraft. Los comentaristas debaten sobre el humor negro desbocado de la cinta, marcado por la obsesión del doctor Herbert West y situaciones grotescas que bordean la incorrección política absoluta, conviviendo con altas dosis de sangre, mutilaciones y horror corporal explícito. El cine español tiene un lugar destacado con El día de la bestia, la aclamada producción de Álex de la Iglesia protagonizada por Álex Angulo, Armando De Razza y Santiago Segura. Catalogada en su estreno como una comedia de acción satánica, el debate concluye que, pese al costumbrismo castizo y sus desternillantes diálogos callejeros, la película mantiene una atmósfera apocalíptica angustiosa y secuencias turbias que la consolidan como una obra maestra multidisciplinar. El recorrido se completa con títulos como Arrástrame al infierno de Sam Raimi, El terror llama a su puerta de Fred Dekker, Noche de miedo de Tom Holland y la antología Creepshow de George A. Romero. Sobre todas ellas se concluye que el mejor cine de género utiliza la comedia como una herramienta de distensión que, lejos de rebajar el miedo, intensifica el impacto del terror en el espectador.

Actores, iconos del deporte y cantautores se atrevieron con el rap. Repasamos en esRadio los aciertos y fiascos más llamativos ante el micrófono. En los micrófonos de esRadio, el equipo del programa abre la tertulia comentando con humor los preparativos para la festividad de Halloween y los disfraces basados en producciones de ficción como Stranger Things o clásicos del cine de terror. A partir de esa atmósfera distendida, la conversación desemboca en un monográfico musical dedicado al concepto de toyaco, término procedente de la jerga callejera del rap que define a aquellos advenedizos e impostores que intentan aparentar una autenticidad marginal de la que carecen. El repaso comienza con actores célebres que en algún momento decidieron probar suerte en el mundo de las rimas. El caso paradigmático es el de Mark Wahlberg en su etapa noventera como Marky Mark al frente de The Funky Bunch y su éxito comercial Good Vibrations. Pese a que el intérprete contaba con un historial juvenil problemático en Boston antes de saltar a la fama como modelo de Calvin Klein y estrella de la gran pantalla, su propuesta sonora se percibe como un intento edulcorado y prefabricado. En el extremo opuesto, el análisis destaca la intervención de Natalie Portman para el espacio televisivo Saturday Night Live, donde la actriz demostró que una parodia bien facturada y cargada de energía puede resultar mucho más convincente y respetable que la pose forzada de otros intérpretes. La incursión de figuras del deporte profesional en el estudio de grabación ocupa un lugar destacado en el debate. Por un lado, se aborda la trayectoria de John Cena en la lucha libre y su álbum You Can't See Me, donde canalizó su afición real por la cultura hip hop, si bien quedó encasillado en el arquetipo de su personaje en el cuadrilátero. Por otro lado, la comparativa en el baloncesto de la NBA resulta reveladora: Shaquille O'Neal logró un auténtico respeto profesional en la escena de la costa este gracias a su solvencia al micrófono y a colaboraciones de primer nivel, mientras que Kobe Bryant vio cómo su proyecto discográfico quedaba cancelado por falta de credibilidad callejera, y el base galo Tony Parker firmó un intento blando y prescindible. La vinculación histórica entre el punk y los albores del rap también centra la atención de los colaboradores. Se recuerda la alianza de John Lydon –antiguo integrante de Sex Pistols– con Afrika Bambaataa en el proyecto Time Zone, así como la insólita aventura en solitario de Dee Dee Ramone bajo el alias de Dee Dee King, calificada como una rareza tan catastrófica como genuina. Del mismo modo, se evoca cómo la banda británica The Clash absorbió el ambiente callejero neoyorquino para componer The Magnificent Seven, erigiéndose en adelantados de ese crossover rock y rap que años más tarde llevarían a la cima agrupaciones como Red Hot Chili Peppers. En el ámbito hispanohablante, la sección examina dos experimentos muy particulares. El cantautor Pedro Guerra exploró el género con Rap a duras penas, una pieza donde recurría al dulce tradicional de la rapadura como metáfora crítica frente a la pérdida de identidad de las músicas marginales al ser masificadas por la industria. Para concluir, la mesa coincide en señalar la composición No soporto el rap de Joaquín Sabina –perteneciente a su disco Yo, mi, me, contigo– como un claro despropósito musical, producto de una aproximación superficial y fallida a los códigos y ritmos del hip hop.

De los experimentos en el rap de deportistas a joyas del cine que mezclan humor y miedo: esRadio analiza una noche de música singular y celuloide. Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, capitaneado por Felipe Couselo y con la participación habitual de Dani Palacios, Juanma González y el equipo del programa, arrancó entre anécdotas de grabaciones recientes, guiños al programa de cine De Par en Par y reflexiones sobre el rock and roll clásico de los años setenta, personificado en la mítica banda Kiss y su legendario disco en directo Alive!. El núcleo de la primera parte del espacio estuvo marcado por la sección musical dedicada a repasar a personajes que, sin pertenecer originalmente a la cultura del hip-hop, hicieron incursiones en el género. Se debatió ampliamente el concepto de raperos advenedizos o toyacos, analizando piezas que van desde Marky Mark —el actor Mark Wahlberg en su faceta musical noventera— hasta una sorprendente Natalie Portman en sus colaboraciones paródicas con The Lonely Island para Saturday Night Live. El repaso continuó con figuras del deporte profesional que probaron suerte tras el micrófono, destacando a iconos de la lucha libre y el baloncesto como John Cena y Shaquille O'Neal, este último valorado positivamente por su contundencia y autenticidad en la escena de la Costa Este. En contraste, se valoraron como experimentos fallidos o impostados los intentos de leyendas de las canchas como Kobe Bryant o el base francés Tony Parker. La revisión cruzó fronteras hacia el punk y el rock con grabaciones singulares como la colaboración entre John Lydon y Afrika Bambaataa, el tropiezo como rapero de Dee Dee Ramone bajo el alias Dee Dee King o el sonido precursor de The Clash en piezas emblemáticas. En el ámbito español, los tertulianos no pasaron por alto las peculiares aproximaciones al género de cantautores consagrados como Pedro Guerra o la sátira de Joaquín Sabina en canciones de corte experimental. La segunda mitad del programa dio paso al análisis cinematográfico de Dani Palacios sobre la delgada línea entre la comedia y el terror. A través del análisis de tráileres y escenas de títulos esenciales, los colaboradores debatieron si pesaba más el humor macabro o la atmósfera terrorífica en clásicos como El Baile de los Vampiros de Roman Polanski, Un Hombre Lobo Americano en Londres de John Landis o la recordada Gremlins de Joe Dante. El recorrido por el cine fantástico culminó examinando obras de culto de los ochenta y noventa como Re-Animator, El Día de la Bestia de Álex de la Iglesia, Noche de Miedo y Creepshow de George A. Romero. El debate concluyó señalando cómo los efectos especiales analógicos y los guiones gamberros lograron un equilibrio irrepetible entre el espanto y la carcajada, despidiendo la emisión al ritmo electrizante de Kiss.

Un recorrido por los mejores filmes de espectros: de 'El resplandor' a 'Expediente Warren', repasando joyas góticas y grandes hitos del terror. En una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, Felipe Couselo y Juanma González dedican un extenso monográfico al subgénero de las casas encantadas en el cine de terror. La emisión comienza reflexionando sobre el propio significado del término en inglés a partir de un fragmento de la novela It de Stephen King, explorando cómo estos espacios actúan como lugares donde fuerzas sobrenaturales o siniestras se alimentan del dolor, la carne o el alma de sus habitantes. El recorrido cinematográfico arranca recordando la figura del director y productor William Castle y su célebre 13 fantasmas (1960), caracterizada por sus ingeniosos trucos promocionales en las salas. Los presentadores analizan también su remake homónimo de 2001, impulsado por la productora Dark Castle Entertainment de Robert Zemeckis y Joel Silver. Esta versión convirtió el caserón en un laberinto mecánico de cristal con inscripciones mágicas y doce espectros cautivos pertenecientes al denominado zodíaco negro, combinando la estética videoclipera de la época con un elenco encabezado por Tony Shalhoub y Matthew Lillard. La huella de William Castle continúa con House on Haunted Hill (1959), protagonizada por Vincent Price, y su posterior reinterpretación de 1999 dirigida por William Malone. En ambas obras, un excéntrico millonario reúne a varios desconocidos en una mansión siniestra —un antiguo psiquiátrico en la versión moderna— ofreciendo una recompensa económica a quienes logren sobrevivir a una noche entera de pesadilla. El programa destaca la atmósfera festiva pero efectiva de estas producciones y el carisma de Geoffrey Rush emulando al propio Price. El análisis vira después hacia el terror psicológico más refinado con Suspense (1961), adaptación de Otra vuelta de tuerca de Henry James dirigida por Jack Clayton y coescrita por Truman Capote. Con una magistral interpretación de Deborah Kerr en el papel de la institutriz, la cinta destaca por su brillante uso del sonido y la constante ambigüedad sobre si las apariciones espectrales son reales o proyecciones del trauma y la represión mental de la protagonista, una influencia clave en obras modernas como la serie La maldición de Bly Manor de Mike Flanagan. Posteriormente se aborda La leyenda de la mansión del infierno (1973), basada en la novela de Richard Matheson, donde un grupo de científicos y médiums —entre ellos Roddy McDowall— intenta purificar la temible casa Belasco combinando parapsicología y tecnología. Asimismo, los locutores rememoran la clásica La caída de la casa Usher (1960) de Roger Corman, ensalzando la capacidad del cineasta para lograr puestas en escena de enorme elegancia gótica con presupuestos muy reducidos. Otro título clave tratado en la tertulia es Pesadilla diabólica (1976), dirigida por Dan Curtis y protagonizada por Karen Black, Oliver Reed y Bette Davis. En este filme, una familia alquila una residencia veraniega por un precio sospechosamente bajo a cambio de alimentar a una anciana recluida en el ático, dando pie a una inquietante dinámica en la que la mansión rejuvenece a medida que drena la vitalidad y la salud mental de sus inquilinos. El espacio reserva un lugar de honor para El resplandor (1980), la obra maestra de Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King. Se subraya la transición de la casa encantada tradicional al formato de hotel aislado con el Overlook, destacando la perturbadora actuación de Jack Nicholson, el revolucionario empleo de la steadicam para recorrer los pasillos y secuencias icónicas como la aparición de la mujer de la bañera en la habitación 237 o las gemelas Grady. En el plano del cine contemporáneo, Couselo y González analizan el enorme impacto de James Wan con Expediente Warren: The Conjuring (2013) e Insidious (2010). Ambas películas revitalizaron de forma decisiva el cine de terror en salas comerciales, popularizando la construcción del susto orquestada con precisión milimétrica y sentando las bases de universos cinematográficos centrados en investigaciones paranormales, demonología y proyecciones al más allá. Para concluir, el programa destaca El último escalón (1999), adaptación dirigida por David Koepp y protagonizada por Kevin Bacon, donde la hipnosis abre la percepción de un hombre común hacia un crimen oculto en su propio hogar. El repaso se cierra con referencias a La mujer de negro (2012) y rarezas del cine de culto italiano como Ghosthouse (1988) de Umberto Lenzi, despidiendo una completa panorámica sobre cómo los muros encantados del celuloide siguen atrapando la fascinación del espectador.

Un recorrido cinematográfico por inmuebles poseídos y espectros a través de clásicos como 'Terror en Amityville' o la joya nipona 'Dark Water'. En una edición especial dedicada al género de terror con motivo de las fechas de Halloween, el programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, contó con la participación de Juanma González y Daniel Palacios para desgranar un exhaustivo recorrido por las mejores películas de casas encantadas de la historia del cine, analizando sus claves estilísticas, narrativas y psicológicas. El primer gran foco de atención fue la inmortal obra de Shirley Jackson, La maldición de Hill House. Los colaboradores repasaron la brillante adaptación cinematográfica dirigida por Robert Wise en 1963, elogiando su capacidad para generar desasosiego mediante una puesta en escena elegante y un terror psicológico sugerido que prescindía de artificios fáciles. Asimismo, se analizó la célebre serie de televisión homónima estrenada en 2018 y dirigida por Mike Flanagan, a la que calificaron como una de las cumbres del género en la pequeña pantalla gracias a su perfecto equilibrio entre el drama familiar del clan Crain y los alardes técnicos, destacando especialmente el virtuosismo de su sexto episodio rodado en complejos planos secuencia. La conversación se detuvo a continuación en los años ochenta, abordando propuestas donde lo sobrenatural se integraba en entornos cotidianos o de corte fantástico. Daniel Palacios reivindicó House, una casa alucinante (1985), cinta producida por Sean S. Cunningham y protagonizada por William Katt que supo fundir la comedia de terror ochentera con una entidad maligna que materializa los traumas de su protagonista. Por su parte, Juanma González destacó Poltergeist (1982), clásico dirigido por Tobe Hooper y producido por Steven Spielberg que trasladó el fenómeno paranormal al corazón de una idílica urbanización californiana edificada sobre un antiguo cementerio, señalando su demoledora crítica social encubierta y sus pioneros efectos visuales. Otro de los hitos cinematográficos examinados fue Al final de la escalera (1980), dirigida por Peter Medak y encabezada por una sobrecogedora interpretación de George C. Scott. El equipo del programa ensalzó su austera construcción del suspense, así como la potencia simbólica de objetos cotidianos como la inolvidable pelota roja rebotando escaleras abajo o la presencia de la silla de ruedas, elementos convertidos en iconos del cine de fantasmas que marcaron a directores posteriores. El fenómeno de Terror en Amityville (1979) también ocupó un espacio destacado. Basada en los supuestos sucesos reales padecidos por la familia Lutz tras el crimen de los DeFeo, la película sobresalió por la icónica fachada antropomórfica de la casa colonial y su atmósfera opresiva repleta de plagas y posesiones. Aunque suscitó discrepancias por su tono formal y sus múltiples y desiguales secuelas, los contertulios reconocieron su impacto seminal en la cultura popular y su influencia en franquicias modernas. En el apartado del cine patrio, los locutores analizaron Los otros (2001), la aclamada obra maestra de Alejandro Amenábar protagonizada por Nicole Kidman. El espacio subrayó la precisión milimétrica del guion, la prodigiosa iluminación en penumbra diseñada por Javier Aguirresarobe motivada por la enfermedad de fotofobia de los niños y su brillante reinvención del relato gótico clásico. El análisis sirvió de puente para recordar otras piezas destacadas del terror español ambientadas en recintos cerrados, tales como Frágiles de Jaume Balagueró, El orfanato de Juan Antonio Bayona, El espinazo del diablo de Guillermo del Toro o Malasaña 32 y Verónica de Paco Plaza, que trasladaron el miedo a los pisos antiguos y castizos de Madrid. Para concluir, el análisis abordó la vertiente oriental a través del fenómeno del J-horror, centrándose en Dark Water (2002) de Hideo Nakata. Se puso en valor cómo el cine japonés plasma el aislamiento y la soledad urbana en bloques de apartamentos deshumanizados, convirtiendo elementos triviales como las goteras o un bolso escolar en fuentes de angustia absoluta, antes de cerrar el programa con una mención a la inclasificable y vanguardista cinta de culto Hausu (1977).

Hablamos con Juanjo Ordás, autor de "Canciones Desde el Puerto: 2006-2011", una conversación con Bunbury sobre ese período de su trayectoria musical El espacio musical aborda la figura artística y la trayectoria discográfica del cantante aragonés a través de la presentación de una obra literaria monográfica. El periodista y escritor Juanjo Ordás presenta su libro Canciones desde el puerto (2006-2011), un volumen editado por Liburuak que desentraña un lustro fundamental en la carrera en solitario del músico. A diferencia de las aproximaciones biográficas convencionales, esta publicación adopta la forma de una conversación sostenida y rigurosa entre el autor y el propio artista, articulada alrededor del análisis minucioso de sus composiciones y del contexto creativo en el que vieron la luz tras un periodo de incertidumbre profesional. El libro examina una etapa de reconstrucción y reinvención constante que comenzó con la pausa posterior a la disolución de su primera banda de acompañamiento y la grabación compartida con Nacho Vegas. Según explica Ordás, el propósito fundacional fue desgranar el repertorio canción a canción, sin perderse en anécdotas superficiales ni forzar revelaciones innecesarias. La confianza mutua forjada a lo largo de los años permitió que el vocalista zaragozano rompiese con su habitual hermetismo respecto al significado de sus letras, ofreciendo un testimonio directo sobre sus procesos creativos. Este diálogo en profundidad permite entender las diferentes capas estilísticas de su obra y la metodología compositiva de un creador incansable. Uno de los aspectos más destacados de la obra es el reconocimiento explícito a los músicos y colaboradores que arroparon a Bunbury durante aquellos años de transformación. Aunque la figura del compositor ejerce como eje central del relato, el texto reivindica el papel determinante de instrumentistas como Álvaro Suite o Quique Mavilla, así como el impacto de proyectos colaborativos como El tiempo de las cerezas. La generosidad del artista a la hora de ceder protagonismo a sus compañeros demuestra que la producción musical no se concibe como un ejercicio individualista, sino como un engranaje colectivo donde el trabajo de banda resulta indispensable para alcanzar el sonido deseado en el estudio y en los escenarios. Entre los discos repasados en el volumen, que abarcan desde Hellville de Luxe hasta Licenciado Cantinas, pasando por directos como Gran Rex, el autor confiesa una predilección muy personal por Las consecuencias. Ordás rememora la primera escucha privada del álbum en el domicilio del músico antes de su publicación oficial y la profunda impresión que le causó aquel material íntimo. La posterior confirmación en directo y los ensayos en espacios reducidos consolidaron su fascinación por un repertorio de gran hondura emocional, caracterizado por una marcada densidad lírica y arreglos acústicos cuidados al extremo que reflejaban la madurez creativa del intérprete. La conversación también pone de manifiesto la capacidad del músico para trabajar con abundante material sonoro y planificar su carrera discográfica con notable anticipación. Lejos de conformarse con las canciones justas para completar un minutaje, el cantante suele componer y registrar decenas de temas para seleccionar únicamente los más adecuados para el concepto global de cada obra. Esta constante proyección hacia el futuro explicaba que, mientras concluía la promoción de una entrega o preparaba grabaciones de versiones tradicionales, ya tuviese perfilada la estructura conceptual y estética de lanzamientos posteriores como Palosanto, demostrando una inusual visión artística a largo plazo. El análisis concluye destacando el perfeccionismo casi artesanal del vocalista en todos los aspectos de su obra, desde el diseño gráfico de las cajas y ediciones en vinilo hasta la iluminación y el repertorio de cada concierto en directo. Esta minuciosa atención a los detalles se mantuvo incluso tras superar graves problemas en sus vías respiratorias, provocados por sustancias químicas empleadas en los escenarios, un contratiempo que amenazó con apartarlo prematuramente del directo pero del que logró sobreponerse para continuar su actividad. El espacio despide el repaso con la audición de Porque las cosas cambian, una pieza emblemática que condensa el espíritu de permanente mutación y autoexigencia que define su legado musical contemporáneo.

Hablamos sobre el rock de Fontaines D.C., los estrenos de la cartelera y la etapa dorada del exlíder de Héroes del Silencio entre otras cosas. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio reúne al equipo habitual encabezado por Felipe Couselo, junto a Juanma González, Dani Palacios, Miriam García, Isaac Vizcaíno y Alma Espinosa, para repasar la actualidad de la música alternativa, las artes escénicas, las novedades cinematográficas y la bibliografía musical. En el apartado de novedades discográficas, el programa destaca el regreso y la evolución de formaciones de rock contemporáneo. Dani Palacios analiza los últimos lanzamientos de formaciones internacionales, comenzando con el sonido contundente de la banda canadiense Death From Above 1979, que rescata maquetas de sus inicios para dar forma a su nuevo material en formato de dúo eléctrico de bajo y batería. Asimismo, se comenta el impacto de los irlandeses Fontaines D.C., una de las bandas más destacadas del panorama actual, ante la inminente llegada de su álbum y su concierto en Madrid, además de repasar la irrupción de Dexter and the Moonrocks y su particular mezcla denominada space grunge con raíces sureñas. Por su parte, Isaac Vizcaíno ofrece un recorrido ecléctico que comienza con la reinterpretación en clave de bossa nova que el conjunto francés Nouvelle Vague realiza de clásicos de la música alternativa, centrando la atención en su versión de Depeche Mode. La sección se complementa con propuestas heterodoxas que abarcan desde el punk alemán contemporáneo de Team Scheisse en colaboración con Modeselektor hasta los sonidos noventeros y directos de Carmelita. La cartelera teatral llega de la mano de Alma Espinosa, quien recomienda la adaptación cómica de terror Drácula: Una Comedia Terrorífica en el Off del Teatro Calderón de Madrid. Esta propuesta escénica destaca por la versatilidad de cinco intérpretes encargados de dar vida a más de cuarenta personajes, trasladando el mito del vampiro a una sátira contemporánea vinculada con la especulación inmobiliaria y los problemas de la vivienda actual. El cine ocupa un bloque central con el análisis compartido entre Juanma González y Dani Palacios sobre el nuevo trabajo cinematográfico centrado en el funcionamiento interno de las redes sociales y la figura de Mark Zuckerberg. Los críticos examinan las virtudes y carencias de los diálogos de Aaron Sorkin al frente del libreto y la dirección en The Social Reckoning, contrastándola con el precedente de David Fincher y señalando una menor carga dramática en sus protagonistas. También se aborda el estreno de El Árbol Mágico, producción británica de corte familiar y fantástico protagonizada por Andrew Garfield y Claire Foy, inspirada en las historias clásicas de Enid Blyton. El programa concluye con una extensa entrevista al periodista y escritor musical Juanjo Ordás con motivo de la publicación de su obra Canciones Desde el Puerto (2006-2011). El libro disecciona un periodo fundamental en la carrera en solitario de Enrique Bunbury, comprendido entre trabajos como El Tiempo de las Cerezas, Hellville de Luxe, Las Consecuencias y Licenciado Cantinas. Durante la charla se profundiza en el proceso de composición del músico aragonés, el meticuloso cuidado de las ediciones discográficas y la estrecha colaboración mantenida con los músicos de estudio y directo que han acompañado su trayectoria.

Repasamos junto a Juanma su visita a la CómicCon y hacemos unos crossover terroríficos, aprovechando el mes de octubre, con las series más inesperadas Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio arranca de la mano de Felipe Couselo y todo el equipo habitual, con el regreso al estudio de Juanma González tras su paso por Andalucía. El programa dedica sus primeros compases a recordar el vigésimo octavo aniversario del emblemático disco This Is My Truth Tell Me Yours, obra cumbre de la banda galesa Manic Street Preachers, analizando su impacto musical y la historia de superación del grupo tras la misteriosa desaparición de Richey Edwards. El bloque central de la noche se centra en la crónica de la Comic-Con de Málaga, donde Juanma González desgranó los momentos más destacados del evento. A diferencia de ediciones anteriores marcadas por el colapso organizativo, la convención demostró una notable mejoría logística en el recinto de Fycma, permitiendo al público disfrutar con mayor comodidad de los estands y de los paneles de invitados de primer nivel del mundo del cómic, el cine y la televisión. Entre los encuentros estelares sobresalió la reunión dedicada a la trilogía de El Señor de los Anillos, protagonizada por Elijah Wood y Sean Astin, quienes rememoraron el rodaje en Nueva Zelanda y el impacto que supuso regresar a la vida cotidiana tras años aislados filmando. Asimismo, se reivindicó el valor del noveno arte con la presencia de figuras destacadas del cómic estadounidense e internacional como John Romita Jr., Pepe Larraz o Jorge Jiménez, dibujantes de referencia en las editoriales Marvel y DC. La convención contó también con la participación de veteranos de la pantalla como Richard Dean Anderson, quien compartió divertidas anécdotas sobre los asesores científicos de la mítica serie MacGyver y su actual labor en defensa de los animales. Por su parte, el actor de doblaje John DiMaggio se metió a la platea en el bolsillo evocando a personajes icónicos como Bender en Futurama o Jake en Hora de Aventuras, haciendo gala de una gran complicidad con el público asistente. En el ámbito de los grandes estudios, Disney y Marvel acapararon la atención al promocionar Avengers: Doomsday, adelantando que el filme llegará a las salas españolas antes de lo previsto y profundizando en el sonado regreso de Robert Downey Jr. en la piel del villano Doctor Muerte. Además, se proyectaron adelantos exclusivos de Whale Fall, un angustioso thriller de supervivencia marina en el que intervienen Austin Butler y Josh Brolin. El cineasta Kevin Smith protagonizó una de las sesiones más ovacionadas al presentarse en solitario ante cuatro mil personas para responder preguntas sin filtros, confirmando el desarrollo de Dogma 2 e inspirando a los jóvenes creadores con las anécdotas de producción de bajísimo presupuesto de Clerks. Por las salas del evento también pasaron figuras como Mira Sorvino, Christopher Lambert y el reparto de Starship Troopers, donde un contundente Michael Ironside defendió la lectura de la película como una sátira antibelicista y política orquestada por Paul Verhoeven. Uno de los momentos más entrañables y concurridos de la cita malagueña fue el reencuentro de gran parte del elenco de la serie Los Serrano, con la participación de Antonio Resines, Antonio Molero, Natalia Sánchez, Víctor Elías y Fran Perea. Los intérpretes repasaron con humor las improvisaciones de rodaje, la camaradería que forjaron a lo largo de las temporadas y la forma en que tuvieron que afrontar el inesperado y comentado desenlace de la ficción televisiva. Para cerrar la velada, Miriam García propuso una original sección con motivo de Halloween en la que planteó hipotéticos cruces entre comedias populares y universos de terror. El equipo debatió divertidas premisas como trasladar el edificio de Aquí No Hay Quien Viva al apocalipsis zombi de The Walking Dead, situar a los protagonistas de Friends en los misterios sobrenaturales de Stranger Things, encerrar a las cuatro amigas de Sexo en Nueva York en la mansión de American Horror Story o sumergir a los personajes de Los Simpson en las pesadillas nocturnas de la serie From.

Juanma González nos contó más sobre la convención de la Costa del Sol que amplió su aforo con nombres como Elijah Wood, Kevin Smith o 'Los Serrano' En una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el equipo encabezado por Felipe Couselo analiza los momentos más destacados y las anécdotas de la cultura popular reciente, poniendo un foco muy especial en la experiencia vivida en la última edición de la Comic-Con de Málaga a través de la crónica detallada del colaborador Juanma González. A diferencia de los problemas de masificación y retrasos vividos en la primera convocatoria, la organización del evento corrigió errores y ofreció un recinto mucho más accesible y fluido. El certamen demostró un firme compromiso con la historieta gracias a la presencia de grandes nombres del cómic español e internacional como Pepe Larraz, Jorge Jiménez y el veterano dibujante estadounidense John Romita Jr., quienes compartieron firmas y encuentros con miles de aficionados. Uno de los platos fuertes del encuentro fue la mesa redonda dedicada a la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos, que reunió a intérpretes como Elijah Wood y Sean Astin, acompañados también fuera del escenario por John Rhys-Davies. Los protagonistas recordaron el rodaje en Nueva Zelanda a las órdenes de Peter Jackson y cómo aquel proyecto monumental funcionó como una experiencia comunitaria irrepetible que marcó sus vidas y definió a toda una generación de cineastas y espectadores. El certamen contó asimismo con la presencia de figuras míticas de la televisión, empezando por el actor de voz John DiMaggio, conocido por dar vida a personajes tan emblemáticos como Bender en Futurama. Por su parte, Richard Dean Anderson repasó su trayectoria en series legendarias como Stargate SG-1 y MacGyver, explicando su compromiso con el bienestar animal y rememorando con humor cómo los asesores científicos de la mítica serie de acción intentaban poner límites lógicos a los disparatados inventos de su personaje. La factoría Disney y Marvel protagonizaron un despliegue de gran impacto al avanzar novedades de la esperada Avengers: Doomsday, adelantando su fecha de estreno y contando con rostros como David Harbour, Anthony Mackie y Winston Duke. En ese mismo panel se ofrecieron detalles exclusivos de Whalefall, una angustiosa cinta de supervivencia protagonizada por Austin Abrams y Josh Brolin que recrea la odisea real de un buceador atrapado en el interior de un cachalote gigante. El cine de autor y la comedia tuvieron representación de lujo con Mira Sorvino, quien rememoró su trabajo en Poderosa Afrodita y sus difíciles comienzos en Nueva York, además de manifestar su distanciamiento personal respecto a Woody Allen. Acto seguido, el director y guionista Kevin Smith ofreció un monólogo de dos horas en el que interactuó abiertamente con el público, confirmó la puesta en marcha de la secuela de Dogma y transmitió un entusiasta mensaje sobre la perseverancia creativa a los jóvenes realizadores. La nostalgia de la televisión nacional alcanzó su punto culminante con el reencuentro de gran parte del elenco principal de Los Serrano, con la presencia sobre el escenario de Antonio Resines, Antonio Molero, Natalia Sánchez, Víctor Elías, Fran Perea y Adrián Rodríguez. Durante la charla, abordaron entre risas el polémico desenlace de la serie y recordaron las constantes improvisaciones de Jesús Bonilla, que obligaban al equipo a rodar escenas por separado ante la imposibilidad de contener la risa en el plató. Por último, el evento rindió homenaje a clásicos de culto de la ciencia ficción de los noventa. Christopher Lambert repasó la saga de Los Inmortales, mientras que el reparto de Starship Troopers, encabezado por Michael Ironside, Casper Van Dien y Denise Richards, desgranó el carácter satírico y antimilitarista de la obra maestra de Paul Verhoeven, cerrando una edición repleta de anécdotas que anticipa ya la celebración del aniversario galáctico de Star Wars de cara a la próxima cita.

