Prohibido contar ovejas

El certamen emeritense ofrece desde punk y skate bajo el puente Lusitania hasta proyecciones documentales de grupos como Oasis o Kora. En esta nueva edición del programa de esRadio, se presenta una entrevista en profundidad con Ángel Urízar, el director y principal responsable de Cinevit, el consolidado festival de cine y música que se celebra en la histórica ciudad de Mérida. Urízar comparte su entusiasmo al alcanzar el tercer año consecutivo de este certamen, que nació con un espíritu humilde y low-cost, pero que hoy en día se ha convertido en un auténtico referente cultural en Extremadura. Con una programación que incluye a 55 artistas y un total de 59 conciertos, el festival ha logrado expandir sus horizontes y su red de salas colaboradoras. Uno de los puntos fuertes de esta edición es la apuesta por la transversalidad de la cultura, conectando la música con otras disciplinas como la fotografía y las artes plásticas. Urízar destaca la espectacular exposición inaugurada a cargo del reconocido fotógrafo Juan Fajardo, famoso por retratar en la intimidad de su estudio a grandes leyendas de la música nacional e internacional, como Neil Young, Santana o Aitana. Lejos de ser meras fotografías de conciertos, la muestra ofrece una mirada única y personal que ha dejado maravillados a los primeros visitantes del festival. El cine documental de temática musical sigue siendo la columna vertebral de Cinevit. Entre las proyecciones más esperadas de este año se encuentra el documental sobre la mítica Sala Canciller de Madrid, un templo del rock de las décadas de los setenta y ochenta. Urízar aprovecha para reivindicar la importancia de las salas de conciertos de pequeño y mediano formato frente a la burbuja actual de los macrofestivales. La proyección contará con la presencia de los antiguos dueños de la sala y de Juan Luis, líder de la mítica banda de rock Asfalto. La programación del festival está diseñada para tender puentes intergeneracionales, ofreciendo actividades adaptadas a todo tipo de públicos. En la sección de cine y escuela, los adolescentes podrán disfrutar de cintas como Movida del 76, que cuenta con una banda sonora repleta de clásicos de los Rolling Stones, mientras que los más pequeños tendrán su espacio con la proyección de Canta 2. Asimismo, se proyectará un valioso trabajo sobre la historia del rock extremeño dirigido por Juanjo Pizarro y el aclamado documental sobre la banda británica Oasis. Para la jornada del sábado, el festival ha preparado una de sus actividades más dinámicas y urbanas en el skate park situado bajo el imponente puente Lusitania de Mérida. Este evento fusionará la música punk en directo con exhibiciones de monopatín y arte urbano a cargo de grafiteros locales. Toda la actividad será registrada por el realizador Kike Pastrana, quien se encargará de dar forma a un vídeo con la estética analógica de los videoclips de rock alternativo de la década de los noventa. El broche de oro de Cinevit llegará el domingo con una serie de actuaciones de primer nivel en el entorno monumental de la ciudad. El público podrá disfrutar de los directos de la banda madrileña Black Maracas, ganadores del certamen en la pasada edición, así como de los portugueses Cobra Puma. La clausura correrá a cargo de la emblemática formación extremeña Bucéfalo, pioneros del conocido como rock castúo, que fusiona el rock duro con letras que reivindican el habla tradicional de Extremadura y la poesía de Luis Chamizo. Finalmente, Ángel Urízar invita a todos los amantes de la cultura a visitar la página web oficial, cinevit.es, donde se detalla el programa completo y los horarios de cada uno de los eventos para que los asistentes puedan diseñar su propio itinerario personalizado. En esta edición también destaca la incorporación del grupo de pop gallego Kora, una muestra más del carácter abierto, integrador y en constante crecimiento de un festival que ya es una cita ineludible en el calendario cultural extremeño.

A pesar de su histórica rigidez con los proyectos paralelos en Metallica, el vocalista siempre ha mostrado inquietudes hacia el blues o el folk. En una nueva entrega de la sección musical de esRadio, el colaborador Daniel reflexiona sobre la trayectoria de los grandes líderes de bandas de rock y metal que han decidido dar el paso para lanzar carreras en solitario. Tras mencionar a figuras icónicas como Chris Cornell o Mike Patton, Daniel se centra en un artista que, a su juicio, tiene una asignatura pendiente en este aspecto: James Hetfield, el carismático vocalista y guitarrista de la mítica banda Metallica. El colaborador analiza cómo la postura de Hetfield respecto a los proyectos paralelos de sus compañeros ha sido históricamente intransigente, llegando a ser tildada de 'talibán'. Este celo excesivo por la exclusividad de su banda principal fue el detonante del famoso conflicto con el bajista Jason Newsted, a quien se le dio un ultimátum que finalmente provocó su salida del grupo. A pesar de esta rigidez, el análisis musical de Daniel demuestra que el líder de Metallica siempre ha albergado inquietudes artísticas que van más allá del thrash metal tradicional. El recorrido sonoro comienza en 1991 con el célebre álbum homónimo de la banda, conocido popularmente como el Black Album. La balada Nothing Else Matters supuso un punto de inflexión radical en su carrera, mostrando por primera vez una faceta íntima y vulnerable del cantante que descolocó a muchos de sus seguidores habituales. Además, en este mismo trabajo, temas como The God That Failed sirvieron para que Hetfield canalizara traumas muy personales, como la muerte de su madre a causa de sus creencias religiosas, lo que marcó el inicio de unas letras mucho más terapéuticas y alejadas de la temática política de los años ochenta. Daniel rompe una lanza a favor de los controvertidos discos de mediados de los noventa, Load y Reload, defendiendo que es precisamente en esta etapa experimental donde Hetfield muestra su mejor registro vocal. En canciones como Bleeding Me y, sobre todo, la abiertamente country Mama Said, el músico estadounidense se despoja de las ataduras del metal pesado para abrazar el blues y el country, géneros que domina con maestría y que interpreta con una profunda carga emocional. La influencia de estos estilos norteamericanos tradicionales no solo se limitó a lo musical, sino que también afectó notablemente a la estética de Hetfield a finales de la década, quien adoptó un aspecto de vaquero moderno y comenzó a utilizar guitarras equipadas con dispositivos mecánicos como el B-Bender. Su interés por explorar nuevos horizontes musicales también quedó patente en el disco de versiones Garage Inc., donde interpretó de forma magistral clásicos de Bob Seger y demostró su enorme admiración por compositores de la talla de Nick Cave. Para concluir, el espacio radiofónico analiza rarezas como la versión acústica de All Within My Hands y, muy especialmente, la grabación de 2003 de una versión de Waylon Jennings. En esta última pieza, Hetfield grabó todos los instrumentos por sí mismo de la mano del productor Bob Rock, evidenciando que posee la capacidad técnica y creativa de firmar un álbum completamente autónomo. El programa concluye animando al vocalista a seguir los pasos de su compañero Kirk Hammett y a liberarse de sus antiguos prejuicios para regalarnos un esperado proyecto en solitario.

De la magia de Studio Ghibli a las aulas de 'Salvados por la campana': el equipo de Felipe Couselo repasa la cultura pop en su última emisión. En esta nueva entrega del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, acompañado por sus colaboradores Alma Espinosa, Juanma González e Isaac, inicia la emisión con su habitual tono desenfadado. Entre bromas y comentarios sobre la marcha del programa, el equipo destaca el apoyo de sus oyentes, mencionando en particular a un fiel seguidor que ha escuchado todos los programas anteriores. Asimismo, rememoran momentos divertidos de series icónicas de la televisión, sirviendo de preludio para las diversas secciones culturales de la noche. La primera gran recomendación cultural de la noche corre a cargo de Felipe Couselo, quien presenta el libro Los Mundos de Hayao Miyazaki, escrito por Nicolas Rapold y publicado en España por la editorial Lunwerg. Esta obra analiza en profundidad la trayectoria del célebre director de animación de Studio Ghibli. El volumen destaca por su enfoque interdisciplinar, explorando cómo influyen la literatura, las costumbres y el folclore en la filmografía del creador japonés. El autor del libro detalla aspectos como la cuidada gastronomía en las películas de Miyazaki y su conexión conceptual con obras de la literatura universal como El Principito. Posteriormente, el programa se adentra en el terreno musical con un detallado monográfico sobre James Hetfield, el legendario líder de la banda de thrash metal Metallica. El colaborador Daniel analiza la faceta más oculta y personal del músico estadounidense, revelando su profunda admiración por géneros como el country y el blues. A lo largo de la sección, se debate sobre la estricta política de exclusividad que imperaba en la banda y que impidió a Hetfield emprender una carrera en solitario, un deseo que el cantante canalizó de manera sutil en algunas de las composiciones más melódicas y heterodoxas del grupo. El análisis musical repasa temas emblemáticos que marcaron un punto de inflexión en la trayectoria de la formación. Se destaca 'Nothing Else Matters', perteneciente al aclamado album de 1991, una balada íntima que supuso un cambio radical respecto a su sonido habitual. Asimismo, se profundiza en trabajos posteriores como Load y Reload, donde Hetfield dio rienda suelta a sus influencias sureñas en cortes como 'Bleeding Me', la profundamente personal 'Mama Said' —dedicada a la muerte de su madre— o 'Low Man's Lyric'. Daniel también menciona 'All Within My Hands' y la versión que Hetfield grabó en 2003 del clásico de Waylon Jennings, 'Don't You Think This Outlaw Bit's Done Got Out of Hand?', donde el vocalista tocó todos los instrumentos bajo la producción de Bob Rock. Por su parte, Isaac toma las riendas para ofrecer una lección de historia de la música funk y hip-hop. El colaborador se centra en el icónico tema 'Funky Drummer' de James Brown, publicado en 1970, prestando especial atención al legendario solo de batería ejecutado por Clyde Stubblefield. Este breve patrón de batería se ha convertido en el loop más sampleado de la historia de la música moderna, sirviendo de base rítmica para innumerables canciones de rap, pop y música de baile electrónica. A pesar de la inmensa popularidad de su ritmo, el baterista nunca recibió las regalías correspondientes por su autoría. Para finalizar, los micrófonos de esRadio acogen una divertida sección dedicada a los colegios e institutos más famosos de las series de televisión. Los colaboradores analizan las diferencias entre estos centros de ficción y la realidad de las aulas españolas. Comienzan analizando Las Encinas, el exclusivo y sombrío centro de la serie Élite, caracterizado por sus intrigas, excesos y crímenes. En contraste, recuerdan con nostalgia el Bayside High School de la mítica serie juvenil Salvados por la Campana, repasando las andanzas de personajes entrañables como Zack Morris, Kelly Kapowski y A.C. Slater —el eterno 'pimpollo'— bajo la constante vigilancia del director, el señor Belding. El repaso catódico continúa con otros colegios emblemáticos como el West Beverly High de Sensación de Vivir, donde las vidas de los hermanos Brandon y Brenda Walsh se cruzaban con las de Dylan, Kelly y Steve en un ambiente de lujo californiano. También se analiza la Academia Nunca Más de la reciente producción Miércoles, un internado de estética gótica para jóvenes excluidos y seres sobrenaturales que acoge a la hija de la familia Addams. Para terminar, no podía faltar la Escuela Primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson, el humilde y descuidado colegio público donde Bart y Lisa Simpson sufren las decisiones del atribulado director Seymour Skinner.

De N.W.A a Madonna, esRadio descubre cómo un solo improvisado de batería de 1970 acabó transformando la cultura de masas y la música popular. En esta nueva sección musical en esRadio, se realiza un apasionante recorrido por la historia de uno de los ritmos más influyentes y utilizados en la música contemporánea: el famoso patrón de batería de la canción Funky Drummer de James Brown. Grabada en el año 1970, este tema de larga duración incluía una sección improvisada en la que el mítico baterista Clyde Stubblefield ejecutó un solo de apenas veinte segundos. Aunque la canción original no gozó de un éxito comercial masivo de manera inmediata, ese pequeño fragmento de percusión estaba destinado a cambiar el rumbo de la música popular décadas después al convertirse en el ritmo más sampleado de la historia. Con la llegada de los años ochenta y el nacimiento de la cultura del hip-hop en los barrios de Nueva York, figuras pioneras como DJ Kool Herc descubrieron el potencial de estos fragmentos instrumentales, conocidos popularmente como breaks. Los pinchadiscos demandaban estas bases rítmicas para mantener a la gente bailando durante las fiestas callejeras. Para facilitarles el trabajo, el pinchadiscos Danny Krivit editó una versión especial titulada Funky Drummer Bonus Beat Reprise, que aislaba y repetía el bucle de batería de Clyde Stubblefield, entregando en bandeja de plata una herramienta indispensable para los productores de rap que buscaban ritmos potentes y contagiosos. A pesar del gigantesco impacto cultural de su creación, el batería Clyde Stubblefield nunca recibió regalías directas ni compensaciones económicas significativas por estos samples al no figurar en los créditos originales de autoría. No obstante, el respeto de la comunidad musical hacia su figura quedó patente cuando el legendario artista Prince, considerado un gran benefactor de la música negra, se hizo cargo de sus facturas médicas antes de fallecer en el año 2017. Para ilustrar la asombrosa versatilidad de este ritmo, los colaboradores de esRadio seleccionaron y comentaron una lista de canciones emblemáticas pertenecientes a géneros muy diversos que se construyeron sobre esta misma base de percusión. El primer gran ejemplo analizado pertenece al grupo californiano N.W.A con su histórico tema de 1988 titulado Straight Outta Compton. Esta canción, que definió el sonido del West Coast rap, utiliza el loop de batería acelerado y combinado con otros elementos para generar una atmósfera de gran tensión. Los presentadores recordaron con nostalgia la época en la que este tipo de cintas de casete llegaban a España a través de familiares o conocidos procedentes de Estados Unidos, abriendo el camino para la difusión de la cultura del hip-hop en nuestro país a principios de los años noventa, cuando todavía era un movimiento muy minoritario. La influencia de James Brown continuó expandiéndose en el género con éxitos como Mama Said Knock You Out de LL Cool J, donde la batería del Funky Drummer sirve de soporte para la agresiva interpretación vocal del rapero. El programa de esRadio continuó su andadura musical demostrando que este recurso no fue exclusivo del rap estadounidense, sino que dio el salto al pop de masas de la mano de superestrellas mundiales como Madonna en su sensual tema de 1990 Justify My Love, coproducido junto a Lenny Kravitz en una de las etapas más provocativas de la carrera de la ambición rubia. Otro de los momentos cumbres de la lista lo protagoniza George Michael con su himno generacional Freedom! '90. En esta producción, el característico bombo y la caja del tema original se encuentran integrados de forma mucho más sutil y matizada, restando protagonismo a la percusión para dar paso a las texturas de piano y gospel. Este tema supuso una declaración de intenciones por parte del artista británico, quien buscaba desmarcarse de su impuesta imagen de sex-symbol y de las estrictas exigencias de su compañía discográfica, en una época en la que incluso se negaba a aparecer en sus propios videoclips. La increíble adaptabilidad de la batería de Clyde Stubblefield se demuestra también al fusionarse con el folk irlandés gracias a la magnífica versión que Sinéad O'Connor realizó de la canción tradicional I Am Stretched on Your Grave. La cantante irlandesa superpuso su impresionante y melancólica voz casi a capela sobre el desnudo y repetitivo ritmo del Funky Drummer, demostrando que este loop de batería puede dotar de una fuerza dramática inusitada a composiciones aparentemente incompatibles con la música negra tradicional. En el Reino Unido, la escena independiente de Mánchester también cayó rendida ante los encantos de este sample. Agrupaciones míticas de la corriente conocida como Madchester, como los Stone Roses en su célebre tema instrumental Fools Gold o los Happy Mondays en Step On, recurrieron de forma literal a esta base rítmica para fusionar la energía del rock de guitarras con la naciente cultura de los clubes de baile y el acid house de principios de los noventa. Los colaboradores recordaron entre risas las divertidas anécdotas de estas bandas inglesas, famosas por su caótica ética de trabajo y sus constantes excesos durante las grabaciones. Para muchos, la cumbre artística en el uso de esta base rítmica la alcanzaron los pioneros del trip-hop Massive Attack en su obra maestra de 1991, Unfinished Sympathy. Grabado en la ciudad de Bristol, el tema combina el sample de percusión de manera magistral con arreglos orquestales de cuerda, sintetizadores y la desgarradora interpretación vocal de Shara Nelson, logrando una de las composiciones más aclamadas de la historia de la música británica. El programa cerró el repaso mostrando los usos más insólitos del sample, desde las cuestionadas incursiones en el smooth jazz de Kenny G con su tema G-Bop hasta los sonidos atmosféricos del proyecto New Age Enigma en Age of Loneliness, demostrando el eterno legado de James Brown en la cultura popular.

Un viaje por la nostalgia televisiva que contrasta el lujo de Las Encinas con las carencias del centro público de Springfield en esRadio. Con la llegada de septiembre y la tradicional vuelta al cole, el equipo del programa analiza los colegios e institutos más famosos de la televisión. A través de un recorrido divertido y nostálgico, repasan cinco centros educativos de la ficción que a todos nos habrían gustado —o no— visitar. El primero de la lista es el exclusivo colegio Las Encinas de la conocida serie de televisión Élite, un centro privado donde, además de cursar los estudios tradicionales, los alumnos parecen verse envueltos constantemente en investigaciones criminales y dramas personales de gran intensidad. Las Encinas destaca por unas instalaciones de ensueño que ya quisieran para sí muchos centros reales: laboratorios de ciencias, biblioteca, gimnasio, piscina, auditorio, cafetería y múltiples pistas de tenis, fútbol, baloncesto y pádel. Sin embargo, la serie también refleja el choque de clases entre los alumnos de familias multimillonarias y los estudiantes becados, quienes suelen cargar con las culpas de todo lo malo que ocurre. Aunque los exteriores se grabaron en el campus de la Universidad Europea de Madrid en Villaviciosa de Odón, la vida disoluta de los protagonistas, llena de excesos y relaciones complejas, aleja a este instituto de cualquier realidad cotidiana. La segunda parada nos lleva directos a los años noventa con Bayside High, el mítico instituto americano de la serie Salvados por la Campana. Este centro se convirtió en el ideal para toda una generación gracias a sus icónicas taquillas de pasillo y a un ambiente mucho más inocente y cómico. Personajes imborrables como Zack Morris, Kelly Kapowski, Slater o el entrañable Screech daban vida a unas aulas donde el estudio quedaba en un plano muy secundario frente a las peripecias diarias y las charlas en la cafetería, cuyo encargado resultaba ser un divertido mago. Sin movernos de California, el resumen continúa con West Beverly High, el escenario principal de la mítica producción Sensación de Vivir. Aquí el lujo y el dinero de Beverly Hills marcan el día a día de personajes tan populares como Dylan, Kelly, Steve o los hermanos Brandon y Brenda Walsh, recién llegados de Minnesota. Las tramas de esta serie se centraban especialmente en la vida social de los alumnos, sus romances y los problemas de la alta sociedad, mostrando un modelo de instituto público norteamericano pero con un nivel adquisitivo altísimo que fascinó a los espectadores de la época. El viaje por las aulas de la ficción da un giro gótico al adentrarse en la Nevermore Academy (Academia Nunca Más) de la exitosa serie de Netflix Miércoles. Este centro funciona como un internado para excluidos y seres con capacidades sobrenaturales, tales como sirenas, hombres lobo o vampiros. La protagonista, Miércoles Addams, interpretada por Jenna Ortega, se desenvuelve en un ambiente oscuro y misterioso que contrasta fuertemente con la colorida personalidad de su compañera de habitación, ofreciendo una estética visual única que ha cautivado al público actual. Finalmente, el programa analiza la cara más humilde y desastrosa de la educación pública con la escuela primaria de Springfield de la serie de animación Los Simpson. El colegio de Bart y Lisa es el ejemplo perfecto de centro educativo precario y mal financiado, dirigido por el siempre estresado director Skinner. Desde la comida de dudosa procedencia de la cocinera Doris hasta los castigos de Bart frente a la pizarra, este colegio caricaturiza con un humor ácido el sistema escolar. Para cerrar la sección con broche de oro, el programa da paso a la música nacional con el tema "El viaje de Chihiro" del artista gallego Iván Ferreiro, poniendo un toque melancólico a esta particular vuelta a las aulas en esRadio.

De Bob Marley a Lynyrd Skynyrd, el espacio de esRadio analiza grandes temas de la música que usaron la fauna alada como metáfora de superación. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio presentado por Felipe Couselo, la temática principal gira en torno a los pájaros como símbolo de libertad o de su ausencia en la historia de la música popular. A través de una cuidada selección musical, el locutor analiza cómo diferentes artistas han utilizado la figura de las aves para transmitir mensajes de paz, lucha social o superación personal. El recorrido musical comienza con Albatross, el célebre tema instrumental de Fleetwood Mac compuesto por Peter Green a finales de los sesenta e inspirado en un poema clásico. A continuación, suena el enérgico y divertido Surfin' Bird de The Trashmen, popularizado para las nuevas generaciones por la serie de televisión Padre de Familia, que fusiona dos temas originales de The Rivingtons. La calma llega de la mano de Bob Marley y su eterno Three Little Birds, lanzado en el álbum Exodus de 1977. Couselo explica que esta canción, que invita a no preocuparse por nada, fue compuesta en Jamaica tras sufrir un intento de asesinato, convirtiéndose en uno de los mayores himnos de optimismo de la música contemporánea. El programa continúa con Rockin' Robin de Bobby Day, un clásico del rock and roll de 1958 que más tarde versionaría un jovencísimo Michael Jackson. Este tema también cuenta con referencias literarias, como su aparición en la célebre novela It de Stephen King. Uno de los momentos cumbres del programa es el análisis de Blackbird, la obra maestra de The Beatles compuesta por Paul McCartney en 1968. Detrás de la aparente sencillez de este tema del White Album se esconde una metáfora de apoyo a la lucha por los derechos civiles de las mujeres negras en los Estados Unidos. La melancolía y el misterio se apoderan de las ondas con The Nightingale, interpretada por Julee Cruise con letra de David Lynch y música de Angelo Badalamenti, un tema que evoca la atmósfera de la mítica serie Twin Peaks. El director estadounidense suele recurrir a la simbología de las aves en sus producciones, utilizando al ruiseñor en este caso como un heraldo del amor frente a la tragedia. La relación entre la libertad y la pérdida se vuelve a hacer patente con Songbird, interpretada por Christine McVie en el legendario álbum Rumours de Fleetwood Mac, un trabajo marcado por las dolorosas rupturas internas de la banda. El vuelo de las aves también inspira la evolución en Fly Like an Eagle de Steve Miller Band, y la contracultura de San Francisco en Bluebird de Buffalo Springfield. Finalmente, el programa transita por el nacimiento del glam rock con Ride a White Swan de T. Rex y el pop de principios de los dos mil con I'm Like a Bird de Nelly Furtado. El broche de oro lo ponen The Alan Parsons Project con The Raven, inspirada en el célebre poema de Edgar Allan Poe, y el inmortal himno de rock sureño Free Bird de Lynyrd Skynyrd, un tributo al guitarrista Duane Allman que cierra la emisión.

Repasamos la cinta de serie B, "La cosa en la niebla", de Cheday Reyes y analizamoa clásicos de acción y humor como 'Hot Shots!' o 'Air Force One'. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo y Juanma González, la madrugada se viste de cine con un invitado muy especial. Los micrófonos del estudio reciben a Martín Garabal, reconocido actor, director y streamer argentino, quien se une a la charla para desgranar los detalles de su último proyecto cinematográfico y repasar una selección de películas míticas que se desarrollan en el interior de aviones. El núcleo de la conversación gira en torno a La cosa en la niebla, la ópera prima del director canario Cheday Reyes, escrita por Juanjo Ramírez Mascaró. Se trata de una desternillante comedia de terror que transcurre casi en su totalidad dentro de la cabina de un avión antiguo, lo que supuso un reto interpretativo mayúsculo para Garabal y su compañera de reparto, Elena de Lara, al tener que sostener la tensión dramática en un espacio sumamente claustrofóbico. Martín Garabal encarna a Ismael, un piloto de vuelta de todo que encaja en el arquetipo de macho alfa patético: un hombre que intenta aparentar una seguridad y una superioridad que en realidad no posee. Los colaboradores coinciden en alabar que la cinta huya del cinismo y de la ironía tan habituales en el cine contemporáneo, decidiéndose por abordar la comedia desde la seriedad de los personajes, lo que confiere a la historia un encanto clásico que recuerda a las producciones de serie B de los años ochenta y noventa. Durante la entrevista, el actor detalla cómo llegó al proyecto a través de un mensaje de Instagram de la productora Jugoplastika y bromea sobre las dificultades físicas del rodaje, señalando que su personaje no se levanta del asiento de la cabina hasta el minuto 41 debido a su imponente estatura de casi dos metros. Además, destaca el valor de utilizar efectos especiales tradicionales y maquetas, en un claro homenaje al cine de John Carpenter, frente al abuso de pantallas verdes del Hollywood actual. El segundo bloque del programa se centra en las películas de aviación más icónicas de la historia del cine. Los presentadores abren el repaso con la disparatada Hot Shots!, la célebre parodia de Top Gun protagonizada por Charlie Sheen. Felipe Couselo y Juanma González rememoran los gags más absurdos de esta comedia, que sigue siendo un referente indispensable del humor absurdo y de la que destacan el excelente trabajo de su reparto coral. A continuación, analizan el curioso fenómeno de Serpientes en el avión, el largometraje de acción y suspense encabezado por Samuel L. Jackson. Los locutores explican cómo la película se convirtió en un éxito viral en internet mucho antes de su estreno debido a lo delirante de su premisa, sirviendo hoy en día como un ejemplo clásico de la desconexión que a veces existe entre el ruido de las redes sociales y la taquilla real. La acción más pura llega de la mano de Con Air, el clásico de los noventa protagonizado por un carismático Nicolas Cage que se enfrenta a un peligroso grupo de convictos liderados por John Malkovich. Juanma González resalta el impresionante elenco de la cinta y su asombroso clímax en Las Vegas, comparándola con otras grandes producciones de la época como Pasajero 57, que encumbró a Wesley Snipes como héroe de acción. Finalmente, el programa rinde tributo a Air Force One, donde Harrison Ford encarna al presidente de los Estados Unidos definitivo, y a Decisión crítica, protagonizada por Kurt Russell. La velada concluye con la sintonía del tema Aeroplane de los Red Hot Chili Peppers, poniendo el broche de oro a una hora de radio dedicada a la comedia, el suspense y la pasión por el séptimo art.

El intérprete argentino visita esRadio para detallar un largometraje de Chedey Reyes que homenajea con humor el cine de serie B de Carpenter. En esta nueva entrega del programa, los micrófonos de esRadio reciben al carismático actor, humorista y dibujante argentino Martín Garabal. El intérprete se encuentra en plena campaña de promoción de La Cosa en la Niebla, un largometraje dirigido por Chedey Reyes que rinde un cariñoso y divertido tributo al cine de aventuras de serie B y, de manera muy especial, a la icónica filmografía del director estadounidense John Carpenter. Durante la charla, Garabal desvela los entresijos de una producción tan peculiar y relata cómo la productora Marta Barrios se puso en contacto con él a través de un mensaje de Instagram tras quedar fascinada por su trabajo en la serie de internet Famoso. La trama de la película gira en torno a Ismael, encarnado por Garabal, un experimentado piloto de una aerolínea de dudosa reputación, y su joven copiloto Daniela, interpretada por la actriz Elena de Lara. Uno de los puntos más divertidos de la fase de preproducción fue el malentendido con la edad de Garabal; el equipo de dirección temía que fuera demasiado joven basándose en vídeos antiguos de 2010, pero al arrancar el rodaje de La Cosa en la Niebla en 2024, el actor contaba ya con la edad idónea para dar vida a este veterano aviador, consolidando una química actoral extraordinaria con su compañera de reparto. El rodaje supuso un auténtico desafío físico para el actor argentino, ya que el 98,5% de la acción transcurre en el interior de la cabina de un avión real. Con su imponente estatura de 1,96 metros de altura, Garabal tuvo serias dificultades para encajar en el reducido espacio y realizar movimientos mínimos sin desajustar el set. De hecho, bromea con que su personaje no se levanta del asiento hasta el minuto 41 de metraje —en una cinta que apenas dura 80 minutos— debido a lo sumamente complejo y ruidoso que resultaba maniobrar dentro de la cabina de vuelo. El personaje de Ismael se presenta como un curioso homenaje a los héroes carpenterianos: un tipo que presume de tipo duro y machista pero que resulta ser profundamente patético, entrañable y, en última instancia, redimible. Durante el vuelo, Ismael se dedica a beber cerveza y a comer cacahuetes de forma compulsiva, dejando toda la cabina sembrada de cáscaras, un detalle que los presentadores comparan humorísticamente con la adicción a los frutos secos de Fox Mulder en Expediente X. Este comportamiento desenfadado contrasta radicalmente con la actitud profesional y tensa de Daniela, lo que genera una gran comedia de situación. Lejos de caer en la parodia chabacana, la película apuesta por un humor muy particular donde los actores interpretan sus papeles con una seriedad absoluta. Garabal defiende firmemente que la comedia interpretada en serio, al más puro estilo de clásicos como Aterriza como puedas, es mucho más efectiva y orgánica. Este código actoral permite que el espectador se sumerja de lleno en la atmósfera de la película, empatizando con los personajes y transitando de manera natural entre el humor, la tensión del peligro y los momentos de genuina emoción. La acogida internacional de la película está siendo excelente, habiendo completado ya un exitoso recorrido por más de 26 festivales de cine de todo el mundo y cosechando hasta la fecha un total de 13 galardones en países como Brasil, México, Estados Unidos y los Países Bajos. El actor destaca la enorme calidez y el agradecimiento del público amante del cine fantástico y de terror de serie B, un sector de espectadores muy fiel que sabe valorar el enorme esfuerzo y el cariño depositado en producciones de presupuesto moderado. La conversación también deriva hacia una interesante reflexión sobre el estado actual de los efectos especiales en la industria cinematográfica. Garabal y los locutores critican el abuso sistemático de las pantallas verdes en las superproducciones de Hollywood, comparando la frialdad de los efectos modernos de Marvel con la maestría artesanal de películas como Jurassic Park (1993), donde la combinación de decorados reales, animatrónicos y CGI primitivo aportaba una veracidad inigualable que el espectador todavía hoy sigue percibiendo y agradeciendo. Finalmente, Garabal repasa sus proyectos más recientes en España, donde está cosechando un gran éxito gracias a la serie de Netflix Envidiosa. Además, el actor comparte su entusiasmo por su participación en Felicidades, la esperada nueva película dirigida por el aclamado cineasta español Álex de la Iglesia, cuyo estreno está previsto para el próximo mes de diciembre en la plataforma digital. Mientras tanto, La Cosa en la Niebla continuará su andadura con proyecciones especiales en Tenerife y diversas salas del territorio nacional.