De Juan Cuesta liderando el apocalipsis zombi a 'Las chicas de oro' rodeadas de espectros: comedias míticas se adentran en tramas sobrenaturales. Con motivo de la celebración de Halloween, los colaboradores del programa presentan una edición especial de su sección de televisión dedicada a plantear crossovers insólitos entre comedias populares y grandes referentes del género de terror televisivo. A través de este ejercicio de imaginación colectiva, se analiza con humor cómo reaccionarían personajes arquetípicos de comedias de situación de éxito al ser trasladados de manera repentina a universos oscuros, apocalípticos o sobrenaturales. El primer cruce analizado sitúa la comunidad de vecinos de Desengaño 21 en Aquí No Hay Quien Viva dentro del universo zombi de The Walking Dead. La tertulia debate los roles que asumirían los personajes españoles, proponiendo a Juan Cuesta como líder natural al estilo de Rick Grimes, destacando paralelismos como tener hijos peculiares y un trágico destino conyugal. Asimismo, imaginan a Emilio como un superviviente rudo armado con una ballesta, mientras que señalan la increíble capacidad de adaptación de Mariví Bilbao frente al apocalipsis zombi, asegurando en tono de broma que su personaje acabaría mordiendo a los propios caminantes. En segundo lugar, se traslada a los protagonistas neoyorquinos de Friends a la enigmática localidad de Hawkins en Stranger Things. El debate se centra en cuál de los seis amigos descubriría primero la amenaza del Mundo del Revés, postulando a Chandler por su habitual incredulidad o a Joey por su despiste. También se visualiza a Monica obsesionada con limpiar la pared del abecedario iluminado, mientras que Ross es señalado como la víctima perfecta para ser abducida. Por su parte, la excéntrica Janice es comparada humorísticamente con el mismísimo Demogorgon debido a su carácter estridente e incombustible. La tercera combinación traslada el glamur de Sexo En Nueva York a la célebre casa encantada de American Horror Story. Los tertulianos consideran que Carrie Bradshaw intentaría narrar los sucesos paranormales con su habitual tono periodístico, Charlotte buscaría establecer contacto inocente con los espíritus y Miranda Hobbes representaría la voz de la sensatez huyendo de la mansión. Mientras tanto, coinciden en que Samantha Jones mantendría intacta su personalidad desinhibida ante cualquier presencia fantasmal que se manifestara en la residencia. El cuarto experimento une la mítica animación de Los Simpson con la asfixiante atmósfera de From, la serie en la que sus habitantes quedan atrapados en un pueblo rodeado por monstruos nocturnos. Se analiza la inevitable torpeza de Homer Simpson al poner en peligro inminente a su familia en los primeros minutos de emisión, mientras que Ned Flanders trataría de proteger a los vecinos insistiendo en atrancar puertas y ventanas. La tertulia también bromea con el papel del incompetente jefe Wiggum al mando de la seguridad ciudadana y con la posibilidad de que Patty y Selma fuesen confundidas con las criaturas de la noche. Como broche principal, se propone el cruce entre Las Chicas De Oro y La Maldición De Hill House. Los colaboradores destacan el carácter combativo de Sophia Petrillo insultando directamente a los fantasmas o desvelando un giro final en el que ella misma resultase ser una aparición con orígenes en Sicilia. Dorothy Zbornak aportaría el enfoque analítico frente al pánico, mientras que Blanche y Rose protagonizarían las escenas de mayor tensión cómica. Finalmente, los participantes lanzan otras propuestas cruzadas, como mezclar Sobrenatural con Pasión De Gavilanes combatiendo vampiros a ritmo de cumbia, antes de cerrar el programa con la música de Manic Street Preachers.

Brujas, hechizos y ocultismo regresan con Ella Fitzgerald, Rush, Eagles, Radiohead o Jeff Buckley en un recorrido mágico por décadas de música. El espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, dedicó su entrega número 432 a continuar el especial sonoro dedicado al universo de la brujería y los hechizos musicales. Con la llegada del mes de octubre y las vísperas de la temporada de Halloween, el programa reunió una ecléctica selección de canciones de diversas épocas y géneros que abordan la figura de las brujas, el ocultismo, la fascinación amorosa vista como embrujo y las histerias colectivas. La velada comenzó con la elegancia del jazz clásico a través de la interpretación de Ella Fitzgerald de That Old Black Magic. Esta célebre composición de Johnny Mercer y Harold Arlen, popularizada originalmente en los años cuarenta por Glenn Miller, expone la metáfora del enamoramiento como posesión mágica ineludible. A continuación, el programa dio un giro sonoro radical hacia el punk rock californiano de The Offspring con Dirty Magic, pieza perteneciente a su álbum Ignition de 1992 que describe el desgaste y la dependencia destructiva dentro de una relación tóxica tratada como hechicería oscura. El viaje continuó hacia los territorios del post-punk y el rock gótico con Siouxsie and the Banshees y su clásico Spellbound, tema central del disco Juju publicado en 1981. La canción sumerge al oyente en un trance hipnótico e inquietante, capturando el misterio de fuerzas que escapan al control de la voluntad humana. Poco después, el rock británico de The Cult se hizo presente con The Witch, canción grabada en 1992 para la banda sonora de la película de animación e imagen real Cool World, ofreciendo un sonido denso y psicodélico característico de la formación liderada por Ian Astbury y Billy Duffy. La temática adquirió un matiz reflexivo y social de la mano del trío canadiense Rush y su tema Witch Hunt, corte perteneciente a la obra maestra Moving Pictures de 1981. Como parte de su trilogía conceptual sobre el miedo, la banda utiliza la clásica persecución inquisitorial como alegoría de la histeria colectiva y el linchamiento moral propiciado por masas manipulables e intolerantes. Acto seguido, John Fogerty aportó un tono festivo y pantanoso con Wicked Old Witch, corte de su álbum Deja Vu All Over Again de 2004, inspirado en el clásico cinematográfico El mago de Oz y la fascinación infantil de su propia hija por el personaje de la bruja. El rock clásico estadounidense continuó con Eagles y su célebre éxito Witchy Woman, extraído de su álbum debut de 1972. Escrita por Don Henley y Bernie Leadon, la composición retrata el influjo magnético y seductor de una mujer enigmática y peligrosa, inspirada tanto en figuras reales de su entorno como en la personalidad atormentada de Zelda Fitzgerald. Por su parte, la banda británica de rock progresivo Jethro Tull aportó un aire medieval con The Witch’s Promise, relato en el que un hombre cae embaucado por las falsas promesas de amor de una hechicera del bosque. El bloque final exploró los rincones más densos y contemporáneos de esta temática. Rob Zombie evocó los procesos de Salem de finales del siglo XVII en American Witch, tema de su trabajo Educated Horses de 2006 que homenajea a las víctimas ejecutadas y sirvió de antesala para sus posteriores proyectos cinematográficos. Asimismo, Uriah Heep ofreció su mística balada The Wizard, procedente del álbum Demons and Wizards de 1972, donde se representa el encuentro iniciático con un mago sabio que combate la oscuridad. Para cerrar la emisión, Radiohead compareció con Burn the Witch, tema de apertura de A Moon Shaped Pool publicado en 2016. La composición emplea una tensa instrumentación de cuerda para denunciar la paranoia social contemporánea y la censura al pensamiento discrepante. Finalmente sonaron The Kinks con Wicked Annabella, perteneciente a su aclamado disco de 1968, y el añorado Jeff Buckley con Witches’ Rave, rescate póstumo de sus sesiones inconclusas que condensó una vez más la turbadora frontera entre la pasión romántica y el maleficio.

Brujas, hechizos, vudú y pócimas recorren la historia del rock en un viaje musical por algunas de sus canciones más oscuras y misteriosas. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido y presentado por Felipe Couselo, inaugura las emisiones especiales del mes de octubre dedicadas a la temática de Halloween. En esta entrega, el espacio radiofónico explora la presencia de la brujería, los hechizos y el misticismo en la historia de la música popular, recorriendo diferentes épocas y estilos que abarcan desde el rhythm and blues primigenio y el garage rock hasta el hard rock, el folk psicodélico y el heavy metal. La velada musical arranca con la voz de Nina Simone interpretando su clásica versión de I Put a Spell on You, una composición original de Screamin' Jay Hawkins donde se aborda la idea del enamoramiento como una posesión sobrenatural. A continuación, el programa se traslada a los orígenes del garage rock con The Sonics y su sencillo de finales de 1964, The Witch. Escrita e interpretada por Gerry Roslie, la pieza advertía sobre una peligrosa mujer de melena negra asociada al mal y a las sombras, consolidándose como una de las grabaciones pioneras del rock más crudo y enérgico de la escena de Tacoma. El misticismo latino llega de la mano de Santana y su emblemática versión de Black Magic Woman, incluida en el álbum Abraxas de 1970. Couselo recuerda que este clásico fue compuesto originalmente en 1968 por Peter Green para Fleetwood Mac, inspirándose en su pareja de entonces. Carlos Santana reinterpretó la composición combinándola con Gypsy Queen y dotándola de ritmos latinos y blueseros, logrando un éxito arrollador en las listas norteamericanas que consolidó su fusión de rock y espiritualidad. El lado más sombrío y reflexivo de la persecución de brujas queda plasmado con Queens of the Stone Age y su tema Burn the Witch, perteneciente al álbum Lullabies to Paralyze (2005). La letra utiliza los juicios de Salem como una metáfora ante el señalamiento público tras la polémica salida del bajista Nick Oliveri, contando con aportaciones de lujo como Mark Lanegan y Billy Gibbons de ZZ Top. Seguidamente, el tono humorístico lo aporta The Clovers con Love Potion No. 9, escrita por el tándem Jerry Leiber y Mike Stoller en 1959, relatando la historia de un joven desafortunado que acude a la gitana Madame Rue para conseguir un filtro de amor infalible con inesperadas consecuencias. El recorrido continúa con Donovan y su célebre Season of the Witch (1966), tema representativo del folk psicodélico que capturó la creciente paranoia social y el clima de alienación de finales de los años sesenta. La atmósfera se traslada luego a los pantanos y al vudú de Nueva Orleans con dos piezas fundamentales: primero, el chamánico Gris-Gris Gumbo Ya Ya (1968) de Dr. John, quien se presenta como un sanador tradicional cargado de talismanes y remedios curativos; y después, The Witch Queen of New Orleans (1971) de Redbone, un homenaje funk rock dedicado a la célebre reina del vudú Marie Laveau. En el tramo dedicado a las figuras femeninas dotadas de un aura sobrenatural, destaca Rhiannon (1975) de Fleetwood Mac, compuesta por Stevie Nicks inspirándose en la diosa de la mitología galesa. Asimismo, Kate Bush recrea el terror de los juicios acuáticos medievales en la vanguardista Waking the Witch, perteneciente a su aclamado Hounds of Love (1985), mientras que Florence + The Machine explora la condena y el dolor emocional en Which Witch, desatando una interpretación vocal catártica y poderosa. Para culminar el programa, Iron Maiden aporta la fuerza del heavy metal conceptual con Moonchild, tema apertura del álbum Seventh Son of a Seventh Son (1988), fuertemente influido por las obras de Aleister Crowley y la literatura fantástica. La despedida corre a cargo de Cream y su mítico Strange Brew, perteneciente a Disraeli Gears (1967), cerrando una selección dedicada a las pócimas, brujas y leyendas que han marcado la historia del rock.

Un acuerdo por una batería Ludwig en 1963 propició la creación del famoso sello gráfico del cuarteto de Liverpool por apenas cinco libras. En esta nueva entrega de los espacios culturales de esRadio, los presentadores nos proponen un viaje en el tiempo para descubrir los entresijos de uno de los símbolos más icónicos de la historia de la música contemporánea: el logotipo de la célebre banda británica The Beatles. A través de una amena recreación dramatizada, el programa nos traslada al vibrante Londres de la década de los sesenta para desvelar cómo un encuentro fortuito en una tienda de música cambió para siempre la identidad visual del grupo de Liverpool. La acción nos sitúa concretamente en el mes de abril de 1963, un periodo en el que la joven formación musical comenzaba a saborear las mieles del éxito tras el arrollador impacto de su sencillo Please Please Me. Con la necesidad de renovar su equipo de cara a los exigentes compromisos que se avecinaban, el representante del grupo, Brian Epstein, acompañado por el carismático batería Ringo Starr, decidió visitar el popular establecimiento de instrumentos musicales Drum City, ubicado en la conocida calle Shaftesbury Avenue. El dueño del comercio, Ivor Arbiter, un especialista en percusión que había inaugurado su tienda a finales de los años cincuenta, recibió a los clientes sin imaginar que estaba a punto de participar en un hito histórico. Ringo Starr quedó de inmediato prendado de una batería de la marca Ludwig, modelo Downbeat, que destacaba por un elegante acabado en color perla oscuro. El precio del instrumento ascendía a la considerable cifra de 238 libras, lo que dio pie a una singular negociación económica liderada por el astuto mánager de la banda. Haciendo gala de su gran visión comercial, Brian Epstein argumentó que la popularidad de The Beatles estaba creciendo de forma desmesurada y que la exposición de la marca en sus actuaciones supondría una campaña de publicidad incalculable para el negocio. Aunque Arbiter se negó en redondo a regalar el instrumento de forma gratuita, propuso un ventajoso intercambio: se quedaría con la vieja batería Premier de Ringo como parte del pago, siempre y cuando el logotipo de la marca Ludwig permaneciera intacto y bien visible en el bombo de la nueva adquisición. Epstein aceptó de buen grado el trato, pero añadió una condición indispensable: el nombre del grupo también debía figurar de forma prominente en el parche del tambor principal. En aquel momento, la banda carecía de una seña de identidad gráfica definida, más allá de unos sencillos esbozos amateur realizados previamente por Paul McCartney. Por la módica cantidad de cinco libras, Arbiter se comprometió a diseñar un logotipo exclusivo que cumpliera con las expectativas del mánager, quien insistió especialmente en que se resaltara la palabra beat para hacer un juego de palabras con el ritmo musical. Fue así como nació el famoso diseño de la tipografía con la letra B sobredimensionada y la letra T alargada hacia abajo, conocido mundialmente como el estilo drop-T. El rótulo original fue plasmado a mano por el artista local Eddie Stokes en el bombo de la batería de Ringo Starr, debutando oficialmente en los escenarios poco después. A lo largo de la trayectoria en activo de la formación hasta su separación definitiva en el año 1970, el parche del bombo lució hasta siete variaciones diferentes de este diseño, adaptándose a las diferentes giras y necesidades de la banda. No fue hasta el año 1994, coincidiendo con el lanzamiento del recopilatorio Past Masters, cuando la compañía discográfica de la banda, Apple Corps, decidió unificar todas las versiones existentes en un único diseño definitivo, que es el que actualmente reconoce todo el mundo. De regreso al estudio de esRadio, los locutores comentaron con humor los detalles de esta dramatización histórica, alabando el excelente trabajo del equipo de actores de doblaje y compartiendo anécdotas sobre otras colaboraciones en las que la música y el entretenimiento se dan la mano.

Música alternativa, teatro comprometido contra el suicidio y una recreación sobre The Beatles marcan la última entrega del espacio de esRadio. Una nueva entrega del espacio nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, conducido por Felipe Couselo acompañado por su equipo habitual de colaboradores, arrancó con el particular tono desenfadado que caracteriza al programa, repasando anécdotas culturales, cinematográficas y del mundo del cómic. En esta ocasión, los contertulios bromearon sobre la ausencia de Juanma González y debatieron acerca de adaptaciones emblemáticas como las obras de Alan Moore, recordando películas de culto como Sin City o la controvertida traslación a la pantalla de Watchmen. En el apartado de novedades musicales alternativas, el espacio dedicó tiempo a descubrir y analizar proyectos internacionales y emergentes. Se destacó la propuesta descarnada y fronteriza de artistas como la australiana Spike Fuck y el dúo suizo-ecuatoriano Hermanos Gutiérrez, célebres por su atmósfera de western instrumental andino reflejada en su reciente producción Los Ojos del Cóndor. Asimismo, se presentó a la enérgica banda británica Adult DVD, exponente del llamado dance-punk, lo que derivó en una divertida apuesta entre los colaboradores sobre las cifras de reproducciones del grupo en plataformas digitales, aderezada con promesas culinarias de torreznos y focaccia. El repaso sonoro continuó con el contundente rock tejano de Blacktop Mojo y con la música electrónica de club y sintetizador. En este ámbito brillaron los sonidos del proyecto francés General Elektriks y la utilización del mítico sintetizador de bajos Roland TB-303 en la colaboración entre Axel Boman y Superpitcher. Además, hubo hueco para la producción interna con el nuevo tema del grupo Sweet Mapache, proyecto liderado por Víctor Hernández, técnico de sonido de la casa, que presentó su bailable sencillo Tus Iniciales. Por su parte, Alma Espinosa acercó la recomendación teatral de la semana poniendo el foco en la obra Ayer intenté suicidarme, una producción escrita por Diego Da Costa y Julio Viñuela que se representa en la sala Bululú de Madrid. El montaje aborda con sensibilidad y valentía el drama del suicidio, una realidad frecuentemente silenciada en el debate social. A través de cuatro monólogos entrelazados correspondientes a la víctima, su pareja, un familiar y una perspectiva comunitaria, la obra busca romper estigmas y servir como ejercicio de catarsis y reflexión sobre la salud mental. En el tramo central de la emisión, el programa conectó con David Salamanca, organizador del Galán Fest de Pedrajas de San Esteban (Valladolid), que celebra su décimo aniversario. Junto al periodista Roberto Martínez, repasaron el cartel del festival, que reúne a formaciones como Monóxido, Saragüe 84 o The Fix Trío, e hicieron un sentido homenaje a la memoria de Moll, histórico técnico de sonido y pieza indispensable en la trayectoria del certamen, recientemente fallecido. Para concluir la noche, el programa emitió una divertida dramatización radiofónica titulada Vaudeville of Hill, guiada por Alicia Parente, en la que se recreó el curioso origen del logotipo de The Beatles. La pieza relató cómo en abril de 1963 el mánager Brian Epstein y Ringo Starr acudieron a la tienda londinense Drum City de Ivor Arbiter para adquirir una batería Ludwig, momento en el que, para cerrar el trato comercial, se improvisó por apenas cinco libras el diseño de la célebre tipografía con la letra te alargada.

Con Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban Con la ayuda de Roberto Martínez, entrevistamos a David Salamanca, responsable del Galanfest, festival que cumple 10 años y se celebra en Pedrajas de San Esteban (Valladolid) el sábado 3 de Octubre. Line-up completo: The Fixed Trio Yo Somos Love Feroz Sarajevo’84 Zero Azúcar Monóxido Intronauta DJ

De John Cage a Aphex Twin: analizamos la lista de 47 temas que el genio nipón regaló a un local de Manhattan para mejorar su acústica. En esta nueva entrega de la sección de novedades musicales en esRadio, se presenta una curiosa historia que vincula al célebre y añorado compositor japonés Ryuichi Sakamoto con el hilo musical de un restaurante neoyorquino. El punto de partida de este viaje sonoro es el restaurante vegetariano Kajitsu, ubicado en Nueva York, un establecimiento que encandilaba al maestro nipón por la calidad de sus platos, pero que le horrorizaba por la selección musical que ambientaba el local -repleta de versiones pop y bossa nova de baja calidad-. Ante tal acústica desfavorable, Sakamoto decidió escribir una carta al dueño del local para proponerle, de manera totalmente gratuita, confeccionar una lista de reproducción a la altura de su cocina. La lista de reproducción resultante, que fue publicada en su día por el prestigioso diario estadounidense el New York Times, consta de cuarenta y siete canciones y tiene una duración aproximada de tres horas y veinte minutos. En el programa se analiza detalladamente una selección de doce temas pertenecientes a esta playlist de verano. El elemento aglutinador y absoluto protagonista de todas estas composiciones es el piano, el instrumento predilecto de Sakamoto -pese a sus inicios en la mítica Yellow Magic Orchestra-, aunque con una particularidad muy llamativa: el compositor japonés no incluyó ninguna pieza de producción propia en toda la selección. La andadura musical comienza con el tema titulado The Flat, del compositor islandés Jóhann Jóhannsson, una pieza etérea donde el piano comparte protagonismo con bases ambientales muy sutiles. Jóhannsson, célebre tanto por sus trabajos en solitario como por sus aclamadas bandas sonoras, introduce una de las constantes de esta selección: la delicadeza del teclado. A continuación, el programa se adentra en terrenos más experimentales con John Cage y su obra Four Walls: Act I. Cage, uno de los compositores y filósofos musicales más influyentes de la vanguardia estadounidense, es recordado aquí por su técnica del piano preparado, que buscaba alterar el sonido del instrumento introduciendo pequeños objetos entre las cuerdas. El recorrido continúa con la aportación del productor alemán Nils Frahm y su tema Some, perteneciente a su álbum Solo. Frahm es conocido por su maestría a la hora de fundir el piano acústico con la electrónica sutil, utilizando fieltros y texturas que capturan hasta el más mínimo roce del instrumento, haciéndolo respirar. La atmósfera se vuelve algo más oscura con el chileno-alemán Nicolas Jaar y su pieza Mistress. Aunque Jaar es ampliamente reconocido en el mundo de la música electrónica de baile por sus ritmos de club, en esta ocasión ofrece un tema pausado, minimalista y con tintes de house abstracto que encajaba perfectamente en la atmósfera íntima del local. El virtuosismo al piano corre a cargo del canadiense Chilly Gonzales con el tema Gentle Threat, extraído de su célebre trabajo Solo Piano. Gonzales, que ha colaborado con artistas de lo más variopinto -desde Drake hasta Daft Punk-, demuestra su capacidad para crear melodías de piano hipnóticas sin necesidad de artificios. Otra de las paradas obligadas de la playlist es Oneohtrix Point Never -proyecto del productor Daniel Lopatin- con la canción Replica, editada bajo el emblemático sello Warp Records. Esta pieza destaca por el contraste entre una base electrónica áspera y un piano limpio, generando una tensión de fondo muy característica. No podía faltar en una lista de estas características la figura de Richard D. James, artífice de Aphex Twin, con su bellísima composición Avril 14th, perteneciente al álbum Drukqs. Aunque el grueso de la discografía de Aphex Twin destaca por la electrónica más dura y experimental, este tema al piano es una de las melodías más versionadas y célebres de la historia de la música contemporánea. La playlist también rinde homenaje a la música popular brasileña a través de la inconfundible voz de Gal Costa en el bellísimo tema Até Quem Sabe, donde la cadencia melancólica del piano acompaña a la perfección la interpretación de la diva brasileña. En el tramo final del análisis se repasan piezas como Is That What Everybody Wants, de Cliff Martinez, perteneciente a la banda sonora de la película Solaris de Steven Soderbergh; y la pieza The Shade, una histórica colaboración de música electrónica y krautrock entre Brian Eno, Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius -bajo el nombre de Cluster-. El broche de oro lo pone el jazz eterno de Thelonious Monk con su interpretación de I Don't Stand a Ghost of a Chance with You. Los presentadores cierran la sección bromeando sobre la genialidad de Sakamoto, quien prefirió destacar el talento ajeno antes que el propio para amenizar las veladas de su restaurante favorito.

Del suspense de 'La habitación del pánico' al horror de 'Los extraños': el cine que viola la seguridad de nuestro hogar En esta entrega se aborda un monográfico sobre el subgénero cinematográfico de las invasiones domésticas, comúnmente conocidas en la jerga anglosajona como home invasion. Tras una breve introducción sobre cómo este tipo de tramas genera una profunda incomodidad al violar el espacio de seguridad del hogar, los colaboradores de esRadio comienzan analizando la película Hostage, estrenada en el año 2005. Este largometraje, dirigido por el cineasta francés Florent Emilio Siri y protagonizado por Bruce Willis, sirve de punto de partida para explorar la tensión y la desesperación de unos personajes atrapados en su propia vivienda frente a unos delincuentes juveniles. Un clásico incontestable dentro de esta temática es Straw Dogs, la célebre cinta de 1971 dirigida por Sam Peckinpah. En ella, Dustin Hoffman interpreta a un refinado matemático norteamericano que se traslada junto a su esposa a una casa de campo en la campiña británica. Lo que comienza como una convivencia incómoda con los rudos obreros locales degenera progresivamente en un asedio brutal. Los analistas del programa destacan el dilema moral al que se enfrenta la pareja protagonista cuando deciden dar refugio a un desamparado del pueblo, lo que desata la ira irracional de los vecinos, quienes intentan asaltar la vivienda a toda costa. El repaso cinematográfico continúa con la vertiente del inquilino parásito que se introduce legalmente en la propiedad, ejemplificada a la perfección en Pacific Heights -De repente, un extraño-, un filme de 1990 dirigido por John Schlesinger. En esta ocasión, la amenaza no proviene de un asalto violento e inmediato, sino de la figura de un retorcido inquilino, interpretado de forma magistral por Michael Keaton, que convierte la vida de los propietarios en una auténtica pesadilla. Posteriormente, se analiza Panic Room -La habitación del pánico-, dirigida en 2002 por David Fincher. Esta película destaca por su atmósfera de claustrofobia y alta tecnología, donde unos asaltantes intentan forzar el búnker blindado en el que se esconden una madre -interpretada por Jodie Foster- y su hija pequeña. La violencia gratuita y carente de motivo lógico se analiza a través de Funny Games, la turbadora obra del director austríaco Michael Haneke de 1997. El programa detalla cómo dos jóvenes de aspecto impecable secuestran a una familia burguesa en su casa de vacaciones para someterla a sádicos juegos mentales y físicos, un ejercicio con el que el realizador buscaba reflexionar sobre la representación de la violencia en el cine. En una línea similar de terror inexplicable se sitúa The Strangers -Los extraños-, estrenada en 2008 y protagonizada por Liv Tyler, donde el pánico absoluto surge del hecho de que los asaltantes enmascarados no buscan ningún botín, sino que torturan a sus víctimas simplemente por el hecho de estar en casa. El cine francés más extremo tiene su representación con Inside -Al interior-, una sangrienta película de 2007 dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury que relata el acoso a una mujer embarazada por parte de una misteriosa figura femenina durante la noche de Navidad. Cruzando la frontera hacia el cine español, se destaca Sleep Tight -Mientras duermes-, dirigida por Jaume Balagueró en 2011. La cinta está protagonizada por Luis Tosar, quien encarna a un conserje de edificio incapaz de ser feliz cuyo único propósito vital es amargar la existencia de los vecinos de la comunidad, ensañándose de manera enfermiza en un retorcido ejercicio de terror cotidiano. Otro referente patrio analizado es Secuestrados, película de 2010 dirigida por Miguel Ángel Vivas que destaca por su crudo realismo y su rodaje mediante planos secuencia muy largos, transmitiendo la angustia en tiempo real de una familia asaltada en su nueva residencia de lujo. Para aligerar el tono, los colaboradores comentan You're Next -Tú eres el siguiente-, un filme de 2011 que subvierte las reglas del género cuando los enmascarados se topan con una invitada con inesperadas habilidades de supervivencia. El monográfico concluye con la aplaudida Don't Breathe -No respires-, una producción de 2016 dirigida por Fede Álvarez en la que tres ladrones cometen el error de asaltar la casa de un veterano de guerra ciego, interpretado por Stephen Lang, quien resulta ser un implacable y letal adversario en la oscuridad.

Descubrimos la playlist secreta de Ryūichi Sakamoto y los títulos más perturbadores del género de terror 'home invasion'. Una nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido por Felipe Couselo, arranca con la habitual tertulia entre sus colaboradores. En esta ocasión, se destaca la ausencia de Juanma Rodríguez, quien se encuentra en Málaga asistiendo a la Comic-Con. El equipo bromea sobre la sección del ausente de la semana anterior, en la que supuestamente iba a hablar de cine pero terminó dedicando todo su espacio a hablar de los coches Mini Cooper debido a la película The Italian Job. La conversación deriva hacia los planes de viaje de algunos miembros del equipo hacia Marbella, lo que propicia la de idea de organizar un encuentro con el propio Juanma en tierras malagueñas. A continuación, Isaac toma las riendas del apartado musical rindiendo un especial homenaje al compositor japonés Ryūichi Sakamoto. Se relata la célebre anécdota de la relación del músico con el restaurante Kajitsu de Nueva York, un establecimiento de comida vegetariana que Sakamoto frecuentaba pero cuya música ambiental detestaba profundamente por tratarse de un pop brasileño de baja calidad. Ante esta situación, el compositor decidió escribir una carta al dueño del local para ofrecerle de manera totalmente gratuita una lista de reproducción personalizada que estuviera a la altura de su excelente gastronomía japonesa. La sección musical desgrana varias de las piezas seleccionadas para esa famosa lista del restaurante. El primer tema en sonar es "The Flat", del islandés Jóhann Jóhannsson, una composición etérea de corte ambiental donde el piano se erige como el instrumento vertebrador. El piano es, de hecho, una de las constantes absolutas de la selección musical de Sakamoto. Seguidamente, se introduce la música de Nils Frahm con su tema "Them", una pieza que destaca por la sutil mezcla del piano con texturas electrónicas y el uso de filtros para captar el roce de las cuerdas, haciendo "respirar" al instrumento. El repaso musical prosigue con la influencia de figuras vanguardistas como John Cage y su experimentación con el piano preparado, un invento que modificaba la sonoridad del instrumento mediante la inserción de objetos entre sus cuerdas. También suena el jazz de Ahmad Jamal, pianista muy respetado por Sakamoto que falleció poco después que él. Isaac sorprende además al pinchar al productor de música electrónica minimalista Nicolas Jaar con su tema "Mistress", una pieza que Felipe Couselo confiesa haber utilizado en numerosas ocasiones para ambientar editoriales de Dieter Brandau. Para cerrar la vertiente musical del programa, se escuchan otras de las joyas de la lista de Kajitsu, como la delicada "Avril 14th" del siempre controvertido Aphex Twin, la bossa nova de Gal Costa con "Até Quem Sabe", la electrónica experimental de Oneohtrix Point Never y el clásico jazzístico de Thelonious Monk. Toda esta amalgama de estilos demuestra la obsesión del maestro japonés por el piano y su rechazo absoluto a la música fácil o meramente comercial en los espacios públicos. Posteriormente, Dani presenta su sección cinematográfica dedicada en exclusiva al cine de terror, concretamente al subgénero de las invasiones domésticas o home invasion. Tras admitir que es el tipo de películas que peor cuerpo le dejan, arranca sus recomendaciones con el clásico de 1971 de Sam Peckinpah, Perros de Paja, protagonizada por Dustin Hoffman. Asimismo, destaca la angustiosa De Repente, Un Extraño, donde un genial Michael Keaton interpreta a un inquilino psicópata que destroza la vida de los propietarios de una casa en San Francisco. Dani continúa analizando grandes hitos de este subgénero como La Habitación del Pánico, una de las grandes obras de suspense de David Fincher protagonizada por Jodie Foster y una jovencísima Kristen Stewart. Tampoco se olvida de la perturbadora e incómoda Funny Games de Michael Haneke, una película concebida como una bofetada al espectador sobre el uso gratuito de la violencia en el cine, o la más comercial pero igualmente efectiva Los Extraños, protagonizada por Liv Tyler. Finalmente, el programa aborda la aportación del cine español a este género de terror doméstico mediante la película Secuestrados, dirigida por Miguel Ángel Vivas y rodada íntegramente en planos secuencia para aportar un realismo casi insoportable. Dani concluye su lista de recomendaciones con Tú Eres el Siguiente de Adam Wingard, una vuelta de tuerca donde las víctimas se rebelan, y la asfixiante No Respires, dirigida por el uruguayo Fede Álvarez, poniendo el broche de oro a una entrega de gran carga cultural.

De Bobby Darin a Pearl Jam, Felipe Couselo propone una travesía sonora por grandes temas inspirados en el gran azul y la libertad. El programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, presentado por Felipe Couselo, dedica su espacio a una selección musical inspirada en el mar y los océanos. Tras una entrega anterior centrada en los ríos como metáfora de la vida, el locutor amplía el horizonte geográfico para explorar cómo el inmenso azul ha fascinado a los artistas a lo largo de la historia de la música popular. A través de este viaje sonoro, Couselo analiza cómo el mar evoca nostalgia, aventura, calma o escape frente a las vicisitudes cotidianas. La velada musical comienza con el clásico "Beyond the Sea" interpretado por Bobby Darin, una conocida adaptación al inglés de la célebre canción francesa "La Mer". Felipe Couselo explica que, en esta versión con un marcado estilo swing, el mar representa un obstáculo temporal que separa al protagonista de su ser amado. No obstante, lejos de ser una barrera infranqueable, el océano se convierte en una promesa de reencuentro futuro y esperanza, un elemento que ha sido utilizado de manera recurrente en el cine y la televisión para transmitir optimismo. A continuación, el programa se detiene en "Sloop John B" de The Beach Boys, una versión de una canción tradicional caribeña que Brian Wilson transformó en uno de los pilares del legendario álbum Pet Sounds. El presentador detalla las complejas sesiones de grabación lideradas por Wilson, en las que participaron numerosos músicos de estudio para dar forma a una rica instrumentación. Detrás de su ritmo alegre, la letra narra las desventuras de un viaje en barco y el constante anhelo de los marineros por regresar a su hogar. El cuarteto de Liverpool también tiene su espacio con "Octopus's Garden", composición de Ringo Starr incluida en el álbum Abbey Road de The Beatles. Couselo relata la curiosa génesis del tema, inspirado en unas vacaciones del batería en Cerdeña a bordo del yate del actor Peter Sellers, donde el capitán le explicó que los pulpos recolectan piedras brillantes para construir jardines bajo el agua. Para el músico, este concepto simbolizaba el refugio de paz que tanto anhelaba en un momento de máxima tensión interna dentro de la banda británica. El viaje continúa hacia las costas británicas de Brighton con "Sea and Sand" de The Who, perteneciente a su célebre ópera rock Quadrophenia. En esta composición, la playa y el mar sirven de contrapunto a la asfixiante vida urbana del joven mod Jimmy, el protagonista de la historia. Felipe Couselo describe cómo el inmenso azul representa el único escenario donde el atormentado adolescente logra experimentar una transitoria sensación de pertenencia y sosiego, lejos de la alienación diaria. La nostalgia y la superación personal se entrelazan en "Southern Cross" de Crosby, Stills & Nash, una obra liderada por Stephen Stills. El presentador explica que la canción plasma un viaje de redención en velero por el Pacífico Sur tras un doloroso divorcio del músico. La Cruz del Sur, la constelación que guía a los navegantes en el hemisferio austral, funciona como metáfora del camino hacia la aceptación del dolor y la esperanza de un nuevo comienzo. Por su parte, Led Zeppelin aporta una perspectiva diferente con "The Ocean", tema de su trabajo Houses of the Holy. En este caso, el término "océano" no alude a una masa de agua, sino a la multitud de seguidores que abarrotaba los estadios en sus multitudinarios conciertos. Couselo destaca la potencia del ritmo de John Bonham y la evocadora imagen de ver a miles de personas botando al unísono, asemejándose a las bravas olas de un mar humano. El programa avanza en el tiempo con "I Sat by the Ocean" de Queens of the Stone Age, donde el líder Josh Homme utiliza el mar como testigo silencioso de la soledad de quien bebe para olvidar un desamor. Tras este tema de corte más desértico, suena "Oceans" de Pearl Jam, reflejo de la profunda obsesión de Eddie Vedder por el mar y el surf, donde la marea se presenta como una fuerza purificadora capaz de transportar al individuo hacia un estado de calma mental. La selección musical se completa con "Seven Seas" de los británicos Echo & the Bunnymen, una pieza que invita a dejarse llevar por las corrientes marinas, seguida de la mística "Into the Mystic" de Van Morrison, donde el mar garantiza la ansiada libertad del espíritu. Asimismo, el pop sofisticado de Suede se hace presente con "By the Sea", un tema que evoca el deseo de romper con la rutina urbana para iniciar una existencia más sencilla en una cabaña frente a la costa. En el tramo final, Couselo pincha "I Am the Ocean" de Neil Young en colaboración con Pearl Jam, una potente reflexión sobre la inmensidad e imprevisibilidad de la existencia humana. Para cerrar la emisión de esRadio, el programa se despide con la majestuosa y melancólica "Porcelina of the Vast Oceans" de The Smashing Pumpkins, una pieza que el presentador invita a escuchar con atención para sumergirse por completo en su atmósfera marina y dejarse arrastrar por la marea antes del descanso nocturno.

Imaginamos divertidas e irónicas alternativas para los desenlaces de películas míticas de Hollywood junto a Juanma González En esta nueva entrega del divertido programa de esRadio Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo y su colaborador habitual Juanma González se adentran en el apasionante ejercicio de reescribir finales de películas míticas de la historia del cine. A lo largo del podcast, ambos analizan con humor, ironía y altas dosis de cinefilia cómo habrían cambiado algunas de las producciones más famosas de Hollywood si se hubieran tomado decisiones distintas en el montaje o en el guion original. Antes de entrar en materia cinematográfica, los locutores reflexionan sobre lo complicado que es cerrar una historia, citando incluso la serie de televisión Supernatural para ilustrar cómo el destino de los personajes a veces se tuerce de manera inevitable durante el proceso de escritura. En el cine, esta dificultad se multiplica debido a las presiones de los productores y la necesidad de contentar al gran público, lo que a menudo da lugar a conclusiones excesivamente edulcoradas o incoherentes. El primer título sobre la mesa es el clásico de 1975 Tiburón. Tras recordar el desenlace original en el que el jefe Brody consigue hacer estallar al escualo disparando a una bombona de oxígeno, Juanma González propone una alternativa delirante basada en un meme de internet —la película al revés como la historia de un tiburón bondadoso que vomita personas y las salva de sus vidas tóxicas—. Por su parte, Felipe Couselo plantea una vía mucho más seria y poética, inspirada en la novela original de Peter Benchley, donde Hooper muere en la jaula y el carismático Quint, herido y enloquecido, obliga a Brody a huir en una balsa mientras él se queda solo esperando su trágico destino en el mar. El debate continúa con el universo de los superhéroes en Vengadores: Endgame. Los locutores de esRadio critican abiertamente la secuencia del clímax en la que se reúnen de forma artificial todos los personajes femeninos, calificándola como un guiño forzado y poco inteligente. Como alternativa para mejorar el final de la saga, sugieren que un personaje tan brillante como Tony Stark debería haber diseñado un deseo inteligente con el guantelete que le permitiera sobrevivir al chasquido, o bien que se hubiese mostrado detalladamente la compleja y absurda tarea de Capitán América devolviendo las gemas del infinito a sus respectivas líneas temporales. La mítica Casablanca tampoco se libra de la quema creativa de los colaboradores de Prohibido Contar Ovejas. Aunque reconocen que la despedida entre Rick e Ilsa es uno de los momentos cumbre del séptimo arte, Juanma y Felipe juegan a imaginar finales alternativos que van desde un desenlace cómico al estilo de Hot Shots 2 hasta una secuela en formato serie de detectives de los años cuarenta protagonizada por Rick y el prefecto Renault. La nota más absurda la pone la irrupción ficticia de un Albert Einstein desnudo que viaja en el tiempo de manera similar a Terminator. En la recta final del programa, analizan de manera muy original el clásico de ciencia ficción de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase y la aventura juvenil Los Goonies. Para la primera, proponen un giro más oscuro y cínico sobre la abducción del personaje de Richard Dreyfuss. Para la segunda, plantean una disparatada trama donde Sloth es separado de los niños por los servicios sociales, desatando una sangrienta venganza de sus amigos que convierte la película en un slasher de terror en el que los protagonistas terminan asaltando yates de turistas al más puro estilo de La colina tiene ojos.

El espacio cultural de esRadio viaja del rock distorsionado de Royal Blood a la nostalgia de la danza autobiográfica y el cine familiar. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio reúne a Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma González, Daniel Palacios y Alma Espinosa. El programa arranca con el habitual tono desenfadado, bromeando sobre la serie Friends y la evolución del espacio televisivo, antes de dar paso a las secciones de música y artes escénicas que protagonizan esta edición. En el apartado musical, Daniel Palacios presenta las últimas novedades discográficas. Comienza con "Bitter Sun Sunrise", el último adelanto del nuevo trabajo de M83, titulado Fantasy, un proyecto muy esperado por los seguidores de la banda francesa. A continuación, suena "Shollow the Bomb", el potente sencillo de adelanto de Royal Blood para su próximo disco de estudio, titulado Back to the Water Below, demostrando la vigencia de su característico formato de dúo de rock con bajo distorsionado. La selección de Palacios continúa explorando sonidos más oscuros y pesados con "House by the Grave" de la banda británica de rock psicodélico y doom Uncle Acid and the Deadbeats, extraído de su álbum Nell's Grave. Para cerrar su tanda de novedades, introduce a la banda noruega de punk rock The Dogs con su enérgico tema "7:25", perteneciente a su trabajo Trauma Junkie, una propuesta que destaca por su sonido directo y garajero muy influenciado por el clásico estilo escandinavo. Por su parte, Isaac Vizcaíno nos acerca al jazz experimental con la propuesta del dúo suizo Ocušo y su tema "Frozen Flashes", en el que colabora el flautista y saxofonista británico Tenderlonious. Este corte, que combina bases electrónicas con jazz contemporáneo, sirve como ejemplo de la evolución que está experimentando el género en Europa. En la sección de artes escénicas, Alma Espinosa recomienda el espectáculo de danza flamenca Bilbao Square, creado por la célebre bailaora y coreógrafa María Pagés, que se representa en el centro cultural Matadero Madrid. La obra es un recorrido autobiográfico y poético que narra el viaje de la artista desde Sevilla hasta Madrid a los quince años, realizando el trayecto a bordo de un mítico Citroën Tiburón negro. El repaso cinematográfico de la semana se centra en tres producciones muy diferentes. Juanma González analiza la película de acción En el Corazón de la Bestia, protagonizada por Brad Pitt en el papel de un antiguo boina verde que trata de sobrevivir en la naturaleza salvaje de Alaska junto a su perro de combate, una propuesta que destaca por su sobriedad y aroma a cine clásico. La segunda propuesta es la cinta de animación de DreamWorks, La Isla Olvidada, que el equipo define de forma divertida como una curiosa mezcla entre Resacón en Las Vegas y Olvídate de Mí, ideal para disfrutar en familia pero con un humor inteligente que apela tanto a niños como a adultos. Por último, el programa destaca el estreno del largometraje español Te Estoy Amando Locamente, dirigido por Alejandro Marín. La cinta aborda los inicios del movimiento de liberación homosexual en la Sevilla de finales de los años setenta, logrando un equilibrio entre la denuncia de la represión histórica y una emotiva historia de amor y superación.

El certamen emeritense ofrece desde punk y skate bajo el puente Lusitania hasta proyecciones documentales de grupos como Oasis o Kora. En esta nueva edición del programa de esRadio, se presenta una entrevista en profundidad con Ángel Urízar, el director y principal responsable de Cinevit, el consolidado festival de cine y música que se celebra en la histórica ciudad de Mérida. Urízar comparte su entusiasmo al alcanzar el tercer año consecutivo de este certamen, que nació con un espíritu humilde y low-cost, pero que hoy en día se ha convertido en un auténtico referente cultural en Extremadura. Con una programación que incluye a 55 artistas y un total de 59 conciertos, el festival ha logrado expandir sus horizontes y su red de salas colaboradoras. Uno de los puntos fuertes de esta edición es la apuesta por la transversalidad de la cultura, conectando la música con otras disciplinas como la fotografía y las artes plásticas. Urízar destaca la espectacular exposición inaugurada a cargo del reconocido fotógrafo Juan Fajardo, famoso por retratar en la intimidad de su estudio a grandes leyendas de la música nacional e internacional, como Neil Young, Santana o Aitana. Lejos de ser meras fotografías de conciertos, la muestra ofrece una mirada única y personal que ha dejado maravillados a los primeros visitantes del festival. El cine documental de temática musical sigue siendo la columna vertebral de Cinevit. Entre las proyecciones más esperadas de este año se encuentra el documental sobre la mítica Sala Canciller de Madrid, un templo del rock de las décadas de los setenta y ochenta. Urízar aprovecha para reivindicar la importancia de las salas de conciertos de pequeño y mediano formato frente a la burbuja actual de los macrofestivales. La proyección contará con la presencia de los antiguos dueños de la sala y de Juan Luis, líder de la mítica banda de rock Asfalto. La programación del festival está diseñada para tender puentes intergeneracionales, ofreciendo actividades adaptadas a todo tipo de públicos. En la sección de cine y escuela, los adolescentes podrán disfrutar de cintas como Movida del 76, que cuenta con una banda sonora repleta de clásicos de los Rolling Stones, mientras que los más pequeños tendrán su espacio con la proyección de Canta 2. Asimismo, se proyectará un valioso trabajo sobre la historia del rock extremeño dirigido por Juanjo Pizarro y el aclamado documental sobre la banda británica Oasis. Para la jornada del sábado, el festival ha preparado una de sus actividades más dinámicas y urbanas en el skate park situado bajo el imponente puente Lusitania de Mérida. Este evento fusionará la música punk en directo con exhibiciones de monopatín y arte urbano a cargo de grafiteros locales. Toda la actividad será registrada por el realizador Kike Pastrana, quien se encargará de dar forma a un vídeo con la estética analógica de los videoclips de rock alternativo de la década de los noventa. El broche de oro de Cinevit llegará el domingo con una serie de actuaciones de primer nivel en el entorno monumental de la ciudad. El público podrá disfrutar de los directos de la banda madrileña Black Maracas, ganadores del certamen en la pasada edición, así como de los portugueses Cobra Puma. La clausura correrá a cargo de la emblemática formación extremeña Bucéfalo, pioneros del conocido como rock castúo, que fusiona el rock duro con letras que reivindican el habla tradicional de Extremadura y la poesía de Luis Chamizo. Finalmente, Ángel Urízar invita a todos los amantes de la cultura a visitar la página web oficial, cinevit.es, donde se detalla el programa completo y los horarios de cada uno de los eventos para que los asistentes puedan diseñar su propio itinerario personalizado. En esta edición también destaca la incorporación del grupo de pop gallego Kora, una muestra más del carácter abierto, integrador y en constante crecimiento de un festival que ya es una cita ineludible en el calendario cultural extremeño.

A pesar de su histórica rigidez con los proyectos paralelos en Metallica, el vocalista siempre ha mostrado inquietudes hacia el blues o el folk. En una nueva entrega de la sección musical de esRadio, el colaborador Daniel reflexiona sobre la trayectoria de los grandes líderes de bandas de rock y metal que han decidido dar el paso para lanzar carreras en solitario. Tras mencionar a figuras icónicas como Chris Cornell o Mike Patton, Daniel se centra en un artista que, a su juicio, tiene una asignatura pendiente en este aspecto: James Hetfield, el carismático vocalista y guitarrista de la mítica banda Metallica. El colaborador analiza cómo la postura de Hetfield respecto a los proyectos paralelos de sus compañeros ha sido históricamente intransigente, llegando a ser tildada de 'talibán'. Este celo excesivo por la exclusividad de su banda principal fue el detonante del famoso conflicto con el bajista Jason Newsted, a quien se le dio un ultimátum que finalmente provocó su salida del grupo. A pesar de esta rigidez, el análisis musical de Daniel demuestra que el líder de Metallica siempre ha albergado inquietudes artísticas que van más allá del thrash metal tradicional. El recorrido sonoro comienza en 1991 con el célebre álbum homónimo de la banda, conocido popularmente como el Black Album. La balada Nothing Else Matters supuso un punto de inflexión radical en su carrera, mostrando por primera vez una faceta íntima y vulnerable del cantante que descolocó a muchos de sus seguidores habituales. Además, en este mismo trabajo, temas como The God That Failed sirvieron para que Hetfield canalizara traumas muy personales, como la muerte de su madre a causa de sus creencias religiosas, lo que marcó el inicio de unas letras mucho más terapéuticas y alejadas de la temática política de los años ochenta. Daniel rompe una lanza a favor de los controvertidos discos de mediados de los noventa, Load y Reload, defendiendo que es precisamente en esta etapa experimental donde Hetfield muestra su mejor registro vocal. En canciones como Bleeding Me y, sobre todo, la abiertamente country Mama Said, el músico estadounidense se despoja de las ataduras del metal pesado para abrazar el blues y el country, géneros que domina con maestría y que interpreta con una profunda carga emocional. La influencia de estos estilos norteamericanos tradicionales no solo se limitó a lo musical, sino que también afectó notablemente a la estética de Hetfield a finales de la década, quien adoptó un aspecto de vaquero moderno y comenzó a utilizar guitarras equipadas con dispositivos mecánicos como el B-Bender. Su interés por explorar nuevos horizontes musicales también quedó patente en el disco de versiones Garage Inc., donde interpretó de forma magistral clásicos de Bob Seger y demostró su enorme admiración por compositores de la talla de Nick Cave. Para concluir, el espacio radiofónico analiza rarezas como la versión acústica de All Within My Hands y, muy especialmente, la grabación de 2003 de una versión de Waylon Jennings. En esta última pieza, Hetfield grabó todos los instrumentos por sí mismo de la mano del productor Bob Rock, evidenciando que posee la capacidad técnica y creativa de firmar un álbum completamente autónomo. El programa concluye animando al vocalista a seguir los pasos de su compañero Kirk Hammett y a liberarse de sus antiguos prejuicios para regalarnos un esperado proyecto en solitario.

De la magia de Studio Ghibli a las aulas de 'Salvados por la campana': el equipo de Felipe Couselo repasa la cultura pop en su última emisión. En esta nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, acompañado por sus colaboradores Alma Espinosa, Juanma González e Isaac, inicia la emisión con su habitual tono desenfadado. Entre bromas y comentarios sobre la marcha del programa, el equipo destaca el apoyo de sus oyentes, mencionando en particular a un fiel seguidor que ha escuchado todos los programas anteriores. Asimismo, rememoran momentos divertidos de series icónicas de la televisión, sirviendo de preludio para las diversas secciones culturales de la noche. La primera gran recomendación cultural de la noche corre a cargo de Felipe Couselo, quien presenta el libro Los Mundos de Hayao Miyazaki, escrito por Nicolas Rapold y publicado en España por la editorial Lunwerg. Esta obra analiza en profundidad la trayectoria del célebre director de animación de Studio Ghibli. El volumen destaca por su enfoque interdisciplinar, explorando cómo influyen la literatura, las costumbres y el folclore en la filmografía del creador japonés. El autor del libro detalla aspectos como la cuidada gastronomía en las películas de Miyazaki y su conexión conceptual con obras de la literatura universal como El Principito. Posteriormente, el programa se adentra en el terreno musical con un detallado monográfico sobre James Hetfield, el legendario líder de la banda de thrash metal Metallica. El colaborador Daniel analiza la faceta más oculta y personal del músico estadounidense, revelando su profunda admiración por géneros como el country y el blues. A lo largo de la sección, se debate sobre la estricta política de exclusividad que imperaba en la banda y que impidió a Hetfield emprender una carrera en solitario, un deseo que el cantante canalizó de manera sutil en algunas de las composiciones más melódicas y heterodoxas del grupo. El análisis musical repasa temas emblemáticos que marcaron un punto de inflexión en la trayectoria de la formación. Se destaca 'Nothing Else Matters', perteneciente al aclamado album de 1991, una balada íntima que supuso un cambio radical respecto a su sonido habitual. Asimismo, se profundiza en trabajos posteriores como Load y Reload, donde Hetfield dio rienda suelta a sus influencias sureñas en cortes como 'Bleeding Me', la profundamente personal 'Mama Said' —dedicada a la muerte de su madre— o 'Low Man's Lyric'. Daniel también menciona 'All Within My Hands' y la versión que Hetfield grabó en 2003 del clásico de Waylon Jennings, 'Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got Out of Hand?', donde el vocalista tocó todos los instrumentos bajo la producción de Bob Rock. Por su parte, Isaac toma las riendas para ofrecer una lección de historia de la música funk y hip-hop. El colaborador se centra en el icónico tema 'Funky Drummer' de James Brown, publicado en 1970, prestando especial atención al legendario solo de batería ejecutado por Clyde Stubblefield. Este breve patrón de batería se ha convertido en el loop más sampleado de la historia de la música moderna, sirviendo de base rítmica para innumerables canciones de rap, pop y música de baile electrónica. A pesar de la inmensa popularidad de su ritmo, el baterista nunca recibió las regalías correspondientes por su autoría. Para finalizar, los micrófonos de esRadio acogen una divertida sección dedicada a los colegios e institutos más famosos de las series de televisión. Los colaboradores analizan las diferencias entre estos centros de ficción y la realidad de las aulas españolas. Comienzan analizando Las Encinas, el exclusivo y sombrío centro de la serie Élite, caracterizado por sus intrigas, excesos y crímenes. En contraste, recuerdan con nostalgia el Bayside High School de la mítica serie juvenil Salvados por la Campana, repasando las andanzas de personajes entrañables como Zack Morris, Kelly Kapowski y A.C. Slater —el eterno 'pimpollo'— bajo la constante vigilancia del director, el señor Belding. El repaso catódico continúa con otros colegios emblemáticos como el West Beverly High de Sensación de Vivir, donde las vidas de los hermanos Brandon y Brenda Walsh se cruzaban con las de Dylan, Kelly y Steve en un ambiente de lujo californiano. También se analiza la Academia Nunca Más de la reciente producción Miércoles, un internado de estética gótica para jóvenes excluidos y seres sobrenaturales que acoge a la hija de la familia Addams. Para terminar, no podía faltar la Escuela Primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson, el humilde y descuidado colegio público donde Bart y Lisa Simpson sufren las decisiones del atribulado director Seymour Skinner.