Felipe Couselo y su equipo analizan la música de Beck, Slipknot y la curiosa historia del cambio de nombre de Led Zeppelin entre muchas cosas En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, se respira el habitual ambiente de camaradería y humor. Acompañado por su equipo de colaboradores habituales —Miriam García, Juanma González, Alma Espinosa e Isaac Vizcaíno—, el presentador abre la noche debatiendo con ironía sobre la categoría de "elenco de campanillas" que ostenta el grupo y cómo afrontan la madrugada con energía. La conversación musical comienza analizando la televisión estadounidense, en concreto el conocido programa nocturno de Jimmy Fallon. El equipo comenta la reciente y sorprendente actuación de la banda de hardcore punk The Armed, que presentó un nuevo tema en directo caracterizado por su caos escénico, un juego de luces sincronizadas entre los instrumentos y una puesta en escena de lo más extravagante que dejó al público boquiabierto. A continuación, el programa se detiene en la figura del polifacético músico estadounidense Beck, destacando el lanzamiento de su sencillo más reciente, titulado Disappearing Act. Los colaboradores repasan su trayectoria desde sus inicios en los años noventa, cuando revolucionó la música alternativa con temas como Sexx Laws, y analizan cómo su madurez artística actual sigue ofreciendo composiciones introspectivas e interesantes, aunque alejadas del foco comercial de antaño. El metal extremo también tiene su hueco con el análisis del último y sorprendente lanzamiento de los estadounidenses Slipknot. Se debate sobre la convulsa situación interna de la banda tras la de Sid Wilson y el carisma incombustible de su líder vocal, Corey Taylor, cuya potente voz sigue marcando el estándar de la banda en sus arrolladores directos. Dando un giro radical hacia las raíces de la música americana, el equipo presenta a Pooky La Farge, nombre artístico del músico Andrew Heiser, y su tema My Baby Loves Me. La mesa redonda comenta la maestría con la que este artistica recupera géneros tradicionales como el blues, el country, el swing y el jazz, dotándolos de un aire fresco y contemporáneo. La energía más gamberra llega de la mano de The Meffs, un dúo británico de punk originario de Essex. Formado por la cantante y guitarrista Lily y el baterista Lewis, este grupo destaca por su actitud ruidosa y combativa, logrando un sonido en directo tan ensordecedor y potente que, según los colaboradores, supera con creces al de bandas con el doble de integrantes. El mundo de las artes escénicas se hace presente con la recomendación de La Familia Addams, el exitoso musical que se representa en el Teatro Calderón de Madrid. Con Natalia Millán en el papel estelar de Morticia, el equipo elogia la espectacular escenografía móvil de seis telones, el diseño de iluminación y la calidad interpretativa de todo el reparto, calificándolo como una opción perfecta tanto para adultos como para el público infantil. Finalmente, se produce el esperado debut de la sección de Alicia Parente, bautizada como Vodevil Overkill. La colaboradora narra una hilarante anécdota histórica acontecida en Copenhague en el año 1970, cuando la aristócrata Eva von Zeppelin, descendiente del inventor del dirigible, amenazó con demandar a la banda de rock Led Zeppelin por usurpar su apellido. Para evitar el litigio judicial, los músicos se vieron obligados a dar su concierto bajo el seudónimo de The Nobs.

Para evitar una demanda de una aristócrata, el grupo de Jimmy Page tuvo que dar un concierto en 1970 bajo el pseudónimo de 'The Nobs'. El programa de esRadio estrena una nueva sección itinerante de la mano de la colaboradora Alicia Parente, bautizada bajo el nombre de Bodevil Over Here. En este espacio, que promete llenar las madrugadas de anécdotas y humor, se propone un viaje por la historia de la música y del cine a través de dramatizaciones sonoras y un particular teatro improvisado. Para inaugurar esta andadura, la sección nos traslada a un insólito enfrentamiento acontecido en el norte de Europa a principios de la década de los setenta, donde se cruzaron los destinos de la aristocracia y una de las bandas más grandes de la historia del rock. La historia central se sitúa en la mañana del viernes 27 de febrero de 1970, en los estudios de la televisión pública de Dinamarca, en Copenhague. Allí se produjo el esperado cara a cara entre la condesa Eva von Zeppelin y los integrantes de la mítica formación británica de hard rock Led Zeppelin. La aristócrata, supuesta descendiente del famoso inventor del dirigible Ferdinand von Zeppelin, se encontraba profundamente disgustada por el uso que los músicos hacían de su ilustre apellido familiar, el cual consideraba que estaba siendo manoseado sin su consentimiento por un grupo de —según sus propias palabras— "monos chillones". Desde el cambio de nombre de la banda en 1968 —anteriormente conocidos como los New Yardbirds— la condesa había iniciado una cruzada telefónica constante contra las oficinas de la representación del grupo, la compañía RAC. Ante la persistencia de las protestas y el temor a que la situación pudiera derivar en problemas legales graves, el mánager del grupo, Peter Grant, instó a los miembros de la banda a buscar una solución amistosa para calmar los ánimos de la noble. Fue el guitarrista Jimmy Page, que por aquel entonces contaba con veintiséis años, quien propuso una idea para resolver el conflicto: invitar a la condesa a tomar el té con ellos para charlar amigablemente y convencerla de sus buenas intenciones. A pesar del escepticismo inicial del vocalista Robert Plant, quien no entendía la relevancia de las quejas de la mujer argumentando que la banda ya era famosa en todo el mundo, el grupo accedió a organizar el encuentro amistoso en la capital danesa. Durante la cita en los estudios de televisión, la tensión inicial en la sala era casi palpable, pero gracias a la diplomacia de Jimmy Page, que actuó como portavoz de la banda, la condesa comenzó a suavizar su postura. Eva von Zeppelin llegó incluso a mostrarse cordial con los músicos mientras disfrutaban de una taza de té, lo que hizo pensar a los presentes que el conflicto familiar estaba totalmente en vías de solución y que la demanda judicial quedaría en el olvido. Sin embargo, la paz duraría muy poco. Al término de la reunión, mientras el mánager Peter Grant mostraba las instalaciones a la invitada, un miembro del equipo tuvo la ocurrencia de enseñarle la portada del primer álbum de la banda. En dicha portada aparecía una ilustración del famoso dirigible Hindenburg devorado por las llamas durante su trágico accidente en 1937. Al ver la imagen de la catástrofe asociada a su apellido, la condesa entró en cólera de forma inmediata, insultando a los músicos y prometiendo llevarlos ante los tribunales. Para evitar una costosa demanda civil y poder realizar el concierto programado para el día siguiente, el sábado 28 de febrero de 1970 en Copenhague, los músicos se vieron obligados a tomar una decisión de urgencia: cambiar temporalmente el nombre del grupo. De este modo, Led Zeppelin se presentó ante el público danés bajo el seudónimo de The Nobs, ofreciendo un recital memorable que concluyó con una enérgica versión del clásico Long Tall Sally. Gracias a esta rápida maniobra de distracción, la banda logró eludir el conflicto legal y continuar con su exitosa gira europea. El divertido relato sirve de pretexto para que el equipo de esRadio comente, entre risas, los detalles de la grabación de las voces que han dado vida a los personajes de la condesa, sus ayudantes y los propios músicos de la banda. Los colaboradores bromean sobre la interpretación de los distintos papeles y celebran el éxito de esta primera entrega de la sección, la cual promete seguir trayendo a las ondas las historias más curiosas del panorama musical.

La cita malagueña de cultura popular reúne a los actores de Los Serrano, al director Kevin Smith y celebra el éxito de la serie One Piece. La segunda edición de la Málaga Comic Con se presenta como uno de los grandes acontecimientos de la temporada para los amantes de la cultura popular en España. Durante la tertulia en esRadio, los colaboradores comentan con humor la llegada de esta fusión de la prestigiosa marca estadounidense con la provincia andaluza. El certamen promete ampliar su oferta respecto al año anterior, reuniendo a una impresionante lista de autores, dibujantes de cómics y celebridades que atraerán a miles de aficionados durante las jornadas del evento. Uno de los contenidos más comentados del programa es el universo de la serie de Netflix One Piece. Tras el lanzamiento del tráiler de su segunda temporada en imagen real, los tertulianos elogian cómo la plataforma ha sabido trasladar con éxito el carismático espíritu del manga de Eiichiro Oda. En particular, se resalta la participación del actor con raíces españolas Taz Skylar, muy popular entre el público joven, y el excelente papel del mexicano Iñaki Godoy como Luffy, cuya expresividad corporal y simpatía logran recrear casi a la perfección al icónico protagonista animado. La nostalgia nacional tendrá un espacio fundamental en el festival gracias al reencuentro del elenco de Los Serrano. Esta emblemática serie de televisión, que marcó a toda una generación de espectadores en la década de los dos mil, contará con la participación de figuras de su reparto original como Antonio Resines y Fran Perea. Los colaboradores de esRadio rememoran con humor el enorme impacto social de la ficción y la enorme expectación que genera volver a ver juntos a los miembros de la familia televisiva más famosa de España. El cine independiente norteamericano también brillará con luz propia gracias a la reunión especial de la comedia de culto Mallrats. El propio director de la cinta, Kevin Smith, junto a los actores principales Jason Lee y Michael Rooker, desembarcará en el festival para conmemorar esta obra clave del panorama cinematográfico de los noventa. Los comentaristas reivindican la trascendencia de la comedia de Smith, conocida por sus agudos diálogos sobre cómics y relaciones sentimentales, la cual anticipó la actual era del fenómeno fan de masas. Para completar el menú nostálgico, el programa repasa la trayectoria de Christopher Lambert, célebre protagonista de la saga fantástica Los inmortales. Los colaboradores hacen un viaje por la filmografía de este carismático actor, rescatando títulos muy queridos de los videoclubs de los años ochenta y noventa como Presa de la secta o Jaque al asesino, antes de recordar cómo la historia de Connor MacLeod se convirtió en un fenómeno global imprescindible para comprender el cine de entretenimiento de la época. El cierre de esta sección cultural viene marcado por la icónica sintonía de MacGyver, la mítica serie de televisión de acción protagonizada por Richard Dean Anderson. Los locutores bromean sobre las ingeniosas habilidades del célebre héroe antes de despedir el programa con el clásico himno de la banda británica Oasis, Champagne Supernova, un broche final lleno de energía que resume el espíritu desenfadado y melómano de esta completa crónica sobre el panorama del entretenimiento contemporáneo.

De los latidos de Matthew Herbert al tecno de Kraftwerk, esRadio repasa los ritmos orgánicos que revolucionaron la historia de las canciones. En esta nueva entrega musical en esRadio, los colaboradores nos sumergen en un fascinante recorrido por la historia de la música corporal, aquella que utiliza el propio cuerpo humano como el instrumento principal para generar ritmos, melodías y texturas sonoras sorprendentes. El punto de partida de este análisis es el polifacético artista británico Matthew Herbert, de quien se destaca su vigencia y su próxima visita a Madrid. Se analiza su aclamado tema Foreign Bodies, perteneciente al álbum Bodily Functions, una obra maestra donde las percusiones no provienen de cajas de ritmos tradicionales, sino de ingeniosos sampleos del cuerpo humano como el bombeo de la sangre, los latidos del corazón o suaves golpes en las mejillas. El programa continúa rememorando uno de los grandes hitos de la música vocal: el popular tema Don't Worry, Be Happy de Bobby McFerrin, lanzado en el año 1988. Los locutores detallan la inmensa dificultad técnica que supuso su proceso de grabación, ya que cada línea de bajo, cada percusión y cada melodía fue ejecutada en exclusiva por la voz y el torso de McFerrin mediante una compleja técnica de superposición de pistas. A continuación, el foco se desplaza hacia Brasil con el grupo Barbatuques y su célebre composición Baianá. Este tema, que destaca por su potente combinación de cantos corales y palmas sobre el cuerpo, está viviendo una auténtica segunda juventud gracias a remezclas contemporáneas que lo han reintroducido con gran éxito en las pistas de baile de todo el mundo. Los sonidos de raíces folclóricas norteamericanas también tienen cabida en esta selección de la mano de The Lumineers y su archiconocido éxito Ho Hey. Además de analizar sus característicos pisotones y golpes en el pecho, se desvela una curiosa anécdota que vincula esta canción con el prestigioso pódcast deportivo Brazalete Negro, especializado en contar historias de crímenes reales en el mundo del fútbol. La vertiente más transgresora y humorística llega con la audición de Our Song, una pieza de 1970 extraída del disco experimental Music from the Body, compuesto por Ron Geesin y el célebre miembro de Pink Floyd, Roger Waters. En este corte se emplean de forma rítmica diversas flatulencias y sonidos escatológicos que, según los autores, fueron simulados en el estudio para crear una divertida pieza de biomúsica experimental. Este tipo de grabaciones pioneras ejercieron una influencia directa en el desarrollo de la música electrónica, inspirando a bandas capitales como los alemanes Kraftwerk. En su álbum de homenaje al ciclismo, destaca el tema Elektro Kardiogramm, donde consiguen estructurar una base rítmica sirviéndose únicamente de la simulación de la respiración fatigada y el latido acelerado de un ciclista subiendo el mítico puerto del Tourmalet. La estela de Kraftwerk se hace evidente también en el pop electrónico británico, concretamente en el clásico Personal Jesus de la icónica banda Depeche Mode. El tema incorpora como elemento percusivo principal una serie de jadeos y respiraciones rítmicas acompasadas que sirven de base para uno de los mayores himnos de la música de los ochenta. El arte del beatboxing contemporáneo se analiza a través del virtuoso australiano Tom Thum y su asombrosa recreación de la canción Human. Esta demostración de agilidad vocal sirve de preámbulo para ensalzar la audacia de la cantante islandesa Björk, quien en su álbum conceptual Medúla prescindió de cualquier instrumento convencional para construir ricas atmósferas pop utilizando únicamente coros, voces y efectos guturales. Finalmente, los colaboradores desafían al oyente con la endiablada rítmica en 7/4 de Unsquare Dance, interpretada por el célebre Dave Brubeck Quartet, donde las palmas juegan a descolocar deliberadamente el tempo tradicional. El espacio concluye rindiendo tributo al minimalismo de Steve Reich y su célebre composición Clapping Music, un exigente ejercicio donde dos intérpretes palmotean desfasando progresivamente sus patrones rítmicos hasta crear un efecto hipnótico.

Obras maestras de la televisión como 'The Wire' apenas lograron nominaciones por el incómodo realismo de creadores como David Simon. En esta entrega de esRadio, los colaboradores analizan aquellas producciones televisivas que, a pesar de contar con el aplauso unánime de la crítica y del público, han sido sistemáticamente ignoradas por los grandes premios de la industria, como los Premios Emmy o los Globos de Oro. El programa comienza centrándose en el sangrante caso de Better Call Saul, la aclamada precuela de Breaking Bad. A lo largo de sus seis temporadas, la serie acumuló la espectacular cifra de cincuenta y tres nominaciones a los Premios Emmy y, de manera casi inexplicable, terminó su andadura con cero galardones en las categorías principales. Los locutores repasan cómo tanto su protagonista, Bob Odenkirk, como la coprotagonista, Rhea Seehorn, se quedaron siempre a las puertas del reconocimiento. Odenkirk perdió en diversas ocasiones frente a actores de otras series de éxito como Succession o Squid Game, mientras que Seehorn corrió la misma suerte ante rivales de Ozark o The White Lotus. Aunque Seehorn logró ganar un pequeño premio de formato corto por la serie web Cooper's Bar, la serie principal se despidió como la producción más ignorada de la historia de la televisión en los certámenes de la academia norteamericana. Otro de los grandes focos de la conversación es The Wire, considerada por muchos críticos como la mejor serie de televisión jamás realizada. El equipo de esRadio señala con asombro que esta obra maestra ambientada en Baltimore solo obtuvo dos nominaciones al Emmy en toda su historia, ambas en la categoría de mejor guion, y ninguna victoria. Se analiza la figura de su creador, David Simon, un autor incómodo para la industria debido a su estilo realista y su ácida crítica hacia las instituciones estadounidenses. Simon siempre se mostró indiferente ante los gustos del espectador medio, lo que dificultó que su compleja narrativa en forma de puzle encajara en los circuitos comerciales de premios de la época. La conversación se traslada luego a Hannibal, una serie de tres temporadas protagonizada por Mads Mikkelsen y Hugh Dancy que cautivó a una legión de seguidores pero fue ignorada por los certámenes tradicionales. Su única nominación al Emmy fue en una categoría técnica sumamente específica: mejores efectos visuales especiales secundarios, la cual además perdió frente a Sherlock. A pesar de este vacío institucional, la serie encontró su revancha en los Saturn Awards, unos galardones especializados en ciencia ficción, fantasía y terror, donde acumuló un total de veintisiete victorias y casi sesenta nominaciones. El siguiente título analizado es la serie de animación BoJack Horseman. A pesar de ser elogiada por abordar con maestría temas complejos y delicados como la depresión, la adicción y la autodestrucción, la academia solo la nominó en tres ocasiones. Perdió en la categoría de mejor programa de animación frente a gigantes históricos como The Simpsons o éxitos contemporáneos como Rick and Morty. Los colaboradores destacan que, aunque no consiguió ganar un Emmy, la serie se alzó con varios Annie Awards y Critics' Choice Awards, demostrando que su valor iba mucho más allá de los premios comerciales. Finalmente, se debate sobre The Leftovers, la joya de Damon Lindelof que tampoco tuvo suerte en los Premios Emmy, obteniendo únicamente una nominación para la actriz Ann Dowd. No obstante, el programa celebra que la serie fuera galardonada con el prestigioso Peabody Award, un premio otorgado por la Universidad de Georgia que valora la excelencia narrativa y la calidad humana por encima del éxito comercial. Para cerrar, los locutores dedican un espacio a Supernatural, una serie de culto que, si bien nunca aspiró a los grandes dramas de la crítica, logró construir un imperio de premios alternativos, destacando sus numerosas victorias en los People's Choice Awards y galardones de ciencia ficción en Canadá.

Un viaje sonoro por la percusión corporal, las series más minusváloradas por los grandes premios y las novedades de las Comic Con En este nuevo episodio de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo y sus colaboradores habituales, entre ellos Juanma, Dani Palacios, Alma Espinosa y Miriam García, ofrecen un vibrante recorrido por la música experimental, la literatura melómana y las injusticias históricas de los premios de televisión. Felipe abre el programa compartiendo su experiencia en el concierto de Billy Corgan en el Palacio de Vistalegre de Madrid, donde interpretó el emblemático disco Mellon Collie and the Infinite Sadness. Frente a las críticas negativas en redes sociales de algunos sectores, Couselo defiende con pasión la propuesta, destacando el valor emocional de escuchar estas canciones en un formato orquestal y coral, ejecutado magistralmente por músicos españoles. La sección literaria se centra en el libro Cómo dirigir un sello indie de Alan McGee, fundador de la mítica discográfica Creation Records. Traducido al español por Ibon Errazkin y editado por Libruak, el texto repasa de forma muy directa y honesta las andanzas de bandas legendarias como Oasis, Primal Scream o The Jesus and Mary Chain. Felipe destaca el estilo directo de la narración, que evoca otros grandes relatos de la escena musical británica, como los libros de Peter Hook o las crónicas sobre el club Haçienda. El núcleo del programa se articula en torno a la música corporal o el uso del propio cuerpo como instrumento de percusión y ritmo. El recorrido se inicia con Matthew Herbert y su célebre álbum Bodily Functions, anunciando su próxima visita a Madrid. Esto da pie a analizar el clásico de Bobby McFerrin Don't Worry, Be Happy, donde se resalta la extrema dificultad de grabación que supone superponer capas de sonido utilizando exclusivamente la voz humana. Además, se rescata una divertida anécdota del arquitecto y músico Jaime Izaguirre, quien coincidió con McFerrin en el festival de jazz de Montreux mientras este realizaba extraños ejercicios vocales de calentamiento. La percusión corporal continúa con el grupo brasileño Barbatuques y su célebre tema Baianá, que ha vivido una segunda juventud gracias a diversas remezclas de música electrónica. También se analiza el éxito de Ho Hey, de la banda estadounidense The Lumineers, donde las pisadas y los gritos del público forman parte de la estructura rítmica. A raíz de este análisis, Felipe Couselo confiesa su adicción al podcast de fútbol y crónica negra titulado Brazalete Negro, un programa que mezcla el género del verdadero crimen con el deporte rey. El espacio explora las propuestas más radicales de esta corriente, como el disco Music from the Body de Ron Geesin y Roger Waters de 1970, un trabajo experimental dedicado a los sonidos del cuerpo humano que incluye el polémico tema Our Song, célebre por incorporar sonidos simulados de flatulencias. En una línea similar, los colaboradores analizan la pieza Elektro Kardiogramm, perteneciente al álbum Tour de France de los alemanes Kraftwerk, en la que se recrea el esfuerzo físico del ciclista, así como el clásico de Depeche Mode Personal Jesus, cuyo ritmo principal se sostiene sobre fuertes pisotones. En el terreno del beatboxing, se destaca la figura del australiano Tom Thum con su versión del tema Human, originalmente de Rag'n'Bone Man. Asimismo, se comenta el disco Medúlla de Björk, concebido casi en su totalidad con voces humanas. La exploración de este género concluye con Clapping Music del compositor minimalista Steve Reich, una pieza basada en el desfase de las palmas que el productor James Murphy sampleó para su conocida remezcla de la canción Love Is Lost de David Bowie. En la sección televisiva, Miriam García repasa las grandes producciones que han sido ignoradas de forma sistemática en los premios Emmy. El caso más flagrante es el de Better Call Saul, que acumuló un total de cincuenta y tres nominaciones sin lograr un solo galardón. García también pone el foco en The Wire, considerada unánimemente una de las mejores series de la historia de la televisión, que apenas obtuvo dos nominaciones menores de guion —perdiendo frente a House y Mad Men— debido a la tensa relación de su creador, David Simon, con la Academia de la Televisión. La lista de olvidadas incluye a Hannibal, que solo recibió una nominación técnica por sus efectos visuales; la serie de animación BoJack Horseman, que perdió sus escasas nominaciones ante gigantes de la cultura popular como The Simpsons o Rick and Morty; y la aclamada The Leftovers, de Damon Lindelof, que solo rascó una candidatura para la actriz invitada Ann Dowd. A pesar del desprecio de los Emmy, la serie fue reconocida con el prestigioso premio Peabody. En contraste, se analiza el fenómeno de la serie de televisión Supernatural, que a falta de Emmys cuenta con una legión de seguidores que le han otorgado numerosos People's Choice Awards. Finalmente, los integrantes del programa comentan las novedades de la próxima Comic-Con de Málaga, un evento que aspira a ser la San Diego de la Costa del Sol y que contará con invitados de primera línea como los dibujantes John Romita Jr. y Pepe Larraz. El certamen acogerá una reunión especial del reparto de la película de ciencia ficción Starship Troopers, un reencuentro de los actores de la serie española Los Serrano, y una mesa redonda de la película de culto Mallrats con Michael Rooker y Jason Lee. Para terminar, los presentadores repasan el tráiler de la segunda temporada de la adaptación en imagen real de One Piece para la plataforma Netflix.

Un recorrido sonoro por el misticismo y el rock de la mano de Felipe Couselo en esRadio, con temas de Joni Mitchell, Led Zeppelin o Incubus. En esta nueva entrega del programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo nos invita a sumergirnos en un viaje musical articulado en torno a un elemento de la naturaleza cargado de simbolismo: los ríos. A lo largo de la noche, el programa explora la música inspirada por las corrientes fluviales, utilizándolas como una potente metáfora de la existencia humana, desde el nacimiento hasta la muerte, pasando por la espiritualidad y el misticismo del bautismo. La velada comienza con la sobrecogedora interpretación de Alison Krauss del tema tradicional Down in the River to Pray, popularizado por la banda sonora de la película de los hermanos Coen, O Brother, Where Art Thou?. A continuación, el programa se traslada hacia sonidos más contemporáneos de la mano de la banda estadounidense de folk rock The Decemberists y su canción Down by the Water. Extraído de su exitoso álbum The King Is Dead, este tema destaca por su energía acústica y cuenta con colaboraciones de lujo, como el guitarrista Peter Buck, miembro de la mítica banda R.E.M., y la cantante Gillian Welch. Couselo aprovecha para destacar la riqueza de este trabajo discográfico, que ofrece una visión muy particular de la América rural y de las comunidades mineras de principios del siglo pasado. El ritmo se acelera con uno de los grandes clásicos de la historia del rock: Proud Mary, interpretado originalmente por la Creedence Clearwater Revival. John Fogerty compuso esta célebre pieza justo después de obtener su licenciamiento del ejército de los Estados Unidos, convirtiéndose en un canto a la liberación personal y el optimismo. La andadura fluvial continúa con la vibrante y potente versión que Ike & Tina Turner realizaron de River Deep - Mountain High, una joya de la producción musical firmada por Phil Spector que desborda fuerza y pasión en cada nota. El tono del programa se torna más oscuro con la llegada de Neil Young y su desgarrador tema de 1969, Down by the River, incluido en el álbum Everybody Knows This Is Nowhere. Acompañado por su fiel banda Crazy Horse, el músico canadiense teje una atmósfera densa y asfixiante para narrar un crimen pasional a orillas del río. Couselo analiza la maestría de Young a la hora de improvisar largas y viscerales secciones de guitarra, una de las señas de identidad más reconocibles de su dilatada trayectoria musical. La siguiente parada en este recorrido fluvial nos lleva a finales de la década de los setenta con Talking Heads y su emblemática versión de Take Me to the River, tema original de Al Green. Bajo la producción del innovador Brian Eno, la banda liderada por David Byrne transformó esta pieza de soul en un corte de post-punk nervioso y bailable, marcando el inicio de su consagración en las listas de éxitos mundiales y demostrando cómo la espiritualidad de la música negra podía fusionarse con la vanguardia neoyorquina. El viaje musical cruza el Atlántico para recalar en la vibrante escena del Liverpool de los años sesenta con Gerry and the Pacemakers y su melódico himno Ferry Cross the Mersey. Esta canción no solo rinde homenaje al río Mersey, arteria vital de la ciudad inglesa, sino que se convirtió en un símbolo de la identidad colectiva y el orgullo local del movimiento musical conocido como Merseybeat, que definió a toda una generación de jóvenes británicos. El misticismo y la reflexión vuelven a cobrar protagonismo con Billy Joel y su éxito de 1993, The River of Dreams. A través de este enérgico tema de tintes gospel, el compositor neoyorquino explora los laberintos del subconsciente y la búsqueda de la paz espiritual a través de un viaje nocturno hacia un río simbólico que representa la redención y el autodescubrimiento en la madurez de su vida. La delicadeza y la melancolía se adueñan del estudio de esRadio con la inconfundible voz de Joni Mitchell y su obra maestra River, perteneciente al legendario álbum de 1971, Blue. En esta intimista pieza a piano, Mitchell expresa el profundo anhelo de disponer de un río helado sobre el cual poder patinar para escapar de la tristeza navideña y de los errores del pasado en sus relaciones afectivas, en una de las confesiones más descarnadas de la música popular contemporánea. Hacia el tramo final, el programa recupera la influencia del blues más primitivo con Led Zeppelin y su potente Travelling Riverside Blues, un tema que bebe directamente del legado del legendario Robert Johnson. La noche continúa su curso con el dramatismo de Bruce Springsteen en su clásico The River, una desgarradora crónica social sobre la pérdida de la inocencia y el impacto de la crisis económica en las familias trabajadoras de la América desindustrializada. Finalmente, Couselo despide esta travesía radiofónica con una propuesta atmosférica y relajante: Aqueous Transmission de la banda de rock alternativo Incubus, perteneciente a su aclamado disco Morning View. Con casi ocho minutos de duración y una instrumentación de inspiración oriental que incluye el uso del koto, la canción evoca una flotación meditativa por un río en calma, cerrando el programa con una sensación de absoluta paz y desconexión.