De N.W.A a Madonna, esRadio descubre cómo un solo improvisado de batería de 1970 acabó transformando la cultura de masas y la música popular. En esta nueva sección musical en esRadio, se realiza un apasionante recorrido por la historia de uno de los ritmos más influyentes y utilizados en la música contemporánea: el famoso patrón de batería de la canción Funky Drummer de James Brown. Grabada en el año 1970, este tema de larga duración incluía una sección improvisada en la que el mítico baterista Clyde Stubblefield ejecutó un solo de apenas veinte segundos. Aunque la canción original no gozó de un éxito comercial masivo de manera inmediata, ese pequeño fragmento de percusión estaba destinado a cambiar el rumbo de la música popular décadas después al convertirse en el ritmo más sampleado de la historia. Con la llegada de los años ochenta y el nacimiento de la cultura del hip-hop en los barrios de Nueva York, figuras pioneras como DJ Kool Herc descubrieron el potencial de estos fragmentos instrumentales, conocidos popularmente como breaks. Los pinchadiscos demandaban estas bases rítmicas para mantener a la gente bailando durante las fiestas callejeras. Para facilitarles el trabajo, el pinchadiscos Danny Krivit editó una versión especial titulada Funky Drummer Bonus Beat Reprise, que aislaba y repetía el bucle de batería de Clyde Stubblefield, entregando en bandeja de plata una herramienta indispensable para los productores de rap que buscaban ritmos potentes y contagiosos. A pesar del gigantesco impacto cultural de su creación, el batería Clyde Stubblefield nunca recibió regalías directas ni compensaciones económicas significativas por estos samples al no figurar en los créditos originales de autoría. No obstante, el respeto de la comunidad musical hacia su figura quedó patente cuando el legendario artista Prince, considerado un gran benefactor de la música negra, se hizo cargo de sus facturas médicas antes de fallecer en el año 2017. Para ilustrar la asombrosa versatilidad de este ritmo, los colaboradores de esRadio seleccionaron y comentaron una lista de canciones emblemáticas pertenecientes a géneros muy diversos que se construyeron sobre esta misma base de percusión. El primer gran ejemplo analizado pertenece al grupo californiano N.W.A con su histórico tema de 1988 titulado Straight Outta Compton. Esta canción, que definió el sonido del West Coast rap, utiliza el loop de batería acelerado y combinado con otros elementos para generar una atmósfera de gran tensión. Los presentadores recordaron con nostalgia la época en la que este tipo de cintas de casete llegaban a España a través de familiares o conocidos procedentes de Estados Unidos, abriendo el camino para la difusión de la cultura del hip-hop en nuestro país a principios de los años noventa, cuando todavía era un movimiento muy minoritario. La influencia de James Brown continuó expandiéndose en el género con éxitos como Mama Said Knock You Out de LL Cool J, donde la batería del Funky Drummer sirve de soporte para la agresiva interpretación vocal del rapero. El programa de esRadio continuó su andadura musical demostrando que este recurso no fue exclusivo del rap estadounidense, sino que dio el salto al pop de masas de la mano de superestrellas mundiales como Madonna en su sensual tema de 1990 Justify My Love, coproducido junto a Lenny Kravitz en una de las etapas más provocativas de la carrera de la ambición rubia. Otro de los momentos cumbres de la lista lo protagoniza George Michael con su himno generacional Freedom! '90. En esta producción, el característico bombo y la caja del tema original se encuentran integrados de forma mucho más sutil y matizada, restando protagonismo a la percusión para dar paso a las texturas de piano y gospel. Este tema supuso una declaración de intenciones por parte del artista británico, quien buscaba desmarcarse de su impuesta imagen de sex-symbol y de las estrictas exigencias de su compañía discográfica, en una época en la que incluso se negaba a aparecer en sus propios videoclips. La increíble adaptabilidad de la batería de Clyde Stubblefield se demuestra también al fusionarse con el folk irlandés gracias a la magnífica versión que Sinéad O'Connor realizó de la canción tradicional I Am Stretched on Your Grave. La cantante irlandesa superpuso su impresionante y melancólica voz casi a capela sobre el desnudo y repetitivo ritmo del Funky Drummer, demostrando que este loop de batería puede dotar de una fuerza dramática inusitada a composiciones aparentemente incompatibles con la música negra tradicional. En el Reino Unido, la escena independiente de Mánchester también cayó rendida ante los encantos de este sample. Agrupaciones míticas de la corriente conocida como Madchester, como los Stone Roses en su célebre tema instrumental Fools Gold o los Happy Mondays en Step On, recurrieron de forma literal a esta base rítmica para fusionar la energía del rock de guitarras con la naciente cultura de los clubes de baile y el acid house de principios de los noventa. Los colaboradores recordaron entre risas las divertidas anécdotas de estas bandas inglesas, famosas por su caótica ética de trabajo y sus constantes excesos durante las grabaciones. Para muchos, la cumbre artística en el uso de esta base rítmica la alcanzaron los pioneros del trip-hop Massive Attack en su obra maestra de 1991, Unfinished Sympathy. Grabado en la ciudad de Bristol, el tema combina el sample de percusión de manera magistral con arreglos orquestales de cuerda, sintetizadores y la desgarradora interpretación vocal de Shara Nelson, logrando una de las composiciones más aclamadas de la historia de la música británica. El programa cerró el repaso mostrando los usos más insólitos del sample, desde las cuestionadas incursiones en el smooth jazz de Kenny G con su tema G-Bop hasta los sonidos atmosféricos del proyecto New Age Enigma en Age of Loneliness, demostrando el eterno legado de James Brown en la cultura popular.

Un viaje por la nostalgia televisiva que contrasta el lujo de Las Encinas con las carencias del centro público de Springfield en esRadio. Con la llegada de septiembre y la tradicional vuelta al cole, el equipo del programa analiza los colegios e institutos más famosos de la televisión. A través de un recorrido divertido y nostálgico, repasan cinco centros educativos de la ficción que a todos nos habrían gustado —o no— visitar. El primero de la lista es el exclusivo colegio Las Encinas de la conocida serie de televisión Élite, un centro privado donde, además de cursar los estudios tradicionales, los alumnos parecen verse envueltos constantemente en investigaciones criminales y dramas personales de gran intensidad. Las Encinas destaca por unas instalaciones de ensueño que ya quisieran para sí muchos centros reales: laboratorios de ciencias, biblioteca, gimnasio, piscina, auditorio, cafetería y múltiples pistas de tenis, fútbol, baloncesto y pádel. Sin embargo, la serie también refleja el choque de clases entre los alumnos de familias multimillonarias y los estudiantes becados, quienes suelen cargar con las culpas de todo lo malo que ocurre. Aunque los exteriores se grabaron en el campus de la Universidad Europea de Madrid en Villaviciosa de Odón, la vida disoluta de los protagonistas, llena de excesos y relaciones complejas, aleja a este instituto de cualquier realidad cotidiana. La segunda parada nos lleva directos a los años noventa con Bayside High, el mítico instituto americano de la serie Salvados por la Campana. Este centro se convirtió en el ideal para toda una generación gracias a sus icónicas taquillas de pasillo y a un ambiente mucho más inocente y cómico. Personajes imborrables como Zack Morris, Kelly Kapowski, Slater o el entrañable Screech daban vida a unas aulas donde el estudio quedaba en un plano muy secundario frente a las peripecias diarias y las charlas en la cafetería, cuyo encargado resultaba ser un divertido mago. Sin movernos de California, el resumen continúa con West Beverly High, el escenario principal de la mítica producción Sensación de Vivir. Aquí el lujo y el dinero de Beverly Hills marcan el día a día de personajes tan populares como Dylan, Kelly, Steve o los hermanos Brandon y Brenda Walsh, recién llegados de Minnesota. Las tramas de esta serie se centraban especialmente en la vida social de los alumnos, sus romances y los problemas de la alta sociedad, mostrando un modelo de instituto público norteamericano pero con un nivel adquisitivo altísimo que fascinó a los espectadores de la época. El viaje por las aulas de la ficción da un giro gótico al adentrarse en la Nevermore Academy (Academia Nunca Más) de la exitosa serie de Netflix Miércoles. Este centro funciona como un internado para excluidos y seres con capacidades sobrenaturales, tales como sirenas, hombres lobo o vampiros. La protagonista, Miércoles Addams, interpretada por Jenna Ortega, se desenvuelve en un ambiente oscuro y misterioso que contrasta fuertemente con la colorida personalidad de su compañera de habitación, ofreciendo una estética visual única que ha cautivado al público actual. Finalmente, el programa analiza la cara más humilde y desastrosa de la educación pública con la escuela primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson. El colegio de Bart y Lisa es el ejemplo perfecto de centro educativo precario y mal financiado, dirigido por el siempre estresado director Skinner. Desde la comida de dudosa procedencia de la cocinera Doris hasta los castigos de Bart frente a la pizarra, este colegio caricaturiza con un humor ácido el sistema escolar. Para cerrar la sección con broche de oro, el programa da paso a la música nacional con el tema "El viaje de Chihiro" del artista gallego Iván Ferreiro, poniendo un toque melancólico a esta particular vuelta a las aulas en esRadio.

De Bob Marley a Lynyrd Skynyrd, el espacio de esRadio analiza grandes temas de la música que usaron la fauna alada como metáfora de superación. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio presentado por Felipe Couselo, la temática principal gira en torno a los pájaros como símbolo de libertad o de su ausencia en la historia de la música popular. A través de una cuidada selección musical, el locutor analiza cómo diferentes artistas han utilizado la figura de las aves para transmitir mensajes de paz, lucha social o superación personal. El recorrido musical comienza con Albatross, el célebre tema instrumental de Fleetwood Mac compuesto por Peter Green a finales de los sesenta e inspirado en un poema clásico. A continuación, suena el enérgico y divertido Surfin' Bird de The Trashmen, popularizado para las nuevas generaciones por la serie de televisión Padre de Familia, que fusiona dos temas originales de The Rivingtons. La calma llega de la mano de Bob Marley y su eterno Three Little Birds, lanzado en el álbum Exodus de 1977. Couselo explica que esta canción, que invita a no preocuparse por nada, fue compuesta en Jamaica tras sufrir un intento de asesinato, convirtiéndose en uno de los mayores himnos de optimismo de la música contemporánea. El programa continúa con Rockin' Robin de Bobby Day, un clásico del rock and roll de 1958 que más tarde versionaría un jovencísimo Michael Jackson. Este tema también cuenta con referencias literarias, como su aparición en la célebre novela It de Stephen King. Uno de los momentos cumbres del programa es el análisis de Blackbird, la obra maestra de The Beatles compuesta por Paul McCartney en 1968. Detrás de la aparente sencillez de este tema del White Album se esconde una metáfora de apoyo a la lucha por los derechos civiles de las mujeres negras en los Estados Unidos. La melancolía y el misterio se apoderan de las ondas con The Nightingale, interpretada por Julee Cruise con letra de David Lynch y música de Angelo Badalamenti, un tema que evoca la atmósfera de la mítica serie Twin Peaks. El director estadounidense suele recurrir a la simbología de las aves en sus producciones, utilizando al ruiseñor en este caso como un heraldo del amor frente a la tragedia. La relación entre la libertad y la pérdida se vuelve a hacer patente con Songbird, interpretada por Christine McVie en el legendario álbum Rumours de Fleetwood Mac, un trabajo marcado por las dolorosas rupturas internas de la banda. El vuelo de las aves también inspira la evolución en Fly Like an Eagle de Steve Miller Band, y la contracultura de San Francisco en Bluebird de Buffalo Springfield. Finalmente, el programa transita por el nacimiento del glam rock con Ride a White Swan de T. Rex y el pop de principios de los dos mil con I'm Like a Bird de Nelly Furtado. El broche de oro lo ponen The Alan Parsons Project con The Raven, inspirada en el célebre poema de Edgar Allan Poe, y el inmortal himno de rock sureño Free Bird de Lynyrd Skynyrd, un tributo al guitarrista Duane Allman que cierra la emisión.

Repasamos la cinta de serie B, "La cosa en la niebla", de Cheday Reyes y analizamoa clásicos de acción y humor como 'Hot Shots!' o 'Air Force One'. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo y Juanma González, la madrugada se viste de cine con un invitado muy especial. Los micrófonos del estudio reciben a Martín Garabal, reconocido actor, director y streamer argentino, quien se une a la charla para desgranar los detalles de su último proyecto cinematográfico y repasar una selección de películas míticas que se desarrollan en el interior de aviones. El núcleo de la conversación gira en torno a La cosa en la niebla, la ópera prima del director canario Cheday Reyes, escrita por Juanjo Ramírez Mascaró. Se trata de una desternillante comedia de terror que transcurre casi en su totalidad dentro de la cabina de un avión antiguo, lo que supuso un reto interpretativo mayúsculo para Garabal y su compañera de reparto, Elena de Lara, al tener que sostener la tensión dramática en un espacio sumamente claustrofóbico. Martín Garabal encarna a Ismael, un piloto de vuelta de todo que encaja en el arquetipo de macho alfa patético: un hombre que intenta aparentar una seguridad y una superioridad que en realidad no posee. Los colaboradores coinciden en alabar que la cinta huya del cinismo y de la ironía tan habituales en el cine contemporáneo, decidiéndose por abordar la comedia desde la seriedad de los personajes, lo que confiere a la historia un encanto clásico que recuerda a las producciones de serie B de los años ochenta y noventa. Durante la entrevista, el actor detalla cómo llegó al proyecto a través de un mensaje de Instagram de la productora Jugoplastika y bromea sobre las dificultades físicas del rodaje, señalando que su personaje no se levanta del asiento de la cabina hasta el minuto 41 debido a su imponente estatura de casi dos metros. Además, destaca el valor de utilizar efectos especiales tradicionales y maquetas, en un claro homenaje al cine de John Carpenter, frente al abuso de pantallas verdes del Hollywood actual. El segundo bloque del programa se centra en las películas de aviación más icónicas de la historia del cine. Los presentadores abren el repaso con la disparatada Hot Shots!, la célebre parodia de Top Gun protagonizada por Charlie Sheen. Felipe Couselo y Juanma González rememoran los gags más absurdos de esta comedia, que sigue siendo un referente indispensable del humor absurdo y de la que destacan el excelente trabajo de su reparto coral. A continuación, analizan el curioso fenómeno de Serpientes en el avión, el largometraje de acción y suspense encabezado por Samuel L. Jackson. Los locutores explican cómo la película se convirtió en un éxito viral en internet mucho antes de su estreno debido a lo delirante de su premisa, sirviendo hoy en día como un ejemplo clásico de la desconexión que a veces existe entre el ruido de las redes sociales y la taquilla real. La acción más pura llega de la mano de Con Air, el clásico de los noventa protagonizado por un carismático Nicolas Cage que se enfrenta a un peligroso grupo de convictos liderados por John Malkovich. Juanma González resalta el impresionante elenco de la cinta y su asombroso clímax en Las Vegas, comparándola con otras grandes producciones de la época como Pasajero 57, que encumbró a Wesley Snipes como héroe de acción. Finalmente, el programa rinde tributo a Air Force One, donde Harrison Ford encarna al presidente de los Estados Unidos definitivo, y a Decisión crítica, protagonizada por Kurt Russell. La velada concluye con la sintonía del tema Aeroplane de los Red Hot Chili Peppers, poniendo el broche de oro a una hora de radio dedicada a la comedia, el suspense y la pasión por el séptimo art.

El intérprete argentino visita esRadio para detallar un largometraje de Chedey Reyes que homenajea con humor el cine de serie B de Carpenter. En esta nueva entrega del programa, los micrófonos de esRadio reciben al carismático actor, humorista y dibujante argentino Martín Garabal. El intérprete se encuentra en plena campaña de promoción de La Cosa en la Niebla, un largometraje dirigido por Chedey Reyes que rinde un cariñoso y divertido tributo al cine de aventuras de serie B y, de manera muy especial, a la icónica filmografía del director estadounidense John Carpenter. Durante la charla, Garabal desvela los entresijos de una producción tan peculiar y relata cómo la productora Marta Barrios se puso en contacto con él a través de un mensaje de Instagram tras quedar fascinada por su trabajo en la serie de internet Famoso. La trama de la película gira en torno a Ismael, encarnado por Garabal, un experimentado piloto de una aerolínea de dudosa reputación, y su joven copiloto Daniela, interpretada por la actriz Elena de Lara. Uno de los puntos más divertidos de la fase de preproducción fue el malentendido con la edad de Garabal; el equipo de dirección temía que fuera demasiado joven basándose en vídeos antiguos de 2010, pero al arrancar el rodaje de La Cosa en la Niebla en 2024, el actor contaba ya con la edad idónea para dar vida a este veterano aviador, consolidando una química actoral extraordinaria con su compañera de reparto. El rodaje supuso un auténtico desafío físico para el actor argentino, ya que el 98,5% de la acción transcurre en el interior de la cabina de un avión real. Con su imponente estatura de 1,96 metros de altura, Garabal tuvo serias dificultades para encajar en el reducido espacio y realizar movimientos mínimos sin desajustar el set. De hecho, bromea con que su personaje no se levanta del asiento hasta el minuto 41 de metraje —en una cinta que apenas dura 80 minutos— debido a lo sumamente complejo y ruidoso que resultaba maniobrar dentro de la cabina de vuelo. El personaje de Ismael se presenta como un curioso homenaje a los héroes carpenterianos: un tipo que presume de tipo duro y machista pero que resulta ser profundamente patético, entrañable y, en última instancia, redimible. Durante el vuelo, Ismael se dedica a beber cerveza y a comer cacahuetes de forma compulsiva, dejando toda la cabina sembrada de cáscaras, un detalle que los presentadores comparan humorísticamente con la adicción a los frutos secos de Fox Mulder en Expediente X. Este comportamiento desenfadado contrasta radicalmente con la actitud profesional y tensa de Daniela, lo que genera una gran comedia de situación. Lejos de caer en la parodia chabacana, la película apuesta por un humor muy particular donde los actores interpretan sus papeles con una seriedad absoluta. Garabal defiende firmemente que la comedia interpretada en serio, al más puro estilo de clásicos como Aterriza como puedas, es mucho más efectiva y orgánica. Este código actoral permite que el espectador se sumerja de lleno en la atmósfera de la película, empatizando con los personajes y transitando de manera natural entre el humor, la tensión del peligro y los momentos de genuina emoción. La acogida internacional de la película está siendo excelente, habiendo completado ya un exitoso recorrido por más de 26 festivales de cine de todo el mundo y cosechando hasta la fecha un total de 13 galardones en países como Brasil, México, Estados Unidos y los Países Bajos. El actor destaca la enorme calidez y el agradecimiento del público amante del cine fantástico y de terror de serie B, un sector de espectadores muy fiel que sabe valorar el enorme esfuerzo y el cariño depositado en producciones de presupuesto moderado. La conversación también deriva hacia una interesante reflexión sobre el estado actual de los efectos especiales en la industria cinematográfica. Garabal y los locutores critican el abuso sistemático de las pantallas verdes en las superproducciones de Hollywood, comparando la frialdad de los efectos modernos de Marvel con la maestría artesanal de películas como Jurassic Park (1993), donde la combinación de decorados reales, animatrónicos y CGI primitivo aportaba una veracidad inigualable que el espectador todavía hoy sigue percibiendo y agradeciendo. Finalmente, Garabal repasa sus proyectos más recientes en España, donde está cosechando un gran éxito gracias a la serie de Netflix Envidiosa. Además, el actor comparte su entusiasmo por su participación en Felicidades, la esperada nueva película dirigida por el aclamado cineasta español Álex de la Iglesia, cuyo estreno está previsto para el próximo mes de diciembre en la plataforma digital. Mientras tanto, La Cosa en la Niebla continuará su andadura con proyecciones especiales en Tenerife y diversas salas del territorio nacional.

Felipe Couselo y su equipo analizan la música de Beck, Slipknot y la curiosa historia del cambio de nombre de Led Zeppelin entre muchas cosas En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, se respira el habitual ambiente de camaradería y humor. Acompañado por su equipo de colaboradores habituales —Miriam García, Juanma González, Alma Espinosa e Isaac Vizcaíno—, el presentador abre la noche debatiendo con ironía sobre la categoría de "elenco de campanillas" que ostenta el grupo y cómo afrontan la madrugada con energía. La conversación musical comienza analizando la televisión estadounidense, en concreto el conocido programa nocturno de Jimmy Fallon. El equipo comenta la reciente y sorprendente actuación de la banda de hardcore punk The Armed, que presentó un nuevo tema en directo caracterizado por su caos escénico, un juego de luces sincronizadas entre los instrumentos y una puesta en escena de lo más extravagante que dejó al público boquiabierto. A continuación, el programa se detiene en la figura del polifacético músico estadounidense Beck, destacando el lanzamiento de su sencillo más reciente, titulado Disappearing Act. Los colaboradores repasan su trayectoria desde sus inicios en los años noventa, cuando revolucionó la música alternativa con temas como Sexx Laws, y analizan cómo su madurez artística actual sigue ofreciendo composiciones introspectivas e interesantes, aunque alejadas del foco comercial de antaño. El metal extremo también tiene su hueco con el análisis del último y sorprendente lanzamiento de los estadounidenses Slipknot. Se debate sobre la convulsa situación interna de la banda tras la de Sid Wilson y el carisma incombustible de su líder vocal, Corey Taylor, cuya potente voz sigue marcando el estándar de la banda en sus arrolladores directos. Dando un giro radical hacia las raíces de la música americana, el equipo presenta a Pooky La Farge, nombre artístico del músico Andrew Heiser, y su tema My Baby Loves Me. La mesa redonda comenta la maestría con la que este artistica recupera géneros tradicionales como el blues, el country, el swing y el jazz, dotándolos de un aire fresco y contemporáneo. La energía más gamberra llega de la mano de The Meffs, un dúo británico de punk originario de Essex. Formado por la cantante y guitarrista Lily y el baterista Lewis, este grupo destaca por su actitud ruidosa y combativa, logrando un sonido en directo tan ensordecedor y potente que, según los colaboradores, supera con creces al de bandas con el doble de integrantes. El mundo de las artes escénicas se hace presente con la recomendación de La Familia Addams, el exitoso musical que se representa en el Teatro Calderón de Madrid. Con Natalia Millán en el papel estelar de Morticia, el equipo elogia la espectacular escenografía móvil de seis telones, el diseño de iluminación y la calidad interpretativa de todo el reparto, calificándolo como una opción perfecta tanto para adultos como para el público infantil. Finalmente, se produce el esperado debut de la sección de Alicia Parente, bautizada como Vodevil Overkill. La colaboradora narra una hilarante anécdota histórica acontecida en Copenhague en el año 1970, cuando la aristócrata Eva von Zeppelin, descendiente del inventor del dirigible, amenazó con demandar a la banda de rock Led Zeppelin por usurpar su apellido. Para evitar el litigio judicial, los músicos se vieron obligados a dar su concierto bajo el seudónimo de The Nobs.

Para evitar una demanda de una aristócrata, el grupo de Jimmy Page tuvo que dar un concierto en 1970 bajo el pseudónimo de 'The Nobs'. El programa de esRadio estrena una nueva sección itinerante de la mano de la colaboradora Alicia Parente, bautizada bajo el nombre de Bodevil Over Here. En este espacio, que promete llenar las madrugadas de anécdotas y humor, se propone un viaje por la historia de la música y del cine a través de dramatizaciones sonoras y un particular teatro improvisado. Para inaugurar esta andadura, la sección nos traslada a un insólito enfrentamiento acontecido en el norte de Europa a principios de la década de los setenta, donde se cruzaron los destinos de la aristocracia y una de las bandas más grandes de la historia del rock. La historia central se sitúa en la mañana del viernes 27 de febrero de 1970, en los estudios de la televisión pública de Dinamarca, en Copenhague. Allí se produjo el esperado cara a cara entre la condesa Eva von Zeppelin y los integrantes de la mítica formación británica de hard rock Led Zeppelin. La aristócrata, supuesta descendiente del famoso inventor del dirigible Ferdinand von Zeppelin, se encontraba profundamente disgustada por el uso que los músicos hacían de su ilustre apellido familiar, el cual consideraba que estaba siendo manoseado sin su consentimiento por un grupo de —según sus propias palabras— "monos chillones". Desde el cambio de nombre de la banda en 1968 —anteriormente conocidos como los New Yardbirds— la condesa había iniciado una cruzada telefónica constante contra las oficinas de la representación del grupo, la compañía RAC. Ante la persistencia de las protestas y el temor a que la situación pudiera derivar en problemas legales graves, el mánager del grupo, Peter Grant, instó a los miembros de la banda a buscar una solución amistosa para calmar los ánimos de la noble. Fue el guitarrista Jimmy Page, que por aquel entonces contaba con veintiséis años, quien propuso una idea para resolver el conflicto: invitar a la condesa a tomar el té con ellos para charlar amigablemente y convencerla de sus buenas intenciones. A pesar del escepticismo inicial del vocalista Robert Plant, quien no entendía la relevancia de las quejas de la mujer argumentando que la banda ya era famosa en todo el mundo, el grupo accedió a organizar el encuentro amistoso en la capital danesa. Durante la cita en los estudios de televisión, la tensión inicial en la sala era casi palpable, pero gracias a la diplomacia de Jimmy Page, que actuó como portavoz de la banda, la condesa comenzó a suavizar su postura. Eva von Zeppelin llegó incluso a mostrarse cordial con los músicos mientras disfrutaban de una taza de té, lo que hizo pensar a los presentes que el conflicto familiar estaba totalmente en vías de solución y que la demanda judicial quedaría en el olvido. Sin embargo, la paz duraría muy poco. Al término de la reunión, mientras el mánager Peter Grant mostraba las instalaciones a la invitada, un miembro del equipo tuvo la ocurrencia de enseñarle la portada del primer álbum de la banda. En dicha portada aparecía una ilustración del famoso dirigible Hindenburg devorado por las llamas durante su trágico accidente en 1937. Al ver la imagen de la catástrofe asociada a su apellido, la condesa entró en cólera de forma inmediata, insultando a los músicos y prometiendo llevarlos ante los tribunales. Para evitar una costosa demanda civil y poder realizar el concierto programado para el día siguiente, el sábado 28 de febrero de 1970 en Copenhague, los músicos se vieron obligados a tomar una decisión de urgencia: cambiar temporalmente el nombre del grupo. De este modo, Led Zeppelin se presentó ante el público danés bajo el seudónimo de The Nobs, ofreciendo un recital memorable que concluyó con una enérgica versión del clásico Long Tall Sally. Gracias a esta rápida maniobra de distracción, la banda logró eludir el conflicto legal y continuar con su exitosa gira europea. El divertido relato sirve de pretexto para que el equipo de esRadio comente, entre risas, los detalles de la grabación de las voces que han dado vida a los personajes de la condesa, sus ayudantes y los propios músicos de la banda. Los colaboradores bromean sobre la interpretación de los distintos papeles y celebran el éxito de esta primera entrega de la sección, la cual promete seguir trayendo a las ondas las historias más curiosas del panorama musical.

La cita malagueña de cultura popular reúne a los actores de Los Serrano, al director Kevin Smith y celebra el éxito de la serie One Piece. La segunda edición de la Málaga Comic Con se presenta como uno de los grandes acontecimientos de la temporada para los amantes de la cultura popular en España. Durante la tertulia en esRadio, los colaboradores comentan con humor la llegada de esta fusión de la prestigiosa marca estadounidense con la provincia andaluza. El certamen promete ampliar su oferta respecto al año anterior, reuniendo a una impresionante lista de autores, dibujantes de cómics y celebridades que atraerán a miles de aficionados durante las jornadas del evento. Uno de los contenidos más comentados del programa es el universo de la serie de Netflix One Piece. Tras el lanzamiento del tráiler de su segunda temporada en imagen real, los tertulianos elogian cómo la plataforma ha sabido trasladar con éxito el carismático espíritu del manga de Eiichiro Oda. En particular, se resalta la participación del actor con raíces españolas Taz Skylar, muy popular entre el público joven, y el excelente papel del mexicano Iñaki Godoy como Luffy, cuya expresividad corporal y simpatía logran recrear casi a la perfección al icónico protagonista animado. La nostalgia nacional tendrá un espacio fundamental en el festival gracias al reencuentro del elenco de Los Serrano. Esta emblemática serie de televisión, que marcó a toda una generación de espectadores en la década de los dos mil, contará con la participación de figuras de su reparto original como Antonio Resines y Fran Perea. Los colaboradores de esRadio rememoran con humor el enorme impacto social de la ficción y la enorme expectación que genera volver a ver juntos a los miembros de la familia televisiva más famosa de España. El cine independiente norteamericano también brillará con luz propia gracias a la reunión especial de la comedia de culto Mallrats. El propio director de la cinta, Kevin Smith, junto a los actores principales Jason Lee y Michael Rooker, desembarcará en el festival para conmemorar esta obra clave del panorama cinematográfico de los noventa. Los comentaristas reivindican la trascendencia de la comedia de Smith, conocida por sus agudos diálogos sobre cómics y relaciones sentimentales, la cual anticipó la actual era del fenómeno fan de masas. Para completar el menú nostálgico, el programa repasa la trayectoria de Christopher Lambert, célebre protagonista de la saga fantástica Los inmortales. Los colaboradores hacen un viaje por la filmografía de este carismático actor, rescatando títulos muy queridos de los videoclubs de los años ochenta y noventa como Presa de la secta o Jaque al asesino, antes de recordar cómo la historia de Connor MacLeod se convirtió en un fenómeno global imprescindible para comprender el cine de entretenimiento de la época. El cierre de esta sección cultural viene marcado por la icónica sintonía de MacGyver, la mítica serie de televisión de acción protagonizada por Richard Dean Anderson. Los locutores bromean sobre las ingeniosas habilidades del célebre héroe antes de despedir el programa con el clásico himno de la banda británica Oasis, Champagne Supernova, un broche final lleno de energía que resume el espíritu desenfadado y melómano de esta completa crónica sobre el panorama del entretenimiento contemporáneo.