De la tensión en la Antártida al coche asesino de Stephen King, viajamos a la década dorada de John Carpenter con sus títulos más recordados. En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo, junto a Juanma González y los críticos cinematográficos Jorge Loser y Vicky Carras, continúan con la segunda parte del especial dedicado a la filmografía de los años ochenta del célebre director de cine John Carpenter. A lo largo del espacio, se analizan minuciosamente cuatro de sus producciones más destacadas de aquella década, abordando desde sus aspectos técnicos y bandas sonoras hasta su recepción en taquilla y su trascendencia cultural. El primer gran título sobre la mesa es La Cosa (1982), un clásico indiscutible de la ciencia ficción y el terror que supuso una versión muy personal de la obra literaria de John W. Campbell y de la película de 1951 de Howard Hawks. Los colaboradores elogian el extraordinario trabajo en los efectos especiales prácticos de Rob Bottin, quien llegó a sufrir problemas de salud por el agotamiento físico extremo que le supuso la filmación. El filme destaca por su atmósfera opresiva y su estructura de whodunit en una base de la Antártida. A pesar de contar con una inolvidable banda sonora de Ennio Morricone —quien imitó de forma brillante el estilo sintético del propio Carpenter—, la cinta fracasó comercialmente en su día debido a la competencia directa con películas de tono más amable como E.T. El Extraterrestre, consolidándose con los años como un hito del cine de culto y del subgénero del body horror. Posteriormente, el programa se adentra en Christine (1983), la célebre adaptación de la novela homónima de Stephen King. Esta historia de un Plymouth Fury de 1957 poseído y obsesionado con su joven dueño, Arnie Cunningham, sirve para reflexionar sobre la compleja relación del ciudadano estadounidense con el automóvil y la cultura del consumo de la época. Los participantes destacan el dinamismo de la narración, la inolvidable escena en la que el vehículo se regenera por sí mismo a través de trucos de cámara invertida y cables, y la icónica partitura de sintetizadores que Carpenter compuso junto a Alan Howarth. Aunque es considerada por algunos críticos como una obra menor en comparación con otros hitos de su filmografía, se reivindica su enorme valor estético y su capacidad para generar tensión sin necesidad de abusar de la exposición digital. El viaje ochentero prosigue con Starman (1984), una propuesta atípica dentro del catálogo de Carpenter que se aleja de la oscuridad habitual para ofrecer una emotiva road movie romántica de ciencia ficción. Protagonizada por un espléndido Jeff Bridges —nominado al premio Oscar por este papel— y por Karen Allen, la historia narra el viaje de un ser extraterrestre que adopta la forma humana del difunto esposo de una viuda. Los colaboradores subrayan cómo el director logró manejar el melodrama y la sensibilidad de manera magistral, apoyado en una conmovedora partitura de Jack Nitzsche. Este largometraje supuso un rotundo éxito comercial y demostró la versatilidad de Carpenter para trabajar dentro de las demandas y presupuestos de los grandes estudios de Hollywood. Finalmente, el análisis se detiene en Están Vivos (1988), una ácida e irreverente sátira social y política dirigida contra el consumismo, la publicidad subliminal y las políticas neoliberales de la administración de Ronald Reagan. Con el carismático luchador profesional Roddy Piper en el papel principal, la película utiliza la premisa de unas gafas de sol que permiten ver la cruda realidad de una invasión alienígena que domina las élites del planeta. Además de su contundente mensaje ideológico, los tertulianos celebran la mítica y desmesurada escena de la pelea entre Piper y Keith David, así como la magnífica banda sonora instrumental y el espíritu puramente anarquista y contracultural que impregna cada fotograma de esta obra maestra de la serie B.

Lola Herrera en el teatro y la secuela de 'Prácticamente magia' protagonizan una entrega del magacín de esRadio cargada de novedades. Una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio arranca rindiendo un sentido homenaje a la legendaria intérprete de jazz Cassandra Wilson. A través de la escucha de su mística versión de Harvest Moon, el clásico de Neil Young, el equipo del programa reflexiona sobre la capacidad de la música para evocar emociones profundas y conectar con el recuerdo y la sensibilidad del oyente. En el plano de las novedades musicales, Dani Palacios introduce la propuesta de la banda de rock neopsicodélico australiana Druid Fluids con su canción Needles in Strawberries. Este corte sirve como adelanto de su próximo trabajo discográfico, titulado Paraidolia, que verá la luz a finales de año. Palacios elogia la impecable producción de este combo liderado por Milo Green, cuyo sonido combina texturas clásicas de los sesenta con sintetizadores contemporáneos. Por su parte, Juanma González trae al estudio el sonido de la formación sueca De Magnolia, originarios de Gotemburgo, a través de su tema Who Are You. González incide en el marcado estilo norteamericano de este numeroso colectivo musical, que destila influencias del soul clásico de los años sesenta y setenta, recordando a figuras de la talla de Al Green, y demostrando una solvencia instrumental sobresaliente. El repaso a la actualidad musical se completa con la intervención de Isaac Ibáñez, quien presenta Blood Oath, el nuevo sencillo de la veterana banda de metal sureño Down, capitaneada por Phil Anselmo. Ibáñez analiza el esperado regreso de la formación de Nueva Orleans con su próximo volumen de estudio y desvela una llamativa colaboración con el legendario King Diamond, lo que promete hacer las delicias de los aficionados al género. En la sección dedicada a las artes escénicas, Alma Espinosa nos acerca a la representación de Camino a la Meca en el Teatro Bellas Artes de Madrid. La obra, protagonizada por la gran Lola Herrera bajo la dirección de Claudio Tolcachir, narra la historia real de la escultora Helen Martins en Sudáfrica. Espinosa destaca el reencuentro sobre las tablas de Herrera con su hija Natalia Dicenta, aportando un extra de emotividad a una función que aborda con maestría la vejez y la toma de decisiones personales. En el ámbito cinematográfico, se debate la futura secuela de la comedia fantástica Prácticamente magia, que volverá a contar con Sandra Bullock y Nicole Kidman como protagonistas. Los colaboradores analizan las luces y sombras de esta continuación, dirigida por Susan Bier, cuestionando si logrará recuperar el tono gótico y la acidez de la cinta original de finales de los noventa o si se perderá en la sensiblería habitual de las producciones actuales. Para cerrar el programa, el equipo analiza los estrenos más recientes del cine español, centrando su atención en El nido, un intrigante thriller de suspense protagonizado por Michelle Jenner. Asimismo, recomiendan con entusiasmo la película Forastera, dirigida por Lucía Alenar y rodada en Mallorca, ensalzando su magnética atmósfera de misterio y su cuidada propuesta estética como una de las sorpresas de la temporada.

Felipe Couselo y sus colaboradores analizan el fin del cine romántico clásico y repasan la evolución del agente 007 en la gran pantalla. En una nueva edición del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, se inicia la velada con una distendida charla de reincorporación tras las vacaciones junto a Daniel Palacios. Entre bromas sobre pulseras, el "glamour campechano" y las galletas Campurrianas, los colaboradores analizan las excentricidades del verano antes de adentrarse en el bloque musical, dedicado al grupo británico The Zombies y su mítico álbum Odessey and Oracle. El núcleo del programa se centra en analizar cómo las películas románticas tradicionales, tanto comedias como dramas, han ido desapareciendo de las salas de cine en las últimas décadas. Para ilustrar esta transformación, se recurre a un célebre fragmento de la película Sesión Continua de José Luis Garci, donde grandes actores como José Bódalo y Jesús Puente debaten sobre la pérdida del romanticismo clásico en el cine y pronuncian la icónica frase sobre cómo los besos de tornillo se han perdido en favor de relaciones más explícitas y vacías. El equipo disecciona varios títulos del siglo XXI que demuestran este cambio de paradigma. Se comienza analizando Embriagada de Amor (Punch-Drunk Love), una obra de Paul Thomas Anderson protagonizada por Adam Sandler que desafía las convenciones del género a través de la ansiedad y la inestabilidad emocional de su protagonista. Asimismo, se comenta Two Lovers, dirigida por James Gray, un drama melancólico en el que Joaquin Phoenix encarna a un hombre atormentado, alejándose por completo de los finales felices tradicionales. El análisis avanza hacia dos títulos fundamentales: 500 Días Juntos (500 Days of Summer) y La La Land. La primera deconstruye el mito del amor idealizado mostrando la incompatibilidad y las expectativas frustradas de una pareja que nunca llega a consolidarse, mientras que la oscarizada película de Damien Chazelle presenta un bellísimo musical clásico que, sin embargo, culmina con un desgarrador final realista donde el éxito profesional y las ambiciones personales de los protagonistas terminan por separar sus caminos de forma inevitable. La distopía también tiene cabida en esta lista con La Langosta (The Lobster), de Yorgos Lanthimos, donde la soltería se castiga con la transformación en animales, y la célebre Her, de Spike Jonze, en la que Joaquin Phoenix se enamora de un sistema operativo. Ambas películas exploran la soledad contemporánea y la imposibilidad de conectar humanamente. En una línea similar, ¡Olvídate de Mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind) aborda el dolor de la ruptura mediante la eliminación selectiva de recuerdos, mostrando un romance profundamente doloroso y surrealista. Para cerrar el bloque cinematográfico, se comentan Lars y una Chica de Verdad (Lars and the Real Girl), donde Ryan Gosling interpreta a un hombre con graves problemas de socialización que inicia una relación con una muñeca, y la extrema Audición (Audition), del director japonés Takashi Miike, que comienza como una aparente comedia de búsqueda de esposa y deriva en un perturbador e impactante thriller de tortura y sadismo, culminando la subversión total de las expectativas de una historia de amor. En el tramo final del espacio, Juanma González lidera el análisis de la saga cinematográfica de James Bond, partiendo de unas recientes declaraciones de Gary Oldman que podrían haber revelado detalles sobre el futuro del personaje. Los colaboradores repasan la evolución del agente 007 a través de las diferentes eras, destacando el intento de realismo y violencia literaria de Timothy Dalton, la sofisticación de Pierce Brosnan (que introdujo a Judi Dench como M) y la brutalidad física de Daniel Craig, rememorando la icónica escena de tortura de Casino Royale.

Un recorrido por obras como 'Her' o '¡Olvídate de mí!' muestra la evolución de las historias de pareja hacia la distopía y la fobia social. En esta nueva edición del espacio de cine de esRadio, los colaboradores comienzan con una distendida charla sobre las secuelas físicas del verano antes de adentrarse en el tema principal de la noche: la evolución y aparente desaparición de las películas románticas convencionales en los últimos veinticinco años. Para ilustrar esta transformación, recuerdan una mítica escena de la película Sesión Continua, dirigida por José Luis Garci en 1984, donde los personajes interpretados por Jesús Puente y Adolfo Marsillach debaten sobre cómo deconstruir las historias de amor en el cine, vaticinando de algún modo el rumbo amargo y complejo que tomaría el género en el siglo XXI. La primera parada de este recorrido por el antirromance contemporáneo es Punch-Drunk Love, conocida en España como Embriagada de Amor y dirigida por Paul Thomas Anderson en 2002. Los colaboradores explican que, lejos de ser una comedia romántica al uso, esta cinta es un retrato incómodo de la ansiedad y el colapso emocional de su protagonista, interpretado por un sorprendente Adam Sandler. Sometido a la asfixiante presión de sus siete hermanas y extorsionado a través de una línea de teléfono erótica, el personaje transita por una atmósfera de tensión constante, acentuada por un diseño sonoro frenético y una banda sonora que recuerda a la de la aclamada Magnolia, alejando al espectador de cualquier atisbo de romanticismo tradicional. A continuación, se analiza Two Lovers, drama de 2008 dirigido por James Gray. La película sitúa a Joaquin Phoenix en el papel de Leonard, un hombre con graves problemas de estabilidad mental que, tras una dolorosa ruptura, regresa a vivir con sus padres. La trama se sumerge en un angustioso triángulo amoroso donde el protagonista debe elegir entre la estabilidad que le ofrece Sandra, una joven formal apoyada por su familia, y la caótica fascinación que ejerce Michelle, su misteriosa vecina interpretada por Gwyneth Paltrow. Los colaboradores destacan que la cinta destaca por mostrar cómo la sobreprotección familiar puede anular por completo al individuo, convirtiendo la búsqueda del amor en un proceso profundamente doloroso y melancólico. El análisis continúa con la aclamada La La Land de Damien Chazelle, estrenada en 2016. Aunque la producción se presenta inicialmente como un deslumbrante homenaje a los musicales clásicos de la época dorada de Hollywood, los ponentes remarcan que su desenlace supone un auténtico golpe de realidad para el espectador. Al priorizar el desarrollo de sus respectivas carreras profesionales frente a su relación de pareja, los personajes de Sebastian y Mia encarnan el individualismo de nuestra era. El recurso de mostrar una secuencia de ensueño con el final feliz que nunca ocurrió no hace sino acentuar la inevitable desconexión entre las fantasías artísticas y la vida real. La vertiente más distópica y extrema del género llega de la mano del director griego Yorgos Lanthimos con The Lobster, traducida como Langosta en 2015. En este perturbador universo, la soltería es perseguida por la ley, obligando a los ciudadanos sin pareja a recluirse en un hotel donde disponen de cuarenta y cinco días para encontrar a su media naranja. De lo contrario, el castigo consiste en ser transformados en un animal de su propia elección. El protagonista, encarnado por Colin Farrell, opta por la langosta en caso de fracasar, en una durísima metáfora que critica las convenciones sociales sobre el matrimonio y la vida en pareja. Otra de las obras cumbre de la ciencia ficción romántica analizada es Her, el largometraje de Spike Jonze estrenado en 2013. Theodore, interpretado de nuevo por Joaquin Phoenix, es un hombre solitario que se gana la vida escribiendo cartas para terceros y que termina enamorándose de Samantha, una inteligencia artificial con la voz de Scarlett Johansson. El programa de esRadio analiza cómo la cinta aborda de manera brillante la alienación tecnológica y la simulación de la empatía en una sociedad donde los de por sí aislados individuos viven incomunicados tras sus auriculares, culminando en un desenlace devastador que rompe cualquier ilusión de correspondencia real. En la lista de recomendaciones no podía faltar Eternal Sunshine of the Spotless Mind, titulada en España ¡Olvídate de mí! y dirigida en 2004 por Michel Gondry. En este clásico moderno de culto, Joel descubre que su exnovia Clementine se ha sometido a un proceso clínico para borrar de su mente todos los recuerdos de su relación, lo que le lleva a tomar la misma drástica decisión. Los colaboradores elogian el derroche de creatividad visual de Gondry, repleto de efectos prácticos analógicos y juegos de perspectiva, que dan forma a una de las historias más trágicas, caóticas y bellas sobre la memoria amorosa y el dolor de la pérdida. Finalmente, se abordan dos películas que llevan la necesidad de afecto a extremos insospechados. Por un lado, Lars y una chica de verdad presenta a Ryan Gosling como un joven con fobia social que entabla una relación con una muñeca de plástico, Bianca, obligando a todo su pueblo a participar en una terapia de aceptación colectiva. Por otro lado, la ácida e inesperada recomendación de Audition, la célebre película de terror japonesa dirigida por Takashi Miike en 1999, cierra el programa. Lo que comienza como una aparente búsqueda de esposa mediante un falso casting cinematográfico se transforma de golpe en una de las mayores pesadillas del cine contemporáneo, demostrando que la deconstrucción del amor en el cine puede terminar, literalmente, en una carnicería.

Un comentario sobre el relevo de James Bond desata los rumores y abre en esRadio un repaso por la trayectoria de los rostros de la franquicia. En una reciente entrevista concedida a la televisión canadiense con motivo de la promoción de la nueva temporada de Slow Horses, el aclamado actor Gary Oldman desató la polémica al sugerir que el próximo agente 007 ya ha sido seleccionado. Oldman bromeó sobre la posibilidad de que su compañero de reparto, Jack Lowden, sea el elegido, lo que ha avivado el eterno debate sobre quién heredará el icónico papel de James Bond. Este comentario ha vuelto a poner en el punto de mira a nombres como Jacob Elordi o Callum Turner, sumando misterio a la producción de Amazon MGM. Durante la tertulia de cine en esRadio, los colaboradores repasan la trayectoria de los actores que han dado vida al espía británico, comenzando por el legendario Sean Connery. Connery debutó en Dr. No, estableciendo las bases del personaje con una mezcla de sofisticación y dureza. Su consagración definitiva llegó con títulos como From Russia with Love y, especialmente, Goldfinger, película que definió el esquema clásico de la saga para las décadas posteriores y que sigue siendo considerada una obra cumbre del cine de espías. La etapa de Roger Moore introdujo un tono mucho más festivo y desenfadado, caracterizado por el uso constante del doble sentido y el humor. Películas como Octopussy o For Your Eyes Only reflejan esta época en la que el espía parecía disfrutar de sus misiones más que nunca. Sin embargo, el análisis en esRadio apunta que Moore se prolongó demasiado en el papel, lo que llevó a la franquicia a rozar la parodia y a perder la seriedad que caracterizaba a las novelas originales de Ian Fleming. Para corregir este rumbo, la productora apostó por el rigor teatral de Timothy Dalton, quien ofreció una interpretación mucho más cercana al Bond literario en The Living Daylights y Licence to Kill. Esta última, estructurada como un thriller de venganza muy violento al estilo del cine de acción estadounidense de los ochenta, no obtuvo el éxito de taquilla esperado. A pesar de ello, la crítica actual reivindica la etapa de Dalton por su valentía al anticipar el tono realista que triunfaría años después. La llegada de los años noventa trajo consigo a Pierce Brosnan, quien debutó con gran éxito en GoldenEye. Esta entrega modernizó la saga al introducir cambios significativos, como la presencia de Judi Dench en el papel de M y la eliminación del hábito de fumar del protagonista. Brosnan logró un equilibrio perfecto entre la elegancia clásica y la acción moderna, aunque su trayectoria culminó de forma extravagante con Die Another Day, recordada por sus excesivos elementos de ciencia ficción, como el polémico coche invisible. El cambio más radical se produjo en 2006 con el estreno de Casino Royale, protagonizada por Daniel Craig. Este Bond, definido como un ejecutor implacable que comenzaba desde cero, redefinió la franquicia con un estilo de lucha realista y una fisicidad brutal. Escenas como la tortura a manos del villano interpretado por Mads Mikkelsen marcaron un antes y un después. No obstante, la posterior Quantum of Solace sufrió las consecuencias de la huelga de guionistas de Hollywood, lo que afectó a su desarrollo narrativo. Finalmente, los comentaristas abordan los constantes rumores sobre el fichaje de Idris Elba, una opción muy popular entre el público pero que parece descartada debido a su edad. También recuerdan proyectos paralelos que no llegaron a materializarse, como el spin-off centrado en el personaje de Halle Berry en la era Brosnan, y comentan el futuro de la marca bajo el control de Amazon, que busca expandir el universo de James Bond manteniendo la esencia del espía más famoso de la historia del cine.

Recorremos todos los colores de Weezer: del mítico Blue Album al nuevo Gold Album, pasando por Green, Red, White, Teal y Black

Una selección de canciones para celebrar la amistad, recordar a quienes siempre están y poner banda sonora a esos vínculos que nos acompañan.

Repasamos la actualidad junto a los colaboradores. Desde la pelicula del Heladero hasta una cumbia de Offspring

Zack Snyder, Alejandro Amenábar y Brett Ratner centran las críticas más feroces del programa de esRadio por sus largometrajes fallidos. En esta nueva entrega de la temporada del espacio cinematográfico de esRadio, Juanma González y Felipe Couselo inauguran una sección muy especial dentro de El Resplandor. En lugar de centrarse en las películas preferidas de los colaboradores, el espacio se estrena bajo la premisa de analizar de forma detallada aquellas obras y directores que despiertan el más absoluto rechazo en Felipe Couselo, un contrarretrato que promete convertirse en un clásico de la audiencia de la emisora. El primer gran foco de las críticas de Couselo es el director estadounidense Zack Snyder y su controvertido universo de superhéroes de DC. Felipe confiesa que ver películas como Batman v Superman: El amanecer de la justicia o la versión de cuatro horas de La Liga de la Justicia le resulta una tortura inaguantable. Relata, entre risas, cómo durante el visionado doméstico de la primera, tanto él como su pareja se quedaron dormidos en intervalos diferentes de veinte minutos sin que eso afectara en lo más mínimo a la comprensión de una trama que califica de absurda, destacando el irrisorio y ya célebre momento en el que los protagonistas se reconcilian al descubrir que sus madres comparten el nombre de Martha. La conversación se traslada de inmediato al cine nacional e internacional de la mano de Alejandro Amenábar y su película Regresión, protagonizada por Ethan Hawke y Emma Watson. Para Couselo, este largometraje representa una enorme decepción, definiéndolo como un corta y pega sin alma de otras películas de intriga y terror psicológico. El colaborador critica con dureza la ausencia de un final real, un vacío que el director gallego parece justificar de manera pretenciosa, dejando al espectador con la amarga sensación de haber desperdiciado hora y media de su vida en un simulacro de thriller. El tercer realizador maldito en la lista de Couselo es Brett Ratner, un director muy popular por la saga de acción y comedia Hora Punta, pero cuya carrera se vio truncada tras las graves acusaciones en el marco del movimiento MeToo. Felipe recuerda el nefasto trabajo de Ratner en X-Men: La decisión final, un proyecto al que llegó como sustituto de emergencia tras la marcha de Bryan Singer. A pesar de contar con una gran producción, Couselo opina que Ratner carece por completo de un sello autoral propio y que sus películas son blockbusters prefabricados, vacíos de cualquier valor artístico duradero. El análisis no deja títere con cabeza y el cineasta alemán Roland Emmerich también recibe su dosis de crítica a través de su mítica cinta de invasión extraterrestre Independence Day. Aunque Juan González intenta defender la espectacularidad y el encanto de serie B de la película, Couselo no puede ocultar su antipatía por el patriotismo exacerbado y el chovinismo norteamericano que impregna cada escena, personificado en el famoso discurso radiofónico del presidente interpretado por Bill Pullman. Para Felipe, la obra de Emmerich, incluyendo su posterior y fallida versión de Godzilla, representa lo peor del cine de catástrofes de los años noventa. Finalmente, los críticos de la emisora debaten sobre la figura de Renny Harlin y, en concreto, sobre su película Cazadores de mentes. Couselo despedaza la trama de este thriller de asesinos en serie por sus giros de guion completamente desproporcionados e ilógicos, especialmente la absurda revelación de la identidad del asesino conocido como el titiritero. No obstante, el programa concluye comentando el inminente estreno de The Beast, la nueva producción de acción de Harlin grabada en España con Samuel L. Jackson, un proyecto que promete mantener viva la trayectoria de un director especialista en blockbusters de presupuesto medio y entretenimiento palomitero.

De la réplica de 'Stranger Things' por 39 euros al clásico de 'Magnum' en un museo: el impacto cultural de este accesorio en la pequeña pantalla. La conversación de los colaboradores se centra en un análisis divertido sobre el uso de las gorras como accesorio de moda y su gran relevancia en la cultura popular. Los presentadores comparten sus propias experiencias veraniegas, admitiendo haber recurrido a este complemento con más frecuencia de lo habitual. Uno de los tertulianos incluso revela haber adquirido un colgador especial para mantener organizada su creciente colección. A partir de esta premisa, el programa de esRadio inicia un recorrido por las gorras más icónicas de la televisión, comenzando por el fenómeno de Stranger Things. En la famosa serie de misterio, el personaje de Dustin es inseparable de su gorra, conocida popularmente como la Thinking Cap. Se trata de un modelo de estilo camionero, reconocible por su visera y frontal sólidos combinados con una rejilla trasera, que luce los colores azul y blanco con una marcada estética de los años ochenta. El impacto de este accesorio ha sido tal que la propia plataforma de entretenimiento comercializa la réplica oficial por un precio de 39 euros, lo que abre un debate sobre la exclusividad y el coleccionismo de estas prendas. El repaso continúa con Euphoria, la aclamada producción dramática donde el personaje interpretado por Zendaya destaca por un estilo urbano muy personal. En su vestuario, de corte masculino y sobredimensionado, las gorras de béisbol juegan un papel fundamental para reforzar su actitud. Aunque no existe un único diseño que defina al personaje, la incorporación constante de estas viseras más blandas y desgastadas aporta una gran personalidad y estilo a la protagonista, diferenciándose de los modelos más rígidos estructurados. No se puede hablar de la historia de la televisión y las gorras sin mencionar a la estrella de El Príncipe de Bel-Air. El personaje de Will Smith marcó tendencia en la década de los noventa gracias a su estética vinculada al movimiento de música urbana, donde la visera se llevaba de manera informal, ya fuera completamente hacia atrás o ligeramente ladeada. Este detalle sirve para que en esRadio se debata sobre los códigos sociales de llevar la gorra del revés, una costumbre aceptable en jóvenes pero considerada una llamada de atención en hombres adultos. Los locutores recuerdan que en el cine de acción existen excepciones célebres, como el papel de Sylvester Stallone en la película de culto Yo, el Halcón, donde el protagonista giraba su visera antes de cada combate de pulso como un ritual de concentración. En el aspecto comercial, se destacan marcas históricas como New Era, Starter o Mitchell & Ness, firmas que han construido imperios gracias a las licencias de las ligas profesionales estadounidenses y que han consolidado la presencia de las gorras deportivas en el mercado global. El mundo de los dibujos animados también tiene su espacio con Ash Ketchum, el eterno protagonista de la saga de animación Pokémon. Su gorra de color rojo y blanco, con un símbolo verde en el frente, es un icono para millones de espectadores que crecieron con la franquicia. Los presentadores rememoran con humor la fiebre desatada por el videojuego para dispositivos móviles Pokémon Go, una tecnología que logró movilizar a multitudes en espacios públicos y que contrastaba con el carácter tradicionalmente sedentario de las consolas de mesa. Para concluir, el espacio radiofónico analiza la figura de Thomas Magnum en la mítica serie de detectives de los ochenta. Tom Selleck popularizó la célebre gorra de los Detroit Tigers, un diseño clásico de color azul marino con la letra de inicial en blanco. Este objeto de culto, cuyo original se conserva en un museo nacional, ejemplifica cómo el deporte y la ficción se retroalimentan. Finalmente, los colaboradores de esRadio recuerdan que la etiqueta exige quitarse la gorra al acceder a espacios cerrados, iglesias o restaurantes, respetando siempre las normas de cortesía.