De los latidos de Matthew Herbert al tecno de Kraftwerk, esRadio repasa los ritmos orgánicos que revolucionaron la historia de las canciones. En esta nueva entrega musical en esRadio, los colaboradores nos sumergen en un fascinante recorrido por la historia de la música corporal, aquella que utiliza el propio cuerpo humano como el instrumento principal para generar ritmos, melodías y texturas sonoras sorprendentes. El punto de partida de este análisis es el polifacético artista británico Matthew Herbert, de quien se destaca su vigencia y su próxima visita a Madrid. Se analiza su aclamado tema Foreign Bodies, perteneciente al álbum Bodily Functions, una obra maestra donde las percusiones no provienen de cajas de ritmos tradicionales, sino de ingeniosos sampleos del cuerpo humano como el bombeo de la sangre, los latidos del corazón o suaves golpes en las mejillas. El programa continúa rememorando uno de los grandes hitos de la música vocal: el popular tema Don't Worry, Be Happy de Bobby McFerrin, lanzado en el año 1988. Los locutores detallan la inmensa dificultad técnica que supuso su proceso de grabación, ya que cada línea de bajo, cada percusión y cada melodía fue ejecutada en exclusiva por la voz y el torso de McFerrin mediante una compleja técnica de superposición de pistas. A continuación, el foco se desplaza hacia Brasil con el grupo Barbatuques y su célebre composición Baianá. Este tema, que destaca por su potente combinación de cantos corales y palmas sobre el cuerpo, está viviendo una auténtica segunda juventud gracias a remezclas contemporáneas que lo han reintroducido con gran éxito en las pistas de baile de todo el mundo. Los sonidos de raíces folclóricas norteamericanas también tienen cabida en esta selección de la mano de The Lumineers y su archiconocido éxito Ho Hey. Además de analizar sus característicos pisotones y golpes en el pecho, se desvela una curiosa anécdota que vincula esta canción con el prestigioso pódcast deportivo Brazalete Negro, especializado en contar historias de crímenes reales en el mundo del fútbol. La vertiente más transgresora y humorística llega con la audición de Our Song, una pieza de 1970 extraída del disco experimental Music from the Body, compuesto por Ron Geesin y el célebre miembro de Pink Floyd, Roger Waters. En este corte se emplean de forma rítmica diversas flatulencias y sonidos escatológicos que, según los autores, fueron simulados en el estudio para crear una divertida pieza de biomúsica experimental. Este tipo de grabaciones pioneras ejercieron una influencia directa en el desarrollo de la música electrónica, inspirando a bandas capitales como los alemanes Kraftwerk. En su álbum de homenaje al ciclismo, destaca el tema Elektro Kardiogramm, donde consiguen estructurar una base rítmica sirviéndose únicamente de la simulación de la respiración fatigada y el latido acelerado de un ciclista subiendo el mítico puerto del Tourmalet. La estela de Kraftwerk se hace evidente también en el pop electrónico británico, concretamente en el clásico Personal Jesus de la icónica banda Depeche Mode. El tema incorpora como elemento percusivo principal una serie de jadeos y respiraciones rítmicas acompasadas que sirven de base para uno de los mayores himnos de la música de los ochenta. El arte del beatboxing contemporáneo se analiza a través del virtuoso australiano Tom Thum y su asombrosa recreación de la canción Human. Esta demostración de agilidad vocal sirve de preámbulo para ensalzar la audacia de la cantante islandesa Björk, quien en su álbum conceptual Medúla prescindió de cualquier instrumento convencional para construir ricas atmósferas pop utilizando únicamente coros, voces y efectos guturales. Finalmente, los colaboradores desafían al oyente con la endiablada rítmica en 7/4 de Unsquare Dance, interpretada por el célebre Dave Brubeck Quartet, donde las palmas juegan a descolocar deliberadamente el tempo tradicional. El espacio concluye rindiendo tributo al minimalismo de Steve Reich y su célebre composición Clapping Music, un exigente ejercicio donde dos intérpretes palmotean desfasando progresivamente sus patrones rítmicos hasta crear un efecto hipnótico.

Obras maestras de la televisión como 'The Wire' apenas lograron nominaciones por el incómodo realismo de creadores como David Simon. En esta entrega de esRadio, los colaboradores analizan aquellas producciones televisivas que, a pesar de contar con el aplauso unánime de la crítica y del público, han sido sistemáticamente ignoradas por los grandes premios de la industria, como los Premios Emmy o los Globos de Oro. El programa comienza centrándose en el sangrante caso de Better Call Saul, la aclamada precuela de Breaking Bad. A lo largo de sus seis temporadas, la serie acumuló la espectacular cifra de cincuenta y tres nominaciones a los Premios Emmy y, de manera casi inexplicable, terminó su andadura con cero galardones en las categorías principales. Los locutores repasan cómo tanto su protagonista, Bob Odenkirk, como la coprotagonista, Rhea Seehorn, se quedaron siempre a las puertas del reconocimiento. Odenkirk perdió en diversas ocasiones frente a actores de otras series de éxito como Succession o Squid Game, mientras que Seehorn corrió la misma suerte ante rivales de Ozark o The White Lotus. Aunque Seehorn logró ganar un pequeño premio de formato corto por la serie web Cooper's Bar, la serie principal se despidió como la producción más ignorada de la historia de la televisión en los certámenes de la academia norteamericana. Otro de los grandes focos de la conversación es The Wire, considerada por muchos críticos como la mejor serie de televisión jamás realizada. El equipo de esRadio señala con asombro que esta obra maestra ambientada en Baltimore solo obtuvo dos nominaciones al Emmy en toda su historia, ambas en la categoría de mejor guion, y ninguna victoria. Se analiza la figura de su creador, David Simon, un autor incómodo para la industria debido a su estilo realista y su ácida crítica hacia las instituciones estadounidenses. Simon siempre se mostró indiferente ante los gustos del espectador medio, lo que dificultó que su compleja narrativa en forma de puzle encajara en los circuitos comerciales de premios de la época. La conversación se traslada luego a Hannibal, una serie de tres temporadas protagonizada por Mads Mikkelsen y Hugh Dancy que cautivó a una legión de seguidores pero fue ignorada por los certámenes tradicionales. Su única nominación al Emmy fue en una categoría técnica sumamente específica: mejores efectos visuales especiales secundarios, la cual además perdió frente a Sherlock. A pesar de este vacío institucional, la serie encontró su revancha en los Saturn Awards, unos galardones especializados en ciencia ficción, fantasía y terror, donde acumuló un total de veintisiete victorias y casi sesenta nominaciones. El siguiente título analizado es la serie de animación BoJack Horseman. A pesar de ser elogiada por abordar con maestría temas complejos y delicados como la depresión, la adicción y la autodestrucción, la academia solo la nominó en tres ocasiones. Perdió en la categoría de mejor programa de animación frente a gigantes históricos como The Simpsons o éxitos contemporáneos como Rick and Morty. Los colaboradores destacan que, aunque no consiguió ganar un Emmy, la serie se alzó con varios Annie Awards y Critics' Choice Awards, demostrando que su valor iba mucho más allá de los premios comerciales. Finalmente, se debate sobre The Leftovers, la joya de Damon Lindelof que tampoco tuvo suerte en los Premios Emmy, obteniendo únicamente una nominación para la actriz Ann Dowd. No obstante, el programa celebra que la serie fuera galardonada con el prestigioso Peabody Award, un premio otorgado por la Universidad de Georgia que valora la excelencia narrativa y la calidad humana por encima del éxito comercial. Para cerrar, los locutores dedican un espacio a Supernatural, una serie de culto que, si bien nunca aspiró a los grandes dramas de la crítica, logró construir un imperio de premios alternativos, destacando sus numerosas victorias en los People's Choice Awards y galardones de ciencia ficción en Canadá.

Un viaje sonoro por la percusión corporal, las series más minusváloradas por los grandes premios y las novedades de las Comic Con En este nuevo episodio de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo y sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma, Dani Palacios, Alma Espinosa y Miriam García, ofrecen un vibrante recorrido por la música experimental, la literatura melómana y las injusticias históricas de los premios de televisión. Felipe abre el programa compartiendo su experiencia en el concierto de Billy Corgan en el Palacio de Vistalegre de Madrid, donde interpretó el emblemático disco Mellon Collie and the Infinite Sadness. Frente a las críticas negativas en redes sociales de algunos sectores, Couselo defiende con pasión la propuesta, destacando el valor emocional de escuchar estas canciones en un formato orquestal y coral, ejecutado magistralmente por músicos españoles. La sección literaria se centra en el libro Cómo dirigir un sello indie de Alan McGee, fundador de la mítica discográfica Creation Records. Traducido al español por Ibon Errazkin y editado por Libruak, el texto repasa de forma muy directa y honesta las andanzas de bandas legendarias como Oasis, Primal Scream o The Jesus and Mary Chain. Felipe destaca el estilo directo de la narración, que evoca otros grandes relatos de la escena musical británica, como los libros de Peter Hook o las crónicas sobre el club Haçienda. El núcleo del programa se articula en torno a la música corporal o el uso del propio cuerpo como instrumento de percusión y ritmo. El recorrido se inicia con Matthew Herbert y su célebre álbum Bodily Functions, anunciando su próxima visita a Madrid. Esto da pie a analizar el clásico de Bobby McFerrin Don't Worry, Be Happy, donde se resalta la extrema dificultad de grabación que supone superponer capas de sonido utilizando exclusivamente la voz humana. Además, se rescata una divertida anécdota del arquitecto y músico Jaime Izaguirre, quien coincidió con McFerrin en el festival de jazz de Montreux mientras este realizaba extraños ejercicios vocales de calentamiento. La percusión corporal continúa con el grupo brasileño Barbatuques y su célebre tema Baianá, que ha vivido una segunda juventud gracias a diversas remezclas de música electrónica. También se analiza el éxito de Ho Hey, de la banda estadounidense The Lumineers, donde las pisadas y los gritos del público forman parte de la estructura rítmica. A raíz de este análisis, Felipe Couselo confiesa su adicción al podcast de fútbol y crónica negra titulado Brazalete Negro, un programa que mezcla el género del verdadero crimen con el deporte rey. El espacio explora las propuestas más radicales de esta corriente, como el disco Music from the Body de Ron Geesin y Roger Waters de 1970, un trabajo experimental dedicado a los sonidos del cuerpo humano que incluye el polémico tema Our Song, célebre por incorporar sonidos simulados de flatulencias. En una línea similar, los colaboradores analizan la pieza Elektro Kardiogramm, perteneciente al álbum Tour de France de los alemanes Kraftwerk, en la que se recrea el esfuerzo físico del ciclista, así como el clásico de Depeche Mode Personal Jesus, cuyo ritmo principal se sostiene sobre fuertes pisotones. En el terreno del beatboxing, se destaca la figura del australiano Tom Thum con su versión del tema Human, originalmente de Rag'n'Bone Man. Asimismo, se comenta el disco Medúlla de Björk, concebido casi en su totalidad con voces humanas. La exploración de este género concluye con Clapping Music del compositor minimalista Steve Reich, una pieza basada en el desfase de las palmas que el productor James Murphy sampleó para su conocida remezcla de la canción Love Is Lost de David Bowie. En la sección televisiva, Miriam García repasa las grandes producciones que han sido ignoradas de forma sistemática en los premios Emmy. El caso más flagrante es el de Better Call Saul, que acumuló un total de cincuenta y tres nominaciones sin lograr un solo galardón. García también pone el foco en The Wire, considerada unánimemente una de las mejores series de la historia de la televisión, que apenas obtuvo dos nominaciones menores de guion —perdiendo frente a House y Mad Men— debido a la tensa relación de su creador, David Simon, con la Academia de la Televisión. La lista de olvidadas incluye a Hannibal, que solo recibió una nominación técnica por sus efectos visuales; la serie de animación BoJack Horseman, que perdió sus escasas nominaciones ante gigantes de la cultura popular como The Simpsons o Rick and Morty; y la aclamada The Leftovers, de Damon Lindelof, que solo rascó una candidatura para la actriz invitada Ann Dowd. A pesar del desprecio de los Emmy, la serie fue reconocida con el prestigioso premio Peabody. En contraste, se analiza el fenómeno de la serie de televisión Supernatural, que a falta de Emmys cuenta con una legión de seguidores que le han otorgado numerosos People's Choice Awards. Finalmente, los integrantes del programa comentan las novedades de la próxima Comic-Con de Málaga, un evento que aspira a ser la San Diego de la Costa del Sol y que contará con invitados de primera línea como los dibujantes John Romita Jr. y Pepe Larraz. El certamen acogerá una reunión especial del reparto de la película de ciencia ficción Starship Troopers, un reencuentro de los actores de la serie española Los Serrano, y una mesa redonda de la película de culto Mallrats con Michael Rooker y Jason Lee. Para terminar, los presentadores repasan el tráiler de la segunda temporada de la adaptación en imagen real de One Piece para la plataforma Netflix.

Un recorrido sonoro por el misticismo y el rock de la mano de Felipe Couselo en esRadio, con temas de Joni Mitchell, Led Zeppelin o Incubus. En esta nueva entrega del programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo nos invita a sumergirnos en un viaje musical articulado en torno a un elemento de la naturaleza cargado de simbolismo: los ríos. A lo largo de la noche, el programa explora la música inspirada por las corrientes fluviales, utilizándolas como una potente metáfora de la existencia humana, desde el nacimiento hasta la muerte, pasando por la espiritualidad y el misticismo del bautismo. La velada comienza con la sobrecogedora interpretación de Alison Krauss del tema tradicional Down in the River to Pray, popularizado por la banda sonora de la película de los hermanos Coen, O Brother, Where Art Thou?. A continuación, el programa se traslada hacia sonidos más contemporáneos de la mano de la banda estadounidense de folk rock The Decemberists y su canción Down by the Water. Extraído de su exitoso álbum The King Is Dead, este tema destaca por su energía acústica y cuenta con colaboraciones de lujo, como el guitarrista Peter Buck, miembro de la mítica banda R.E.M., y la cantante Gillian Welch. Couselo aprovecha para destacar la riqueza de este trabajo discográfico, que ofrece una visión muy particular de la América rural y de las comunidades mineras de principios del siglo pasado. El ritmo se acelera con uno de los grandes clásicos de la historia del rock: Proud Mary, interpretado originalmente por la Creedence Clearwater Revival. John Fogerty compuso esta célebre pieza justo después de obtener su licenciamiento del ejército de los Estados Unidos, convirtiéndose en un canto a la liberación personal y el optimismo. La andadura fluvial continúa con la vibrante y potente versión que Ike & Tina Turner realizaron de River Deep - Mountain High, una joya de la producción musical firmada por Phil Spector que desborda fuerza y pasión en cada nota. El tono del programa se torna más oscuro con la llegada de Neil Young y su desgarrador tema de 1969, Down by the River, incluido en el álbum Everybody Knows This Is Nowhere. Acompañado por su fiel banda Crazy Horse, el músico canadiense teje una atmósfera densa y asfixiante para narrar un crimen pasional a orillas del río. Couselo analiza la maestría de Young a la hora de improvisar largas y viscerales secciones de guitarra, una de las señas de identidad más reconocibles de su dilatada trayectoria musical. La siguiente parada en este recorrido fluvial nos lleva a finales de la década de los setenta con Talking Heads y su emblemática versión de Take Me to the River, tema original de Al Green. Bajo la producción del innovador Brian Eno, la banda liderada por David Byrne transformó esta pieza de soul en un corte de post-punk nervioso y bailable, marcando el inicio de su consagración en las listas de éxitos mundiales y demostrando cómo la espiritualidad de la música negra podía fusionarse con la vanguardia neoyorquina. El viaje musical cruza el Atlántico para recalar en la vibrante escena del Liverpool de los años sesenta con Gerry and the Pacemakers y su melódico himno Ferry Cross the Mersey. Esta canción no solo rinde homenaje al río Mersey, arteria vital de la ciudad inglesa, sino que se convirtió en un símbolo de la identidad colectiva y el orgullo local del movimiento musical conocido como Merseybeat, que definió a toda una generación de jóvenes británicos. El misticismo y la reflexión vuelven a cobrar protagonismo con Billy Joel y su éxito de 1993, The River of Dreams. A través de este enérgico tema de tintes gospel, el compositor neoyorquino explora los laberintos del subconsciente y la búsqueda de la paz espiritual a través de un viaje nocturno hacia un río simbólico que representa la redención y el autodescubrimiento en la madurez de su vida. La delicadeza y la melancolía se adueñan del estudio de esRadio con la inconfundible voz de Joni Mitchell y su obra maestra River, perteneciente al legendario álbum de 1971, Blue. En esta intimista pieza a piano, Mitchell expresa el profundo anhelo de disponer de un río helado sobre el cual poder patinar para escapar de la tristeza navideña y de los errores del pasado en sus relaciones afectivas, en una de las confesiones más descarnadas de la música popular contemporánea. Hacia el tramo final, el programa recupera la influencia del blues más primitivo con Led Zeppelin y su potente Travelling Riverside Blues, un tema que bebe directamente del legado del legendario Robert Johnson. La noche continúa su curso con el dramatismo de Bruce Springsteen en su clásico The River, una desgarradora crónica social sobre la pérdida de la inocencia y el impacto de la crisis económica en las familias trabajadoras de la América desindustrializada. Finalmente, Couselo despide esta travesía radiofónica con una propuesta atmosférica y relajante: Aqueous Transmission de la banda de rock alternativo Incubus, perteneciente a su aclamado disco Morning View. Con casi ocho minutos de duración y una instrumentación de inspiración oriental que incluye el uso del koto, la canción evoca una flotación meditativa por un río en calma, cerrando el programa con una sensación de absoluta paz y desconexión.

De la tensión en la Antártida al coche asesino de Stephen King, viajamos a la década dorada de John Carpenter con sus títulos más recordados. En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, junto a Juanma González y los críticos cinematográficos Jorge Loser y Vicky Carras, continúan con la segunda parte del especial dedicado a la filmografía de los años ochenta del célebre director de cine John Carpenter. A lo largo del espacio, se analizan minuciosamente cuatro de sus producciones más destacadas de aquella década, abordando desde sus aspectos técnicos y bandas sonoras hasta su recepción en taquilla y su trascendencia cultural. El primer gran título sobre la mesa es La Cosa (1982), un clásico indiscutible de la ciencia ficción y el terror que supuso una versión muy personal de la obra literaria de John W. Campbell y de la película de 1951 de Howard Hawks. Los colaboradores elogian el extraordinario trabajo en los efectos especiales prácticos de Rob Bottin, quien llegó a sufrir problemas de salud por el agotamiento físico extremo que le supuso la filmación. El filme destaca por su atmósfera opresiva y su estructura de whodunit en una base de la Antártida. A pesar de contar con una inolvidable banda sonora de Ennio Morricone —quien imitó de forma brillante el estilo sintético del propio Carpenter—, la cinta fracasó comercialmente en su día debido a la competencia directa con películas de tono más amable como E.T. El Extraterrestre, consolidándose con los años como un hito del cine de culto y del subgénero del body horror. Posteriormente, el programa se adentra en Christine (1983), la célebre adaptación de la novela homónima de Stephen King. Esta historia de un Plymouth Fury de 1957 poseído y obsesionado con su joven dueño, Arnie Cunningham, sirve para reflexionar sobre la compleja relación del ciudadano estadounidense con el automóvil y la cultura del consumo de la época. Los participantes destacan el dinamismo de la narración, la inolvidable escena en la que el vehículo se regenera por sí mismo a través de trucos de cámara invertida y cables, y la icónica partitura de sintetizadores que Carpenter compuso junto a Alan Howarth. Aunque es considerada por algunos críticos como una obra menor en comparación con otros hitos de su filmografía, se reivindica su enorme valor estético y su capacidad para generar tensión sin necesidad de abusar de la exposición digital. El viaje ochentero prosigue con Starman (1984), una propuesta atípica dentro del catálogo de Carpenter que se aleja de la oscuridad habitual para ofrecer una emotiva road movie romántica de ciencia ficción. Protagonizada por un espléndido Jeff Bridges —nominado al premio Oscar por este papel— y por Karen Allen, la historia narra el viaje de un ser extraterrestre que adopta la forma humana del difunto esposo de una viuda. Los colaboradores subrayan cómo el director logró manejar el melodrama y la sensibilidad de manera magistral, apoyado en una conmovedora partitura de Jack Nitzsche. Este largometraje supuso un rotundo éxito comercial y demostró la versatilidad de Carpenter para trabajar dentro de las demandas y presupuestos de los grandes estudios de Hollywood. Finalmente, el análisis se detiene en Están Vivos (1988), una ácida e irreverente sátira social y política dirigida contra el consumismo, la publicidad subliminal y las políticas neoliberales de la administración de Ronald Reagan. Con el carismático luchador profesional Roddy Piper en el papel principal, la película utiliza la premisa de unas gafas de sol que permiten ver la cruda realidad de una invasión alienígena que domina las élites del planeta. Además de su contundente mensaje ideológico, los tertulianos celebran la mítica y desmesurada escena de la pelea entre Piper y Keith David, así como la magnífica banda sonora instrumental y el espíritu puramente anarquista y contracultural que impregna cada fotograma de esta obra maestra de la serie B.

Lola Herrera en el teatro y la secuela de 'Prácticamente magia' protagonizan una entrega del magacín de esRadio cargada de novedades. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio arranca rindiendo un sentido homenaje a la legendaria intérprete de jazz Cassandra Wilson. A través de la escucha de su mística versión de Harvest Moon, el clásico de Neil Young, el equipo del programa reflexiona sobre la capacidad de la música para evocar emociones profundas y conectar con el recuerdo y la sensibilidad del oyente. En el plano de las novedades musicales, Dani Palacios introduce la propuesta de la banda de rock neopsicodélico australiana Druid Fluids con su canción Needles in Strawberries. Este corte sirve como adelanto de su próximo trabajo discográfico, titulado Paraidolia, que verá la luz a finales de año. Palacios elogia la impecable producción de este combo liderado por Milo Green, cuyo sonido combina texturas clásicas de los sesenta con sintetizadores contemporáneos. Por su parte, Juanma González trae al estudio el sonido de la formación sueca De Magnolia, originarios de Gotemburgo, a través de su tema Who Are You. González incide en el marcado estilo norteamericano de este numeroso colectivo musical, que destila influencias del soul clásico de los años sesenta y setenta, recordando a figuras de la talla de Al Green, y demostrando una solvencia instrumental sobresaliente. El repaso a la actualidad musical se completa con la intervención de Isaac Ibáñez, quien presenta Blood Oath, el nuevo sencillo de la veterana banda de metal sureño Down, capitaneada por Phil Anselmo. Ibáñez analiza el esperado regreso de la formación de Nueva Orleans con su próximo volumen de estudio y desvela una llamativa colaboración con el legendario King Diamond, lo que promete hacer las delicias de los aficionados al género. En la sección dedicada a las artes escénicas, Alma Espinosa nos acerca a la representación de Camino a la Meca en el Teatro Bellas Artes de Madrid. La obra, protagonizada por la gran Lola Herrera bajo la dirección de Claudio Tolcachir, narra la historia real de la escultora Helen Martins en Sudáfrica. Espinosa destaca el reencuentro sobre las tablas de Herrera con su hija Natalia Dicenta, aportando un extra de emotividad a una función que aborda con maestría la vejez y la toma de decisiones personales. En el ámbito cinematográfico, se debate la futura secuela de la comedia fantástica Prácticamente magia, que volverá a contar con Sandra Bullock y Nicole Kidman como protagonistas. Los colaboradores analizan las luces y sombras de esta continuación, dirigida por Susan Bier, cuestionando si logrará recuperar el tono gótico y la acidez de la cinta original de finales de los noventa o si se perderá en la sensiblería habitual de las producciones actuales. Para cerrar el programa, el equipo analiza los estrenos más recientes del cine español, centrando su atención en El nido, un intrigante thriller de suspense protagonizado por Michelle Jenner. Asimismo, recomiendan con entusiasmo la película Forastera, dirigida por Lucía Alenar y rodada en Mallorca, ensalzando su magnética atmósfera de misterio y su cuidada propuesta estética como una de las sorpresas de la temporada.

Felipe Couselo y sus colaboradores analizan el fin del cine romántico clásico y repasan la evolución del agente 007 en la gran pantalla. En una nueva edición del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, se inicia la velada con una distendida charla de reincorporación tras las vacaciones junto a Daniel Palacios. Entre bromas sobre pulseras, el "glamour campechano" y las galletas Campurrianas, los colaboradores analizan las excentricidades del verano antes de adentrarse en el bloque musical, dedicado al grupo británico The Zombies y su mítico álbum Odessey and Oracle. El núcleo del programa se centra en analizar cómo las películas románticas tradicionales, tanto comedias como dramas, han ido desapareciendo de las salas de cine en las últimas décadas. Para ilustrar esta transformación, se recurre a un célebre fragmento de la película Sesión Continua de José Luis Garci, donde grandes actores como José Bódalo y Jesús Puente debaten sobre la pérdida del romanticismo clásico en el cine y pronuncian la icónica frase sobre cómo los besos de tornillo se han perdido en favor de relaciones más explícitas y vacías. El equipo disecciona varios títulos del siglo XXI que demuestran este cambio de paradigma. Se comienza analizando Embriagada de Amor (Punch-Drunk Love), una obra de Paul Thomas Anderson protagonizada por Adam Sandler que desafía las convenciones del género a través de la ansiedad y la inestabilidad emocional de su protagonista. Asimismo, se comenta Two Lovers, dirigida por James Gray, un drama melancólico en el que Joaquin Phoenix encarna a un hombre atormentado, alejándose por completo de los finales felices tradicionales. El análisis avanza hacia dos títulos fundamentales: 500 Días Juntos (500 Days of Summer) y La La Land. La primera deconstruye el mito del amor idealizado mostrando la incompatibilidad y las expectativas frustradas de una pareja que nunca llega a consolidarse, mientras que la oscarizada película de Damien Chazelle presenta un bellísimo musical clásico que, sin embargo, culmina con un desgarrador final realista donde el éxito profesional y las ambiciones personales de los protagonistas terminan por separar sus caminos de forma inevitable. La distopía también tiene cabida en esta lista con La Langosta (The Lobster), de Yorgos Lanthimos, donde la soltería se castiga con la transformación en animales, y la célebre Her, de Spike Jonze, en la que Joaquin Phoenix se enamora de un sistema operativo. Ambas películas exploran la soledad contemporánea y la imposibilidad de conectar humanamente. En una línea similar, ¡Olvídate de Mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) aborda el dolor de la ruptura mediante la eliminación selectiva de recuerdos, mostrando un romance profundamente doloroso y surrealista. Para cerrar el bloque cinematográfico, se comentan Lars y una Chica de Verdad (Lars and the Real Girl), donde Ryan Gosling interpreta a un hombre con graves problemas de socialización que inicia una relación con una muñeca, y la extrema Audición (Audition), del director japonés Takashi Miike, que comienza como una aparente comedia de búsqueda de esposa y deriva en un perturbador e impactante thriller de tortura y sadismo, culminando la subversión total de las expectativas de una historia de amor. En el tramo final del espacio, Juanma González lidera el análisis de la saga cinematográfica de James Bond, partiendo de unas recientes declaraciones de Gary Oldman que podrían haber revelado detalles sobre el futuro del personaje. Los colaboradores repasan la evolución del agente 007 a través de las diferentes eras, destacando el intento de realismo y violencia literaria de Timothy Dalton, la sofisticación de Pierce Brosnan (que introdujo a Judi Dench como M) y la brutalidad física de Daniel Craig, rememorando la icónica escena de tortura de Casino Royale.

Un recorrido por obras como 'Her' o '¡Olvídate de mí!' muestra la evolución de las historias de pareja hacia la distopía y la fobia social. En esta nueva edición del espacio de cine de esRadio, los colaboradores comienzan con una distendida charla sobre las secuelas físicas del verano antes de adentrarse en el tema principal de la noche: la evolución y aparente desaparición de las películas románticas convencionales en los últimos veinticinco años. Para ilustrar esta transformación, recuerdan una mítica escena de la película Sesión Continua, dirigida por José Luis Garci en 1984, donde los personajes interpretados por Jesús Puente y Adolfo Marsillach debaten sobre cómo deconstruir las historias de amor en el cine, vaticinando de algún modo el rumbo amargo y complejo que tomaría el género en el siglo XXI. La primera parada de este recorrido por el antirromance contemporáneo es Punch-Drunk Love, conocida en España como Embriagada de Amor y dirigida por Paul Thomas Anderson en 2002. Los colaboradores explican que, lejos de ser una comedia romántica al uso, esta cinta es un retrato incómodo de la ansiedad y el colapso emocional de su protagonista, interpretado por un sorprendente Adam Sandler. Sometido a la asfixiante presión de sus siete hermanas y extorsionado a través de una línea de teléfono erótica, el personaje transita por una atmósfera de tensión constante, acentuada por un diseño sonoro frenético y una banda sonora que recuerda a la de la aclamada Magnolia, alejando al espectador de cualquier atisbo de romanticismo tradicional. A continuación, se analiza Two Lovers, drama de 2008 dirigido por James Gray. La película sitúa a Joaquin Phoenix en el papel de Leonard, un hombre con graves problemas de estabilidad mental que, tras una dolorosa ruptura, regresa a vivir con sus padres. La trama se sumerge en un angustioso triángulo amoroso donde el protagonista debe elegir entre la estabilidad que le ofrece Sandra, una joven formal apoyada por su familia, y la caótica fascinación que ejerce Michelle, su misteriosa vecina interpretada por Gwyneth Paltrow. Los colaboradores destacan que la cinta destaca por mostrar cómo la sobreprotección familiar puede anular por completo al individuo, convirtiendo la búsqueda del amor en un proceso profundamente doloroso y melancólico. El análisis continúa con la aclamada La La Land de Damien Chazelle, estrenada en 2016. Aunque la producción se presenta inicialmente como un deslumbrante homenaje a los musicales clásicos de la época dorada de Hollywood, los ponentes remarcan que su desenlace supone un auténtico golpe de realidad para el espectador. Al priorizar el desarrollo de sus respectivas carreras profesionales frente a su relación de pareja, los personajes de Sebastian y Mia encarnan el individualismo de nuestra era. El recurso de mostrar una secuencia de ensueño con el final feliz que nunca ocurrió no hace sino acentuar la inevitable desconexión entre las fantasías artísticas y la vida real. La vertiente más distópica y extrema del género llega de la mano del director griego Yorgos Lanthimos con The Lobster, traducida como Langosta en 2015. En este perturbador universo, la soltería es perseguida por la ley, obligando a los ciudadanos sin pareja a recluirse en un hotel donde disponen de cuarenta y cinco días para encontrar a su media naranja. De lo contrario, el castigo consiste en ser transformados en un animal de su propia elección. El protagonista, encarnado por Colin Farrell, opta por la langosta en caso de fracasar, en una durísima metáfora que critica las convenciones sociales sobre el matrimonio y la vida en pareja. Otra de las obras cumbre de la ciencia ficción romántica analizada es Her, el largometraje de Spike Jonze estrenado en 2013. Theodore, interpretado de nuevo por Joaquin Phoenix, es un hombre solitario que se gana la vida escribiendo cartas para terceros y que termina enamorándose de Samantha, una inteligencia artificial con la voz de Scarlett Johansson. El programa de esRadio analiza cómo la cinta aborda de manera brillante la alienación tecnológica y la simulación de la empatía en una sociedad donde los de por sí aislados individuos viven incomunicados tras sus auriculares, culminando en un desenlace devastador que rompe cualquier ilusión de correspondencia real. En la lista de recomendaciones no podía faltar Eternal Sunshine of the Spotless Mind, titulada en España ¡Olvídate de mí! y dirigida en 2004 por Michel Gondry. En este clásico moderno de culto, Joel descubre que su exnovia Clementine se ha sometido a un proceso clínico para borrar de su mente todos los recuerdos de su relación, lo que le lleva a tomar la misma drástica decisión. Los colaboradores elogian el derroche de creatividad visual de Gondry, repleto de efectos prácticos analógicos y juegos de perspectiva, que dan forma a una de las historias más trágicas, caóticas y bellas sobre la memoria amorosa y el dolor de la pérdida. Finalmente, se abordan dos películas que llevan la necesidad de afecto a extremos insospechados. Por un lado, Lars y una chica de verdad presenta a Ryan Gosling como un joven con fobia social que entabla una relación con una muñeca de plástico, Bianca, obligando a todo su pueblo a participar en una terapia de aceptación colectiva. Por otro lado, la ácida e inesperada recomendación de Audition, la célebre película de terror japonesa dirigida por Takashi Miike en 1999, cierra el programa. Lo que comienza como una aparente búsqueda de esposa mediante un falso casting cinematográfico se transforma de golpe en una de las mayores pesadillas del cine contemporáneo, demostrando que la deconstrucción del amor en el cine puede terminar, literalmente, en una carnicería.

Un comentario sobre el relevo de James Bond desata los rumores y abre en esRadio un repaso por la trayectoria de los rostros de la franquicia. En una reciente entrevista concedida a la televisión canadiense con motivo de la promoción de la nueva temporada de Slow Horses, el aclamado actor Gary Oldman desató la polémica al sugerir que el próximo agente 007 ya ha sido seleccionado. Oldman bromeó sobre la posibilidad de que su compañero de reparto, Jack Lowden, sea el elegido, lo que ha avivado el eterno debate sobre quién heredará el icónico papel de James Bond. Este comentario ha vuelto a poner en el punto de mira a nombres como Jacob Elordi o Callum Turner, sumando misterio a la producción de Amazon MGM. Durante la tertulia de cine en esRadio, los colaboradores repasan la trayectoria de los actores que han dado vida al espía británico, comenzando por el legendario Sean Connery. Connery debutó en Dr. No, estableciendo las bases del personaje con una mezcla de sofisticación y dureza. Su consagración definitiva llegó con títulos como From Russia with Love y, especialmente, Goldfinger, película que definió el esquema clásico de la saga para las décadas posteriores y que sigue siendo considerada una obra cumbre del cine de espías. La etapa de Roger Moore introdujo un tono mucho más festivo y desenfadado, caracterizado por el uso constante del doble sentido y el humor. Películas como Octopussy o For Your Eyes Only reflejan esta época en la que el espía parecía disfrutar de sus misiones más que nunca. Sin embargo, el análisis en esRadio apunta que Moore se prolongó demasiado en el papel, lo que llevó a la franquicia a rozar la parodia y a perder la seriedad que caracterizaba a las novelas originales de Ian Fleming. Para corregir este rumbo, la productora apostó por el rigor teatral de Timothy Dalton, quien ofreció una interpretación mucho más cercana al Bond literario en The Living Daylights y Licence to Kill. Esta última, estructurada como un thriller de venganza muy violento al estilo del cine de acción estadounidense de los ochenta, no obtuvo el éxito de taquilla esperado. A pesar de ello, la crítica actual reivindica la etapa de Dalton por su valentía al anticipar el tono realista que triunfaría años después. La llegada de los años noventa trajo consigo a Pierce Brosnan, quien debutó con gran éxito en GoldenEye. Esta entrega modernizó la saga al introducir cambios significativos, como la presencia de Judi Dench en el papel de M y la eliminación del hábito de fumar del protagonista. Brosnan logró un equilibrio perfecto entre la elegancia clásica y la acción moderna, aunque su trayectoria culminó de forma extravagante con Die Another Day, recordada por sus excesivos elementos de ciencia ficción, como el polémico coche invisible. El cambio más radical se produjo en 2006 con el estreno de Casino Royale, protagonizada por Daniel Craig. Este Bond, definido como un ejecutor implacable que comenzaba desde cero, redefinió la franquicia con un estilo de lucha realista y una fisicidad brutal. Escenas como la tortura a manos del villano interpretado por Mads Mikkelsen marcaron un antes y un después. No obstante, la posterior Quantum of Solace sufrió las consecuencias de la huelga de guionistas de Hollywood, lo que afectó a su desarrollo narrativo. Finalmente, los comentaristas abordan los constantes rumores sobre el fichaje de Idris Elba, una opción muy popular entre el público pero que parece descartada debido a su edad. También recuerdan proyectos paralelos que no llegaron a materializarse, como el spin-off centrado en el personaje de Halle Berry en la era Brosnan, y comentan el futuro de la marca bajo el control de Amazon, que busca expandir el universo de James Bond manteniendo la esencia del espía más famoso de la historia del cine.

Recorremos todos los colores de Weezer: del mítico Blue Album al nuevo Gold Album, pasando por Green, Red, White, Teal y Black

Una selección de canciones para celebrar la amistad, recordar a quienes siempre están y poner banda sonora a esos vínculos que nos acompañan.

Repasamos la actualidad junto a los colaboradores. Desde la pelicula del Heladero hasta una cumbia de Offspring

Zack Snyder, Alejandro Amenábar y Brett Ratner centran las críticas más feroces del programa de esRadio por sus largometrajes fallidos. En esta nueva entrega de la temporada del espacio cinematográfico de esRadio, Juanma González y Felipe Couselo inauguran una sección muy especial dentro de El Resplandor. En lugar de centrarse en las películas preferidas de los colaboradores, el espacio se estrena bajo la premisa de analizar de forma detallada aquellas obras y directores que despiertan el más absoluto rechazo en Felipe Couselo, un contrarretrato que promete convertirse en un clásico de la audiencia de la emisora. El primer gran foco de las críticas de Couselo es el director estadounidense Zack Snyder y su controvertido universo de superhéroes de DC. Felipe confiesa que ver películas como Batman v Superman: El amanecer de la justicia o la versión de cuatro horas de La Liga de la Justicia le resulta una tortura inaguantable. Relata, entre risas, cómo durante el visionado doméstico de la primera, tanto él como su pareja se quedaron dormidos en intervalos diferentes de veinte minutos sin que eso afectara en lo más mínimo a la comprensión de una trama que califica de absurda, destacando el irrisorio y ya célebre momento en el que los protagonistas se reconcilian al descubrir que sus madres comparten el nombre de Martha. La conversación se traslada de inmediato al cine nacional e internacional de la mano de Alejandro Amenábar y su película Regresión, protagonizada por Ethan Hawke y Emma Watson. Para Couselo, este largometraje representa una enorme decepción, definiéndolo como un corta y pega sin alma de otras películas de intriga y terror psicológico. El colaborador critica con dureza la ausencia de un final real, un vacío que el director gallego parece justificar de manera pretenciosa, dejando al espectador con la amarga sensación de haber desperdiciado hora y media de su vida en un simulacro de thriller. El tercer realizador maldito en la lista de Couselo es Brett Ratner, un director muy popular por la saga de acción y comedia Hora Punta, pero cuya carrera se vio truncada tras las graves acusaciones en el marco del movimiento MeToo. Felipe recuerda el nefasto trabajo de Ratner en X-Men: La decisión final, un proyecto al que llegó como sustituto de emergencia tras la marcha de Bryan Singer. A pesar de contar con una gran producción, Couselo opina que Ratner carece por completo de un sello autoral propio y que sus películas son blockbusters prefabricados, vacíos de cualquier valor artístico duradero. El análisis no deja títere con cabeza y el cineasta alemán Roland Emmerich también recibe su dosis de crítica a través de su mítica cinta de invasión extraterrestre Independence Day. Aunque Juan González intenta defender la espectacularidad y el encanto de serie B de la película, Couselo no puede ocultar su antipatía por el patriotismo exacerbado y el chovinismo norteamericano que impregna cada escena, personificado en el famoso discurso radiofónico del presidente interpretado por Bill Pullman. Para Felipe, la obra de Emmerich, incluyendo su posterior y fallida versión de Godzilla, representa lo peor del cine de catástrofes de los años noventa. Finalmente, los críticos de la emisora debaten sobre la figura de Renny Harlin y, en concreto, sobre su película Cazadores de mentes. Couselo despedaza la trama de este thriller de asesinos en serie por sus giros de guion completamente desproporcionados e ilógicos, especialmente la absurda revelación de la identidad del asesino conocido como el titiritero. No obstante, el programa concluye comentando el inminente estreno de The Beast, la nueva producción de acción de Harlin grabada en España con Samuel L. Jackson, un proyecto que promete mantener viva la trayectoria de un director especialista en blockbusters de presupuesto medio y entretenimiento palomitero.

De la réplica de 'Stranger Things' por 39 euros al clásico de 'Magnum' en un museo: el impacto cultural de este accesorio en la pequeña pantalla. La conversación de los colaboradores se centra en un análisis divertido sobre el uso de las gorras como accesorio de moda y su gran relevancia en la cultura popular. Los presentadores comparten sus propias experiencias veraniegas, admitiendo haber recurrido a este complemento con más frecuencia de lo habitual. Uno de los tertulianos incluso revela haber adquirido un colgador especial para mantener organizada su creciente colección. A partir de esta premisa, el programa de esRadio inicia un recorrido por las gorras más icónicas de la televisión, comenzando por el fenómeno de Stranger Things. En la famosa serie de misterio, el personaje de Dustin es inseparable de su gorra, conocida popularmente como la Thinking Cap. Se trata de un modelo de estilo camionero, reconocible por su visera y frontal sólidos combinados con una rejilla trasera, que luce los colores azul y blanco con una marcada estética de los años ochenta. El impacto de este accesorio ha sido tal que la propia plataforma de entretenimiento comercializa la réplica oficial por un precio de 39 euros, lo que abre un debate sobre la exclusividad y el coleccionismo de estas prendas. El repaso continúa con Euphoria, la aclamada producción dramática donde el personaje interpretado por Zendaya destaca por un estilo urbano muy personal. En su vestuario, de corte masculino y sobredimensionado, las gorras de béisbol juegan un papel fundamental para reforzar su actitud. Aunque no existe un único diseño que defina al personaje, la incorporación constante de estas viseras más blandas y desgastadas aporta una gran personalidad y estilo a la protagonista, diferenciándose de los modelos más rígidos estructurados. No se puede hablar de la historia de la televisión y las gorras sin mencionar a la estrella de El Príncipe de Bel-Air. El personaje de Will Smith marcó tendencia en la década de los noventa gracias a su estética vinculada al movimiento de música urbana, donde la visera se llevaba de manera informal, ya fuera completamente hacia atrás o ligeramente ladeada. Este detalle sirve para que en esRadio se debata sobre los códigos sociales de llevar la gorra del revés, una costumbre aceptable en jóvenes pero considerada una llamada de atención en hombres adultos. Los locutores recuerdan que en el cine de acción existen excepciones célebres, como el papel de Sylvester Stallone en la película de culto Yo, el Halcón, donde el protagonista giraba su visera antes de cada combate de pulso como un ritual de concentración. En el aspecto comercial, se destacan marcas históricas como New Era, Starter o Mitchell & Ness, firmas que han construido imperios gracias a las licencias de las ligas profesionales estadounidenses y que han consolidado la presencia de las gorras deportivas en el mercado global. El mundo de los dibujos animados también tiene su espacio con Ash Ketchum, el eterno protagonista de la saga de animación Pokémon. Su gorra de color rojo y blanco, con un símbolo verde en el frente, es un icono para millones de espectadores que crecieron con la franquicia. Los presentadores rememoran con humor la fiebre desatada por el videojuego para dispositivos móviles Pokémon Go, una tecnología que logró movilizar a multitudes en espacios públicos y que contrastaba con el carácter tradicionalmente sedentario de las consolas de mesa. Para concluir, el espacio radiofónico analiza la figura de Thomas Magnum en la mítica serie de detectives de los ochenta. Tom Selleck popularizó la célebre gorra de los Detroit Tigers, un diseño clásico de color azul marino con la letra de inicial en blanco. Este objeto de culto, cuyo original se conserva en un museo nacional, ejemplifica cómo el deporte y la ficción se retroalimentan. Finalmente, los colaboradores de esRadio recuerdan que la etiqueta exige quitarse la gorra al acceder a espacios cerrados, iglesias o restaurantes, respetando siempre las normas de cortesía.

Desde el emblemático Náutico gallego hasta bandas japonesas y británicas, esRadio repasa los mejores ritmos del verano en una edición especial. En esta nueva entrega del programa en esRadio, el presentador nos ofrece una edición especial veraniega inspirada en sus recientes vacaciones. Durante su viaje a O Grove, en Galicia, descubrió el emblemático local El Náutico de San Vicente, un rincón único que organiza conciertos sorpresa diarios durante los meses de julio y agosto sin desvelar previamente el cartel, logrando una atmósfera inigualable. La primera gran sorpresa de su periplo vacacional fue descubrir en directo a The Neatbeats. Esta banda japonesa de rock and roll e impecable estética twist dejó una profunda huella en el público gallego. Interpretando su tema Wagyū de Twist, demostraron por qué se autodenominan con humor los reyes del género, contagiando su energía a todos los asistentes. Siguiendo con la influencia nipona, el programa destaca a la mítica formación femenina The 5.6.7.8's, mundialmente conocida por su aparición en la película Kill Bill de Quentin Tarantino. El locutor comparte una curiosa anécdota sobre cómo el director de cine las descubrió casualmente en un aeropuerto de Tokio, llegando a perder su vuelo para adquirir su disco antes de ficharlas para su famoso largometraje, del cual escuchamos el tema Woo Hoo. El recorrido musical continúa con los británicos MFC Chicken, una banda londinense que mezcla el espíritu del garage rock con un saxofón espectacular. Muy habituales de los escenarios españoles, su canción Chicken Baby Chicken es la muestra perfecta de una música bailable que divierte y hace disfrutar a cualquier oyente, sin importar sus preferencias habituales. La elegancia instrumental llega de la mano de los barceloneses Los Mambo Jambo. El presentador confiesa su absoluta admiración por este grupo de rock and roll, surf y rhythm and blues, del cual atesora como una auténtica joya un flexidisc en su colección privada, destacando su capacidad para crear ritmos salvajes y sugerentes. No podía faltar en esta selección la gran Imelda May, la artista irlandesa que revitalizó el sonido rockabilly con una fuerza arrolladora. Su emblemático tema Johnny Got a Boom Boom, con su icónica línea de contrabajo y su marcada estética pin-up, sirve para elevar la temperatura del programa y consolidar el ambiente festivo de la noche. En el panorama nacional, el espacio rinde homenaje a la polifacética Vinila Von Bismark en su recordada etapa junto a la banda madrileña The Lucky Dados. Juntos dieron forma a canciones tan sugerentes como Oh Baby, un ejemplo perfecto de la fusión entre el burlesque, el rock clásico y el descaro escénico. El surf rock instrumental cobra especial protagonismo con dos grandes recomendaciones: los consagrados Los Coronas, pioneros del género en España, y los mexicanos Los Acapulco con su tema Surf Mongol. El locutor aprovecha este momento para bromeando sobre la terminología adecuada para referirse a los habitantes de Mongolia según las definiciones oficiales de la lengua. La diversión continúa con la banda barcelonesa The Tiki Phantoms, conocida por actuar con máscaras de calavera, y su particular versión del clásico de A-ha, rebautizada como Tiki on Me. Acto seguido, suena Los Wallas con su tema La Playa, ideal para evocar los mejores momentos del verano y la desconexión estival. Para enfilar el cierre, el programa apuesta por el sonido garajero y distorsionado de Juanito Wau y los Arghs interpretando la versión del clásico peruano Demolición. Finalmente, el pianista francés Henry Herbert asombra con su virtuosismo al teclado interpretando su vibrante boogie-woogie Austin Texas Boogie Woogie, antes de despedir la emisión en esRadio al ritmo de T. Rex con su legendaria canción Cosmic Dancer.

De los fiascos de Hollywood y el uso de viseras en la cultura pop: la tertulia de Felipe Couselo retoma sus emisiones con humor y rock de garaje. En una nueva edición de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el director del programa, Felipe Couselo, arranca la velada rodeado de su habitual plantel de colaboradores para comentar las andanzas veraniegas de cada uno de ellos. Entre risas y anécdotas sobre los kilómetros recorridos por España, Portugal y Francia, los tertulianos debaten sobre la vuelta al cole radiofónica y bromean sobre la ausencia de Dani Palacios, vaticinando que regresará de sus vacaciones con una actitud insoportable por haberse tomado el descanso en septiembre. Tras la animada charla inicial, Felipe Couselo introduce una de sus grandes pasiones musicales pinchando un clásico de la mítica banda de glam rock T. Rex, extraído directamente de su edición en vinilo de Electric Warrior. El presentador aprovecha este momento para rememorar con tono distendido su asistencia a un sofisticado baile de gala en Pontevedra durante las vacaciones, comparando la atmósfera del evento con escenas cinematográficas. La conversación deriva inevitablemente hacia el controvertido universo de los superhéroes y el director cinematográfico Zack Snyder, desatando las primeras discrepancias en el estudio sobre el valor de sus producciones para la franquicia de DC. Juanma González toma el mando del micrófono para inaugurar la sección El Resplandor, que en esta tercera temporada arranca con una propuesta muy peculiar: analizar minuciosamente las cosas que Felipe Couselo detesta. El primer gran objetivo de sus críticas es la película Regresión, dirigida por Alejandro Amenábar, a la que el presentador tilda de burdo intento de réplica de los clásicos del suspense norteamericano. Couselo y sus colaboradores diseccionan los fallos de guion, la falta de un final sólido y la desconexión que sufrieron como espectadores, coincidiendo en que se trata de uno de los trabajos más fallidos del realizador español. El debate sube de tono al abordar la saga cinematográfica de Transformers y la firma estilística de su director, Michael Bay. Mientras que Juanma defiende ciertos aspectos de la primera entrega como el epítome del blockbuster moderno, Couselo arremete contra el vacío argumental de las secuelas, catalogándolas de insoportables ejercicios de pirotecnia sin sentido. La crítica se extiende después a Brett Ratner y su trilogía de Hora Punta, señalando no solo su descrédito profesional tras las acusaciones surgidas al calor del movimiento MeToo, sino también su absoluta falta de talento y de sello de autor frente a otros realizadores de cine de acción comercial. Otro de los momentos cumbres de la sección de "odio" llega al analizar el icónico discurso del presidente estadounidense en Independence Day. Felipe Couselo confiesa su profunda repulsa hacia el chovinismo norteamericano que impregna la cinta de Roland Emmerich, considerándolo un cliché insoportable que ha envejecido terriblemente mal. Acto seguido, el grupo despedaza sin piedad la cinta de suspense Cazadores de Mentes, dirigida por Renny Harlin, mofándose de sus absurdos giros de guion, especialmente en lo tocante a la identidad del asesino "el Titiritero", y de las ridículas actuaciones de un reparto encabezado por Val Kilmer y Christian Slater. En la segunda mitad del programa, Alma Espinosa lidera una refrescante sección dedicada al uso de las gorras y su influencia en la cultura pop. Alma analiza cómo este accesorio ha trascendido el ámbito deportivo para convertirse en un elemento clave del estilo juvenil, destacando la gorra de Dustin en la serie Stranger Things y el look urbano que exhibe Zendaya en la aplaudida producción televisiva Euphoria. Los colaboradores debaten de manera hilarante sobre los límites del protocolo al llevar gorra, cuestionando si es admisible lucirla en espacios interiores como restaurantes o gimnasios, o si llevar la visera hacia atrás o de lado resulta ridículo a partir de cierta edad. Continuando con el repaso de gorras emblemáticas, Alma y los tertulianos rescatan la mítica gorra de los Detroit Tigers que lucía Tom Selleck en la serie Magnum, P.I., señalando cómo este accesorio contribuyó a forjar la identidad del famoso detective hawaiano. Asimismo, recuerdan las extravagantes formas en las que Will Smith se colocaba la gorra en El Príncipe de Bel Air, con la visera completamente levantada o ladeada, marcando una tendencia que definió a toda la generación de los años noventa. El análisis concluye con la constatación de que la gorra se ha convertido en un recurso unisex indispensable, capaz de ocultar un mal peinado o de proyectar una imagen rebelde y desenfadada. La recta final del programa queda reservada para los célebres Pikaditos de Isaac Vizcaíno, quien decide apartarse momentáneamente de la música electrónica para confeccionar una sensacional playlist inspirada en su reciente viaje vacacional a Galicia. Isaac traslada a los oyentes al Náutico de San Vicente, en O Grove, pinchando a la banda japonesa de garage rock The Neatbeats, cuyos ritmos frenéticos invitan al baile inmediato. A lo largo de la sección desfilan grupos como MFC Chicken, Vinila von Bismark junto a Lucky Dados, y bandas de surf rock instrumental como Los Coronas o los enmascarados The Tiki Phantoms, demostrando que es posible disfrutar del rock más gamberro y bailable lejos de las pistas de baile electrónicas convencionales. El programa se despide con un enérgico tema de piano boogie-woogie a cargo del músico francés Henri Herbert, cerrando otra noche de radio gamberra y desinhibida.

Felipe Couselo y Juanma González estrenan temporada en esRadio con un homenaje a la trayectoria del polifacético e inolvidable actor británico. El presentador Felipe Couselo y su colaborador Juanma González arrancan la temporada de Prohibido Contar Ovejas en esRadio con un programa especial dedicado a recordar la trayectoria de Tim Curry, el carismático actor británico que falleció recientemente. Los locutores repasan su polifacética carrera, que abarca desde la música hasta la televisión, el teatro, los videojuegos y, por supuesto, el cine, donde dejó una huella imborrable con sus interpretaciones icónicas. Además, aprovechan para promocionar su podcast galardonado, Par en Par. Antes de entrar de lleno en su filmografía, el programa destaca la carrera musical de Curry, quien lanzó tres discos en solitario entre finales de los setenta y principios de los ochenta, entre ellos Read My Lips y Simplicity. Durante la emisión se escucha su canción 'Working on My Tan', producida por el célebre Michael Kamen. Juanma González recuerda que Curry poseía una sólida formación shakesperiana en el teatro británico, lo que le otorgaba una presencia escénica y una expresividad vocal inigualables, características que marcaron su debut en el cine con The Rocky Horror Picture Show. Los presentadores analizan el debut de Curry en la gran pantalla interpretando al inolvidable Frank-N-Furter en este clásico musical de culto de 1975, un papel que ya había encarnado con gran éxito en las tablas. La película, coescrita por Richard O'Brien, revolucionó la época por su estética gótica y transgresora, convirtiéndose en una obra de culto que sigue fascinando a generaciones. Los locutores coinciden en que es una cinta maravillosamente imperfecta que consagró a Curry como un icono multidisciplinar gracias a su arrolladora personalidad y su inconfundible voz. A lo largo de la década de los ochenta, la carrera cinematográfica de Curry despegó con títulos muy populares. Participó en la adaptación del musical Annie, bajo la dirección de John Huston, y en Clue (El juego de la sospecha), una divertida comedia de enredo inspirada en el famoso juego de mesa en la que interpretaba al mayordomo. También dio vida al imponente Señor de las Tinieblas en Legend, la fantasía barroca de Ridley Scott, donde su proceso de maquillaje extremo era tan complejo y doloroso que en una ocasión llegó a arrancárselo, dañándose la piel. Sin duda, uno de los momentos cumbre de la noche es el análisis de su interpretación de Pennywise en la miniserie televisiva de 1990 que adaptaba la novela de Stephen King, It. A pesar de las limitaciones presupuestarias y de censura de la televisión de la época, Curry logró crear un monstruo terrorífico sin necesidad de recurrir a la violencia explícita, basándose puramente en su gesticulación y su mirada. Escenas como la de la alcantarilla con el pequeño Georgie siguen siendo hitos del cine de terror que marcaron la infancia de muchos espectadores. El repaso continúa con su participación en grandes producciones de Hollywood de la década de los noventa. Curry interpretó al doctor Yevgeniy Petrov en La caza del Octubre Rojo, compartiendo cartel con Sean Connery y Alec Baldwin. También se le recuerda como el repelente conserje del Hotel Plaza en Solo en casa 2: Perdido en Nueva York y como el sibilino cardenal Richelieu en la versión de Los tres mosqueteros de Disney, que contaba con una exitosa banda sonora liderada por Bryan Adams, Sting y Rod Stewart. Tras sufrir un grave ictus en 2012 que limitó su movilidad y afectó a su rostro, Curry se centró en el trabajo de voz. Los locutores repasan su extenso legado como actor de doblaje en series animadas de éxito como Phineas y Ferb o Star Wars: The Clone Wars, donde interpretó a Darth Sidious. Asimismo, destacan su participación en videojuegos de culto como Command & Conquer: Red Alert 3, donde encarnó a un hilarante líder comunista, o Brütal Legend, consolidando una trayectoria artística inigualable que el programa homenajea con gran admiración.