Desde el emblemático Náutico gallego hasta bandas japonesas y británicas, esRadio repasa los mejores ritmos del verano en una edición especial. En esta nueva entrega del programa en esRadio, el presentador nos ofrece una edición especial veraniega inspirada en sus recientes vacaciones. Durante su viaje a O Grove, en Galicia, descubrió el emblemático local El Náutico de San Vicente, un rincón único que organiza conciertos sorpresa diarios durante los meses de julio y agosto sin desvelar previamente el cartel, logrando una atmósfera inigualable. La primera gran sorpresa de su periplo vacacional fue descubrir en directo a The Neatbeats. Esta banda japonesa de rock and roll e impecable estética twist dejó una profunda huella en el público gallego. Interpretando su tema Wagyū de Twist, demostraron por qué se autodenominan con humor los reyes del género, contagiando su energía a todos los asistentes. Siguiendo con la influencia nipona, el programa destaca a la mítica formación femenina The 5.6.7.8's, mundialmente conocida por su aparición en la película Kill Bill de Quentin Tarantino. El locutor comparte una curiosa anécdota sobre cómo el director de cine las descubrió casualmente en un aeropuerto de Tokio, llegando a perder su vuelo para adquirir su disco antes de ficharlas para su famoso largometraje, del cual escuchamos el tema Woo Hoo. El recorrido musical continúa con los británicos MFC Chicken, una banda londinense que mezcla el espíritu del garage rock con un saxofón espectacular. Muy habituales de los escenarios españoles, su canción Chicken Baby Chicken es la muestra perfecta de una música bailable que divierte y hace disfrutar a cualquier oyente, sin importar sus preferencias habituales. La elegancia instrumental llega de la mano de los barceloneses Los Mambo Jambo. El presentador confiesa su absoluta admiración por este grupo de rock and roll, surf y rhythm and blues, del cual atesora como una auténtica joya un flexidisc en su colección privada, destacando su capacidad para crear ritmos salvajes y sugerentes. No podía faltar en esta selección la gran Imelda May, la artista irlandesa que revitalizó el sonido rockabilly con una fuerza arrolladora. Su emblemático tema Johnny Got a Boom Boom, con su icónica línea de contrabajo y su marcada estética pin-up, sirve para elevar la temperatura del programa y consolidar el ambiente festivo de la noche. En el panorama nacional, el espacio rinde homenaje a la polifacética Vinila Von Bismark en su recordada etapa junto a la banda madrileña The Lucky Dados. Juntos dieron forma a canciones tan sugerentes como Oh Baby, un ejemplo perfecto de la fusión entre el burlesque, el rock clásico y el descaro escénico. El surf rock instrumental cobra especial protagonismo con dos grandes recomendaciones: los consagrados Los Coronas, pioneros del género en España, y los mexicanos Los Acapulco con su tema Surf Mongol. El locutor aprovecha este momento para bromeando sobre la terminología adecuada para referirse a los habitantes de Mongolia según las definiciones oficiales de la lengua. La diversión continúa con la banda barcelonesa The Tiki Phantoms, conocida por actuar con máscaras de calavera, y su particular versión del clásico de A-ha, rebautizada como Tiki on Me. Acto seguido, suena Los Wallas con su tema La Playa, ideal para evocar los mejores momentos del verano y la desconexión estival. Para enfilar el cierre, el programa apuesta por el sonido garajero y distorsionado de Juanito Wau y los Arghs interpretando la versión del clásico peruano Demolición. Finalmente, el pianista francés Henry Herbert asombra con su virtuosismo al teclado interpretando su vibrante boogie-woogie Austin Texas Boogie Woogie, antes de despedir la emisión en esRadio al ritmo de T. Rex con su legendaria canción Cosmic Dancer.

De los fiascos de Hollywood y el uso de viseras en la cultura pop: la tertulia de Felipe Couselo retoma sus emisiones con humor y rock de garaje. En una nueva edición de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el director del programa, Felipe Couselo, arranca la velada rodeado de su habitual plantel de colaboradores para comentar las andanzas veraniegas de cada uno de ellos. Entre risas y anécdotas sobre los kilómetros recorridos por España, Portugal y Francia, los tertulianos debaten sobre la vuelta al cole radiofónica y bromean sobre la ausencia de Dani Palacios, vaticinando que regresará de sus vacaciones con una actitud insoportable por haberse tomado el descanso en septiembre. Tras la animada charla inicial, Felipe Couselo introduce una de sus grandes pasiones musicales pinchando un clásico de la mítica banda de glam rock T. Rex, extraído directamente de su edición en vinilo de Electric Warrior. El presentador aprovecha este momento para rememorar con tono distendido su asistencia a un sofisticado baile de gala en Pontevedra durante las vacaciones, comparando la atmósfera del evento con escenas cinematográficas. La conversación deriva inevitablemente hacia el controvertido universo de los superhéroes y el director cinematográfico Zack Snyder, desatando las primeras discrepancias en el estudio sobre el valor de sus producciones para la franquicia de DC. Juanma González toma el mando del micrófono para inaugurar la sección El Resplandor, que en esta tercera temporada arranca con una propuesta muy peculiar: analizar minuciosamente las cosas que Felipe Couselo detesta. El primer gran objetivo de sus críticas es la película Regresión, dirigida por Alejandro Amenábar, a la que el presentador tilda de burdo intento de réplica de los clásicos del suspense norteamericano. Couselo y sus colaboradores diseccionan los fallos de guion, la falta de un final sólido y la desconexión que sufrieron como espectadores, coincidiendo en que se trata de uno de los trabajos más fallidos del realizador español. El debate sube de tono al abordar la saga cinematográfica de Transformers y la firma estilística de su director, Michael Bay. Mientras que Juanma defiende ciertos aspectos de la primera entrega como el epítome del blockbuster moderno, Couselo arremete contra el vacío argumental de las secuelas, catalogándolas de insoportables ejercicios de pirotecnia sin sentido. La crítica se extiende después a Brett Ratner y su trilogía de Hora Punta, señalando no solo su descrédito profesional tras las acusaciones surgidas al calor del movimiento MeToo, sino también su absoluta falta de talento y de sello de autor frente a otros realizadores de cine de acción comercial. Otro de los momentos cumbres de la sección de "odio" llega al analizar el icónico discurso del presidente estadounidense en Independence Day. Felipe Couselo confiesa su profunda repulsa hacia el chovinismo norteamericano que impregna la cinta de Roland Emmerich, considerándolo un cliché insoportable que ha envejecido terriblemente mal. Acto seguido, el grupo despedaza sin piedad la cinta de suspense Cazadores de Mentes, dirigida por Renny Harlin, mofándose de sus absurdos giros de guion, especialmente en lo tocante a la identidad del asesino "el Titiritero", y de las ridículas actuaciones de un reparto encabezado por Val Kilmer y Christian Slater. En la segunda mitad del programa, Alma Espinosa lidera una refrescante sección dedicada al uso de las gorras y su influencia en la cultura pop. Alma analiza cómo este accesorio ha trascendido el ámbito deportivo para convertirse en un elemento clave del estilo juvenil, destacando la gorra de Dustin en la serie Stranger Things y el look urbano que exhibe Zendaya en la aplaudida producción televisiva Euphoria. Los colaboradores debaten de manera hilarante sobre los límites del protocolo al llevar gorra, cuestionando si es admisible lucirla en espacios interiores como restaurantes o gimnasios, o si llevar la visera hacia atrás o de lado resulta ridículo a partir de cierta edad. Continuando con el repaso de gorras emblemáticas, Alma y los tertulianos rescatan la mítica gorra de los Detroit Tigers que lucía Tom Selleck en la serie Magnum, P.I., señalando cómo este accesorio contribuyó a forjar la identidad del famoso detective hawaiano. Asimismo, recuerdan las extravagantes formas en las que Will Smith se colocaba la gorra en El Príncipe de Bel Air, con la visera completamente levantada o ladeada, marcando una tendencia que definió a toda la generación de los años noventa. El análisis concluye con la constatación de que la gorra se ha convertido en un recurso unisex indispensable, capaz de ocultar un mal peinado o de proyectar una imagen rebelde y desenfadada. La recta final del programa queda reservada para los célebres Pikaditos de Isaac Vizcaíno, quien decide apartarse momentáneamente de la música electrónica para confeccionar una sensacional playlist inspirada en su reciente viaje vacacional a Galicia. Isaac traslada a los oyentes al Náutico de San Vicente, en O Grove, pinchando a la banda japonesa de garage rock The Neatbeats, cuyos ritmos frenéticos invitan al baile inmediato. A lo largo de la sección desfilan grupos como MFC Chicken, Vinila von Bismark junto a Lucky Dados, y bandas de surf rock instrumental como Los Coronas o los enmascarados The Tiki Phantoms, demostrando que es posible disfrutar del rock más gamberro y bailable lejos de las pistas de baile electrónicas convencionales. El programa se despide con un enérgico tema de piano boogie-woogie a cargo del músico francés Henri Herbert, cerrando otra noche de radio gamberra y desinhibida.

Felipe Couselo y Juanma González estrenan temporada en esRadio con un homenaje a la trayectoria del polifacético e inolvidable actor británico. El presentador Felipe Couselo y su colaborador Juanma González arrancan la temporada de Prohibido Contar Ovejas en esRadio con un programa especial dedicado a recordar la trayectoria de Tim Curry, el carismático actor británico que falleció recientemente. Los locutores repasan su polifacética carrera, que abarca desde la música hasta la televisión, el teatro, los videojuegos y, por supuesto, el cine, donde dejó una huella imborrable con sus interpretaciones icónicas. Además, aprovechan para promocionar su podcast galardonado, Par en Par. Antes de entrar de lleno en su filmografía, el programa destaca la carrera musical de Curry, quien lanzó tres discos en solitario entre finales de los setenta y principios de los ochenta, entre ellos Read My Lips y Simplicity. Durante la emisión se escucha su canción 'Working on My Tan', producida por el célebre Michael Kamen. Juanma González recuerda que Curry poseía una sólida formación shakesperiana en el teatro británico, lo que le otorgaba una presencia escénica y una expresividad vocal inigualables, características que marcaron su debut en el cine con The Rocky Horror Picture Show. Los presentadores analizan el debut de Curry en la gran pantalla interpretando al inolvidable Frank-N-Furter en este clásico musical de culto de 1975, un papel que ya había encarnado con gran éxito en las tablas. La película, coescrita por Richard O'Brien, revolucionó la época por su estética gótica y transgresora, convirtiéndose en una obra de culto que sigue fascinando a generaciones. Los locutores coinciden en que es una cinta maravillosamente imperfecta que consagró a Curry como un icono multidisciplinar gracias a su arrolladora personalidad y su inconfundible voz. A lo largo de la década de los ochenta, la carrera cinematográfica de Curry despegó con títulos muy populares. Participó en la adaptación del musical Annie, bajo la dirección de John Huston, y en Clue (El juego de la sospecha), una divertida comedia de enredo inspirada en el famoso juego de mesa en la que interpretaba al mayordomo. También dio vida al imponente Señor de las Tinieblas en Legend, la fantasía barroca de Ridley Scott, donde su proceso de maquillaje extremo era tan complejo y doloroso que en una ocasión llegó a arrancárselo, dañándose la piel. Sin duda, uno de los momentos cumbre de la noche es el análisis de su interpretación de Pennywise en la miniserie televisiva de 1990 que adaptaba la novela de Stephen King, It. A pesar de las limitaciones presupuestarias y de censura de la televisión de la época, Curry logró crear un monstruo terrorífico sin necesidad de recurrir a la violencia explícita, basándose puramente en su gesticulación y su mirada. Escenas como la de la alcantarilla con el pequeño Georgie siguen siendo hitos del cine de terror que marcaron la infancia de muchos espectadores. El repaso continúa con su participación en grandes producciones de Hollywood de la década de los noventa. Curry interpretó al doctor Yevgeniy Petrov en La caza del Octubre Rojo, compartiendo cartel con Sean Connery y Alec Baldwin. También se le recuerda como el repelente conserje del Hotel Plaza en Solo en casa 2: Perdido en Nueva York y como el sibilino cardenal Richelieu en la versión de Los tres mosqueteros de Disney, que contaba con una exitosa banda sonora liderada por Bryan Adams, Sting y Rod Stewart. Tras sufrir un grave ictus en 2012 que limitó su movilidad y afectó a su rostro, Curry se centró en el trabajo de voz. Los locutores repasan su extenso legado como actor de doblaje en series animadas de éxito como Phineas y Ferb o Star Wars: The Clone Wars, donde interpretó a Darth Sidious. Asimismo, destacan su participación en videojuegos de culto como Command & Conquer: Red Alert 3, donde encarnó a un hilarante líder comunista, o Brütal Legend, consolidando una trayectoria artística inigualable que el programa homenajea con gran admiración.

Un recorrido sonoro por los hitos de la diva galesa y el icono de Tennessee, desvelando los secretos detrás de sus canciones más memorables. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo, se rinde un emotivo homenaje musical a dos de las más grandes leyendas de la música popular del siglo XX: Bonnie Tyler y Dolly Parton. A lo largo de la emisión, se repasan los hitos más importantes de sus carreras, sus canciones más emblemáticas y las curiosidades detrás de sus particulares estilos vocales y artísticos. La primera parte del espacio está dedicada a la cantante galesa Bonnie Tyler, nacida como Gaynor Hopkins en 1951. Couselo rememora sus comienzos con el sencillo Lost in France, lanzado en 1976 y perteneciente a su álbum debut The World Starts Tonight. Se destaca cómo su característica voz rasgada y potente, que la equiparó a artistas como Rod Stewart, no fue un impedimento sino su mayor sello de identidad, originado tras someterse a una operación de nódulos en la garganta. El repaso a la trayectoria de Tyler continúa con el gran éxito internacional It's a Heartache, incluido en su segundo álbum Natural Force, que la consagró en las listas de éxitos de Europa y Estados Unidos. El programa también se detiene en su histórica colaboración con el productor Jim Steinman, responsable de su obra cumbre, Total Eclipse of the Heart, una balada épica de tintes operísticos que originalmente se gestó como un tributo a Nosferatu. De esta misma etapa sobresale Faster Than the Speed of Night, tema que contó con la participación de miembros de la mítica E Street Band de Bruce Springsteen. La influencia de Bonnie Tyler en la cultura popular de los ochenta se consolidó gracias a piezas como Holding Out for a Hero, emblemática canción de la banda sonora de la película Footloose. Tras analizar su paso por los noventa y su posterior etapa dedicada a las versiones de clásicos en el disco Heart Strings de 2003, el programa despide a la galesa, fallecida recientemente, con la audición de Making Love Out of Nothing at All. La segunda mitad del programa se centra en la inigualable figura de la estadounidense Dolly Parton, nacida en 1946 en el seno de una familia extremadamente pobre de Tennessee. Se analiza su debut discográfico con Dumb Blonde en 1967, un tema que rompió con los estereotipos de la época, y su posterior incorporación al célebre programa de televisión de Porter Wagoner, que impulsó de manera definitiva su carrera musical en los Estados Unidos. Couselo destaca el carácter profundamente autobiográfico de la obra de Parton, ejemplificado en Coat of Many Colors, una canción inspirada en el abrigo de retales que su madre le cosió durante su infancia. No obstante, el tema que marcó su despegue definitivo en la industria fue Jolene, una composición basada en una historia real de celos inocentes con una empleada de banco que flirteaba con su marido, Carl Dean. Esta canción se convertiría en uno de los himnos imperecederos del country a nivel mundial. Asimismo, el programa repasa la exitosa incursión de Dolly Parton en el cine con la película 9 to 5 y su correspondiente tema musical homónimo, nacido de los ritmos que la propia artista improvisaba con sus uñas en el set de rodaje. El homenaje concluye con el análisis de su estrecha relación con Kenny Rogers, plasmada en el éxito Islands in the Stream, y la historia detrás de I Will Always Love You, tema que Parton se negó a ceder a Elvis Presley por cuestiones de derechos de autor y que más tarde generaría una fortuna gracias a la versión de Whitney Houston.

Antes de que Billy Corgan se acerque por España a interpretar el disco, Roberto nos enseña las diferentes ediciones y versiones de este icónico álbum

Nos adentramos y conocemos algunas de las canciones que se estructuran en segmentos bien diferenciados

Ya que estamos de vacaciones, seleccionamos algunos temas que hablan de hoteles, moteles y alojamientos en general

Felipe Couselo con la ayuda de Andrés López repasa algunas de las baladas que no hablan de amor romántico

Último día de la semana y último programa sobre historias escondidas en las canciones que tanto nos gustan.

Felipe Couselo sigue analizando las historias escondidas en las canciones pero esta vez nos centramos en los temas en castellano

Felipe Couselo sigue contandonos historias escondidas en canciones que hemos cantando miles de veces. De amor, de fracasos o lo que puedas imaginar

Hay canciones que no solo suenan además cuentan una historia completa. Felipe Couselo nos descubre algunas de ellas.

Un viaje sonoro por el cine de los noventa a través de bandas sonoras míticas como 'Jerry Maguire' o 'Solteros', analizado por Felipe Couselo. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa nocturno de esRadio, el presentador Felipe Couselo nos invita a realizar un viaje sonoro a través de la filmografía y las bandas sonoras del célebre director de cine Cameron Crowe. Couselo destaca la profunda relación que une al cineasta con el mundo de la música, una pasión que se remonta a su juventud como periodista musical y que ha dejado una huella imborrable en la historia del séptimo arte. El programa arranca con la mítica canción "Tiny Dancer", de Elton John, un tema de 1971 de cuyo uso en la película Casi Famosos el locutor se deshace en elogios por la perfecta comunión lograda entre las imágenes y la melodía. La andadura como director de Crowe comenzó a finales de los años ochenta con la comedia romántica Un Gran Amor (cuyo título original es Say Anything...). En esta cinta, el director ya empezó a plasmar sus característicos fetiches narrativos y musicales. Felipe Couselo pincha para ilustrar esta etapa el clásico "In Your Eyes", interpretado por Peter Gabriel con la inconfundible colaboración vocal de Youssou N'Dour. Este tema, perteneciente al exitoso álbum So, protagoniza una de las escenas más icónicas del cine de la época, en la que el personaje de John Cusack sostiene un radiocasete bajo la ventana de su amada, un romántico ritual muy propio de la juventud de aquella generación. Sin abandonar la banda sonora de la ópera prima de Crowe, el programa da paso a los potentes acordes de "Cult of Personality", el gran éxito de la banda de rock Living Colour. Felipe Couselo aprovecha este tema de 1988 para reflexionar brevemente sobre el mensaje de la letra, que analiza de forma crítica la devoción ciega y la idealización hacia ciertos líderes de opinión y de masas, un fenómeno social que, como apunta el locutor de esRadio, sigue de plena actualidad en nuestros días. La cuidada selección musical demuestra que Crowe no elegía las canciones al azar, sino buscando una resonancia moral y emocional en cada escena. El siguiente gran hito en la carrera de Cameron Crowe analizado en el programa es la película Singles (conocida en España como Solteros), estrenada en 1992. Ambientada en pleno corazón de la vibrante escena musical de Seattle, la película es un fiel retrato de la generación del movimiento grunge. Para abrir este bloque, Couselo selecciona el contundente tema "Would?", de la banda Alice in Chains, incluido en su aclamado disco Dirt. El locutor narra la trágica historia detrás de esta composición, escrita por Jerry Cantrell como un sentido homenaje a Andrew Wood, el malogrado cantante del grupo Mother Love Bone que falleció a causa de una sobredosis en 1990. La película Singles funciona como una cápsula del tiempo y una auténtica declaración de amor a Seattle, contando con cameos de figuras clave de la música alternativa de la época. Couselo recuerda que miembros de la mítica banda Pearl Jam, como Stone Gossard, Jeff Ament y el mismísimo Eddie Vedder, aparecen interpretando a los integrantes del ficticio grupo Citizen Dick junto al actor Matt Dillon. Durante este segmento del programa también suenan canciones imprescindibles de la banda sonora como "Nearly Lost You", de Screaming Trees con la desgarradora voz de Mark Lanegan, consolidando la reputación de Crowe como un melómano capaz de capturar el espíritu de toda una época. El éxito comercial definitivo de Cameron Crowe llegó en 1996 de la mano de Jerry Maguire, protagonizada por un estelar Tom Cruise. Felipe Couselo desvela una curiosa anécdota de producción sobre su banda sonora: originalmente se consideró la canción "Wise Up" de Aimee Mann para un momento clave, pero finalmente fue sustituida por el arrollador "Free Fallin'", el recordado éxito de Tom Petty que el protagonista canta de forma desatada al volante de su coche. El presentador de esRadio rememora la estrecha relación entre Crowe y Petty, que se fraguó años atrás cuando el director realizó un documental especial para la televisión sobre el genial músico de Florida. Otro de los grandes momentos de la banda sonora de Jerry Maguire corre a cargo de Bruce Springsteen con su melancólica y sugerente "Secret Garden". Felipe Couselo describe cómo esta canción, que originalmente iba a formar parte del álbum Human Touch del "Boss", acabó convirtiéndose en un éxito mundial gracias a su emotiva inclusión en la película de Crowe. La capacidad del director para tejer estas conexiones musicales con artistas de primer nivel como Springsteen, Bob Dylan o Paul McCartney evidencia el respeto mutuo que existía entre el cineasta y las leyendas de la música popular americana. El programa avanza hacia el año 2000 para abordar la que muchos consideran la obra cumbre y más personal de Cameron Crowe: Casi Famosos. Esta obra posee un fuerte carácter semi-autobiográfico, ya que plasma las propias vivencias del director cuando, con tan solo quince años, recorrió el país escribiendo crónicas de conciertos para la prestigiosa revista Rolling Stone. Para ilustrar la atmósfera nostálgica del filme, suena la hermosa "America" de Simon & Garfunkel, una pieza folclórica escrita por Paul Simon que retrata la búsqueda de identidad y libertad en las carreteras estadounidenses. Couselo destaca la proeza que supuso para Crowe convencer a los integrantes de Led Zeppelin para que cedieran los derechos de "Misty Mountain Hop" para la banda sonora de Casi Famosos, algo inaudito en la época debido a las estrictas reticencias del grupo inglés a licenciar sus canciones. El viaje musical del programa concluye con el cambio de siglo y el estreno de Vanilla Sky en 2001 —remake de la española Abre los ojos de Alejandro Amenábar—, cuyo tema homónimo fue compuesto expresamente por Paul McCartney, cerrando así un ciclo de colaboraciones sobresaliente.

De 'Trainspotting' a 'Yesterday', un recorrido radiofónico por los temas de Iggy Pop, Moby o Underworld que coronaron sus obras de culto. El programa nocturno de esRadio, Prohibido Contar Ovejas, presentado por Felipe Couselo, dedica esta entrega a la figura del aclamado director de cine británico Danny Boyle. El programa se centra en analizar su excepcional trayectoria cinematográfica a través de sus bandas sonoras, una de las señas de identidad más potentes de su filmografía. Couselo destaca la habilidad del cineasta para seleccionar canciones que no solo acompañan a las imágenes, sino que definen de forma generacional a toda una época, convirtiendo la música en un personaje más de sus relatos. Durante la emisión, se desvelan detalles curiosos de la juventud de Boyle, quien en un principio estuvo encauzado hacia el sacerdocio. Criado en una familia de firmes convicciones católicas, el director llegó a ser monaguillo antes de que un cura le disuadiera de ingresar en el seminario. Este trasfondo espiritual marcaría de forma indirecta algunas de sus películas, aunque terminaría decantándose por las artes escénicas, primero en el teatro, luego en la televisión y, finalmente, dando el salto al cine inspirado por la visionaria obra Apocalypse Now de Francis Ford Coppola. El debut cinematográfico de Boyle se produjo en 1994 con Shallow Grave (conocida en España como Tumba Abierta), un largometraje de suspense que cosechó un rotundo éxito de crítica y taquilla. Con un presupuesto muy limitado, la cinta logró recaudar millones de dólares y sirvió de trampolín internacional para el actor Ewan McGregor. El presentador aprovecha para destacar la fuerza de su banda sonora, la cual incluía el célebre tema My Baby Just Cares for Me de Nina Simone, una pieza que abrió el camino a un estilo musical innovador que Boyle mantendría en sus futuros proyectos. No obstante, fue en 1996 cuando Danny Boyle alcanzó la consagración definitiva con el estreno de Trainspotting, la adaptación de la novela homónima de Irvine Welsh que se convirtió en la película generacional de los años noventa. El film, que retrata con crudeza y humor negro la vida de un grupo de jóvenes adictos a la heroína en Edimburgo, catapultó las carreras de su elenco, especialmente la de McGregor en el papel de Renton. La música de esta obra maestra de la cultura pop, liderada por himnos como Lust for Life de Iggy Pop o Perfect Day de Lou Reed, es recordada como uno de los hitos musicales más influyentes de la historia del cine moderno. Felipe Couselo continúa el recorrido con A Life Less Ordinary (Una Historia Diferente), estrenada en 1997. En esta comedia romántica con tintes fantásticos, el director volvió a contar con McGregor, esta vez acompañado por Cameron Diaz en una disparatada trama de secuestros y ángeles celestiales. Aunque no tuvo la misma repercusión que su predecesora, la banda sonora volvió a brillar con luz propia gracias a temas como Deadweight de Beck o canciones de la banda británica Ash, consolidando la estrecha relación de Boyle con el britpop del momento. El cambio de siglo trajo consigo uno de los proyectos más ambiciosos y polémicos de la carrera del director: The Beach (La Playa), estrenada en el año 2000. Protagonizada por Leonardo DiCaprio, la película estuvo rodeada de controversia debido a que el estudio impuso a DiCaprio en lugar de Ewan McGregor, lo que provocó un distanciamiento de años entre el actor escocés y Boyle. A pesar de las críticas divididas, la cinta triunfó en taquilla y regaló una banda sonora mítica donde sobresalieron piezas electrónicas como Porcelain de Moby y aportaciones de bandas como Blur o Underworld. Tras este bache creativo, Danny Boyle regresó a sus orígenes más viscerales en 2002 con 28 Days Later (28 Días Después), redefiniendo por completo el cine de terror y el subgénero de infectados del siglo XXI. Con la ayuda del guionista Alex Garland, Boyle presentó un Londres postapocalíptico desolador donde los infectados corrían a gran velocidad, rompiendo con el mito del zombie lento clásico. La magnífica atmósfera sonora fue obra del compositor John Murphy, cuya música minimalista y de tensión creciente se convirtió en objeto de culto para los aficionados al género. El programa avanza hacia el mayor hito comercial y académico de Boyle: Slumdog Millionaire (2008). Ambientada en la India, esta producción de bajo presupuesto logró un éxito colosal de crítica y público, acumulando numerosos premios de la Academia, incluyendo el de mejor director y mejor canción original por el energético tema Jai Ho, de A.R. Rahman. Couselo subraya que, pese a la dureza del entorno marginal que retrata en Bombay, la película supuso un canto a la esperanza y la superación personal, encumbrando a su protagonista, Dev Patel, y dejando para la posteridad una vibrante banda sonora que fusionaba sonidos tradicionales indios con hip-hop y electrónica actual, como el éxito Paper Planes de M.I.A. Finalmente, el espacio de esRadio dedica un bloque a las producciones más recientes de Boyle, destacando 127 Hours (127 Horas), un agónico ejercicio de supervivencia interpretado por James Franco que contó con el tema Ça plane pour moi de Plastic Bertrand, y la nostálgica Yesterday (2019). Esta última narra la historia de un músico frustrado que despierta en un mundo donde nadie recuerda a The Beatles, lo que le permite triunfar utilizando el repertorio de la mítica banda de Liverpool. Couselo se despide invitando a los oyentes a redescubrir la filmografía de este director irrepetible, cerrando la emisión con la versión renovada del clásico Born Slippy de Underworld para la secuela T2 Trainspotting.

Un recorrido sonoro de la mano de Felipe Couselo por el rock, punk y folk de míticas agrupaciones de tres músicos que hicieron historia. El carismático presentador Felipe Couselo conduce una nueva entrega nocturna de Es la Mañana de Federico o más bien su espacio musical Prohibido Contar Ovejas en esRadio, centrada esta vez en la segunda parte de su especial sobre los power trios. La andadura musical de esta noche comienza con el particular estilo alternativo y metalero de **Primus** y su clásico My Name Is Mud, un tema donde destaca la potente e inconfundible línea de bajo de Les Claypool. A continuación, llega el turno de la mítica banda británica **The Police** con su enérgico tema de influencia punk Next To You. Couselo aprovecha para ensalzar la maestría de **Sting, Andy Summers y Stewart Copeland** al fusionar reggae, pop y rock en una fórmula de trío que acabó haciendo historia en la música contemporánea. El programa continúa con el legendario supergrupo de hard rock **Beck, Bogert & Appice**, formado por Jeff Beck, Tim Bogert y Carmine Appice. El trío deleita a los oyentes con su versión del clásico Superstition de Stevie Wonder, sirviendo como sentido homenaje al enorme legado del guitarrista **Jeff Beck**, fallecido en el año 2023. El punk-rock californiano de **Green Day** hace acto de presencia con su superéxito de los años noventa When I Come Around. El locutor recuerda que, antes de la incorporación definitiva del batería Tré Cool, la formación original de este trío contaba con **John Kiffmeyer** a las baquetas durante la grabación de su primer trabajo de estudio. La música de **Genesis** suena con la comercial y rítmica I Can't Dance. El locutor repasa la evolución de la banda hacia un formato de trío compuesto por **Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford**, una etapa que, pese a las críticas de los puristas de su época progresiva, conquistó las listas de éxitos de todo el mundo. Dando un giro hacia los sonidos acústicos, Couselo presenta la canción folk Lemon Tree interpretada por los neoyorquinos **Peter, Paul and Mary**. Este grupo fue una pieza fundamental en la **escena folk de los años sesenta**, muy vinculada a los movimientos sociales y a la difusión de las composiciones de Bob Dylan. El grunge revolucionario de **Nirvana** revienta las ondas con el tema Drain You, perteneciente al mítico álbum Nevermind. La icónica formación integrada por **Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl** marcó un antes y un después en la industria musical de los años noventa con su sonido crudo y distorsionado. El programa da paso a continuación al funk rock de James Gang con su movido tema Funk #49, trío en el que militó el magistral guitarrista **Joe Walsh**. Acto seguido, suena la banda de punk alternativo **Hüsker Dü** con su melódica y potente Celebrated Summer, otro de los grandes referentes de la escena independiente norteamericana. La tralla metalera de **Motörhead** descarga toda su adrenalina con We Are The Road Crew, un himno que Lemmy Kilmister dedicó a su equipo de carretera. Posteriormente, el sonido pesado y oscuro de los **Melvins** toma el testigo con su canción Lizzy, un claro ejemplo del sludge metal que tanto influyó en el grunge de Seattle. El tramo final del trayecto corre a cargo del pop-punk de **Blink-182** con su coreable hit All the Small Things, seguido por los maestros canadienses del rock progresivo **Rush** con su emblemático tema Working Man. Felipe Couselo se despide de los oyentes de **esRadio** pinchando a **Stevie Ray Vaughan** y su espectacular blues Texas Flood.

Felipe Couselo rinde homenaje en esRadio a la pureza del rock de tres integrantes con mitos como Cream, The Jimi Hendrix Experience o Muse. En esta nueva madrugada de Prohibido Contar Ovejas, el programa musical de esRadio conducido por Felipe Couselo, se inicia un recorrido muy especial dedicado a la formación y expresión del power trio. Este término define a aquellas agrupaciones del rock and roll compuestas únicamente por tres integrantes: habitualmente guitarra, bajo y batería. Felipe Couselo abre el espacio inspirándose en el reciente concierto de las hermanas mexicanas Daniela, Paulina y Alejandra Villarreal, integrantes de la banda The Warning, cuyo potente sonido demuestra que tres músicos son más que suficientes para llenar cualquier escenario. La primera gran parada obligatoria en la historia de este formato es, sin duda, Cream. Esta histórica superbanda británica, formada a finales de los años sesenta, estaba integrada por Eric Clapton en la guitarra, el temperamental Ginger Baker en la batería y Jack Bruce al bajo y la voz principal. Couselo pincha el clásico "Sunshine of Your Love", perteneciente a su emblemático segundo álbum de estudio, Disraeli Gears, grabado en 1967. A pesar de su corta trayectoria de apenas tres años y sus constantes disputas internas, Cream redefinió los límites de la improvisación y la potencia instrumental en el rock. A continuación, el programa viaja a finales de la década de los setenta y principios de los ochenta para recordar a The Jam, uno de los tríos más influyentes de la escena británica. Liderados por el carismático Paul Weller, junto a Bruce Foxton y Rick Buckler, la banda combinaba la agresividad del punk con la elegancia del movimiento mod. Su gran éxito "Town Called Malice", de su último disco The Gift, alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido gracias a su inconfundible ritmo y a un fuerte mensaje de realismo social. El repaso continúa al otro lado del Atlántico con los incombustibles tejanos ZZ Top. Billy Gibbons, Frank Beard y el recordado bajista Dusty Hill mantuvieron la misma alineación durante más de medio siglo, convirtiéndose en una de las bandas más estables del rock mundial. El tema seleccionado es su archiconocido "Gimme All Your Loving", extraído de su exitoso álbum multiplatino Eliminator, editado en 1983, que marcó una época gracias a sus característicos sintetizadores y a sus icónicos videoclips televisivos. Felipe Couselo también destaca la aparición de supergrupos modernos como Them Crooked Vultures. Formado en 2009, este espectacular power trio reunió a Josh Homme de Queens of the Stone Age, Dave Grohl de Foo Fighters y al legendario bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones. Con su tema "Elephants", el programa muestra la tremenda calidad de un proyecto que, combinando virtuosismo y rock progresivo, sorprendió a la crítica internacional. No podía faltar en esta selección el grupo que muchos consideran el power trio definitivo: The Jimi Hendrix Experience. Bajo la dirección del genial guitarrista Jimi Hendrix, acompañado por Noel Redding al bajo y Mitch Mitchell en la batería, revolucionaron la música contemporánea a finales de los sesenta. Su clásico "Fire", grabado en 1967 para el disco de debut Are You Experienced, demuestra la increíble fusión de psicodelia y potencia sonora que este trío era capaz de desplegar. El viaje musical nos acerca al siglo XXI con Muse, la formación de Devon integrada por Matt Bellamy, Chris Wolstenholme y Dominic Howard. Con la audición de "Plug In Baby", perteneciente a su aclamado álbum Origin of Symmetry, queda patente cómo tres músicos son capaces de levantar una auténtica muralla de sonido sinfónico y espacial, convirtiéndose en uno de los grupos de estadio más importantes de las últimas décadas. En una línea diferente pero igualmente enérgica, el programa recuerda a los neoyorquinos Beastie Boys. Aunque inicialmente conocidos por sus voces de hip-hop, Mike D, Ad-Rock y MCA demostraron su versatilidad instrumental al tomar la batería, la guitarra y el bajo en himnos como "No Sleep till Brooklyn", consolidando su leyenda en la escena alternativa de Nueva York. Couselo rescata también a Blue Cheer, banda pionera de San Francisco a la que muchos señalan como uno de los antecedentes más claros del heavy metal. Su atronadora versión de "Summertime Blues", grabada en 1968, marcó un hito por su crudeza y su volumen extremo. De igual modo, suenan los ritmos del rockabilly clásico de Stray Cats con su emblemático "Rock This Town", capitaneados por el virtuoso Brian Setzer. Para cerrar esta primera entrega de power trios, el programa ofrece dos joyas indispensables: el soul rock de los norteamericanos Grand Funk Railroad con "Some Kind of Wonderful" y la maestría del rock progresivo de Emerson, Lake & Palmer interpretando "From the Beginning". El broche final lo pone la banda canadiense Triumph con "Fight the Good Fight", anticipando una futura segunda parte para seguir analizando estas legendarias agrupaciones de tres miembros.

Un recorrido cinematográfico por las míticas bandas del celuloide, analizando el impacto de Coppola, Kubrick o Spielberg en el género. En esta nueva entrega del programa de esRadio Prohibido Contar Ovejas, Felipe Couselo, Juanma González y Dani Palacios dedican el espacio a analizar las mejores películas sobre pandillas juveniles. Los presentadores aclaran desde el inicio que, aunque el cine a menudo dota de cierto atractivo y mística a estas agrupaciones, no pretenden hacer ninguna apología de unas organizaciones que suponen una verdadera lacra social en la vida real. El recorrido cinematográfico comienza con un clásico inmortal: West Side Story, la célebre adaptación de Romeo y Julieta estrenada en 1961 bajo la dirección de Robert Wise y Jerome Robbins. La trama traslada el conflicto de Shakespeare al Nueva York de mediados del siglo XX, enfrentando a los Jets —jóvenes de origen anglosajón— contra los Sharks —emigrantes puertorriqueños—. Con canciones inolvidables como America o Cool, la película destaca por estilizar la violencia callejera a través de complejas coreografías y un uso magistral del color, algo que el posterior remake de Steven Spielberg logró potenciar con una soberbia puesta en escena. A continuación, los colaboradores se detienen en Rebeldes, el film de 1983 dirigido por Francis Ford Coppola que adaptó la famosa novela de Susan E. Hinton. Ambientada en la localidad de Tulsa, la historia narra el enfrentamiento a muerte entre los Greasers —los chicos humildes del barrio— y los Socs —los jóvenes de clase alta—. La película destaca por reunir a una impresionante generación de jóvenes actores que acabarían convirtiéndose en grandes estrellas de Hollywood, tales como Matt Dillon, Patrick Swayze, Rob Lowe, Ralph Macchio, Emilio Estévez y un jovencísimo Tom Cruise. El broche de oro de la cinta lo pone el emotivo tema Stay Gold de Stevie Wonder. Coppola repitió ese mismo año con otra adaptación de la misma autora: La Ley de la Calle. A diferencia del tono crepuscular de la anterior, esta obra se rodó en un expresivo blanco y negro de corte casi experimental, muy influido por la estética del cine de autor y con una banda sonora vanguardista a cargo de Stewart Copeland, batería de la banda musical The Police. Protagonizada de nuevo por Matt Dillon en el papel de Rusty James, la trama sigue la alargada sombra de su hermano mayor, conocido simplemente como el Chico de la Moto e interpretado por un carismático Mickey Rourke. Otro de los grandes títulos analizados en el programa es The Warriors, película de culto de 1979 dirigida por Walter Hill. La trama arranca con una multitudinaria asamblea en la que Cyrus, el líder de la banda más poderosa de Nueva York, propone unificar a todas las pandillas para tomar el control de la ciudad; sin embargo, Cyrus es asesinado y se acusa falsamente a los Warriors del crimen. Los protagonistas deberán emprender una peligrosa odisea nocturna desde el Bronx hasta su territorio en Coney Island, perseguidos por todas las bandas de la ciudad en una estructura narrativa que bebe directamente del género del western. La conversación deriva luego hacia una vertiente más fantástica con Jóvenes Ocultos, la mítica cinta de 1987 dirigida por Joel Schumacher. En esta ocasión, la pandilla juvenil de la ficticia localidad costera de Santa Carla está compuesta por un grupo de vampiros rebeldes liderados por Kiefer Sutherland. Con una marcada estética rockera y gótica muy propia de finales de los ochenta, la película combina terror y comedia adolescente, destacando también por su mítica banda sonora, donde sobresale la canción Cry Little Sister de Gerard McMann y la icónica escena del saxofonista Tim Cappello. Los presentadores también dedican tiempo a analizar la vertiente más perturbadora del género con La Naranja Mecánica, la obra maestra que Stanley Kubrick dirigió en 1971 basándose en la novela homónima de Anthony Burgess. La película sigue a Alex y sus droogos en sus brutales incursiones de ultraviolencia por una distopía futurista, todo ello al ritmo de la música de Beethoven. El largometraje aborda de manera muy incómoda los límites de la reinserción social y la propia naturaleza del mal a través del polémico método Ludovico, un tratamiento de choque psicológico destinado a anular la capacidad de Alex para cometer actos violentos. Para finalizar, el programa ya veterano viaja a las favelas de Río de Janeiro con Ciudad de Dios, la aclamada película dirigida en 2002 por Fernando Meirelles. A través de los ojos de Buscapé, un joven que sueña con ser fotógrafo, el espectador asiste a la brutal escalada de violencia y narcotráfico controlada por el temible Zé Pequeno. La cinta destaca por su ritmo frenético, su montaje heredero del videoclip y una crudeza inusitada que retrata de manera hiperrealista la dramática realidad de los niños soldados atrapados en el fuego cruzado de las bandas criminales brasileñas.

Desde Kylie Minogue hasta The Beatles, un recorrido sonoro por himnos que todo el mundo corea sin necesidad de conocer su letra real. Felipe Couselo introduce un programa musical muy especial dedicado a todas aquellas personas que disfrutan de la música pero no se saben los estribillos de las canciones, o que solo balbucean una parte sin conocer la letra real. A lo largo del programa, se presentan varios temas icónicos que comparten esta característica: partes que todo el mundo tararea (con un "la-la-la", "na-na-na" o silbidos) pero cuyas letras completas son un misterio para la mayoría. El primer tema presentado es Chelsea Dagger de The Fratellis, una banda escocesa. Couselo explica que el nombre de la canción hace referencia al nombre artístico de la esposa del líder del grupo, quien participaba en espectáculos de burlesque. Esta canción se ha convertido en un clásico en eventos deportivos y estadios de fútbol, donde miles de aficionados borrachos corean su pegajoso estribillo sin necesidad de saberse ninguna palabra. A continuación, suena Can't Get You Out of My Head de Kylie Minogue. El locutor señala que este gran éxito de la artista australiana basa gran parte de su efectividad en un estribillo sumamente bailable y un "la-la-la" que engancha al oyente de inmediato, permitiendo a cualquiera unirse a la canción sin importar el idioma o el conocimiento de la letra. El tercer ejemplo es la canción Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song) de Otis Redding, lanzada en 1966. Couselo detalla que las onomatopeyas del título surgieron casi como una broma de Redding, quien solía usarlas para guiar a la sección de metales de su banda durante el proceso de composición. Al final, esas simpáticas onomatopeyas se quedaron en la versión definitiva, convirtiéndose en el sello distintivo del tema. Posteriormente, el programa destaca The Passenger de Iggy Pop, una melodía inspirada en los viajes en el metro de Berlín durante los años setenta, que cuenta con los coros de David Bowie. Couselo bromea sobre cómo la gente suele equivocarse y adelantarse al momento de corear el famoso "la-la-la" de esta canción en los conciertos o discotecas. También suena Sweat (A La La La La Long) de la banda de reggae jamaicana Inner Circle, un éxito veraniego de 1992 muy popular en terrazas y cruceros, cuyo estribillo es mundialmente conocido y coreado a pesar de la temática implícita de la canción. Para finalizar, se presentan temas como Na Na Na Na Na de Kaiser Chiefs, Bro Hymn de Pennywise —un emotivo tributo de la banda de punk a sus amigos fallecidos—, Mmm Mmm Mmm Mmm de los canadienses Crash Test Dummies, Wild World de Cat Stevens (Yusuf Islam), Brown Eyed Girl de Van Morrison, Tup Tup de los españoles Australian Blonde y, como broche de oro, el inmortal Hey Jude de The Beatles, cuyo final es catalogado como uno de los momentos de coro más épicos y reconocibles de la historia de la música.

Un recorrido sonoro por temas legendarios que convirtieron un recurso improvisado de estudio en un elemento imprescindible de la cultura popular. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa se sumerge en una temática tan curiosa como evocadora: el uso de los silbidos en las canciones como una herramienta artística que, aunque a veces surge de forma accidental o como recurso de última hora, termina convirtiéndose en la auténtica seña de identidad del tema. El presentador Felipe Couselo introduce el programa desde esRadio, destacando la magia de estos pequeños detalles sonoros y estructurando el recorrido a través de grandes clásicos de la historia de la música donde el silbido juega un papel protagonista. El viaje comienza recordando la icónica melodía de El Puente sobre el Río Kwai, aclarando que, según la historia real de la producción de David Lean, los extras contratados para marchar no lograban llevar el paso, lo que llevó a incorporar este ritmo de marcha silbado para coordinar el paso de los soldados. A partir de ahí, se da paso al primer gran tema de la noche: "Síl bame", interpretada por Mocedades como tema principal de la mítica serie de dibujos animados de los ochenta, Willy Fog. A continuación, el programa rinde homenaje a uno de los reyes del soul, Otis Redding, y su inolvidable "Sitting on the Dock of the Bay", grabada poco antes de su trágico fallecimiento en accidente de avión. El silbido final, que originalmente iba a ser sustituido por otra estrofa o arreglo instrumental, acabó convirtiéndose en un momento histórico que define perfectamente la atmósfera reflexiva de la canción. La influencia del soul nos traslada a otra figura clave que experimentó con el silbido en sus composiciones: John Lennon. Se analiza su etapa solista con el tema "Jealous Guy", incluido en el álbum Imagine, y se profundiza en la compleja psicología del artista, sus traumas de infancia y su evolución personal desde un carácter agresivo hacia un icono pacifista. Dando un salto hacia la modernidad, se presenta el caso de The Black Keys con su éxito "Tighten Up", producido por Danger Mouse. El silbido inicial de este tema, que le aporta un aire fresco y juguetón, surgió casi de casualidad en el estudio cuando decidieron que silbar la melodía de los teclados era mejor opción que cualquier otro arreglo. El programa continúa con el optimismo contagioso de The Lovin' Spoonful y su clásico de 1966 "Daydream", una canción que evoca la desconexión total y que cuenta con un silbido que sustituye de manera magistral a una de las estrofas. También se viaja hasta el carnaval de Nueva Orleans de la mano del Professor Longhair y su tema "Go to the Mardi Gras", inmortalizado también en la banda sonora de la serie Treme. No podía faltar en esta lista el gran Paul Simon con su tema de 1972 "Me and Julio Down by the Schoolyard", donde el silbido aporta ese toque rítmico y travieso que caracteriza a la composición. En el tramo final del programa, suenan éxitos masivos como "Young Folks" de los suecos Peter Bjorn and John, cuyo silbido obsesionó a media Europa a partir de 2006, y el subidón de energía de Roxette con "Joyride", un tema fuertemente influenciado por la estructura compositiva de los Beatles. Finalmente, se cierra el recorrido con dos himnos monumentales: "Wind of Change" de Scorpions, donde el silbido inicial evoca la melancolía y la esperanza de la caída del muro de Berlín, y la insuperable "Always Look on the Bright Side of Life" de los Monty Python, que sirve como el broche de oro perfecto para invitar a los oyentes de esRadio a mirar siempre el lado positivo de la vida.

Desde Bo Diddley hasta el metal de Rage Against the Machine, el programa repasa himnos que recurren al deletreo en sus letras. En esta nueva entrega del programa, Felipe Couselo introduce una temática tan curiosa como entretenida para las noches de verano: canciones que incorporan deletreos en sus letras. A través de este hilo conductor, se realiza un viaje musical por distintas décadas y géneros que van desde el blues original hasta el metal alternativo, destacando cómo el deletreo sirve para recalcar un concepto o nombre con fuerza y persistencia. El recorrido comienza con un gran clásico del rock and roll y el blues: "I'm a Man" de Bo Diddley. Publicada en el año 1955, esta emblemática canción destaca por la firmeza con la que el artista deletrea la palabra "M-A-N" (hombre) para reafirmar su madurez y fuerza, basándose en la estructura del conocido tema "Manish Boy" de Muddy Waters. Aunque en su época el tema no escaló a los primeros puestos de las listas debido a las barreras musicales y raciales de los años cincuenta, se convirtió en una influencia indiscutible para bandas posteriores como The Yardbirds o The Who. El siguiente gran momento de la noche llega con el gran éxito "Respect", interpretado por la reina del soul, Aretha Franklin. En este tema de 1967, que funciona como una enérgica contestación a la versión original de Otis Redding de 1965, el deletreo de la palabra "R-E-S-P-E-C-T" se convirtió en un auténtico himno feminista y de liberación. Con unos arreglos de piano y una sección de ritmo renovada, Franklin transformó la canción en un clásico imperecedero de la historia de la música. A continuación, el programa viaja a la década de los sesenta con la dulce voz de Carla Thomas y su tema "B-A-B-Y", escrito por la célebre pareja de compositores David Porter e Isaac Hayes para el sello Stax Records. Esta canción, que muchos recordarán por formar parte de la banda sonora de la película Baby Driver, utiliza el deletreo de manera cariñosa para resaltar el afecto hacia el ser amado. Tras este momento de soul, llega el turno del clásico de 1970 "Lola", de la banda británica The Kinks. La conocida historia sobre la confusión de identidad en un club de copas deletrea con ritmo "L-O-L-A" y superó en su momento problemas con la censura británica, que objetó no por la temática del travestismo, sino por mencionar la marca comercial "Coca-Cola". El dinamismo continúa con "Gloria", un tema de la banda de Belfast The Them, liderada por el icónico Van Morrison. Aquí el deletreo de "G-L-O-R-I-A" se grita con pasión salvaje a ritmo de garaje rock, un tema que posteriormente versionaría con gran éxito Patti Smith. Seguidamente, se da paso al famosísimo "Y.M.C.A." de los norteamericanos Village People, un acrónimo que funciona a modo de deletreo gestual y que se convirtió en un pilar de la música disco y un símbolo de la liberación gay de finales de los setenta. La última parte del programa se adentra en terrenos del rock y el metal. Se pincha "Top Man" de la banda de britpop Blur, perteneciente a su aclamado álbum de 1995 The Great Escape, donde se utiliza el deletreo dentro de una ácida crítica al consumismo de la época. Después, suena la contundencia de los de Sheffield, Arctic Monkeys, con su tema de 2009 "Dangerous Animals". La velada se cierra con la potente versión que la banda Gun realizó del clásico "Word Up" original de Cameo, la energía hard rockera de Extreme con su tema "Play with Me", la irreverencia metalera de Faith No More en "Be Aggressive", el misticismo alternativo de las mexicanas The Warning con su tema "Psychotic", la rabia política de Rage Against the Machine con "Know Your Enemy", y finalmente, la melancolía de Ian Brown y su tema "F.E.A.R.".

Un recorrido por la historia musical que rescata desde el soul de 1962 de Booker T. hasta la maestría de Stevie Wonder y Stevie Ray Vaughan. Felipe Couselo, director del programa de esRadio Prohibido Contar Ovejas, nos introduce en esta ocasión en una edición especial titulada "Sin palabras". Como bien adelanta el título, el programa se centra exclusivamente en música instrumental, repasando temas icónicos de diversos estilos y décadas que, sin necesidad de lírica, lograron marcar un hito en la historia de la música. Couselo comienza aclarando que, para este recorrido, ha decidido dejar fuera de la selección el rock progresivo y la música electrónica, géneros que de por sí suelen apoyarse bastante en piezas sin voz. En su lugar, opta por rescatar temas de otros estilos como el soul, el rock de corte clásico o el funk. Para abrir boca, nos presenta la mítica pieza "Green Onions", grabada en 1962 por la banda Booker T. & the M.G.'s, una de las agrupaciones de acompañamiento más relevantes de la mítica discográfica Stax. Tras esta gran introducción, el programa da un salto temporal hasta la década de los ochenta para escuchar a la virtuosa banda canadiense de rock progresivo, Rush, con su emblemático corte instrumental "YYZ", incluido en su aclamado álbum Moving Pictures de 1981. Couselo nos desvela la curiosidad detrás de este título: son las siglas que identifican al aeropuerto internacional de Toronto, y el ritmo de la batería de Neil Peart emula precisamente dicho código en morse. La siguiente parada en el camino nos lleva a una de las bandas más gigantescas de la historia del rock, Led Zeppelin, con su arrollador tema "Moby Dick", incluido en su segundo larga duración de 1969. La pieza es mundialmente conocida por dar rienda suelta al talento de su baterista, John Bonham, quien solía extender esta composición en directo con solos de batería de más de veinte minutos. Couselo relata que el nombre de la canción surgió de una anécdota familiar, ya que el hijo de Bonham solía pedirle que tocara "la canción larga", refiriéndose a ella como "grande como Moby", la famosa ballena. La música continúa fluyendo y nos topamos con el místico sonido de Carlos Santana y su composición "Samba Pa Ti", una de las piezas más célebres de su aclamado álbum Abraxas de 1970. Esta canción es un claro ejemplo de cómo la guitarra puede llorar y cantar con una sensibilidad única, convirtiéndose en uno de los cortes más versionados de la banda. A continuación, el programa rinde homenaje a la faceta como compositor de bandas sonoras del guitarrista de Dire Straits, Mark Knopfler, rescatando el tema "Going Home", perteneciente a la película Local Hero (Un tipo genial) de 1983. Una pieza cargada de emotividad que sirvió como carta de presentación en solitario para el músico escocés. No podía faltar en este especial un hueco para el nacimiento del rock and roll instrumental de finales de los cincuenta. Couselo rescata la figura del pionero de la guitarra Duane Eddy y su tema "Rebel Rouser" de 1958. Se destaca el particular sonido de su guitarra, influenciado por la música country, que Eddy conseguía haciendo que grabaran parte del disco dentro de un antiguo tanque de agua para lograr un eco muy característico. El repaso continúa con otra banda clásica, The Allman Brothers Band, y su bellísima pieza instrumental "In Memory of Elizabeth Reed", compuesta por Dickey Betts e incluida en su disco debut de 1970. Couselo revela que el título proviene del nombre inscrito en una lápida que Betts vio en el cementerio de Rose Hill, en Macon (Georgia), lugar donde la banda solía pasar el rato. De una pieza larga y compleja pasamos a una corta pero fascinante de la banda psicodélica Jefferson Airplane: "Embryonic Journey", compuesta por Jorma Kaukonen para el mítico álbum Surrealistic Pillow de 1967. Y para enfilar la recta final, el programa se rinde ante el genio indiscutible de Stevie Wonder y su pieza "Contusion", un funk-fusión instrumental de su obra maestra de 1976, Songs in the Key of Life. El broche de oro instrumental de la noche lo pone el blues-rock de Stevie Ray Vaughan con "Testify", un enérgico corte de su álbum debut con Double Trouble, Texas Flood (1983), que en realidad es una versión de un tema original de los Isley Brothers. El programa se despide con un clásico de las grandes orquestas de jazz y el swing de la mano de Benny Goodman y su inolvidable e hipnótico "Sing, Sing, Sing".

Hablamos con Mariano Fisac sobre los mejores abogados de cine. Desde Atticus Finch hasta otros más comicos como el de "Mi primo Vinny"

Reoasamos los secretos del exitoso álbum de 1996 de Jakob Dylan, que contó con colaboraciones de Mike Campbell y Gary Louris. El programa Prohibido Contar Ovejas, dirigido por Felipe Couselo, ha dedicado este programa a la banda The Wallflowers, liderada por Jacob Dylan, hijo de Bob Dylan, de la cual se cumple el 30 aniversario del lanzamiento de su disco de mayor éxito, Bringing Down the Horse, publicado en mayo de 1996. A lo largo de la emisión, su colaborador de música Roberto Martínez, desvela algunas curiosidades sobre este trabajo de la banda que, en palabras del propio conductor de este espacio de esRadio, es una de sus obras favoritas de esa época. El disco, producido por T-Bone Burnett, músico de folk que ya había trabajado con Bob Dylan en su mítica gira The Rolling Thunder Review, incluye once canciones en las que se mezclan diversos estilos y en el que colaboraron artistas como Mike Campbell (guitarrista de Tom Petty y que aparece en el tema "6th Avenue Heartache"), Gary Louris (vocalista de The Jayhawks) o el baterista Matt Chamberlain, quien ha tocado para bandas de la talla de Pearl Jam o Tori Amos. Como indica Roberto Martínez, la obra supone un salto cualitativo respecto al primer LP de la banda, que había pasado sin pena ni gloria, ya que obtuvo dos premios Grammy y un éxito rotundo en la época gracias a temas como su primer single "One Headlight", el posterior "The Difference" o el ya mencionado, "6th Avenue Heartache". Para cerrar la velada, Prohibido Contar Ovejas pincha otra joya que firmaron The Wallflowers, en este caso, una magnífica versión de "Heroes", original de David Bowie, que formó parte de la banda sonora de la película Godzilla (1998) y que contó con la aportación del productor musical de muchos de los mejores videoclips de la década de los 90, David Fincher.

Un recorrido por las claves narrativas y científicas que explican los desenlaces más complejos del séptimo arte contemporáneo. En este fragmento de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo, se debate y analiza la naturaleza de los finales cinematográficos confusos, ambiguos o abiertos. El programa cuenta con la participación de Alma Espinosa y Juanma González, quienes intercambian impresiones sobre diversas películas icónicas y de culto, centrándose especialmente en la filmografía del director Christopher Nolan. El punto de partida del debate es la película Origen, estrenada en el año 2010. Los tertulianos explican los entresijos del final, donde la peonza de Leonardo DiCaprio (que hace las veces de tótem para distinguir el sueño de la realidad) gira de forma continuada antes de un fundido a negro que deja al espectador con la duda. Juanma sostiene la teoría de que al final sí deja de girar, basándose en detalles visuales y emocionales del personaje, mientras que Alma confiesa su frustración ante los finales abiertos, defendiendo que el cine debe proporcionar conclusiones cerradas para no obligar al espectador a hacer un trabajo interpretativo extra. Posteriormente, el equipo analiza Interstellar, otra gran obra de Nolan del año 2014, aclamada por su base científica gracias al asesoramiento de físicos como Kip Thorne o las menciones de figuras como Neil deGrasse Tyson. El programa desentraña la compleja resolución de la película, donde el concepto de amor filial actúa como la variable que resuelve la ecuación de la gravedad a través de un teseracto de cinco dimensiones. Se menciona también Tenet como uno de los títulos más difíciles de asimilar, señalando que, a diferencia de Origen, carece de los personajes carismáticos necesarios para sostener su enrevesado planteamiento de pinza temporal. Finalmente, se aborda la mítica saga de Matrix, de las hermanas Wachowski. El debate se enfoca en el desenlace de la trilogía original y en las implicaciones que trajo la cuarta entrega, Matrix Resurrections, estrenada en 2021. Los colaboradores coinciden en que la última película funciona como un ejercicio de metacine y sátira comercial, más que como una continuación tradicional de la historia de Neo y Trinity.