Un recorrido sonoro por los hitos de la diva galesa y el icono de Tennessee, desvelando los secretos detrás de sus canciones más memorables. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo, se rinde un emotivo homenaje musical a dos de las más grandes leyendas de la música popular del siglo XX: Bonnie Tyler y Dolly Parton. A lo largo de la emisión, se repasan los hitos más importantes de sus carreras, sus canciones más emblemáticas y las curiosidades detrás de sus particulares estilos vocales y artísticos. La primera parte del espacio está dedicada a la cantante galesa Bonnie Tyler, nacida como Gaynor Hopkins en 1951. Couselo rememora sus comienzos con el sencillo Lost in France, lanzado en 1976 y perteneciente a su álbum debut The World Starts Tonight. Se destaca cómo su característica voz rasgada y potente, que la equiparó a artistas como Rod Stewart, no fue un impedimento sino su mayor sello de identidad, originado tras someterse a una operación de nódulos en la garganta. El repaso a la trayectoria de Tyler continúa con el gran éxito internacional It's a Heartache, incluido en su segundo álbum Natural Force, que la consagró en las listas de éxitos de Europa y Estados Unidos. El programa también se detiene en su histórica colaboración con el productor Jim Steinman, responsable de su obra cumbre, Total Eclipse of the Heart, una balada épica de tintes operísticos que originalmente se gestó como un tributo a Nosferatu. De esta misma etapa sobresale Faster Than the Speed of Night, tema que contó con la participación de miembros de la mítica E Street Band de Bruce Springsteen. La influencia de Bonnie Tyler en la cultura popular de los ochenta se consolidó gracias a piezas como Holding Out for a Hero, emblemática canción de la banda sonora de la película Footloose. Tras analizar su paso por los noventa y su posterior etapa dedicada a las versiones de clásicos en el disco Heart Strings de 2003, el programa despide a la galesa, fallecida recientemente, con la audición de Making Love Out of Nothing at All. La segunda mitad del programa se centra en la inigualable figura de la estadounidense Dolly Parton, nacida en 1946 en el seno de una familia extremadamente pobre de Tennessee. Se analiza su debut discográfico con Dumb Blonde en 1967, un tema que rompió con los estereotipos de la época, y su posterior incorporación al célebre programa de televisión de Porter Wagoner, que impulsó de manera definitiva su carrera musical en los Estados Unidos. Couselo destaca el carácter profundamente autobiográfico de la obra de Parton, ejemplificado en Coat of Many Colors, una canción inspirada en el abrigo de retales que su madre le cosió durante su infancia. No obstante, el tema que marcó su despegue definitivo en la industria fue Jolene, una composición basada en una historia real de celos inocentes con una empleada de banco que flirteaba con su marido, Carl Dean. Esta canción se convertiría en uno de los himnos imperecederos del country a nivel mundial. Asimismo, el programa repasa la exitosa incursión de Dolly Parton en el cine con la película 9 to 5 y su correspondiente tema musical homónimo, nacido de los ritmos que la propia artista improvisaba con sus uñas en el set de rodaje. El homenaje concluye con el análisis de su estrecha relación con Kenny Rogers, plasmada en el éxito Islands in the Stream, y la historia detrás de I Will Always Love You, tema que Parton se negó a ceder a Elvis Presley por cuestiones de derechos de autor y que más tarde generaría una fortuna gracias a la versión de Whitney Houston.

Antes de que Billy Corgan se acerque por España a interpretar el disco, Roberto nos enseña las diferentes ediciones y versiones de este icónico álbum

Nos adentramos y conocemos algunas de las canciones que se estructuran en segmentos bien diferenciados

Ya que estamos de vacaciones, seleccionamos algunos temas que hablan de hoteles, moteles y alojamientos en general

Felipe Couselo con la ayuda de Andrés López repasa algunas de las baladas que no hablan de amor romántico

Último día de la semana y último programa sobre historias escondidas en las canciones que tanto nos gustan.

Felipe Couselo sigue analizando las historias escondidas en las canciones pero esta vez nos centramos en los temas en castellano

Felipe Couselo sigue contandonos historias escondidas en canciones que hemos cantando miles de veces. De amor, de fracasos o lo que puedas imaginar

Hay canciones que no solo suenan además cuentan una historia completa. Felipe Couselo nos descubre algunas de ellas.

Un viaje sonoro por el cine de los noventa a través de bandas sonoras míticas como 'Jerry Maguire' o 'Solteros', analizado por Felipe Couselo. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, el presentador Felipe Couselo nos invita a realizar un viaje sonoro a través de la filmografía y las bandas sonoras del célebre director de cine Cameron Crowe. Couselo destaca la profunda relación que une al cineasta con el mundo de la música, una pasión que se remonta a su juventud como periodista musical y que ha dejado una huella imborrable en la historia del séptimo arte. El programa arranca con la mítica canción "Tiny Dancer", de Elton John, un tema de 1971 de cuyo uso en la película Casi Famosos el locutor se deshace en elogios por la perfecta comunión lograda entre las imágenes y la melodía. La andadura como director de Crowe comenzó a finales de los años ochenta con la comedia romántica Un Gran Amor (cuyo título original es Say Anything...). En esta cinta, el director ya empezó a plasmar sus característicos fetiches narrativos y musicales. Felipe Couselo pincha para ilustrar esta etapa el clásico "In Your Eyes", interpretado por Peter Gabriel con la inconfundible colaboración vocal de Youssou N'Dour. Este tema, perteneciente al exitoso álbum So, protagoniza una de las escenas más icónicas del cine de la época, en la que el personaje de John Cusack sostiene un radiocasete bajo la ventana de su amada, un romántico ritual muy propio de la juventud de aquella generación. Sin abandonar la banda sonora de la ópera prima de Crowe, el programa da paso a los potentes acordes de "Cult of Personality", el gran éxito de la banda de rock Living Colour. Felipe Couselo aprovecha este tema de 1988 para reflexionar brevemente sobre el mensaje de la letra, que analiza de forma crítica la devoción ciega y la idealización hacia ciertos líderes de opinión y de masas, un fenómeno social que, como apunta el locutor de esRadio, sigue de plena actualidad en nuestros días. La cuidada selección musical demuestra que Crowe no elegía las canciones al azar, sino buscando una resonancia moral y emocional en cada escena. El siguiente gran hito en la carrera de Cameron Crowe analizado en el programa es la película Singles (conocida en España como Solteros), estrenada en 1992. Ambientada en pleno corazón de la vibrante escena musical de Seattle, la película es un fiel retrato de la generación del movimiento grunge. Para abrir este bloque, Couselo selecciona el contundente tema "Would?", de la banda Alice in Chains, incluido en su aclamado disco Dirt. El locutor narra la trágica historia detrás de esta composición, escrita por Jerry Cantrell como un sentido homenaje a Andrew Wood, el malogrado cantante del grupo Mother Love Bone que falleció a causa de una sobredosis en 1990. La película Singles funciona como una cápsula del tiempo y una auténtica declaración de amor a Seattle, contando con cameos de figuras clave de la música alternativa de la época. Couselo recuerda que miembros de la mítica banda Pearl Jam, como Stone Gossard, Jeff Ament y el mismísimo Eddie Vedder, aparecen interpretando a los integrantes del ficticio grupo Citizen Dick junto al actor Matt Dillon. Durante este segmento del programa también suenan canciones imprescindibles de la banda sonora como "Nearly Lost You", de Screaming Trees con la desgarradora voz de Mark Lanegan, consolidando la reputación de Crowe como un melómano capaz de capturar el espíritu de toda una época. El éxito comercial definitivo de Cameron Crowe llegó en 1996 de la mano de Jerry Maguire, protagonizada por un estelar Tom Cruise. Felipe Couselo desvela una curiosa anécdota de producción sobre su banda sonora: originalmente se consideró la canción "Wise Up" de Aimee Mann para un momento clave, pero finalmente fue sustituida por el arrollador "Free Fallin'", el recordado éxito de Tom Petty que el protagonista canta de forma desatada al volante de su coche. El presentador de esRadio rememora la estrecha relación entre Crowe y Petty, que se fraguó años atrás cuando el director realizó un documental especial para la televisión sobre el genial músico de Florida. Otro de los grandes momentos de la banda sonora de Jerry Maguire corre a cargo de Bruce Springsteen con su melancólica y sugerente "Secret Garden". Felipe Couselo describe cómo esta canción, que originalmente iba a formar parte del álbum Human Touch del "Boss", acabó convirtiéndose en un éxito mundial gracias a su emotiva inclusión en la película de Crowe. La capacidad del director para tejer estas conexiones musicales con artistas de primer nivel como Springsteen, Bob Dylan o Paul McCartney evidencia el respeto mutuo que existía entre el cineasta y las leyendas de la música popular americana. El programa avanza hacia el año 2000 para abordar la que muchos consideran la obra cumbre y más personal de Cameron Crowe: Casi Famosos. Esta obra posee un fuerte carácter semi-autobiográfico, ya que plasma las propias vivencias del director cuando, con tan solo quince años, recorrió el país escribiendo crónicas de conciertos para la prestigiosa revista Rolling Stone. Para ilustrar la atmósfera nostálgica del filme, suena la hermosa "America" de Simon & Garfunkel, una pieza folclórica escrita por Paul Simon que retrata la búsqueda de identidad y libertad en las carreteras estadounidenses. Couselo destaca la proeza que supuso para Crowe convencer a los integrantes de Led Zeppelin para que cedieran los derechos de "Misty Mountain Hop" para la banda sonora de Casi Famosos, algo inaudito en la época debido a las estrictas reticencias del grupo inglés a licenciar sus canciones. El viaje musical del programa concluye con el cambio de siglo y el estreno de Vanilla Sky en 2001 —remake de la española Abre los ojos de Alejandro Amenábar—, cuyo tema homónimo fue compuesto expresamente por Paul McCartney, cerrando así un ciclo de colaboraciones sobresaliente.

De 'Trainspotting' a 'Yesterday', un recorrido radiofónico por los temas de Iggy Pop, Moby o Underworld que coronaron sus obras de culto. El programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, presentado por Felipe Couselo, dedica esta entrega a la figura del aclamado director de cine británico Danny Boyle. El programa se centra en analizar su excepcional trayectoria cinematográfica a través de sus bandas sonoras, una de las señas de identidad más potentes de su filmografía. Couselo destaca la habilidad del cineasta para seleccionar canciones que no solo acompañan a las imágenes, sino que definen de forma generacional a toda una época, convirtiendo la música en un personaje más de sus relatos. Durante la emisión, se desvelan detalles curiosos de la juventud de Boyle, quien en un principio estuvo encauzado hacia el sacerdocio. Criado en una familia de firmes convicciones católicas, el director llegó a ser monaguillo antes de que un cura le disuadiera de ingresar en el seminario. Este trasfondo espiritual marcaría de forma indirecta algunas de sus películas, aunque terminaría decantándose por las artes escénicas, primero en el teatro, luego en la televisión y, finalmente, dando el salto al cine inspirado por la visionaria obra Apocalypse Now de Francis Ford Coppola. El debut cinematográfico de Boyle se produjo en 1994 con Shallow Grave (conocida en España como Tumba Abierta), un largometraje de suspense que cosechó un rotundo éxito de crítica y taquilla. Con un presupuesto muy limitado, la cinta logró recaudar millones de dólares y sirvió de trampolín internacional para el actor Ewan McGregor. El presentador aprovecha para destacar la fuerza de su banda sonora, la cual incluía el célebre tema My Baby Just Cares for Me de Nina Simone, una pieza que abrió el camino a un estilo musical innovador que Boyle mantendría en sus futuros proyectos. No obstante, fue en 1996 cuando Danny Boyle alcanzó la consagración definitiva con el estreno de Trainspotting, la adaptación de la novela homónima de Irvine Welsh que se convirtió en la película generacional de los años noventa. El film, que retrata con crudeza y humor negro la vida de un grupo de jóvenes adictos a la heroína en Edimburgo, catapultó las carreras de su elenco, especialmente la de McGregor en el papel de Renton. La música de esta obra maestra de la cultura pop, liderada por himnos como Lust for Life de Iggy Pop o Perfect Day de Lou Reed, es recordada como uno de los hitos musicales más influyentes de la historia del cine moderno. Felipe Couselo continúa el recorrido con A Life Less Ordinary (Una Historia Diferente), estrenada en 1997. En esta comedia romántica con tintes fantásticos, el director volvió a contar con McGregor, esta vez acompañado por Cameron Diaz en una disparatada trama de secuestros y ángeles celestiales. Aunque no tuvo la misma repercusión que su predecesora, la banda sonora volvió a brillar con luz propia gracias a temas como Deadweight de Beck o canciones de la banda británica Ash, consolidando la estrecha relación de Boyle con el britpop del momento. El cambio de siglo trajo consigo uno de los proyectos más ambiciosos y polémicos de la carrera del director: The Beach (La Playa), estrenada en el año 2000. Protagonizada por Leonardo DiCaprio, la película estuvo rodeada de controversia debido a que el estudio impuso a DiCaprio en lugar de Ewan McGregor, lo que provocó un distanciamiento de años entre el actor escocés y Boyle. A pesar de las críticas divididas, la cinta triunfó en taquilla y regaló una banda sonora mítica donde sobresalieron piezas electrónicas como Porcelain de Moby y aportaciones de bandas como Blur o Underworld. Tras este bache creativo, Danny Boyle regresó a sus orígenes más viscerales en 2002 con 28 Days Later (28 Días Después), redefiniendo por completo el cine de terror y el subgénero de infectados del siglo XXI. Con la ayuda del guionista Alex Garland, Boyle presentó un Londres postapocalíptico desolador donde los infectados corrían a gran velocidad, rompiendo con el mito del zombie lento clásico. La magnífica atmósfera sonora fue obra del compositor John Murphy, cuya música minimalista y de tensión creciente se convirtió en objeto de culto para los aficionados al género. El programa avanza hacia el mayor hito comercial y académico de Boyle: Slumdog Millionaire (2008). Ambientada en la India, esta producción de bajo presupuesto logró un éxito colosal de crítica y público, acumulando numerosos premios de la Academia, incluyendo el de mejor director y mejor canción original por el energético tema Jai Ho, de A.R. Rahman. Couselo subraya que, pese a la dureza del entorno marginal que retrata en Bombay, la película supuso un canto a la esperanza y la superación personal, encumbrando a su protagonista, Dev Patel, y dejando para la posteridad una vibrante banda sonora que fusionaba sonidos tradicionales indios con hip-hop y electrónica actual, como el éxito Paper Planes de M.I.A. Finalmente, el espacio de esRadio dedica un bloque a las producciones más recientes de Boyle, destacando 127 Hours (127 Horas), un agónico ejercicio de supervivencia interpretado por James Franco que contó con el tema Ça plane pour moi de Plastic Bertrand, y la nostálgica Yesterday (2019). Esta última narra la historia de un músico frustrado que despierta en un mundo donde nadie recuerda a The Beatles, lo que le permite triunfar utilizando el repertorio de la mítica banda de Liverpool. Couselo se despide invitando a los oyentes a redescubrir la filmografía de este director irrepetible, cerrando la emisión con la versión renovada del clásico Born Slippy de Underworld para la secuela T2 Trainspotting.

Un recorrido sonoro de la mano de Felipe Couselo por el rock, punk y folk de míticas agrupaciones de tres músicos que hicieron historia. El carismático presentador Felipe Couselo conduce una nueva entrega nocturna de Es la Mañana de Federico o más bien su espacio musical Prohibido Contar Ovejas en esRadio, centrada esta vez en la segunda parte de su especial sobre los power trios. La andadura musical de esta noche comienza con el particular estilo alternativo y metalero de **Primus** y su clásico My Name Is Mud, un tema donde destaca la potente e inconfundible línea de bajo de Les Claypool. A continuación, llega el turno de la mítica banda británica **The Police** con su enérgico tema de influencia punk Next To You. Couselo aprovecha para ensalzar la maestría de **Sting, Andy Summers y Stewart Copeland** al fusionar reggae, pop y rock en una fórmula de trío que acabó haciendo historia en la música contemporánea. El programa continúa con el legendario supergrupo de hard rock **Beck, Bogert & Appice**, formado por Jeff Beck, Tim Bogert y Carmine Appice. El trío deleita a los oyentes con su versión del clásico Superstition de Stevie Wonder, sirviendo como sentido homenaje al enorme legado del guitarrista **Jeff Beck**, fallecido en el año 2023. El punk-rock californiano de **Green Day** hace acto de presencia con su superéxito de los años noventa When I Come Around. El locutor recuerda que, antes de la incorporación definitiva del batería Tré Cool, la formación original de este trío contaba con **John Kiffmeyer** a las baquetas durante la grabación de su primer trabajo de estudio. La música de **Genesis** suena con la comercial y rítmica I Can't Dance. El locutor repasa la evolución de la banda hacia un formato de trío compuesto por **Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford**, una etapa que, pese a las críticas de los puristas de su época progresiva, conquistó las listas de éxitos de todo el mundo. Dando un giro hacia los sonidos acústicos, Couselo presenta la canción folk Lemon Tree interpretada por los neoyorquinos **Peter, Paul and Mary**. Este grupo fue una pieza fundamental en la **escena folk de los años sesenta**, muy vinculada a los movimientos sociales y a la difusión de las composiciones de Bob Dylan. El grunge revolucionario de **Nirvana** revienta las ondas con el tema Drain You, perteneciente al mítico álbum Nevermind. La icónica formación integrada por **Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl** marcó un antes y un después en la industria musical de los años noventa con su sonido crudo y distorsionado. El programa da paso a continuación al funk rock de James Gang con su movido tema Funk #49, trío en el que militó el magistral guitarrista **Joe Walsh**. Acto seguido, suena la banda de punk alternativo **Hüsker Dü** con su melódica y potente Celebrated Summer, otro de los grandes referentes de la escena independiente norteamericana. La tralla metalera de **Motörhead** descarga toda su adrenalina con We Are The Road Crew, un himno que Lemmy Kilmister dedicó a su equipo de carretera. Posteriormente, el sonido pesado y oscuro de los **Melvins** toma el testigo con su canción Lizzy, un claro ejemplo del sludge metal que tanto influyó en el grunge de Seattle. El tramo final del trayecto corre a cargo del pop-punk de **Blink-182** con su coreable hit All the Small Things, seguido por los maestros canadienses del rock progresivo **Rush** con su emblemático tema Working Man. Felipe Couselo se despide de los oyentes de **esRadio** pinchando a **Stevie Ray Vaughan** y su espectacular blues Texas Flood.

Felipe Couselo rinde homenaje en esRadio a la pureza del rock de tres integrantes con mitos como Cream, The Jimi Hendrix Experience o Muse. En esta nueva madrugada de Prohibido Contar Ovejas, el programa musical de esRadio conducido por Felipe Couselo, se inicia un recorrido muy especial dedicado a la formación y expresión del power trio. Este término define a aquellas agrupaciones del rock and roll compuestas únicamente por tres integrantes: habitualmente guitarra, bajo y batería. Felipe Couselo abre el espacio inspirándose en el reciente concierto de las hermanas mexicanas Daniela, Paulina y Alejandra Villarreal, integrantes de la banda The Warning, cuyo potente sonido demuestra que tres músicos son más que suficientes para llenar cualquier escenario. La primera gran parada obligatoria en la historia de este formato es, sin duda, Cream. Esta histórica superbanda británica, formada a finales de los años sesenta, estaba integrada por Eric Clapton en la guitarra, el temperamental Ginger Baker en la batería y Jack Bruce al bajo y la voz principal. Couselo pincha el clásico "Sunshine of Your Love", perteneciente a su emblemático segundo álbum de estudio, Disraeli Gears, grabado en 1967. A pesar de su corta trayectoria de apenas tres años y sus constantes disputas internas, Cream redefinió los límites de la improvisación y la potencia instrumental en el rock. A continuación, el programa viaja a finales de la década de los setenta y principios de los ochenta para recordar a The Jam, uno de los tríos más influyentes de la escena británica. Liderados por el carismático Paul Weller, junto a Bruce Foxton y Rick Buckler, la banda combinaba la agresividad del punk con la elegancia del movimiento mod. Su gran éxito "Town Called Malice", de su último disco The Gift, alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido gracias a su inconfundible ritmo y a un fuerte mensaje de realismo social. El repaso continúa al otro lado del Atlántico con los incombustibles tejanos ZZ Top. Billy Gibbons, Frank Beard y el recordado bajista Dusty Hill mantuvieron la misma alineación durante más de medio siglo, convirtiéndose en una de las bandas más estables del rock mundial. El tema seleccionado es su archiconocido "Gimme All Your Loving", extraído de su exitoso álbum multiplatino Eliminator, editado en 1983, que marcó una época gracias a sus característicos sintetizadores y a sus icónicos videoclips televisivos. Felipe Couselo también destaca la aparición de supergrupos modernos como Them Crooked Vultures. Formado en 2009, este espectacular power trio reunió a Josh Homme de Queens of the Stone Age, Dave Grohl de Foo Fighters y al legendario bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones. Con su tema "Elephants", el programa muestra la tremenda calidad de un proyecto que, combinando virtuosismo y rock progresivo, sorprendió a la crítica internacional. No podía faltar en esta selección el grupo que muchos consideran el power trio definitivo: The Jimi Hendrix Experience. Bajo la dirección del genial guitarrista Jimi Hendrix, acompañado por Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell en la batería, revolucionaron la música contemporánea a finales de los sesenta. Su clásico "Fire", grabado en 1967 para el disco de debut Are You Experienced, demuestra la increíble fusión de psicodelia y potencia sonora que este trío era capaz de desplegar. El viaje musical nos acerca al siglo XXI con Muse, la formación de Devon integrada por Matt Bellamy, Chris Wolstenholme y Dominic Howard. Con la audición de "Plug In Baby", perteneciente a su aclamado álbum Origin of Symmetry, queda patente cómo tres músicos son capaces de levantar una auténtica muralla de sonido sinfónico y espacial, convirtiéndose en uno de los grupos de estadio más importantes de las últimas décadas. En una línea diferente pero igualmente enérgica, el programa recuerda a los neoyorquinos Beastie Boys. Aunque inicialmente conocidos por sus voces de hip-hop, Mike D, Ad-Rock y MCA demostraron su versatilidad instrumental al tomar la batería, la guitarra y el bajo en himnos como "No Sleep till Brooklyn", consolidando su leyenda en la escena alternativa de Nueva York. Couselo rescata también a Blue Cheer, banda pionera de San Francisco a la que muchos señalan como uno de los antecedentes más claros del heavy metal. Su atronadora versión de "Summertime Blues", grabada en 1968, marcó un hito por su crudeza y su volumen extremo. De igual modo, suenan los ritmos del rockabilly clásico de Stray Cats con su emblemático "Rock This Town", capitaneados por el virtuoso Brian Setzer. Para cerrar esta primera entrega de power trios, el programa ofrece dos joyas indispensables: el soul rock de los norteamericanos Grand Funk Railroad con "Some Kind of Wonderful" y la maestría del rock progresivo de Emerson, Lake & Palmer interpretando "From the Beginning". El broche final lo pone la banda canadiense Triumph con "Fight the Good Fight", anticipando una futura segunda parte para seguir analizando estas legendarias agrupaciones de tres miembros.

Un recorrido cinematográfico por las míticas bandas del celuloide, analizando el impacto de Coppola, Kubrick o Spielberg en el género. En esta nueva entrega del programa de esRadio Prohibido Contar Ovejas, Felipe Couselo, Juanma González y Dani Palacios dedican el espacio a analizar las mejores películas sobre pandillas juveniles. Los presentadores aclaran desde el inicio que, aunque el cine a menudo dota de cierto atractivo y mística a estas agrupaciones, no pretenden hacer ninguna apología de unas organizaciones que suponen una verdadera lacra social en la vida real. El recorrido cinematográfico comienza con un clásico inmortal: West Side Story, la célebre adaptación de Romeo y Julieta estrenada en 1961 bajo la dirección de Robert Wise y Jerome Robbins. La trama traslada el conflicto de Shakespeare al Nueva York de mediados del siglo XX, enfrentando a los Jets —jóvenes de origen anglosajón— contra los Sharks —emigrantes puertorriqueños—. Con canciones inolvidables como America o Cool, la película destaca por estilizar la violencia callejera a través de complejas coreografías y un uso magistral del color, algo que el posterior remake de Steven Spielberg logró potenciar con una soberbia puesta en escena. A continuación, los colaboradores se detienen en Rebeldes, el film de 1983 dirigido por Francis Ford Coppola que adaptó la famosa novela de Susan E. Hinton. Ambientada en la localidad de Tulsa, la historia narra el enfrentamiento a muerte entre los Greasers —los chicos humildes del barrio— y los Socs —los jóvenes de clase alta—. La película destaca por reunir a una impresionante generación de jóvenes actores que acabarían convirtiéndose en grandes estrellas de Hollywood, tales como Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Ralph Macchio, Emilio Estévez y un jovencísimo Tom Cruise. El broche de oro de la cinta lo pone el emotivo tema Stay Gold de Stevie Wonder. Coppola repitió ese mismo año con otra adaptación de la misma autora: La Ley de la Calle. A diferencia del tono crepuscular de la anterior, esta obra se rodó en un expresivo blanco y negro de corte casi experimental, muy influido por la estética del cine de autor y con una banda sonora vanguardista a cargo de Stewart Copeland, batería de la banda musical The Police. Protagonizada de nuevo por Matt Dillon en el papel de Rusty James, la trama sigue la alargada sombra de su hermano mayor, conocido simplemente como el Chico de la Moto e interpretado por un carismático Mickey Rourke. Otro de los grandes títulos analizados en el programa es The Warriors, película de culto de 1979 dirigida por Walter Hill. La trama arranca con una multitudinaria asamblea en la que Cyrus, el líder de la banda más poderosa de Nueva York, propone unificar a todas las pandillas para tomar el control de la ciudad; sin embargo, Cyrus es asesinado y se acusa falsamente a los Warriors del crimen. Los protagonistas deberán emprender una peligrosa odisea nocturna desde el Bronx hasta su territorio en Coney Island, perseguidos por todas las bandas de la ciudad en una estructura narrativa que bebe directamente del género del western. La conversación deriva luego hacia una vertiente más fantástica con Jóvenes Ocultos, la mítica cinta de 1987 dirigida por Joel Schumacher. En esta ocasión, la pandilla juvenil de la ficticia localidad costera de Santa Carla está compuesta por un grupo de vampiros rebeldes liderados por Kiefer Sutherland. Con una marcada estética rockera y gótica muy propia de finales de los ochenta, la película combina terror y comedia adolescente, destacando también por su mítica banda sonora, donde sobresale la canción Cry Little Sister de Gerard McMann y la icónica escena del saxofonista Tim Cappello. Los presentadores también dedican tiempo a analizar la vertiente más perturbadora del género con La Naranja Mecánica, la obra maestra que Stanley Kubrick dirigió en 1971 basándose en la novela homónima de Anthony Burgess. La película sigue a Alex y sus droogos en sus brutales incursiones de ultraviolencia por una distopía futurista, todo ello al ritmo de la música de Beethoven. El largometraje aborda de manera muy incómoda los límites de la reinserción social y la propia naturaleza del mal a través del polémico método Ludovico, un tratamiento de choque psicológico destinado a anular la capacidad de Alex para cometer actos violentos. Para finalizar, el programa ya veterano viaja a las favelas de Río de Janeiro con Ciudad de Dios, la aclamada película dirigida en 2002 por Fernando Meirelles. A través de los ojos de Buscapé, un joven que sueña con ser fotógrafo, el espectador asiste a la brutal escalada de violencia y narcotráfico controlada por el temible Zé Pequeno. La cinta destaca por su ritmo frenético, su montaje heredero del videoclip y una crudeza inusitada que retrata de manera hiperrealista la dramática realidad de los niños soldados atrapados en el fuego cruzado de las bandas criminales brasileñas.

Desde Kylie Minogue hasta The Beatles, un recorrido sonoro por himnos que todo el mundo corea sin necesidad de conocer su letra real. Felipe Couselo introduce un programa musical muy especial dedicado a todas aquellas personas que disfrutan de la música pero no se saben los estribillos de las canciones, o que solo balbucean una parte sin conocer la letra real. A lo largo del programa, se presentan varios temas icónicos que comparten esta característica: partes que todo el mundo tararea (con un "la-la-la", "na-na-na" o silbidos) pero cuyas letras completas son un misterio para la mayoría. El primer tema presentado es Chelsea Dagger de The Fratellis, una banda escocesa. Couselo explica que el nombre de la canción hace referencia al nombre artístico de la esposa del líder del grupo, quien participaba en espectáculos de burlesque. Esta canción se ha convertido en un clásico en eventos deportivos y estadios de fútbol, donde miles de aficionados borrachos corean su pegajoso estribillo sin necesidad de saberse ninguna palabra. A continuación, suena Can't Get You Out of My Head de Kylie Minogue. El locutor señala que este gran éxito de la artista australiana basa gran parte de su efectividad en un estribillo sumamente bailable y un "la-la-la" que engancha al oyente de inmediato, permitiendo a cualquiera unirse a la canción sin importar el idioma o el conocimiento de la letra. El tercer ejemplo es la canción Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song) de Otis Redding, lanzada en 1966. Couselo detalla que las onomatopeyas del título surgieron casi como una broma de Redding, quien solía usarlas para guiar a la sección de metales de su banda durante el proceso de composición. Al final, esas simpáticas onomatopeyas se quedaron en la versión definitiva, convirtiéndose en el sello distintivo del tema. Posteriormente, el programa destaca The Passenger de Iggy Pop, una melodía inspirada en los viajes en el metro de Berlín durante los años setenta, que cuenta con los coros de David Bowie. Couselo bromea sobre cómo la gente suele equivocarse y adelantarse al momento de corear el famoso "la-la-la" de esta canción en los conciertos o discotecas. También suena Sweat (A La La La La Long) de la banda de reggae jamaicana Inner Circle, un éxito veraniego de 1992 muy popular en terrazas y cruceros, cuyo estribillo es mundialmente conocido y coreado a pesar de la temática implícita de la canción. Para finalizar, se presentan temas como Na Na Na Na Na de Kaiser Chiefs, Bro Hymn de Pennywise —un emotivo tributo de la banda de punk a sus amigos fallecidos—, Mmm Mmm Mmm Mmm de los canadienses Crash Test Dummies, Wild World de Cat Stevens (Yusuf Islam), Brown Eyed Girl de Van Morrison, Tup Tup de los españoles Australian Blonde y, como broche de oro, el inmortal Hey Jude de The Beatles, cuyo final es catalogado como uno de los momentos de coro más épicos y reconocibles de la historia de la música.