Un viaje musical en esRadio de la mano de Felipe Couselo para recordar los éxitos de U2, Robert Miles o la mítica 'Macarena' en EE. UU. En esta edición de esRadio, en el programa Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo nos transporta a una década de grandes transformaciones musicales con un especial dedicado a las canciones que lideraban la mítica lista estadounidense del Billboard a finales de julio de 1996. El programa arranca con la versión del tema clásico de Misión Imposible adaptada por los miembros de la banda U2, Larry Mullen Jr. y Adam Clayton, que en esa semana específica ocupaba el puesto número 33 de la lista. A continuación, Couselo nos presenta Until It Sleeps, la carta de presentación del álbum Load de la banda Metallica, un disco que marcó una notable transición estética y musical para el grupo, situándose en el puesto número 40. Dando paso a sonidos más sinfónicos y grandiosos, se pincha el clásico Tonight, Tonight de la banda The Smashing Pumpkins, una canción que ocupaba el puesto 38 y cuyo vídeo musical es recordado por su homenaje al cineasta Georges Méliès. En el terreno del pop lírico de autor, el programa destaca al carismático George Michael con su éxito Fast Love en el puesto número 35, un tema que marcaba la madurez del artista británico tras su salida del dúo Wham!. Le sigue la canción Someday del grupo vocal estadounidense All-4-One, que se situaba en el puesto número 31 de la lista con su sonido R&B suave de mediados de la década. Para ilustrar el pop rock estadounidense de la época, se selecciona el tema Til I Hear It From You de la banda de Arizona Gin Blossoms, que en esa semana ocupaba el puesto número 30. El ritmo de baile europeo más discotequero llega de la mano de La Bouche con su éxito internacional Sweet Dreams, que alcanzaba el puesto número 24. Más adelante, en el puesto número 21, descubrimos el clásico electrónico e instrumental Children del fallecido DJ y productor suizo Robert Miles, una canción que se convirtió en todo un himno del género dream trance. El hip-hop de los noventa hace su aparición con el dúo de Atlanta Outkast y su tema Elevators (Me & You), que ocupaba el puesto número 16 de la lista, anticipando el tremendo éxito que tendría la formación en los años siguientes. En la cumbre del éxito comercial de las grandes divas, suena el arrollador y emotivo Because You Loved Me de la cantante canadiense Celine Dion en el puesto número 11. La lista avanza hacia las primeras posiciones con el veterano Eric Clapton y su tema Change The World, producido por Babyface, que ocupaba un destacado número 7. En el puesto número 6 de la semana, la canadiense Alanis Morissette brilla con su exitoso sencillo You Learn, extraído de su multiventas álbum Jagged Little Pill. Como no podía ser de otra manera, Couselo recuerda el impacto global de la canción más reproducida de aquel año, la incombustible Macarena de los españoles Los del Río, en una de sus populares versiones mezcladas para el mercado estadounidense, que ocupaba el puesto número 4. La música con raíces más tradicionales llega de la mano de la cantautora Tracy Chapman con su aclamado tema de blues rock Give Me One Reason, situado en el puesto número 3. En el puesto número 2, el legendario rapero Tupac Shakur, junto a Dr. Dre, nos hace movernos con su himno de la costa oeste California Love. Finalmente, para cerrar el programa en la primera posición de aquella semana de julio de 1996, disfrutamos de la gran intérprete de R&B Toni Braxton con su balada y éxito número uno You're Making Me High.

Un viaje sonoro por la lista de éxitos norteamericana de hace cuarenta años, donde compiten estrellas como David Lee Roth y Peter Gabriel. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo, nos sumergimos de lleno en una nostálgica y veraniega noche de radio. El programa se dedica a repasar aquellas canciones que lideraban la mítica lista del Billboard hace exactamente cuarenta años, situándonos en el año 1986. Couselo nos propone un viaje sonoro donde conviven las grandes bandas con las carreras en solitario de sus integrantes, alternando entre el pop mayúsculo y el rock característico de los ochenta. La andadura musical comienza en el puesto número 40 de la lista con David Lee Roth y su tema "Yankee Rose". El locutor recuerda que el artista acababa de separarse de la mítica banda Van Halen para emprender su carrera en solitario, un movimiento habitual en la época. Por su parte, la formación de Van Halen continuó su trayectoria con un nuevo vocalista, Sammy Hagar, logrando posicionar en el puesto 38 de esa misma semana el éxito "Dreams", extraído del disco 5150. Couselo reflexiona sobre el eterno debate entre los fans de ambas etapas de la banda, mostrando su simpatía personal por la era de Hagar. El repaso continúa descendiendo en las listas y nos presenta en el puesto 35 a Robert Palmer con "Hyperactive", un tema que consolidó su estatus como un artista capaz de fusionar el pop con un estilo más sofisticado. No se queda atrás el mítico Lionel Richie, quien en el puesto 33 hacía bailar al mundo con su clásico "Dancing on the Ceiling". Pero el verdadero plato fuerte de la noche llega con el puesto 32, ocupado por la banda Berlin y su inolvidable balada "Take My Breath Away", tema principal de la película Top Gun. Couselo destaca la producción del gran Giorgio Moroder y cómo este éxito arrollador acabó, paradójicamente, tensionando las relaciones internas de la banda hasta provocar su posterior disolución. La noche avanza y en el puesto 30 nos encontramos con la banda británica The Outfield y su enérgico "All the Love", una formación que cosechó un gran reconocimiento en Estados Unidos gracias a su característico sonido de power pop. Dando paso a ritmos más bailables, las chicas de Bananarama se coronan en el puesto 23 con "Venus", una versión del clásico de Shocking Blue que se convirtió en un auténtico torbellino en las pistas de baile bajo la producción del célebre trío Stock Aitken Waterman. En la misma línea de éxitos británicos, el dúo Wham!, integrado por George Michael y Andrew Ridgeley, se sitúa en el puesto 22 con "The Edge of Heaven", marcando el final de una era dorada antes de que George Michael despegara definitivamente en solitario. En el tramo final del programa, Couselo rescata al gran Steve Winwood en el puesto 18 con "Higher Love", un tema que le valió el reconocimiento mundial gracias a su refinada mezcla de blues y pop. En el puesto 8, la voz de Belinda Carlisle brilla con "Mad About You", su primer gran éxito tras abandonar el grupo The Go-Go's. Finalmente, las posiciones de honor nos revelan en el puesto 7 a Rod Stewart con "Love Touch", y en el puesto 6 a la incombustible Madonna con su polémico e histórico "Papa Don't Preach". El broche de oro de la lista lo ponen Genesis en el puesto 2 con "Invisible Touch", y el gran Peter Gabriel, exlíder de la banda, que se corona en el número 1 absoluto con su rompedor "Sledgehammer", un duelo fraternal en la cumbre que define a la perfección la riqueza musical de 1986.

Un viaje nostálgico por los éxitos norteamericanos de 1976, desde el rock de Queen y Aerosmith hasta el debut bailable de los Bee Gees. En esta edición de Prohibido Contar Ovejas, con Felipe Couselo, se realiza un recorrido nostálgico por las canciones más exitosas de la lista estadounidense Billboard del año 1976. Se destaca que este período representó un punto de inflexión, justo en las puertas del auge masivo de la música disco y antes de que se desatara la rivalidad cultural con el género rock. El programa abre con el ritmo de Silver Convention y su éxito "Get Up and Boogie", que ocupaba la posición número 39 en dicha semana. Seguidamente, se da paso al estilo pop más amable y transversal característico de la década de los setenta con Eric Carmen y el tema "Never Gonna Fall in Love Again", una melodía inspirada en Rachmaninov que alcanzó su punto álgido en la posición número 11, posicionándose como un gran referente de su trayectoria en solitario tras su paso por los Raspberries. A continuación, se introduce a un artista legendario como Peter Frampton con su interpretación en directo de "Baby, I Love Your Way", extraída de su icónico álbum Frampton Comes Alive!. Se reflexiona sobre cómo este tipo de baladas de rock accesible marcaron la época. También se rescata de fondo el sonido de Chicago con "Another Rainy Day in New York City", evidenciando la riqueza y diversidad musical de aquel momento histórico. El género disco y el R&B regresan con fuerza de la mano de Candy Staton y su clásico "Young Hearts Run Free", un tema de superación personal y resiliencia que se situaba en la posición número 26. Tras este éxito bailable, se presenta a una de las bandas norteamericanas más importantes de la historia del rock, Aerosmith, con "Last Child", perteneciente a su álbum clásico Rocks de 1976, un trabajo que consolidó su estatus en el olimpo musical antes de sus posteriores crisis. La fórmula del éxito continúa con Wings, el proyecto de Paul McCartney, interpretando "Let 'Em In", un sencillo muy representativo del sonido de la banda que alcanzó el número 3 en las listas estadounidenses. Posteriormente, se presenta un gran éxito de la música disco con la cantante Vicky Sue Robinson y su emblemático "Turn the Beat Around", canción que más adelante sería versionada por Gloria Estefan en los noventa. En el tramo final del programa, se destaca a la mítica banda británica Queen con "You're My Best Friend", compuesta por John Deacon, y se recuerda brevemente la figura de los Carpenters con "I Need to Be in Love". Para coronar la selección, se escuchan los grandes himnos de la pista de baile como "You Should Be Dancing" de los Bee Gees, el rock enérgico de Thin Lizzy con "The Boys Are Back in Town", la suavidad de Gary Wright en "Love Is Alive", el optimismo de Starbuck con "Moonlight Feels Right" y la elegancia funk de The Brothers Johnson en "I'll Be Good to You". El broche de oro lo ponen la balada romántica "Don't Go Breaking My Heart" de Elton John y Kiki Dee, y finalmente, el tema número uno de la semana, "Kiss and Say Goodbye" de The Manhattans.

Un recorrido sonoro por los éxitos norteamericanos de los sesenta que analiza la convivencia de la psicodelia, el folk-rock y los grandes clásicos. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, el director y presentador Felipe Couselo introduce una programación especial de verano. El espacio de esRadio inicia un recorrido nostálgico a través de las décadas para analizar los éxitos musicales de las listas del Billboard norteamericano de mediados de julio, arrancando específicamente en el año 1966. Durante la madrugada, Couselo realiza una cuidada selección que ilustra el cambio cultural que se fraguaba en la década de los sesenta. El programa arranca con la música de Manfred Mann y su tema Pretty Flamingo, que en la semana del 20 de julio de 1966 ocupaba el puesto número 38 de la prestigiosa lista estadounidense. El viaje continúa con la irrupción de los Rolling Stones, representados por uno de sus títulos más icónicos, Paint It Black, que se encontraba en el puesto 39, y su cara B, Mother's Little Helper, que se situaba en el puesto 17. Couselo destaca cómo 1966 supuso un punto de inflexión en la evolución del rock and roll de la mano de la experimentación instrumental liderada por Brian Jones. La balada soul también tiene su espacio con el clásico Sunny de Bobby Hebb, que ocupaba la posición número 25 de la lista. Seguidamente, se analiza la figura de Roger Miller con su canción costumbrista y satírica You Can't Roller Skate in a Buffalo Herd, situada en el puesto número 40, reflejo de la diversidad de estilos que convivían en las ondas de la época. La gran revolución folk-rock de la década no podía entenderse sin Bob Dylan, de quien se escucha I Want You, canción que en esa misma fecha peleaba en la posición 24. Couselo profundiza en la evolución artística de Dylan durante este periodo de transición hacia una madurez puramente musical. A continuación, el programa rescata el éxito estival Summer in the City de The Lovin' Spoonful, que en esa semana ocupaba el puesto 21 antes de alcanzar el número uno, una canción que capta a la perfección la atmósfera urbana del verano. Se aborda también la influencia de la Motown con The Temptations y su influyente Ain't Too Proud to Beg en el número 13, símbolo de la integración musical en la sociedad norteamericana. La música más tradicional y melódica se hace presente a través de Frank Sinatra con Strangers in the Night en el puesto número 12, así como con la versión instrumental del tema de Lara de la película Doctor Zhivago interpretada por Ray Conniff en el puesto 14. El locutor analiza cómo convivían los nuevos sonidos con los clásicos de siempre. En el tramo final, el programa repasa la psicodelia y el pop de The Association con Along Comes Mary en el puesto número 11, envuelta en la polémica de la época por sus supuestas referencias a la marihuana; seguida de Paul Revere & The Raiders con Hungry en el número 7; y de The Mama's & The Papa's con I Saw Her Again en el número 9. Por último, se destacan los puestos de honor de la semana de julio de 1966: Dusty Springfield con You Don't Have to Say You Love Me en el número 5; The Cyrkle con Red Rubber Ball en el número 8; Crispian St. Peters con The Pied Piper en el número 4; y Sam the Sham & the Pharaohs con Lil' Red Riding Hood en el número 3. El broche de oro lo ponen The Troggs con su mítico Wild Thing en el número 2, y el gran número uno de aquella semana, Tommy James & the Shondells con el clásico bailable Hanky Panky.

Felipe Couselo despide la temporada junto a su equipo con grandes recomendaciones de música, el mejor teatro de verano y los estrenos de cine. En este programa de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo, se despide la temporada regular junto a los colaboradores habituales Juanma González y Daniel Palacios. Comentan de manera distendida la dinámica de las vacaciones y el ambiente de camaradería y confianza que se ha consolidado en el equipo, llegando a bromear sobre cuestiones personales y el uso compartido de productos cotidianos en el estudio de esRadio. La sección musical corre a cargo de Daniel Palacios, quien comparte algunos de sus descubrimientos y recomendaciones para el verano. Presenta el sencillo Easy Street de Queens of the Stone Age, lanzado recientemente y acompañado de un videoclip muy dinámico y singular. También destaca a la banda The Barbarians of California y su tema The Gnarly Core, caracterizado por sus guitarras potentes y su estilo irreverente, así como a The Black Wizards con Killing the Buzz, destacando su propuesta con toques psicodélicos y stoner. Por su parte, Isaac Vicente introduce a la artista alemana Perel con su versión de I'm in Love with a German Starfighter, un tema post-punk con tintes electrónicos que se aleja de sus producciones habituales más pisteras. También recomienda a Nia Archives con su tema Get Me Down, una propuesta de drum and bass y jungle con vocales melódicos, y a la mítica Nina Simone con la remezcla de Tell Me More and More and Then Some realizada por el productor noruego Duathlon, ideal para disfrutar en ambientes veraniegos. En el apartado teatral, Alma Espinosa ofrece un recorrido por los tres grandes festivales de teatro clásico que se celebran durante el periodo estival en España. Resalta el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, valorando la inigualable acústica y la experiencia mágica del teatro romano. Asimismo, destaca el Festival de Almagro, donde toda la localidad de Ciudad Real se vuelca en las representaciones en su corral de comedias histórico, y el Festival de Olite en Navarra, celebrado en el impresionante marco de su palacio real gótico. El programa cierra con el análisis de los últimos estrenos cinematográficos por parte de Juanma González. En primer lugar, analiza la espectacular versión de La Odisea dirigida por Christopher Nolan, destacando su narrativa fragmentada y su rodaje íntegro en formato IMAX. También comenta la llegada de Posesión Infernal: El Despertar, dirigida por Sébastien Vaniček, valorando cómo introduce el drama del maltrato familiar en una propuesta de terror y comedia negra que respeta el espíritu de la franquicia original. Por último, menciona el documental español Horror Land, dirigido por Joaquín Oristrell, que retrata la historia real de superación y emprendimiento de la pareja fundadora de un aclamado parque de atracciones de terror en Barcelona.

El equipo de esRadio se despide analizando el nuevo show de Batman en la Warner, el fenómeno televisivo de CSI y la mítica atracción de Tiburón. En este programa de esRadio, titulado Prohibido Contar Ovejas, los colaboradores se sumergen en un ambiente distendido y repleto de humor. Desde el inicio, Alma Espinosa y los demás participantes bromean sobre la comodidad de las sillas del estudio y sus vestimentas de "gala", creando una atmósfera de camaradería. La conversación se desvía rápidamente hacia las vacaciones de Juanma. Se especula con humor sobre su paradero, mencionando teorías como que estuvo en el parque con una litrona. Finalmente, revela que estuvo en Cantabria, disfrutando de la playa del Sable, lo que desata bromas sobre el típico comportamiento de los madrileños en la playa. El núcleo del programa se centra en el apasionante mundo de los parques de atracciones. Los colaboradores recuerdan con nostalgia la atracción de la Loca Academia de Policía en el Parque Warner de Madrid, un show de especialistas que marcó a muchos visitantes. Se anuncia que esta atracción se ha transformado en Gotham City, con un nuevo espectáculo llamado DC Supervillains. Esta revelación sirve de excusa para reproducir una canción de Batman, interpretada por Claudio Serrano, la voz oficial del personaje en España. La energía de la canción y la interpretación de Serrano son muy elogiadas por el equipo. Juanma comparte su experiencia en la inauguración de esta nueva atracción, describiendo un despliegue de efectos especiales con coches derrapando, incluyendo modelos de BMW y un Hyundai eléctrico disfrazado de coche de policía de Gotham. Destaca la calidad de las actuaciones y cómo este tipo de espectáculos amplía el universo de Batman para los fans. Además, menciona el documental Horror and Love, que narra la creación de Horrorland, un parque de atracciones dedicado al terror en Barcelona, alabando la iniciativa y el éxito de sus creadores. La nostalgia sigue presente al recordar la mítica atracción de Tiburón en el parque Universal de Orlando. Aunque esta ya cerró, se menciona que aún perdura en los estudios de Osaka, en Japón. Los colaboradores analizan la mítica escena de la película de Steven Spielberg en la que los personajes cantan juntos, un momento de camaradería masculina que ha quedado grabado en la historia del cine. El programa también aborda la influencia de la famosa serie CSI, que cumple 25 años. Se debate sobre el "efecto CSI", un fenómeno real por el cual los espectadores y jurados de juicios reales esperan un nivel de pruebas científicas casi ficticio, similar al de la televisión. Los colaboradores desmitifican con humor varios de los tropos de la serie: La capacidad de hacer un zoom infinito en imágenes de baja calidad para revelar matrículas o rostros nítidos. La obtención de resultados de ADN en tan solo diez minutos, algo que en la realidad puede tardar días o semanas. La facilidad para encontrar huellas dactilares perfectas en cualquier superficie y obtener una identificación instantánea. La determinación de la hora exacta de la muerte con precisión de minutos. La infalibilidad del análisis de patrones de sangre para reconstruir un crimen al milímetro. A pesar de estas licencias dramáticas, se reconoce el enorme éxito y la influencia de CSI, que se convirtió en una serie rompedora por su estética cinematográfica y su enfoque en la ciencia forense. El programa concluye con una animada discusión sobre el Mundial de fútbol, la devoción por figuras históricas como Maradona y Pelé, y la música que ha rodeado a este deporte a lo largo de los años.

Un recorrido por la historia de la música popular a través de grandes bandas formadas por miembros de una misma familia. En esta nueva entrega del programa, Felipe Couselo continúa explorando la música de bandas formadas por hermanos y hermanas. El episodio comienza con el recuerdo de la primera entrega de este tema, disponible en formato podcast en la web y aplicación de esRadio, así como en las principales plataformas de distribución. Además, se invita a los oyentes a interactuar y comentar a través de las redes sociales del programa. La primera banda en sonar es la estadounidense Creedence Clearwater Revival, liderada por los hermanos Tom y John Fogerty. Couselo explica la evolución de la dinámica interna de la banda, que inicialmente comenzó con Tom como figura principal, pero que rápidamente vio cómo el talento compositivo y la voz de John lo convertían en el líder indiscutible. Sin embargo, esta situación, sumada a problemas con los derechos y regalías, provocó la separación de los hermanos, quienes apenas volvieron a hablarse en más de veinte años, logrando una breve reconciliación poco antes de la muerte de Tom. Seguidamente, se da paso al clásico "Thunderstruck" de los australianos AC/DC, máximo exponente de la cooperación fraternal en el rock con los hermanos Malcolm y Angus Young. Formada en 1973, la banda ha mantenido una trayectoria legendaria. Tras el triste fallecimiento de Malcolm en 2017 debido a una enfermedad que le obligó a retirarse, Angus continúa liderando la agrupación en los escenarios a sus más de 70 años. El programa se traslada luego a Suecia con The Hives, un grupo de garage rock formado en 1993 y compuesto por los hermanos Pelle y Niklas Almqvist. Couselo destaca la tremenda energía de sus directos y detalla cómo la estética y los alias de la banda, como "Howlin' Pelle", están fuertemente inspirados por el blues y el punk. A continuación, se rinde homenaje a The Cranberries, la recordada banda irlandesa en la que tocaban los hermanos Mike y Noel Hogan. Se rememora cómo la incorporación de la vocalista Dolores O'Riordan en 1990 definió el sonido y el éxito global del grupo, logrando conquistar el mercado americano desde sus primeros trabajos. El recorrido continúa con los británicos Dire Straits, fundados por Mark Knopfler y su hermano menor, David Knopfler. La relación de David con la banda fue breve, dejándola a principios de los ochenta, mientras que Mark se consolidó como el alma del grupo hasta su disolución definitiva a mediados de los noventa. Posteriormente, entran en escena los hermanos Barry, Robin y Maurice Gibb, componentes de los exitosos Bee Gees. Couselo resalta su increíble talento para las melodías pop y de música disco. La banda sufrió duros golpes con el fallecimiento de Maurice en 2003 y de Robin en 2012, quedando Barry como el único miembro superviviente y custodio del valioso legado familiar. El programa continúa explorando conexiones familiares con The Corrs, el grupo irlandés integrado por los cuatro hermanos Corr: Jim, Sharon, Caroline y Andrea. Con una propuesta que fusiona el pop rock con la música tradicional irlandesa, lograron ventas millonarias durante la década de los noventa y principios de los dos mil. También se destaca a Stryper, una de las bandas más singulares del glam metal de los ochenta por sus letras de inspiración cristiana, en la que militan los hermanos Michael y Robert Sweet. La lista de bandas con tres hermanas se enriquece con las californianas Haim (Este, Danielle y Alana Haim), quienes han sabido compaginar con gran éxito su carrera musical con incursiones en el cine. Hacia el tramo final, Couselo pincha a los británicos Happy Mondays, liderados por los hermanos Shaun y Paul Ryder, figuras clave de la escena de Manchester. Paul falleció en 2022, pero la influencia del grupo sigue latente. Después, es el turno de los legendarios The Everly Brothers (Don y Phil), pioneros del rock and roll y cuna de las armonías vocales más influyentes de la historia, admiradas por formaciones como los propios Beatles. Para concluir, el programa presenta a la banda estadounidense Toto, en la que coincidieron los tres hermanos Porcaro: Mike, Steve y Jeff, todos reputados músicos de sesión, y a los suecos Ace of Base, formados por los hermanos Jonas, Linn y Jenny Berggren, que dominaron las pistas de baile en los noventa con éxitos como "All That She Wants". El broche final lo pone de nuevo la Creedence Clearwater Revival con su tema "Long As I Can See The Light".

De los hermanos Gallagher a los Auserón: un repaso a las tormentosas y creativas relaciones familiares que definieron la historia de la música. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, dirigida por Felipe Couselo, nos adentramos en el universo de las bandas formadas por hermanos en la historia de la música. Se analiza la influencia de los lazos de sangre y cómo estas complejas relaciones familiares marcan el devenir creativo y personal de algunos de los grupos más influyentes de la historia, analizando desde sus éxitos en las listas hasta sus sonadas disputas internas. El recorrido musical comienza con los legendarios The Allman Brothers Band, liderados por Duane y Gregg Allman, una de las formaciones cumbre del rock sureño estadounidense. A continuación, el programa se centra en los hermanos Noel y Liam Gallagher de Oasis, cuyo carácter combativo de Manchester protagonizó una de las dinámicas más conflictivas y exitosas del britpop. También se repasa la trayectoria de The Black Crowes, donde la tormentosa pero fructífera relación entre Chris y Rich Robinson ha guiado al grupo de rock de raíces a lo largo de las décadas. La presencia femenina y el virtuosismo técnico llegan de la mano de las hermanas Ann y Nancy Wilson en la banda de rock Heart, quienes rompieron barreras en los años setenta. Por otra parte, se destaca la importancia histórica de Ray y Dave Davies en The Kinks, creadores de himnos generacionales indispensables en el pop-rock británico. En una vertiente más familiar, se analiza la propuesta de Kings of Leon, grupo compuesto por tres hermanos y un primo de la familia Followill, y la leyenda del hard rock con la icónica firma de Eddie y Alex Van Halen en Van Halen. En el panorama nacional, los hermanos Santiago y Luis Auserón capitaneando Radio Futura protagonizaron una de las evoluciones artísticas más importantes del pop-rock en España. De vuelta al ámbito internacional, la melancolía y las perfectas armonías de Karen y Richard Carpenter en The Carpenters contrastan con el pop surfista de The Beach Boys, impulsado por los hermanos Brian, Carl y Dennis Wilson. El programa concluye con la fuerza de Justin y Dan Hawkins en The Darkness, el pop tecno de los hermanos Cano en Mecano, el enérgico rock alternativo de Jet con Nic y Chris Cester, y la genialidad vanguardista de Jonny y Colin Greenwood en Radiohead.

Un recorrido por la música bizarra de Miki Blanco, el teatro de la Sala Tarambana y las series más escalofriantes de Netflix. El programa de hoy arranca con una atmósfera melancólica, marcada por la ausencia de Juanma Rodríguez, quien se encuentra de vacaciones. El equipo, compuesto por Felipe, Dani y la colaboración de Isabel, bromea sobre la misteriosa desaparición de Juanma y especula sobre su paradero, sugiriendo con humor que podría estar en un viaje a Marte. La sección musical, a cargo de Dani Palacios, introduce un aire fresco y ecléctico. Comienza con el tema Dollar Bill de Jack White, que sirve como antesala al estreno de su nuevo álbum, Fear of the Dawn. Seguidamente, se presenta la propuesta de Miki Blanco con Bad Sex, un artista multidisciplinar que fusiona el rap con la performance de manera provocativa. El videoclip de esta canción, descrito como una locura visual basada en el cruising en el metro de Nueva York, es destacado por su tono festivo y bizarro, con claras influencias de LCD Soundsystem. El recorrido musical continúa con Airkraft y su tema Around the Night (traducido del cirílico), un proyecto de synth-pop y dark wave del artista ucraniano Daniel Merkulov, influenciado por bandas como Cocteau Twins y Depeche Mode. Finalmente, se introduce un toque desenfadado con la banda alemana The Butcher Sisters y su fiestero tema Eine Serfesa, un sexteto de Mannheim que mezcla metalcore y hardcore con letras cómicas sobre el consumo de cerveza. En el plano cultural, se promociona la novena edición de la muestra de teatro breve de la Sala Tarambana en Carabanchel. Este festival, que se extiende durante el fin de semana, presenta propuestas escénicas de entre 15 y 20 minutos. Es una oportunidad excelente para descubrir nuevos talentos, directores y dramaturgos emergentes en un formato dinámico. El público asistente tiene un papel activo, ya que puede votar por su montaje favorito para otorgar el premio del público. En la sección de recomendaciones de series, Felipe comparte su reciente maratón de las producciones de Mike Flanagan para la plataforma Netflix. El repaso comienza con La Maldición de Hill House (2018), basada en la novela de Shirley Jackson. Esta serie es alabada por su maestría al combinar el terror puro con el melodrama familiar, destacando el virtuosismo técnico de su sexto episodio, filmado casi en su totalidad en planos secuencia que conectan distintas épocas de manera fluida. Se menciona brevemente La Maldición de Bly Manor (2020), adaptación de la obra de Henry James, para dar paso a la gran recomendación de la noche: Misa de Medianoche (2021). Esta miniserie, ambientada en una aislada comunidad pesquera, aborda el fanatismo religioso, la culpa y la búsqueda de redención con una atmósfera asfixiante que recuerda a las mejores obras de Stephen King. Se destaca la soberbia interpretación de los actores y los profundos diálogos sobre la fe y la existencia, así como el uso magistral de la tensión y la simbología visual, como la presencia de los inquietantes ojos brillantes en la oscuridad de la isla. Finalmente, se comenta el estreno de La Caída de la Casa Usher (2023), una libre adaptación contemporánea que mezcla diversos relatos de Edgar Allan Poe. La trama gira en torno a una poderosa y despiadada dinastía familiar al frente de un imperio farmacéutico, cuya decadencia y misteriosa desaparición se narra a través de confesiones y flashbacks, ofreciendo un cóctel de intriga gótica, drama familiar y los característicos sustos del sello de Flanagan.

De 'Don't Dream It's Over' a su actual formación familiar: descubre la historia del grupo de Neil Finn en este viaje nostálgico. Esta noche en Prohibido Contar Ovejas, nos sumergimos en la trayectoria de una de las bandas más singulares de la música contemporánea: Crowded House. El presentador Felipe Couselo nos guía a través de un viaje nostálgico y musical, destacando cómo esta agrupación recurrentemente vuelve a nuestras vidas, casi por casualidad, a través de una película, una melodía tarareada o un recuerdo lejano. Couselo sitúa a la banda en su selecto grupo de favoritos y nos invita a redescubrir sus éxitos más emblemáticos. El repaso comienza con la mítica Don't Dream It's Over, el mayor éxito de la banda a nivel mundial. Escrita por Neil Finn en un momento de introspección frente al piano en casa de su hermano, la canción captura una sensación agridulce que mezcla la melancolía con una inquebrantable esperanza. Este tema no solo definió el sonido de la banda, sino que también se convirtió en un himno generacional que logró escalar hasta el número dos en las listas de Estados Unidos, consolidando su legado. Para entender los orígenes de Crowded House, el programa nos traslada a mediados de los setenta en Nueva Zelanda, específicamente a la región de Waikato. Allí, los hermanos Tim y Neil Finn dieron sus primeros pasos musicales en la banda Split Enz. Aunque esta agrupación tuvo éxito en su tierra natal y en Australia, el crecimiento de Neil como compositor propició un cambio de rumbo. Split Enz se disolvió y Neil, junto al baterista Paul Hester y posteriormente el bajista Nick Seymour, formó el embrión de lo que sería Crowded House, inicialmente llamados The Mullanes. El nombre definitivo de la banda, Crowded House, surgió de su experiencia al llegar a Los Ángeles para grabar su primer disco bajo el sello Capitol Records. Instalados en una casa abarrotada de gente, el nombre reflejaba perfectamente su situación física y creativa. De ese primer álbum homónimo se extrajeron temas memorables como World Where You Live, una canción cargada de mística que nació de una anécdota curiosa: Neil Finn la compuso inspirado por los ruidos de una vecina que no le dejaba dormir en su abarrotada estancia angelina. El programa también destaca temas de su segundo trabajo, Temple of Low Men (1988), como Into Temptation, una balada profunda inspirada en una anécdota de gira en un club de Nueva Zelanda, y Sister Madly, que cuenta con una colaboración en la guitarra de Richard Thompson. Aunque este álbum tuvo un carácter más oscuro y experimental debido a la madurez de Neil como compositor, consolidó su base de seguidores en Europa. Posteriormente, con la incorporación oficial de Tim Finn a la banda, lanzaron Woodface (1991), un álbum aclamado que incluye joyas como Four Seasons in One Day y la enérgica Chocolate Cake. El recorrido continúa hasta su álbum Together Alone (1993) con el potente tema Lockout, antes de la disolución de la banda tras la trágica pérdida de Paul Hester. El programa concluye con una mirada al presente de la banda, que ha renacido con la incorporación de los hijos de Neil, Liam y Elroy Finn, manteniendo vivo el espíritu familiar con el tema de cierre, Better Be Home Soon.

De la armonía de los McCartney al tormento de Fleetwood Mac, un recorrido por los romances y rupturas más célebres de los escenarios. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo, se explora la fascinante dinámica de las parejas musicales, aquellas que compartieron tanto el escenario como sus vidas sentimentales. A través de una cuidada selección musical, se desvelan historias de amor, de tensión creativa, de éxito arrollador y de dolorosas rupturas que marcaron la historia de la música popular. El programa arranca con la emblemática canción I Got You Babe de Sonny and Cher, una pareja que saboreó las mieles del éxito en los años sesenta bajo la tutela del productor Phil Spector. Su relación sentimental no perduró en el tiempo, pero sí el legado de sus melodías compartidas, demostrando la complejidad de equilibrar el amor y la carrera artística. La siguiente parada nos lleva a la singular historia de The White Stripes, formada por Jack White y Meg White. Durante años se presentaron como hermanos ante el público, una estrategia para desviar la atención de su relación personal, que en realidad fue un matrimonio del cual se divorciaron antes de alcanzar su mayor cuota de popularidad. A pesar de la ruptura, la química e intriga sobre el escenario siguieron alimentando su música, dejándonos álbumes tan redondos como Icky Thump y la canción Rag and Bone. La sintonía más armónica y duradera la protagonizan Paul McCartney y su esposa Linda McCartney. Tras la traumática disolución de los Beatles, Paul encontró en Linda su mayor apoyo y refugio creativo. Linda se integró activamente en su carrera en solitario, participando en el aclamado álbum McCartney de 1970, donde destaca el tema Uncle Albert/Admiral Halsey. Su unión, una de las más sólidas de la industria, sólo se rompió con el prematuro fallecimiento de ella en 1998. En el extremo opuesto de la balanza se sitúa la tormentosa y destructiva relación de Ike y Tina Turner. Aunque su talento conjunto revolucionó el soul y el rock en temas inmensos como River Deep - Mountain High de 1966, la personalidad abusiva de Ike empujó a Tina a huir para salvar su vida. Tina logró renacer profesionalmente conservando únicamente el apellido de casada, demostrando una fortaleza inquebrantable que la convirtió en leyenda. El programa también rinde homenaje a Bruce Springsteen y Patti Scialfa, quienes consolidaron su relación sobre las tablas con la E Street Band tras el divorcio del cantante. El tema Human Touch, lanzado en el homónimo álbum de 1992, refleja ese vínculo especial que hoy en día siguen demostrando en directo. Asimismo, se repasa la desgarradora historia de Johnny Cash y June Carter, cuyo amor fue tan profundo que Johnny no pudo sobrevivir más que unos meses tras la muerte de su amada June en 2003, un romance inmortalizado en canciones como Jackson. Para concluir, se analizan las tensiones de Fleetwood Mac durante la grabación de su mítico disco Rumours, donde convivieron dos parejas rotas: Stevie Nicks y Lindsey Buckingham, y John y Christine McVie. Temas como Dreams de Stevie Nicks se convirtieron en un cruce de acusaciones y reproches sentimentales de gran belleza musical. Finalmente, el espacio cierra con notas de optimismo de la mano de proyectos contemporáneos como How to Destroy Angels, con Trent Reznor y su esposa Mariqueen Mandig, y el dúo de raíces americanas The War and Treaty, que demuestran que el amor y la música a veces sí caminan de la mano con éxito.

Un recorrido sonoro por el panorama emergente e independiente nacional e internacional a través de artistas que merecen mayor difusión. En esta nueva entrega del programa, se presenta una cuidada selección musical enfocada en el tranchetismo ilustrado, un concepto que rinde homenaje a propuestas sonoras alternativas y de calidad, muchas veces alejadas de los circuitos comerciales tradicionales. Los presentadores introducen un conjunto de bandas y artistas que tienen un denominador común: cuentan con menos de 5.000 oyentes mensuales en Spotify y han publicado trabajos recientemente, entre los años 2022 y 2024. A través de este criterio, el espacio busca reivindicar el talento emergente y dar visibilidad a proyectos que merecen un mayor reconocimiento por parte del público. La andadura musical comienza con Las Robertas, una banda originaria de Costa Rica. Se presenta su tema Everythin I Want to Be, perteneciente a su último disco All We Need Is Now. Los presentadores destacan la calidad de la producción y cómo el grupo ha experimentado un ligero incremento de oyentes debido a su actividad reciente, rozando casi el límite fijado para la sección, lo que demuestra que su propuesta empieza a consolidarse. A continuación, es el turno de Joaquín Pascual, un nombre con gran trayectoria en la escena independiente española, conocido por haber formado parte de grupos emblemáticos como Surfin' Bichos y Mercromina. Se pincha su sencillo titulado No Puedo Olvidar, publicado el pasado 19 de junio. El tema destaca por su característico tono de voz rasgado y sus matices sonoros, consolidando la faceta en solitario de este veterano músico. La selección continúa con Fundación Francisco Frankenstein y su enérgico tema Rey Mierda, una divertida e irreverente reinterpretación que da una vuelta de tuerca al mito del rey Midas. Esta banda mallorquina, en activo desde 2020, sobresale por su estilo fresco e irreverente, logrando conectar rápidamente con el oyente gracias a su particular sentido del humor y su sonido directo. El programa también rescata a los madrileños Sex Museum, una formación mítica del garage rock nacional que, a juicio de los locutores, cuenta con una cifra de oyentes injustamente baja en las plataformas digitales para la relevancia de su trayectoria. Se presenta su versión del clásico de Neil Young, Rockin' in the Free World, un tema potente que evidencia la solidez de su propuesta musical y que sirve como antesala a sus próximas actuaciones en directo. El siguiente proyecto en sonar es Pájaro, liderado por el guitarrista sevillano Andrés Herrera. Con su canción Colegios Abandonados, en la que colabora Chencho Fernández, la banda ofrece una atmósfera que mezcla el rock de carretera con toques procesionales y de espagueti western. Los presentadores alaban la tremenda personalidad de la banda, lamentando que no cuente con un respaldo de audiencia mucho mayor en la actualidad. Desde Zaragoza llega la propuesta de Los Bengala con el tema Yo Grito, una enérgica versión del clásico de Los Sírex. Esta pieza de garage rock destaca por su crudeza y ritmo frenético. Asimismo, se introduce a la banda británica Grame y su tema de post-punk Chiki Chiki, una propuesta rítmica y bailable que aporta un toque internacional a la sección. La recta final del espacio musical presenta a Construimos Escalas con su tema Fuerte, un proyecto procedente de Málaga que ha visto crecer su audiencia gracias a la buena acogida de sus recientes trabajos en medios especializados. También se da paso a las madrileñas Las Odios y su tema Autoexplotación, una propuesta de garage pop con actitud combativa, y al proyecto de influencia pop coreana Korean Boyfriend con Not About Space, que destaca por su atmósfera synth-pop y new wave. Finalmente, el programa cierra con dos propuestas muy especiales: la banda Gamada y su potente tema Tú y Yo, que cuenta con la colaboración de Joaquín Pascual a la guitarra, y los gallegos Clara Plath con Una Nueva Idea, un grupo con más de una década de trayectoria que destaca por su solvencia y elegancia pop. El broche de oro lo pone Leopardo con su tema No Tengo un Puto Duro y la banda vallisoletana Fellows con su blues sucio y lo-fi I Can Hold You Tight, un dúo que derrocha actitud y autenticidad en cada nota.

Desde tributos LGTBI hasta punk garajero y rap, esRadio repasa los proyectos nacionales e internacionales que rompen moldes con su identidad. En esta sección de esRadio se repasa una lista de grupos musicales con nombres curiosos o "cachondos", comenzando con los Barbarians of California de Aaron Bruno y Eric Stenman, conocidos por un sonido hardcore con influencias del skate. El siguiente grupo es de Springfield, Missouri: Someone Still Loves You Boris Yeltsin, con una producción artesanal de pop indie y un nombre dedicado al político ruso. Se presenta también a GayC/DC, una banda tributo a AC/DC que adapta temas del grupo con temática glam y LGTBI. Otro grupo español en la lista es Afónica Naranjo, con su versión de "Amores", autopresentados como "hardcore-orquesta de pueblo". Desde Buenos Aires llega Fran Psiquiatra, una banda que hace una mezcla de punk rock, funk y blues. La banda malagueña Loncha Velasco, activa desde 2017, fusiona rap y punk. A través de Instagram se descubre a Aliento a Metadona, que comparte temas con la banda Fractura de Escafoides. Por otro lado, la banda uruguaya Bolsa de Nylon en la Rama de un Árbol combina rock alternativo, jazz experimental, música electrónica y ritmos tradicionales. El grupo español de tecno-fiesta rock Langostino Smith, autodefinido como "boyband de tres feroces crustáceos", presenta su tema "Mi novia es la fea del pueblo". En el disco "Los tacones de papá" del año 2013 se encuentra el tema "Crispis con Zetas" del grupo ecléctico Pandemoldium. Finalmente, los mallorquines Fundación Francisco Frankenstein muestran un sonido punk garajero con influencia de los Ramones en su tema "Sobremesa". La sección cierra con el trío barcelonés Tetas Frías, también conocidas como "Frigotetas", quienes interpretan punk irreverente y macarra con letras cotidianas.

Frente al bochorno estival, un repaso por enclaves ficticios y reales como Winden o Cicely que ofrecen temperaturas de hasta cinco grados. En esta sección de esRadio, se aborda con tono distendido el tema de las altas temperaturas y las olas de calor recientes, introduciendo el concepto de domo de calor. A raíz de esto, se realiza un recorrido por diversas localizaciones de series de televisión conocidas por sus climas fríos, planteándolas como destinos ideales para escapar de las temperaturas extremas de lugares como Madrid o Murcia. La primera parada es Winden, el pueblo ficticio de la conocida serie Dark. Situado en Alemania, en el estado de Brandeburgo, este lugar destaca por sus temperaturas frescas de alrededor de trece grados a la una de la madrugada, un contraste notable frente a los treinta grados de la capital española a esa misma hora. Además, se destaca su ambiente nublado y húmedo, ideal para quienes prefieren evitar el sol. Posteriormente, el programa se traslada a la atmósfera de Twin Peaks, en el estado de Washington, cerca de la frontera con Canadá. Con una temperatura estimada de once grados, los colaboradores debaten sobre la comodidad de este clima para conciliar el sueño. Durante la conversación, se comparte un truco particular para combatir el calor en hogares sin aire acondicionado: una bombilla con ventilador integrado adquirida a través de la plataforma TikTok, lo que desata comentarios sobre las preferencias de compra en redes sociales. El recorrido continúa hacia Cicely, el escenario de la clásica serie Doctor en Alaska, grabado en la localidad de Roslyn. Con temperaturas que rondan los ocho grados, se destaca como un destino idóneo para los amantes del frío extremo en pleno julio. Para ilustrar el ambiente, se reproduce un fragmento de audio de la serie en el que se aprecia la desesperación de uno de los personajes por escapar de las discusiones sobre el clima local. Finalmente, se analizan las condiciones de Bemidji, la ciudad de Minnesota asociada a la serie Fargo, donde el termómetro marca unos gélidos cinco grados. Se bromea sobre la humedad de las zonas con lagos y se contrasta la tolerancia de cada colaborador al calor. El espacio concluye con una mención a Invernalia, de la célebre serie Juego de Tronos, donde se especula con temperaturas de hasta veinticinco grados bajo cero, ideales para quienes sufren el rigor del verano.

Un recorrido desde el fenómeno de Lamine Yamal hasta el 'tranchetismo ilustrado', pasando por el mítico directo de Johnny Cash en prisión. En este episodio de Prohibido Contar Ovejas, conducido por Felipe Couselo junto a Alma Espinosa, se abordan temas variados que van desde la actualidad futbolística, pasando por la tecnología y la música, hasta propuestas para combatir las olas de calor. El programa se inicia comentando las repercusiones de la reciente victoria de la selección de España en la Eurocopa, donde se destaca la figura del joven futbolista Lamine Yamal como una de las revelaciones del torneo. Se genera un debate sobre la calidad del juego y las expectativas de cara a los próximos partidos. Posteriormente, Alma introduce un concepto meteorológico de actualidad para explicar las intensas temperaturas: el domo de calor. Se detalla cómo este fenómeno atrapa las altas temperaturas en la atmósfera como si fuera una tapadera, y se ofrecen recomendaciones para conciliar el sueño, proponiendo irónicamente "viajar" a localidades ficticias o muy frías como Winden (de la serie Dark), Twin Peaks, Sísely (Alaska) o Fargo, donde las temperaturas en esta época son extremadamente bajas. En el plano musical, el programa rinde un homenaje al legendario artista Johnny Cash y su histórico concierto en la prisión de Folsom en 1968, destacando su legado imperecedero y su conexión con el público más desfavorecido. Finalmente, se da paso a la sección de tranchetismo ilustrado, una selección de recomendaciones musicales con bandas y artistas que tienen pocos oyentes mensuales en la plataforma Spotify, pero que destacan por su calidad y propuestas irreverentes, tales como Las Robertas de Costa Rica, Joaquín Pascual, Pájaro, Los Bengala, Clara Plath, Tetas Frías y Afónica Naranjo.

El espacio radiofónico explora desde el dream pop contemporáneo y el metal industrial portugués hasta clásicos eternos de Michael Jackson. En esta nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas, con la conducción de Felipe Couselo y la asistencia técnica de Dani Palacios, se aborda una variada selección musical que abarca desde los sonidos más recientes del rock alternativo hasta interesantes propuestas experimentales y de post-punk. El programa inicia con la música de Muse y su tema "Compliance", el cual forma parte de su álbum Will of the People, un disco caracterizado por indagar en las profundidades de los conflictos personales y colectivos. Los colaboradores coinciden en que los directos de la banda son espectaculares, capaces de cautivar a cualquier audiencia con su potente instrumentación. Posteriormente, se introduce el nuevo trabajo de Queens of the Stone Age, extraído de su presentación grabada en las catacumbas de París dentro de su Catacombs Tour, en colaboración con la conocida emisora de Seattle KEXP. Esta versión en vivo, enriquecida con secciones de cuerda y metales, aporta una atmósfera mística y sombría que ha sido muy elogiada por el equipo del programa. En la sección de recomendaciones novedosas, se presenta a Mister Fantasy con su tema "Mr. Fantasy", un proyecto que destaca por su aproximación al dream pop contemporáneo mediante el uso de sintetizadores analógicos. Existe el fuerte rumor en la industria de que detrás de este pseudónimo se esconde el actor neozelandés KJ Apa, conocido por su papel en la serie Riverdale. La fuerza del hardcore punk llega de la mano de Death Pioneers y su potente tema "No Kings", extraído de su álbum Wagon Burner. Este grupo de Colorado, liderado por el nativo americano Greg Deal, centra sus letras en la denuncia del colonialismo y la opresión histórica sufrida por los pueblos indígenas en los Estados Unidos, presentándose como una propuesta de gran carga política y social. El repaso musical continúa con la banda portuguesa MÁQUINA., un trío que fusiona de manera contundente el metal industrial con ritmos propios de la música techno, utilizando baterías y guitarras analógicas con distorsiones y pedales de efectos, prescindiendo por completo de sintetizadores tradicionales. El toque bailable y retro de la noche lo pone la versión de "Please Don't Go" realizada por Double You, un clásico de la música eurodance de principios de los noventa que originalmente pertenecía a KC and the Sunshine Band. A esta propuesta le sigue la versión realizada por el productor TET, que le da un enfoque dream pop sumamente fresco y veraniego. En el apartado cinematográfico, se analiza la película Robin Hood de Miguel Sarnoki, protagonizada por Hugh Jackman en un papel inusualmente oscuro y sádico, alejado de la clásica imagen del héroe bondadoso. Asimismo, se comenta el estreno de Normal, una interesante producción de acción y humor negro protagonizada por Bob Odenkirk, que traslada la esencia del thriller violento a un nevado pueblo de Minnesota. Para finalizar, se repasa la película española Nueve Lunas, protagonizada por Sara Sálamo, que aborda con sensibilidad y un equilibrio entre comedia y drama la historia de una transición de género y un embarazo inesperado, destacando también las actuaciones de Jorge Sanz. El cierre musical del programa rinde homenaje a dos grandes figuras: el rey del pop, Michael Jackson, con sus icónicos temas "Bad" y "The Way You Make Me Feel", y la cantautora Tracy Chapman con su inolvidable "Fast Car", un broche de oro melancólico para despedir la semana.

Desde los Beatles hasta el punk, analizamos por qué los temas cortos conquistan las listas y cómo el 'streaming' acelera esta tendencia. En esta sección de esRadio, el presentador y su colaborador debaten sobre la duración ideal de las canciones de éxito, señalando que tradicionalmente se considera que esta debe ser de unos tres minutos para su correcta difusión en radio. Se pone de manifiesto que muchas discográficas exigen versiones más cortas de temas largos para facilitar su comercialización. El colaborador presenta una selección de canciones famosas que duran menos de dos minutos. Entre los ejemplos citados se encuentra el clásico From Me to You de los Beatles, con una duración de un minuto y cincuenta y siete segundos. También se menciona el género punk, donde los temas cortos son habituales, destacando a los Clash con su tema White Riot, de un minuto y cincuenta y seis segundos. El debate se traslada a otros géneros, mencionando que en el pop de los noventa surgieron canciones breves muy exitosas, como Song 2 de Blur, que dura exactamente dos minutos, o Breaking Glass de David Bowie. Incluso se resalta que la canción más corta en llegar al número uno en la lista Billboard estadounidense fue Stay de Maurice Williams and the Zodiacs, con solo un minuto y treinta y seis segundos. Hacia el final, se analiza cómo las nuevas plataformas de música y la autoproducción de jóvenes artistas han impulsado la creación de temas muy cortos de manera intencionada, ya que los oyentes deciden rápidamente si continúan escuchando o pasan a otra pista en los primeros segundos. Asimismo, se destaca que en la música electrónica el uso de software de sincronización ha reducido la necesidad de canciones de larga duración para realizar mezclas.

Desde Detroit hasta España, repasamos sorprendentes versiones orgánicas de temas míticos de la pista de baile y el pop sintético. En esta ocasión, el programa presenta una interesante propuesta musical: repasar versiones acústicas o de rock de canciones que originalmente fueron concebidas dentro de la música electrónica o el pop sintético. Para romper una lanza a favor de la música electrónica y demostrar el respeto mutuo entre géneros, se analizan varias adaptaciones sorprendentes que demuestran cómo la estructura de un tema electrónico puede brillar con instrumentación clásica. El recorrido comienza con una versión de "Shari Vari", un tema de 1981 del grupo de Detroit A Number of Names, considerado por muchos como uno de los primeros exponentes del techno. La reinterpretación corre a cargo de The Dirtbombs en 1992, quienes sustituyen las cajas de ritmos por una potente base de dos bajos y dos baterías acústicas, dándole un aire krautrock muy particular. A continuación, el programa viaja de Detroit a Valladolid con el grupo Arizona Baby, quienes realizan una notable versión folk de "Das Model", el clásico de 1978 de los alemanes Kraftwerk. En esta adaptación, titulada en inglés "The Model", el grupo consigue trasladar la frialdad sintética original a un plano cálido y orgánico gracias a las guitarras acústicas y a un juego de voces muy sugerente. El repaso continúa con los años ochenta. Se destaca la famosísima versión de "Tainted Love" realizada por Soft Cell en 1981, que a su vez es versionada por Imelda May con un marcado estilo rockabilly que se convirtió en un gran éxito internacional. También se escucha la versión de "Smalltown Boy", original de Bronski Beat, adaptada por la banda londinense Heavyball con ritmos de herencia jamaicana y estilo two-tone/ska. No podía faltar en esta selección la figura de Marilyn Manson, conocido por llevar al terreno del metal industrial varios clásicos del pop. En esta ocasión se destaca su potente versión de "Sweet Dreams", original del dúo de techno-pop Eurythmics. Por otro lado, se presenta el proyecto de Thomas Raggi, guitarrista de Måneskin, que junto a Alex Kapranos de Franz Ferdinand realiza una enérgica versión rock de "You Spin Me Round (Like a Record)", el gran éxito de Dead or Alive. En el tramo final, se rescata una curiosa versión que el mismísimo David Bowie grabó de "Love Missile F1-11", el tema cyberpunk y sin guitarras de los irreverentes Sigue Sigue Sputnik. Asimismo, se analiza la adaptación que los neoyorquinos Nada Surf hicieron del himno de Depeche Mode, "Enjoy the Silence", logrando desarmar y reconstruir la canción bajo sus propios parámetros de indie-rock. Para cerrar, se da paso al sonido de los daneses Who Made Who y su particular aproximación a "Satisfaction" de Benny Benassi, y a la banda Soulwax versionando "Teachers" de Daft Punk. El broche de oro lo pone una sorprendente adaptación en clave de perreo post-punk del éxito "Bichota" de Karol G, realizada por la banda chilena Frio Lento, demostrando que la hibridación de géneros no tiene límites.

El estreno del thriller 'Obsession' abre el debate sobre los vínculos más insanos y obsesivos retratados en la historia del séptimo arte. En este bloque del programa, los colaboradores abordan el tema de las relaciones de pareja tóxicas en la gran pantalla. Todo esto como consecuencia del estreno de la película de terror y suspense Obsession, que está teniendo una gran recepción entre el público. La cinta de la que todo el mundo habla cuenta con una sugerente e inquietante banda sonora de estilo chill out. También se comenta otra película dirigida por Roman Polanski que aborda estas relaciones enfermizas: Lunas de Hiel, protagonizada por Peter Coyote. Es una película de 1992 que explora la noción del amor como puro interés. Otra obra mítica que trata esta temática es Mi Obsesión por Elena (cuyo título original es Boxing Helena), de 1993, dirigida por Jennifer Lynch, hija del célebre director David Lynch. Como curiosidad, esta película iba a ser protagonizada por Kim Basinger, pero finalmente rechazó el papel y fue interpretado por Sherilyn Fenn. Su argumento gira en torno a un cirujano obsesionado con una mujer a la que llega a amputar miembros de su cuerpo. Los colaboradores también recuerdan la película Durmiendo con su Enemigo, un clásico de suspense protagonizado por Julia Roberts que aborda el maltrato psicológico y físico en el matrimonio. Asimismo, en este repaso a los thrillers de suspense con relaciones tóxicas, se destaca Perdida (Gone Girl), dirigida por David Fincher en 2014. Esta aclamada adaptación de la novela de Gillian Flynn está protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike, quien ofrece una actuación magistral como una mujer fría y manipuladora. Por último, se habla del clásico de 1986 La Mosca, dirigida por David Cronenberg, una obra de horror corporal que cuenta la transformación de un científico (Jeff Goldblum) que arrastra a su pareja (Geena Davis) a un abismo de horror y obsesión. Para cerrar el bloque de relaciones tóxicas se analiza la famosa y polémica película de Bernardo Bertolucci, Último Tango en París (1972), protagonizada por Marlon Brando y Maria Schneider.

Un divertido debate sobre la brevedad en la música y el análisis de las parejas más destructivas del cine centran la noche en esRadio. El programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, dirigido por Felipe Couselo, arranca con la habitual complicidad de su equipo técnico y de colaboradores, lamentando la baja temporal de Alma Espinosa. En esta entrega, Couselo presenta de manera oficial a Dani Palacios como el primer campeón del programa, luciendo un cinturón acreditativo que desata las bromas del equipo por su parecido con el mundo del wrestling. La sintonía inicial da paso a un debate sobre la transmisión musical de padres a hijos, motivada por el descubrimiento del grupo británico The Clash por parte de las hijas del presentador gracias a la popular serie de televisión estadounidense Stranger Things. La primera sección de la noche, liderada por Dani Palacios, se centra en un deconstrucción sobre la duración perfecta de los éxitos musicales, desmontando el mito de los tres minutos mínimos con una selección de grandes canciones de menos de dos minutos. Palacios demuestra que la brevedad no está reñida con el impacto comercial ni con la calidad artística. Entre los ejemplos históricos destaca el clásico From Me to You de The Beatles, que apenas alcanza el minuto y cincuenta y siete segundos. También suenan piezas fundamentales como el himno del punk primigenio White Riot, compuesto por The Clash, que condensa toda su rabia en un minuto y cincuenta y seis segundos; y el arrollador Song 2 de la banda británica Blur, limitado a dos minutos exactos. El repaso continúa con Please, Please, Please, Let Me Get What I Want de The Smiths, cuya sutil belleza se resuelve en apenas un minuto y cincuenta y dos segundos, dando pie a comentar la tensa relación histórica entre Morrissey y Johnny Marr. Dani Palacios también pincha la enérgica Breaking Glass del camaleónico David Bowie y el recordado sencillo Fell in Love with a Girl de la banda The White Stripes, célebre por su videoclip rodado íntegramente con piezas de Lego. Para rematar la lista, se destaca Stay, de Maurice Williams & the Zodiacs, como el tema más corto de la historia en alcanzar el codiciado número uno de la lista Billboard estadounidense. Palacios desvela además sus tres canciones breves preferidas: el contundente Porno en acción de los alaveses La Polla Records, August 8th de los californianos NOFX y Rubber Lover del proyecto musical Marmaduke Duke. En el tramo dedicado al séptimo arte, Juanma González aborda la representación cinematográfica de las relaciones sentimentales tóxicas, un recurso argumental clásico que gozó de un enorme predicamento comercial durante la década de los noventa. González parte del estreno en salas de la perturbadora película Obsession para trazar una genealogía de parejas conflictivas y obsesiones enfermizas en la gran pantalla. En este recorrido destaca Perdida (Gone Girl), la aclamada intriga psicológica dirigida por el cineasta David Fincher y protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike. El colaborador también analiza otros títulos de suspense clásicos como Durmiendo con su enemigo, con Julia Roberts, y la asfixiante versión de 2020 de El hombre invisible, liderada por la actriz Elisabeth Moss. La mesa de debate de esRadio se detiene especialmente en el drama erótico Lunas de hiel, una de las obras más polémicas y cargadas de humor negro del realizador Roman Polanski, así como en la deconstrucción romántica que propone la comedia (500) días juntos, protagonizada por Zooey Deschanel y Joseph Gordon-Levitt. La conversación alcanza su punto más álgido al rememorar la icónica y controvertida producción de Bernardo Bertolucci, El último tango en París, analizando el impacto psicológico que sufrió su joven coprotagonista, Maria Schneider, durante el rodaje de las escenas más polémicas junto a la estrella de Hollywood Marlon Brando. Juanma González cierra su aportación recordando la truculenta transformación física de La mosca, dirigida por el maestro del terror corporal David Cronenberg. Finalmente, Isaac toma las riendas del programa para explorar la estimulante colisión entre el rock y la música electrónica. A través de un recorrido por imaginativas versiones acústicas y de rock de temas sintéticos, Isaac rompe una lanza a favor de la música electrónica frente a los prejuicios del purismo guitarrero. La selección se abre con el enérgico cover de Sharivari interpretado por el grupo de Detroit The Dirtbombs, seguido de la sorprendente adaptación acústica de aire folk de Das Model, el mítico tema de Kraftwerk, realizada por los vallisoletanos Arizona Baby. También se destaca la sensual relectura de Tainted Love a cargo de la cantante irlandesa Imelda May y la versión de Smalltown Boy de Bronski Beat por el proyecto Heavy Trash. Isaac complementa esta ecléctica sesión con la aplaudida versión que Marilyn Manson hizo del clásico de Eurythmics Sweet Dreams y el cover de Enjoy the Silence firmado por los neoyorquinos Nada Surf. El broche final al programa nocturno de esRadio lo pone una curiosa interpretación de corte post-punk de la canción Bichota de Karol G, ejecutada por el grupo de rock chileno Friolento, como demostración del potencial de transformación que poseen los distintos géneros musicales cuando se abordan sin prejuicios.