Un recorrido sonoro por temas legendarios que convirtieron un recurso improvisado de estudio en un elemento imprescindible de la cultura popular. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa se sumerge en una temática tan curiosa como evocadora: el uso de los silbidos en las canciones como una herramienta artística que, aunque a veces surge de forma accidental o como recurso de última hora, termina convirtiéndose en la auténtica seña de identidad del tema. El presentador Felipe Couselo introduce el programa desde esRadio, destacando la magia de estos pequeños detalles sonoros y estructurando el recorrido a través de grandes clásicos de la historia de la música donde el silbido juega un papel protagonista. El viaje comienza recordando la icónica melodía de El Puente sobre el Río Kwai, aclarando que, según la historia real de la producción de David Lean, los extras contratados para marchar no lograban llevar el paso, lo que llevó a incorporar este ritmo de marcha silbado para coordinar el paso de los soldados. A partir de ahí, se da paso al primer gran tema de la noche: "Síl bame", interpretada por Mocedades como tema principal de la mítica serie de dibujos animados de los ochenta, Willy Fog. A continuación, el programa rinde homenaje a uno de los reyes del soul, Otis Redding, y su inolvidable "Sitting on the Dock of the Bay", grabada poco antes de su trágico fallecimiento en accidente de avión. El silbido final, que originalmente iba a ser sustituido por otra estrofa o arreglo instrumental, acabó convirtiéndose en un momento histórico que define perfectamente la atmósfera reflexiva de la canción. La influencia del soul nos traslada a otra figura clave que experimentó con el silbido en sus composiciones: John Lennon. Se analiza su etapa solista con el tema "Jealous Guy", incluido en el álbum Imagine, y se profundiza en la compleja psicología del artista, sus traumas de infancia y su evolución personal desde un carácter agresivo hacia un icono pacifista. Dando un salto hacia la modernidad, se presenta el caso de The Black Keys con su éxito "Tighten Up", producido por Danger Mouse. El silbido inicial de este tema, que le aporta un aire fresco y juguetón, surgió casi de casualidad en el estudio cuando decidieron que silbar la melodía de los teclados era mejor opción que cualquier otro arreglo. El programa continúa con el optimismo contagioso de The Lovin' Spoonful y su clásico de 1966 "Daydream", una canción que evoca la desconexión total y que cuenta con un silbido que sustituye de manera magistral a una de las estrofas. También se viaja hasta el carnaval de Nueva Orleans de la mano del Professor Longhair y su tema "Go to the Mardi Gras", inmortalizado también en la banda sonora de la serie Treme. No podía faltar en esta lista el gran Paul Simon con su tema de 1972 "Me and Julio Down by the Schoolyard", donde el silbido aporta ese toque rítmico y travieso que caracteriza a la composición. En el tramo final del programa, suenan éxitos masivos como "Young Folks" de los suecos Peter Bjorn and John, cuyo silbido obsesionó a media Europa a partir de 2006, y el subidón de energía de Roxette con "Joyride", un tema fuertemente influenciado por la estructura compositiva de los Beatles. Finalmente, se cierra el recorrido con dos himnos monumentales: "Wind of Change" de Scorpions, donde el silbido inicial evoca la melancolía y la esperanza de la caída del muro de Berlín, y la insuperable "Always Look on the Bright Side of Life" de los Monty Python, que sirve como el broche de oro perfecto para invitar a los oyentes de esRadio a mirar siempre el lado positivo de la vida.

Desde Bo Diddley hasta el metal de Rage Against the Machine, el programa repasa himnos que recurren al deletreo en sus letras. En esta nueva entrega del programa, Felipe Couselo introduce una temática tan curiosa como entretenida para las noches de verano: canciones que incorporan deletreos en sus letras. A través de este hilo conductor, se realiza un viaje musical por distintas décadas y géneros que van desde el blues original hasta el metal alternativo, destacando cómo el deletreo sirve para recalcar un concepto o nombre con fuerza y persistencia. El recorrido comienza con un gran clásico del rock and roll y el blues: "I'm a Man" de Bo Diddley. Publicada en el año 1955, esta emblemática canción destaca por la firmeza con la que el artista deletrea la palabra "M-A-N" (hombre) para reafirmar su madurez y fuerza, basándose en la estructura del conocido tema "Manish Boy" de Muddy Waters. Aunque en su época el tema no escaló a los primeros puestos de las listas debido a las barreras musicales y raciales de los años cincuenta, se convirtió en una influencia indiscutible para bandas posteriores como The Yardbirds o The Who. El siguiente gran momento de la noche llega con el gran éxito "Respect", interpretado por la reina del soul, Aretha Franklin. En este tema de 1967, que funciona como una enérgica contestación a la versión original de Otis Redding de 1965, el deletreo de la palabra "R-E-S-P-E-C-T" se convirtió en un auténtico himno feminista y de liberación. Con unos arreglos de piano y una sección de ritmo renovada, Franklin transformó la canción en un clásico imperecedero de la historia de la música. A continuación, el programa viaja a la década de los sesenta con la dulce voz de Carla Thomas y su tema "B-A-B-Y", escrito por la célebre pareja de compositores David Porter e Isaac Hayes para el sello Stax Records. Esta canción, que muchos recordarán por formar parte de la banda sonora de la película Baby Driver, utiliza el deletreo de manera cariñosa para resaltar el afecto hacia el ser amado. Tras este momento de soul, llega el turno del clásico de 1970 "Lola", de la banda británica The Kinks. La conocida historia sobre la confusión de identidad en un club de copas deletrea con ritmo "L-O-L-A" y superó en su momento problemas con la censura británica, que objetó no por la temática del travestismo, sino por mencionar la marca comercial "Coca-Cola". El dinamismo continúa con "Gloria", un tema de la banda de Belfast The Them, liderada por el icónico Van Morrison. Aquí el deletreo de "G-L-O-R-I-A" se grita con pasión salvaje a ritmo de garaje rock, un tema que posteriormente versionaría con gran éxito Patti Smith. Seguidamente, se da paso al famosísimo "Y.M.C.A." de los norteamericanos Village People, un acrónimo que funciona a modo de deletreo gestual y que se convirtió en un pilar de la música disco y un símbolo de la liberación gay de finales de los setenta. La última parte del programa se adentra en terrenos del rock y el metal. Se pincha "Top Man" de la banda de britpop Blur, perteneciente a su aclamado álbum de 1995 The Great Escape, donde se utiliza el deletreo dentro de una ácida crítica al consumismo de la época. Después, suena la contundencia de los de Sheffield, Arctic Monkeys, con su tema de 2009 "Dangerous Animals". La velada se cierra con la potente versión que la banda Gun realizó del clásico "Word Up" original de Cameo, la energía hard rockera de Extreme con su tema "Play with Me", la irreverencia metalera de Faith No More en "Be Aggressive", el misticismo alternativo de las mexicanas The Warning con su tema "Psychotic", la rabia política de Rage Against the Machine con "Know Your Enemy", y finalmente, la melancolía de Ian Brown y su tema "F.E.A.R.".

Un recorrido por la historia musical que rescata desde el soul de 1962 de Booker T. hasta la maestría de Stevie Wonder y Stevie Ray Vaughan. Felipe Couselo, director del programa de esRadio Prohibido Contar Ovejas, nos introduce en esta ocasión en una edición especial titulada "Sin palabras". Como bien adelanta el título, el programa se centra exclusivamente en música instrumental, repasando temas icónicos de diversos estilos y décadas que, sin necesidad de lírica, lograron marcar un hito en la historia de la música. Couselo comienza aclarando que, para este recorrido, ha decidido dejar fuera de la selección el rock progresivo y la música electrónica, géneros que de por sí suelen apoyarse bastante en piezas sin voz. En su lugar, opta por rescatar temas de otros estilos como el soul, el rock de corte clásico o el funk. Para abrir boca, nos presenta la mítica pieza "Green Onions", grabada en 1962 por la banda Booker T. & the M.G.'s, una de las agrupaciones de acompañamiento más relevantes de la mítica discográfica Stax. Tras esta gran introducción, el programa da un salto temporal hasta la década de los ochenta para escuchar a la virtuosa banda canadiense de rock progresivo, Rush, con su emblemático corte instrumental "YYZ", incluido en su aclamado álbum Moving Pictures de 1981. Couselo nos desvela la curiosidad detrás de este título: son las siglas que identifican al aeropuerto internacional de Toronto, y el ritmo de la batería de Neil Peart emula precisamente dicho código en morse. La siguiente parada en el camino nos lleva a una de las bandas más gigantescas de la historia del rock, Led Zeppelin, con su arrollador tema "Moby Dick", incluido en su segundo larga duración de 1969. La pieza es mundialmente conocida por dar rienda suelta al talento de su baterista, John Bonham, quien solía extender esta composición en directo con solos de batería de más de veinte minutos. Couselo relata que el nombre de la canción surgió de una anécdota familiar, ya que el hijo de Bonham solía pedirle que tocara "la canción larga", refiriéndose a ella como "grande como Moby", la famosa ballena. La música continúa fluyendo y nos topamos con el místico sonido de Carlos Santana y su composición "Samba Pa Ti", una de las piezas más célebres de su aclamado álbum Abraxas de 1970. Esta canción es un claro ejemplo de cómo la guitarra puede llorar y cantar con una sensibilidad única, convirtiéndose en uno de los cortes más versionados de la banda. A continuación, el programa rinde homenaje a la faceta como compositor de bandas sonoras del guitarrista de Dire Straits, Mark Knopfler, rescatando el tema "Going Home", perteneciente a la película Local Hero (Un tipo genial) de 1983. Una pieza cargada de emotividad que sirvió como carta de presentación en solitario para el músico escocés. No podía faltar en este especial un hueco para el nacimiento del rock and roll instrumental de finales de los cincuenta. Couselo rescata la figura del pionero de la guitarra Duane Eddy y su tema "Rebel Rouser" de 1958. Se destaca el particular sonido de su guitarra, influenciado por la música country, que Eddy conseguía haciendo que grabaran parte del disco dentro de un antiguo tanque de agua para lograr un eco muy característico. El repaso continúa con otra banda clásica, The Allman Brothers Band, y su bellísima pieza instrumental "In Memory of Elizabeth Reed", compuesta por Dickey Betts e incluida en su disco debut de 1970. Couselo revela que el título proviene del nombre inscrito en una lápida que Betts vio en el cementerio de Rose Hill, en Macon (Georgia), lugar donde la banda solía pasar el rato. De una pieza larga y compleja pasamos a una corta pero fascinante de la banda psicodélica Jefferson Airplane: "Embryonic Journey", compuesta por Jorma Kaukonen para el mítico álbum Surrealistic Pillow de 1967. Y para enfilar la recta final, el programa se rinde ante el genio indiscutible de Stevie Wonder y su pieza "Contusion", un funk-fusión instrumental de su obra maestra de 1976, Songs in the Key of Life. El broche de oro instrumental de la noche lo pone el blues-rock de Stevie Ray Vaughan con "Testify", un enérgico corte de su álbum debut con Double Trouble, Texas Flood (1983), que en realidad es una versión de un tema original de los Isley Brothers. El programa se despide con un clásico de las grandes orquestas de jazz y el swing de la mano de Benny Goodman y su inolvidable e hipnótico "Sing, Sing, Sing".

Hablamos con Mariano Fisac sobre los mejores abogados de cine. Desde Atticus Finch hasta otros más comicos como el de "Mi primo Vinny"

Reoasamos los secretos del exitoso álbum de 1996 de Jakob Dylan, que contó con colaboraciones de Mike Campbell y Gary Louris. El programa Prohibido Contar Ovejas, dirigido por Felipe Couselo, ha dedicado este programa a la banda The Wallflowers, liderada por Jacob Dylan, hijo de Bob Dylan, de la cual se cumple el 30 aniversario del lanzamiento de su disco de mayor éxito, Bringing Down the Horse, publicado en mayo de 1996. A lo largo de la emisión, su colaborador de música Roberto Martínez, desvela algunas curiosidades sobre este trabajo de la banda que, en palabras del propio conductor de este espacio de esRadio, es una de sus obras favoritas de esa época. El disco, producido por T-Bone Burnett, músico de folk que ya había trabajado con Bob Dylan en su mítica gira The Rolling Thunder Review, incluye once canciones en las que se mezclan diversos estilos y en el que colaboraron artistas como Mike Campbell (guitarrista de Tom Petty y que aparece en el tema "6th Avenue Heartache"), Gary Louris (vocalista de The Jayhawks) o el baterista Matt Chamberlain, quien ha tocado para bandas de la talla de Pearl Jam o Tori Amos. Como indica Roberto Martínez, la obra supone un salto cualitativo respecto al primer LP de la banda, que había pasado sin pena ni gloria, ya que obtuvo dos premios Grammy y un éxito rotundo en la época gracias a temas como su primer single "One Headlight", el posterior "The Difference" o el ya mencionado, "6th Avenue Heartache". Para cerrar la velada, Prohibido Contar Ovejas pincha otra joya que firmaron The Wallflowers, en este caso, una magnífica versión de "Heroes", original de David Bowie, que formó parte de la banda sonora de la película Godzilla (1998) y que contó con la aportación del productor musical de muchos de los mejores videoclips de la década de los 90, David Fincher.

Un recorrido por las claves narrativas y científicas que explican los desenlaces más complejos del séptimo arte contemporáneo. En este fragmento de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo, se debate y analiza la naturaleza de los finales cinematográficos confusos, ambiguos o abiertos. El programa cuenta con la participación de Alma Espinosa y Juanma González, quienes intercambian impresiones sobre diversas películas icónicas y de culto, centrándose especialmente en la filmografía del director Christopher Nolan. El punto de partida del debate es la película Origen, estrenada en el año 2010. Los tertulianos explican los entresijos del final, donde la peonza de Leonardo DiCaprio (que hace las veces de tótem para distinguir el sueño de la realidad) gira de forma continuada antes de un fundido a negro que deja al espectador con la duda. Juanma sostiene la teoría de que al final sí deja de girar, basándose en detalles visuales y emocionales del personaje, mientras que Alma confiesa su frustración ante los finales abiertos, defendiendo que el cine debe proporcionar conclusiones cerradas para no obligar al espectador a hacer un trabajo interpretativo extra. Posteriormente, el equipo analiza Interstellar, otra gran obra de Nolan del año 2014, aclamada por su base científica gracias al asesoramiento de físicos como Kip Thorne o las menciones de figuras como Neil deGrasse Tyson. El programa desentraña la compleja resolución de la película, donde el concepto de amor filial actúa como la variable que resuelve la ecuación de la gravedad a través de un teseracto de cinco dimensiones. Se menciona también Tenet como uno de los títulos más difíciles de asimilar, señalando que, a diferencia de Origen, carece de los personajes carismáticos necesarios para sostener su enrevesado planteamiento de pinza temporal. Finalmente, se aborda la mítica saga de Matrix, de las hermanas Wachowski. El debate se enfoca en el desenlace de la trilogía original y en las implicaciones que trajo la cuarta entrega, Matrix Resurrections, estrenada en 2021. Los colaboradores coinciden en que la última película funciona como un ejercicio de metacine y sátira comercial, más que como una continuación tradicional de la historia de Neo y Trinity.

Un viaje musical en esRadio de la mano de Felipe Couselo para recordar los éxitos de U2, Robert Miles o la mítica 'Macarena' en EE. UU. En esta edición de esRadio, en el programa Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo nos transporta a una década de grandes transformaciones musicales con un especial dedicado a las canciones que lideraban la mítica lista estadounidense del Billboard a finales de julio de 1996. El programa arranca con la versión del tema clásico de Misión Imposible adaptada por los miembros de la banda U2, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton, que en esa semana específica ocupaba el puesto número 33 de la lista. A continuación, Couselo nos presenta Until It Sleeps, la carta de presentación del álbum Load de la banda Metallica, un disco que marcó una notable transición estética y musical para el grupo, situándose en el puesto número 40. Dando paso a sonidos más sinfónicos y grandiosos, se pincha el clásico Tonight, Tonight de la banda The Smashing Pumpkins, una canción que ocupaba el puesto 38 y cuyo vídeo musical es recordado por su homenaje al cineasta Georges Méliès. En el terreno del pop lírico de autor, el programa destaca al carismático George Michael con su éxito Fast Love en el puesto número 35, un tema que marcaba la madurez del artista británico tras su salida del dúo Wham!. Le sigue la canción Someday del grupo vocal estadounidense All-4-One, que se situaba en el puesto número 31 de la lista con su sonido R&B suave de mediados de la década. Para ilustrar el pop rock estadounidense de la época, se selecciona el tema Til I Hear It From You de la banda de Arizona Gin Blossoms, que en esa semana ocupaba el puesto número 30. El ritmo de baile europeo más discotequero llega de la mano de La Bouche con su éxito internacional Sweet Dreams, que alcanzaba el puesto número 24. Más adelante, en el puesto número 21, descubrimos el clásico electrónico e instrumental Children del fallecido DJ y productor suizo Robert Miles, una canción que se convirtió en todo un himno del género dream trance. El hip-hop de los noventa hace su aparición con el dúo de Atlanta Outkast y su tema Elevators (Me & You), que ocupaba el puesto número 16 de la lista, anticipando el tremendo éxito que tendría la formación en los años siguientes. En la cumbre del éxito comercial de las grandes divas, suena el arrollador y emotivo Because You Loved Me de la cantante canadiense Celine Dion en el puesto número 11. La lista avanza hacia las primeras posiciones con el veterano Eric Clapton y su tema Change The World, producido por Babyface, que ocupaba un destacado número 7. En el puesto número 6 de la semana, la canadiense Alanis Morissette brilla con su exitoso sencillo You Learn, extraído de su multiventas álbum Jagged Little Pill. Como no podía ser de otra manera, Couselo recuerda el impacto global de la canción más reproducida de aquel año, la incombustible Macarena de los españoles Los del Río, en una de sus populares versiones mezcladas para el mercado estadounidense, que ocupaba el puesto número 4. La música con raíces más tradicionales llega de la mano de la cantautora Tracy Chapman con su aclamado tema de blues rock Give Me One Reason, situado en el puesto número 3. En el puesto número 2, el legendario rapero Tupac Shakur, junto a Dr. Dre, nos hace movernos con su himno de la costa oeste California Love. Finalmente, para cerrar el programa en la primera posición de aquella semana de julio de 1996, disfrutamos de la gran intérprete de R&B Toni Braxton con su balada y éxito número uno You're Making Me High.

Un viaje sonoro por la lista de éxitos norteamericana de hace cuarenta años, donde compiten estrellas como David Lee Roth y Peter Gabriel. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo, nos sumergimos de lleno en una nostálgica y veraniega noche de radio. El programa se dedica a repasar aquellas canciones que lideraban la mítica lista del Billboard hace exactamente cuarenta años, situándonos en el año 1986. Couselo nos propone un viaje sonoro donde conviven las grandes bandas con las carreras en solitario de sus integrantes, alternando entre el pop mayúsculo y el rock característico de los ochenta. La andadura musical comienza en el puesto número 40 de la lista con David Lee Roth y su tema "Yankee Rose". El locutor recuerda que el artista acababa de separarse de la mítica banda Van Halen para emprender su carrera en solitario, un movimiento habitual en la época. Por su parte, la formación de Van Halen continuó su trayectoria con un nuevo vocalista, Sammy Hagar, logrando posicionar en el puesto 38 de esa misma semana el éxito "Dreams", extraído del disco 5150. Couselo reflexiona sobre el eterno debate entre los fans de ambas etapas de la banda, mostrando su simpatía personal por la era de Hagar. El repaso continúa descendiendo en las listas y nos presenta en el puesto 35 a Robert Palmer con "Hyperactive", un tema que consolidó su estatus como un artista capaz de fusionar el pop con un estilo más sofisticado. No se queda atrás el mítico Lionel Richie, quien en el puesto 33 hacía bailar al mundo con su clásico "Dancing on the Ceiling". Pero el verdadero plato fuerte de la noche llega con el puesto 32, ocupado por la banda Berlin y su inolvidable balada "Take My Breath Away", tema principal de la película Top Gun. Couselo destaca la producción del gran Giorgio Moroder y cómo este éxito arrollador acabó, paradójicamente, tensionando las relaciones internas de la banda hasta provocar su posterior disolución. La noche avanza y en el puesto 30 nos encontramos con la banda británica The Outfield y su enérgico "All the Love", una formación que cosechó un gran reconocimiento en Estados Unidos gracias a su característico sonido de power pop. Dando paso a ritmos más bailables, las chicas de Bananarama se coronan en el puesto 23 con "Venus", una versión del clásico de Shocking Blue que se convirtió en un auténtico torbellino en las pistas de baile bajo la producción del célebre trío Stock Aitken Waterman. En la misma línea de éxitos británicos, el dúo Wham!, integrado por George Michael y Andrew Ridgeley, se sitúa en el puesto 22 con "The Edge of Heaven", marcando el final de una era dorada antes de que George Michael despegara definitivamente en solitario. En el tramo final del programa, Couselo rescata al gran Steve Winwood en el puesto 18 con "Higher Love", un tema que le valió el reconocimiento mundial gracias a su refinada mezcla de blues y pop. En el puesto 8, la voz de Belinda Carlisle brilla con "Mad About You", su primer gran éxito tras abandonar el grupo The Go-Go's. Finalmente, las posiciones de honor nos revelan en el puesto 7 a Rod Stewart con "Love Touch", y en el puesto 6 a la incombustible Madonna con su polémico e histórico "Papa Don't Preach". El broche de oro de la lista lo ponen Genesis en el puesto 2 con "Invisible Touch", y el gran Peter Gabriel, exlíder de la banda, que se corona en el número 1 absoluto con su rompedor "Sledgehammer", un duelo fraternal en la cumbre que define a la perfección la riqueza musical de 1986.

Un viaje nostálgico por los éxitos norteamericanos de 1976, desde el rock de Queen y Aerosmith hasta el debut bailable de los Bee Gees. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, con Felipe Couselo, se realiza un recorrido nostálgico por las canciones más exitosas de la lista estadounidense Billboard del año 1976. Se destaca que este período representó un punto de inflexión, justo en las puertas del auge masivo de la música disco y antes de que se desatara la rivalidad cultural con el género rock. El programa abre con el ritmo de Silver Convention y su éxito "Get Up and Boogie", que ocupaba la posición número 39 en dicha semana. Seguidamente, se da paso al estilo pop más amable y transversal característico de la década de los setenta con Eric Carmen y el tema "Never Gonna Fall in Love Again", una melodía inspirada en Rachmaninov que alcanzó su punto álgido en la posición número 11, posicionándose como un gran referente de su trayectoria en solitario tras su paso por los Raspberries. A continuación, se introduce a un artista legendario como Peter Frampton con su interpretación en directo de "Baby, I Love Your Way", extraída de su icónico álbum Frampton Comes Alive!. Se reflexiona sobre cómo este tipo de baladas de rock accesible marcaron la época. También se rescata de fondo el sonido de Chicago con "Another Rainy Day in New York City", evidenciando la riqueza y diversidad musical de aquel momento histórico. El género disco y el R&B regresan con fuerza de la mano de Candy Staton y su clásico "Young Hearts Run Free", un tema de superación personal y resiliencia que se situaba en la posición número 26. Tras este éxito bailable, se presenta a una de las bandas norteamericanas más importantes de la historia del rock, Aerosmith, con "Last Child", perteneciente a su álbum clásico Rocks de 1976, un trabajo que consolidó su estatus en el olimpo musical antes de sus posteriores crisis. La fórmula del éxito continúa con Wings, el proyecto de Paul McCartney, interpretando "Let 'Em In", un sencillo muy representativo del sonido de la banda que alcanzó el número 3 en las listas estadounidenses. Posteriormente, se presenta un gran éxito de la música disco con la cantante Vicky Sue Robinson y su emblemático "Turn the Beat Around", canción que más adelante sería versionada por Gloria Estefan en los noventa. En el tramo final del programa, se destaca a la mítica banda británica Queen con "You're My Best Friend", compuesta por John Deacon, y se recuerda brevemente la figura de los Carpenters con "I Need to Be in Love". Para coronar la selección, se escuchan los grandes himnos de la pista de baile como "You Should Be Dancing" de los Bee Gees, el rock enérgico de Thin Lizzy con "The Boys Are Back in Town", la suavidad de Gary Wright en "Love Is Alive", el optimismo de Starbuck con "Moonlight Feels Right" y la elegancia funk de The Brothers Johnson en "I'll Be Good to You". El broche de oro lo ponen la balada romántica "Don't Go Breaking My Heart" de Elton John y Kiki Dee, y finalmente, el tema número uno de la semana, "Kiss and Say Goodbye" de The Manhattans.

Un recorrido sonoro por los éxitos norteamericanos de los sesenta que analiza la convivencia de la psicodelia, el folk-rock y los grandes clásicos. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el director y presentador Felipe Couselo introduce una programación especial de verano. El espacio de esRadio inicia un recorrido nostálgico a través de las décadas para analizar los éxitos musicales de las listas del Billboard norteamericano de mediados de julio, arrancando específicamente en el año 1966. Durante la madrugada, Couselo realiza una cuidada selección que ilustra el cambio cultural que se fraguaba en la década de los sesenta. El programa arranca con la música de Manfred Mann y su tema Pretty Flamingo, que en la semana del 20 de julio de 1966 ocupaba el puesto número 38 de la prestigiosa lista estadounidense. El viaje continúa con la irrupción de los Rolling Stones, representados por uno de sus títulos más icónicos, Paint It Black, que se encontraba en el puesto 39, y su cara B, Mother's Little Helper, que se situaba en el puesto 17. Couselo destaca cómo 1966 supuso un punto de inflexión en la evolución del rock and roll de la mano de la experimentación instrumental liderada por Brian Jones. La balada soul también tiene su espacio con el clásico Sunny de Bobby Hebb, que ocupaba la posición número 25 de la lista. Seguidamente, se analiza la figura de Roger Miller con su canción costumbrista y satírica You Can't Roller Skate in a Buffalo Herd, situada en el puesto número 40, reflejo de la diversidad de estilos que convivían en las ondas de la época. La gran revolución folk-rock de la década no podía entenderse sin Bob Dylan, de quien se escucha I Want You, canción que en esa misma fecha peleaba en la posición 24. Couselo profundiza en la evolución artística de Dylan durante este periodo de transición hacia una madurez puramente musical. A continuación, el programa rescata el éxito estival Summer in the City de The Lovin' Spoonful, que en esa semana ocupaba el puesto 21 antes de alcanzar el número uno, una canción que capta a la perfección la atmósfera urbana del verano. Se aborda también la influencia de la Motown con The Temptations y su influyente Ain't Too Proud to Beg en el número 13, símbolo de la integración musical en la sociedad norteamericana. La música más tradicional y melódica se hace presente a través de Frank Sinatra con Strangers in the Night en el puesto número 12, así como con la versión instrumental del tema de Lara de la película Doctor Zhivago interpretada por Ray Conniff en el puesto 14. El locutor analiza cómo convivían los nuevos sonidos con los clásicos de siempre. En el tramo final, el programa repasa la psicodelia y el pop de The Association con Along Comes Mary en el puesto número 11, envuelta en la polémica de la época por sus supuestas referencias a la marihuana; seguida de Paul Revere & The Raiders con Hungry en el número 7; y de The Mama's & The Papa's con I Saw Her Again en el número 9. Por último, se destacan los puestos de honor de la semana de julio de 1966: Dusty Springfield con You Don't Have to Say You Love Me en el número 5; The Cyrkle con Red Rubber Ball en el número 8; Crispian St. Peters con The Pied Piper en el número 4; y Sam the Sham & the Pharaohs con Lil' Red Riding Hood en el número 3. El broche de oro lo ponen The Troggs con su mítico Wild Thing en el número 2, y el gran número uno de aquella semana, Tommy James & the Shondells con el clásico bailable Hanky Panky.