Felipe Couselo repasa en esRadio grandes éxitos de Alaska, Bowie o Elton John que usan la música como metáfora de la vida y las despedidas. En esta nueva edición de Prohibido Contar Ovejas, el programa musical de esRadio conducido por Felipe Couselo, se presenta una cuidada selección de canciones que giran en torno al concepto del último baile. A lo largo del espacio, se realiza un recorrido por diferentes épocas, estilos y latitudes, analizando cómo el baile no solo funciona como un acto festivo y de evasión, sino también como una poderosa metáfora de la vida, las despedidas y los cambios emocionales. La andadura musical comienza recordando el clásico "Last Dance" de Donna Summer para dar paso inmediato a "Save the Last Dance for Me" de la mítica formación norteamericana The Drifters. Couselo desgranó la trayectoria de esta banda de Nueva York, estrechamente vinculada al sello discográfico Atlantic Records, destacando la figura de Ben E. King antes de emprender su exitosa carrera en solitario. Este tema personifica a la perfección esa petición sentimental de reservar el baile definitivo para la pareja amada en medio de la distracción social. El programa continúa con sabor nacional de la mano de "Bailando", el arrollador éxito de 1982 de Alaska y los Pegamoides. El locutor reivindicó el inmenso talento de sus compositores, Carlos Berlanga y Nacho Canut, quienes a menudo no han recibido todo el reconocimiento que merecen por definir el pop español. Con un ritmo marcadamente disco y desenfadado, la canción supuso un hito de modernidad postindustrial frente al rock ortodoxo de la época, convirtiéndose en un himno de la movida madrileña. Siguiendo en la escena española, se analiza la otra cara del hedonismo pop con "Bailando Salsa" de Mecano, perteneciente a su último álbum de estudio, Aidalai (1991). Couselo destacó la maestría de la banda para narrar historias lineales y costumbristas, en este caso la de Carmela, una bailarina excepcional que acaba abandonando al protagonista para irse con el cineasta Pedro Almodóvar. Este tema ejemplifica cómo el baile puede transformarse en un catalizador de rupturas sentimentales. Dando el salto al plano internacional, se introduce la mística de T. Rex con su icónica balada "Cosmic Dancer", incluida en el aclamado disco Electric Warrior de 1971. El locutor ensalzó las figuras de Marc Bolan y Mickey Finn como estandartes del glam rock británico antes de su prematura pérdida. Además, se recordó el fuerte vínculo cinematográfico de esta pieza, que sirve como tema de apertura en la célebre película Billy Elliot, retratando la pasión innata de un niño que nace para expresarse bailando. El viaje a través del glam y el cine fantástico continúa con "Magic Dance", la emblemática interpretación de David Bowie para la banda sonora de la película de culto Dentro del Laberinto (1986). Bajo la dirección de Jim Henson, esta obra marcó a toda una generación y permitió a Bowie desplegar su carisma teatral a través de una melodía sumamente pegadiza que, hoy en día, sigue fascinando a niños y adultos por igual como un clásico atemporal. Ya adentrados en el siglo XXI, el programa recupera la energía de la banda sueca Mando Diao y su arrollador "Dance with Somebody", extraído del álbum Give Me Fire de 2009. A este dinamismo contemporáneo se suma "Let's Dance to Joy Division" de la banda británica The Wombats, una composición que juega de manera brillante con la ironía de bailar alegremente mientras se evoca a una formación caracterizada por su profunda melancolía oscura. También se hace un hueco para los primeros pasos de Arctic Monkeys con "I Bet You Look Good on the Dancefloor", donde un jovencísimo Alex Turner retrataba con lucidez las noches de fiesta de la juventud británica. Hacia el tramo final del espacio musical de esRadio, se rinde tributo a figuras legendarias como Thin Lizzy y su deliciosa versión de "Dancing in the Moonlight", o al inolvidable Tom Petty con "Mary Jane's Last Dance". La velada concluye con la delicadeza de "Tiny Dancer" de Elton John, el romanticismo de "Careless Whisper" de Wham! y el gran himno coral "Under Pressure" de Queen junto a Bowie, cerrando de manera magistral una noche dedicada a la fuerza liberadora del baile.

Desde el himno generacional de Nirvana hasta el alegato de The Cranberries, Felipe Couselo analiza los grandes hitos de la era alternativa. En esta entrega de Prohibido Contar Ovejas, el programa de esRadio presentado por Felipe Couselo, se realiza un recorrido por la trayectoria del reputado director de videoclips Samuel Bayer. El realizador estadounidense ha sido el artífice de algunos de los acompañamientos visuales más icónicos de la historia de la música contemporánea, definiendo la estética de bandas fundamentales de las décadas de los noventa y los dos mil. Couselo arranca el espacio destacando el impacto de estas producciones que marcaron a toda una generación de espectadores de la televisión musical. El primer gran bloque del programa se detiene en la banda Green Day y su tema Wake Me Up When September Ends, perteneciente al exitoso álbum American Idiot. El videoclip de esta canción se aleja del significado original de pérdida personal del vocalista Billie Joe Armstrong para transformarse en un minidrama pacifista. Protagonizado por los actores Jamie Bell y Evan Rachel Wood, narra la historia de una joven pareja truncada cuando el muchacho decide alistarse en los Marines para combatir en la guerra de Irak, reflejando de forma desgarradora la cruda realidad de la juventud frente a los conflictos armados. La conversación retrocede después hasta el año 1991 para analizar el que probablemente sea el videoclip más influyente de la era alternativa: Smells Like Teen Spirit de la banda Nirvana. Samuel Bayer asumió la dirección de este proyecto –que apenas constituía su segundo trabajo profesional– con el encargo de dotarlo de una atmósfera sucia, punk y casi improvisada. A pesar de los iniciales conflictos de edición con la banda, el resultado final en el gimnasio de un instituto lleno de animadoras anarquistas y público descontrolado se convirtió en un hito absoluto de la cultura popular. El programa repasa también colaboraciones de Bayer con leyendas del punk como The Ramones en el tema Poison Heart –del disco Mondo Bizarro–, un videoclip grabado en un cementerio con composiciones oscuras inspiradas en el imaginario gótico. Asimismo, se destaca su trabajo con la banda escocesa The Jesus and Mary Chain en canciones como Far Gone and Out y Almost Gold, donde el realizador experimentó con técnicas de sobreexposición y juegos de luces que posteriormente influirían en la estética visual del britpop de finales de los noventa. Otra parada obligatoria es el tierno y recordado vídeo de No Rain de la formación Blind Melon, protagonizado por la célebre niña vestida de abeja que finalmente encuentra su lugar ideal en un prado soleado. Couselo continúa con el arrollador videoclip de Zombie de The Cranberries, un alegato político contra el conflicto de Irlanda del Norte en el que Dolores O'Riordan aparece pintada de dorado rodeada de niños plateados ante una gran cruz. El repaso de mediados de los noventa se completa con Gotta Get Away de The Offspring, cuya angustiosa narración visual sobre un adolescente atrapado en un pogo refleja fielmente la ansiedad de la época. La cumbre de la madurez de Samuel Bayer llega con Bullet with Butterfly Wings de la banda de rock alternativo The Smashing Pumpkins, donde el director retrata a la banda liderada por Billy Corgan tocando en una fosa de lodo como metáfora de la sociedad de consumo. El programa concluye rememorando sus colaboraciones con genios de la talla de David Bowie en Strangers When We Meet, la banda de rock alternativo Garbage en Only Happy When It Rains, los legendarios The Rolling Stones y, ya en el nuevo siglo, con The Strokes en su claustrofóbico videoclip para You Only Live Once.

Felipe Couselo y sus colaboradores debaten sobre el bajo volumen en los conciertos de rock y la última hora de los estrenos en la cartelera. El programa nocturno Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo, arranca con una animada charla entre sus colaboradores habituales: Daniel Palacios, Juanma González e Isaac Caíno. Durante este primer bloque, los locutores bromean sobre la selección musical de la noche y la presión de no repetir temas anteriores. Entre risas, surgen referencias a la cultura pop, como el universo televisivo de Joss Whedon, la serie Buffy la Cazavampiros y el personaje de Cíborg, marcando el tono divertido y distendido que caracteriza a este espacio radiofónico de Libertad Digital. El debate sube de tono cuando los colaboradores comentan el reciente concierto de la banda Linkin Park en Rivas-Vaciamadrid. La principal queja de los asistentes, compartida por el equipo de esRadio, fue el bajo volumen del concierto, algo que consideran imperdonable en un evento de rock. Según los tertulianos, la esencia de este tipo de espectáculos radica en salir medio sordo, sudoroso y cubierto de cerveza, criticando la tendencia actual de moderar los decibelios en los directos para no molestar a los vecinos de las zonas residenciales colindantes. Posteriormente, el programa se adentra en anécdotas urbanas cotidianas. Los tertulianos recuerdan sus experiencias en la línea circular de autobús de Madrid, debatiendo si alguno de ellos se ha quedado dormido hasta completar la vuelta entera. Isaac confiesa que solía hacerlo a propósito durante su etapa universitaria para evitar asistir a clase. Al hilo de los transportes, comentan las dimensiones del metro de Tokio, que cuenta con más de 150 líneas y donde es habitual la figura de los empujadores profesionales para optimizar el espacio en los vagones. Uno de los momentos más hilarantes de la noche llega con las andanzas de Asier Rivera. Se relata una anécdota ocurrida en Jerusalén, donde Asier, vestido con una larga gabardina negra y botas, tuvo que subir a una sinagoga para apagar una ruidosa alarma que molestaba a los vecinos durante el shabbat, ya que las leyes religiosas impedían a los fieles locales pulsar cualquier botón eléctrico. Felipe Couselo también aprovecha para rememorar las ocasiones en las que ha sido reconocido por los oyentes, como en un concierto de Crowded House en Caravaca o en una tienda Fnac. En el plano musical, el programa presenta el tema Imbula de la banda Badhole Surfers, perteneciente a su disco After the Astronaut. Felipe explica que este trabajo contiene material inédito de los años noventa que finalmente verá la luz en 2026. Acto seguido, suena Spirit Power and Soul, el último adelanto del exguitarrista de The Smiths, Johnny Marr. Los locutores elogián la trayectoria en solitario de Marr y sus múltiples colaboraciones con artistas de renombre, incluyendo su trabajo junto a Hans Zimmer en bandas sonoras cinematográficas. La música continúa con un divertido reto lanzado a la audiencia de esRadio. Amparo Espinosa desvela que la banda chilena Tahir apenas cuenta con unos doscientos oyentes mensuales en Spotify, lo que empuja a Felipe a proponer una apuesta de torreznos para conseguir que el grupo alcance los 500 oyentes antes del 15 de julio. Como broche de oro al bloque musical, suena una versión reeditada de Nancy Boy de Placebo, sirviendo de excusa para recordar cuando el grupo dejó plantados a sus fans en un festival en Cartagena alegando que hacía demasiado calor para actuar. El cine toma el relevo con el análisis de los próximos estrenos en cartelera. Juanma González analiza la futura película Supergirl: Woman of Tomorrow, que será dirigida por Craig Gillespie y protagonizada por Milly Alcock. El crítico detalla que el film adaptará la exitosa novela gráfica de Tom King, presentando a una superheroína traumatizada por la destrucción de su planeta de origen, alejada de la visión clásica del personaje y con una estética que promete beber del cine de aventuras espaciales. A continuación, el equipo analiza Obsession, un largometraje de terror psicológico de muy bajo presupuesto dirigido por el popular youtuber Curry Barker. A pesar de contar con escasos recursos, la cinta ha logrado un sorprendente éxito en taquilla. Los colaboradores alaban el ambiente opresivo y la magnífica interpretación de la actriz protagonista, Inde Navarrete, quien encarna a una joven que se vuelve peligrosamente obsesiva tras un aparente hechizo de amor, combinando el humor incómodo con el horror más puro. Otra de las recomendaciones cinematográficas de la noche es Los últimos días de María Antonieta (Le Déluge), una coproducción francoitaliana protagonizada por Mélanie Laurent y Guillaume Canet. Juanma González describe la película como un drama crepuscular impecable que narra el confinamiento de Luis XVI y su familia en la Torre del Temple tras el estallido de la Revolución Francesa, destacando la evolución física de Canet y la atmósfera de decadencia que envuelve a los personajes antes de su trágico final. Para cerrar el programa, Amparo Espinosa recomienda encarecidamente la representación de la obra teatral Las troyanas en el Teatro La Latina de Madrid. Esta adaptación, realizada por Isabel Ordaz y dirigida por Carme Portaceli, cuenta con un prestigioso elenco que incluye a Cristóbal Suárez y María Vázquez. Amparo define la obra como una magnífica propuesta cultural ideal para disfrutar durante las calurosas noches de verano de la capital, invitando a los oyentes de esRadio a no perderse este clásico imperecedero.

Lo estabais pidiendo, vale no, pero lo deseabais con ganas, era inevitable pero inesperado. Llegó el CONCURSO más esprado de la radiodifusión española

Analizamos la trayectoria del gran maestro del terror analógico, desde sus inicios con bajo presupuesto hasta sus grandes hitos. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales Juanma González, Daniel Palacios y Gonzalo Contreras, dedica su edición número 372 a analizar en profundidad la filmografía de uno de los directores más icónicos del cine fantástico y de terror: John Carpenter. A lo largo del programa, los integrantes debaten sobre los inicios de su carrera, su particular estilo visual y sonoro, y cómo logró revolucionar el cine de bajo presupuesto en la década de los setenta y ochenta. La conversación arranca recordando su primer largometraje, Dark Star (Estrella Oscura), estrenada en 1974, un proyecto que originalmente comenzó como un trabajo escolar en la universidad de California y que acabó expandiéndose para su estreno comercial en salas de cine. Los tertulianos analizan los escasos recursos con los que se rodó Dark Star, apenas 60.000 dólares de la época, y cómo la participación de figuras clave como Dan O'Bannon en los efectos especiales y el guion, y de Nick Castle interpretando al simpático alienígena —que se asemejaba a una pelota de playa—, sentaron las bases de futuros éxitos de la ciencia ficción como Alien. A pesar de sus costuras y de ser un trabajo primerizo que a ratos se hace lento debido a la necesidad de estirar el metraje, los colaboradores coinciden en que la película ya mostraba el talento y la personalidad de un director capaz de hacer grandes cosas con muy poco presupuesto, introduciendo además ese tono de parodia y homenaje a clásicos de la ciencia ficción como 2001: Una Odisea del Espacio de Stanley Kubrick. A continuación, el programa se centra en Asalto a la Comisaría del Distrito 13, estrenada en 1976, calificada por los críticos como la primera gran película de John Carpenter. En ella, el realizador neoyorquino rinde un claro homenaje al cine del oeste, en especial a Río Bravo de Howard Hawks, trasladando la estructura del asedio clásico a un entorno urbano degradado de Los Ángeles. Los colaboradores destacan el concepto del asedio claustrofóbico, una constante en toda la filmografía de Carpenter, y la aparición de uno de sus primeros grandes antihéroes, Napoleon Wilson, interpretado de forma brillante por Darwin Joston, un personaje rudo pero carismático que prefiere actuar a hablar. Durante el debate, se destaca la crudeza de la famosa escena del asesinato de la niña en la cabina de teléfonos al inicio de la película, que supuso graves problemas de censura en Estados Unidos por la crudeza de la violencia mostrada. Los colaboradores comparan esta violencia directa y 'sucia' con el cine de directores como Sam Peckinpah, resaltando cómo Carpenter utiliza el formato panorámico y la música sintética compuesta por él mismo para dilatar el tiempo y generar una tensión insoportable en el espectador antes del estallido violento. También se hace mención al posterior remake protagonizado por Ethan Hawke y Laurence Fishburne, que, aunque apreciado por algunos tertulianos, modificaba la intriga original para centrarla en la corrupción policial en lugar de mantener el misterio de los pandilleros deshumanizados. El gran hito de la noche llega con el análisis de Halloween (La Noche de Halloween), estrenada en 1978, la película que de alguna manera definió las reglas del género slasher y se convirtió durante décadas en la producción independiente más rentable de la historia. El equipo de Prohibido Contar Ovejas examina la figura de Michael Myers como la representación pura y deshumanizada del mal, un monstruo sobrenatural que escapa a las explicaciones lógicas. Se resalta la decisiva aportación de Debra Hill en la producción y coescritura del guion, dando voz y carácter a los personajes femeninos, especialmente al de la protagonista, Laurie Strode, interpretada por una de las actrices más icónicas de su tiempo, Jamie Lee Curtis, quien se convertiría en la indiscutible reina del grito. Los tertulianos elogian la emblemática banda sonora compuesta por Carpenter, cuyo tema principal se ha convertido en una pieza fundamental de la historia del cine de terror. Además, debaten sobre la atmósfera opresiva de la película, el uso magistral de la cámara subjetiva en la secuencia inicial —donde el espectador se mete en la piel del asesino cuando aún es un niño— y el minimalismo visual ideado por el director de fotografía Dean Cundey. El bloque concluye analizando la saga de secuelas y reinicios de la franquicia, desde el aplaudido remake de Rob Zombie hasta la reciente trilogía dirigida por David Gordon Green, pasando por la entrega de culto Halloween H20, que redefinió el trauma de la protagonista frente a su implacable perseguidor. Para cerrar el programa, se aborda el largometraje La Niebla (1980), película de atmósfera profundamente deudora de los relatos clásicos de fantasmas. Los colaboradores recuerdan el espeluznante prólogo narrado por John Houseman y analizan cómo surgió la idea del filme tras un viaje de Carpenter y Debra Hill a Stonehenge. El largometraje destaca por su coralidad, contando con interpretaciones de Adrienne Barbeau, Jamie Lee Curtis, Janet Leigh y Tom Atkins, y por su capacidad para generar terror de día, a plena luz, un logro difícil en el cine de género. Los integrantes de Prohibido Contar Ovejas coinciden en que, a pesar de sus problemas de rodaje y la necesidad de volver a rodar escenas para aumentar el suspense, La Niebla permanece como una obra imprescindible que consolidó el estilo visual analógico y la maestría artesanal de John Carpenter.

Analizamos en esRadio la etapa psicodélica y las cintas del grupo británico, de 'Magical Mystery Tour' a 'Let It Be'. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio arranca con la participación de Alicia Parente para continuar analizando las producciones cinematográficas de la icónica banda británica The Beatles. En esta ocasión, los presentadores Felipe Couselo y Juanma González guían una conversación que retoma el repaso de la trayectoria audiovisual del grupo, enfocándose en una etapa de enorme experimentación psicodélica y de transformaciones internas en el seno de la banda. Los contertulios bromean sobre la ausencia de Dani Palacios antes de adentrarse de lleno en el análisis de una de las obras más singulares y controvertidas del cuarteto de Liverpool: la película para televisión Magical Mystery Tour. Lanzada a finales de 1967, la película surgió como una idea de Paul McCartney tras la muerte del mánager del grupo, Brian Epstein. La cinta, concebida para la televisión, sigue un caótico viaje en autobús donde se suceden situaciones absurdas sin una narrativa convencional definida. Los integrantes del programa analizan el marcado costumbrismo británico mezclado con elementos lisérgicos que caracteriza a la obra, destacando que, a pesar de que la producción cinematográfica recibió duras críticas en su estreno —en parte por haber sido emitida originalmente en blanco y negro en la BBC—, su banda sonora contiene algunas de las composiciones más brillantes y duraderas de la historia del pop. Entre los temas analizados destaca especialmente la relevancia de Strawberry Fields Forever, composición de John Lennon que Couselo resalta como una de sus piezas favoritas de toda la discografía del grupo. Este tema, que formó parte de un histórico sencillo de doble cara A junto con Penny Lane, representa el punto de inflexión creativo de Lennon hacia una etapa mucho más introspectiva. La contraparte, firmada por McCartney, es un nostálgico y luminoso retrato de Liverpool que demuestra la capacidad del bajista para facturar melodías perfectas, sirviendo ambas canciones como el reflejo de un universo creativo complementario. El repaso continúa con la película de animación Yellow Submarine de 1968. Pese a que el grupo inicialmente mostró un escaso interés por el proyecto debido a su agotamiento y a los plazos de entrega que exigía la productora, la película acabó convirtiéndose en un hito de la animación pop. Los presentadores destacan la labor de los dibujantes y cómo la estética de la cinta ha trascendido generaciones. Además, comentan la inclusión de temas formidables como Hey Bulldog, una enérgica composición liderada por Lennon donde destaca la espectacular y dinámica línea de bajo interpretada por McCartney. Finalmente, el programa aborda el tormentoso proceso que rodeó al proyecto Let It Be en 1969. Concebido inicialmente como una vuelta a las raíces en directo de la banda, derivó en una serie de tensiones internas que acabarían por certificar la disolución del grupo. Los contertulios contrastan el tono catastrófico del documental original de 1970 con la reciente revisión llevada a cabo por Peter Jackson en la serie documental Get Back, la cual ofrece una perspectiva mucho más equilibrada, rescatando la profunda complicidad y amistad que aún unía a los cuatro músicos durante aquellas históricas sesiones de grabación en la azotea de Savile Row.

Javi, líder de Parquesvr, analiza en esRadio el lanzamiento de 'Mitos y Leyendas' y reflexiona sobre la ironía en la música actual. En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo recibe en los estudios de esRadio a Javi, líder y vocalista de la formación Parquesvr. A lo largo de la charla, ambos analizan el momento dulce que atraviesa la banda madrileña tras el lanzamiento de su último trabajo, un proyecto que consolida su propuesta en el panorama del rock alternativo español gracias a su personalísimo estilo. Javi, que compagina su actividad sobre el escenario con su faceta profesional como promotor de eventos, ofrece una interesante reflexión sobre la industria musical actual. El músico señala que uno de los principales obstáculos para las bandas emergentes es la falta de comprensión de las dinámicas comerciales del sector, una barrera que él ha logrado esquivar gracias a su experiencia organizando conciertos y descubriendo nuevos talentos. El nuevo álbum del grupo, titulado Mitos y Leyendas, supone un paso adelante en su evolución artística. El invitado explica que han intentado desmarcarse de la recurrente etiqueta de grupo de humor, un encasillamiento que a menudo resta valor a la calidad musical y a la complejidad de las composiciones en el mercado nacional. Para el quinteto madrileño, el sarcasmo sigue siendo una herramienta, pero ahora convive con pasajes mucho más oscuros y reflexivos. Durante la conversación se analiza la dificultad intrínseca de trasladar la ironía al formato de canción. Javi apunta que hacer comedia musical es un reto mayúsculo, especialmente en una época marcada por el ofendidismo social y la susceptibilidad de las audiencias. Según el artista, resulta fundamental reividicar la risa y la autocrítica, elementos que actúan como un bálsamo frente a la rigidez con la que se juzgan muchas propuestas creativas hoy en día. La lírica de Parquesur destaca por la inclusión de personajes reales en sus composiciones, como es el caso de su conocido tema dedicado a Lance Armstrong o las menciones a figuras del cine español como Pedro Almodóvar y Alejandro Amenábar. Javi defiende que el uso de estas referencias culturales se realiza siempre desde una perspectiva satírica pero respetuosa, buscando la complicidad del oyente sin caer en la descalificación personal. La banda también repasa la intensidad de sus directos, caracterizados por una fuerte carga teatral. El vocalista comparte algunas anécdotas de su gira, incluyendo un surrealista episodio en un festival de Burgos donde un espectáculo pirotécnico ajeno interrumpió el comienzo de su concierto. Esta puesta en escena casi dramática es, según el cantante, un elemento indispensable para conectar con el público y hacer que cada concierto sea una experiencia irrepetible. Con la mirada puesta en los próximos meses, Parquesur afronta una importante gira veraniega que les llevará a escenarios de toda la geografía nacional, como el prestigioso festival Cruïlla de Barcelona. Además, el grupo ya tiene confirmada una cita ineludible para el próximo otoño en la emblemática sala madrileña La Riviera, consolidando su crecimiento en cuanto a poder de convocatoria y número de seguidores. El programa de esRadio concluye con la reproducción de Google Fotos, uno de los cortes más destacados de su nuevo trabajo discográfico. Felipe Couselo despide al invitado agradeciendo su cercanía y reivindicando el papel de bandas como Parquesur, que demuestran que el rock nacional sigue vivo y es capaz de renovarse sin perder la independencia creativa ni el compromiso con su propio mensaje.

Felipe Couselo analiza en esRadio el postureo de los grandes eventos musicales, el teatro de Berlanga y los próximos estrenos de Pixar. En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, conducido por Felipe Couselo junto a sus colaboradores habituales, se debate en primer lugar sobre el reciente concierto de Bad Bunny. El equipo comenta el revuelo en redes sociales y la disparidad de opiniones entre los asistentes, destacando el caso de una joven que se hizo viral al criticar abiertamente el evento mientras comía un flan. Esto da pie a una distendida charla sobre el postureo en los conciertos de grandes artistas y las desorbitadas cifras que se llegan a pagar por las entradas. A continuación, los colaboradores confiesan a qué conciertos no asistirían ni aunque les pagaran por cubrirlos como periodistas. Surgen nombres como el de Kiko Rivera o Ismael Serrano, descubriéndose de forma jocosa que uno de los propios integrantes del programa sí que ha asistido en el pasado a eventos de este último. Esta dinámica sirve para introducir la variada selección musical de la semana, que arranca con la recomendación del artista estadounidense Hyro the Hero, un exponente del rap metal procedente de Houston que destaca por fusionar de manera enérgica punk, hip hop y heavy metal al estilo de bandas míticas como Rage Against the Machine. La siguiente propuesta musical del programa viaja hasta Australia para presentar a South Summit, una joven agrupación de la ciudad de Perth. Los colaboradores destacan su original mezcla de rock, reggae y hip hop, plasmada en su tercer larga duración titulado Run It Back. Asimismo, se analiza el proyecto en solitario de Jon Spencer, antiguo líder de Jon Spencer Blues Explosion, quien acaba de lanzar un álbum de tintes blueseros y garajeros que evoca la atmósfera de las películas de Quentin Tarantino, con un estilo que el equipo califica con humor como post-canallita. El repaso musical continúa con apuestas más experimentales y alternativas procedentes de diversos puntos de Europa. Es el caso de la banda croata de dream pop y post-punk Teti 21, descubierta por los colaboradores en un ejercicio de búsqueda de propuestas emergentes y con muy pocos oyentes en las plataformas digitales. También se presenta a los suizos Samson Phillips, que mezclan jazz y música electrónica con gran elegancia, y el tema de Burlitscher del compositor alemán Johannes Motschmann, caracterizado por un minimalismo maximalista que recuerda a las composiciones épicas de las bandas sonoras olímpicas. En el bloque dedicado a las artes escénicas, el equipo analiza la adaptación teatral de la mítica película de Luis García Berlanga, La Escopeta Nacional, que se representa en el Teatro Español de Madrid bajo la dirección de Juan Echanove. Los colaboradores elogian el excelente trabajo de dirección y el magnífico elenco de actores que logran trasladar a las tablas el complejo ritmo de los diálogos corales característicos del cineasta valenciano, manteniendo la esencia satírica y el costumbrismo de la obra original. Finalmente, el programa aborda la actualidad cinematográfica con dos grandes producciones. Por un lado, se comenta la futura llegada de Toy Story 5 en 2026 y la capacidad de Pixar para mantener el interés del público abordando temáticas contemporáneas, como la irrupción de las tabletas y la tecnología en el juego infantil. Por otro lado, se analiza Dreams, la nueva película de Michel Franco protagonizada por Jessica Chastain y el bailarín Isaac Hernández, un drama que explora las relaciones de poder y la inmigración a través de la personal y atípica mirada del director mexicano.

De 'Muñeco Diabólico' a la sátira de 'Un padre en apuros', la tertulia de esRadio revive la magia de las figuras de acción en la gran pantalla. En esta divertida entrega de la sección de cine de esRadio, los colaboradores se adentran en el nostálgico mundo de los juguetes de cine, repasando aquellas películas que convirtieron figuras de plástico en auténticos iconos de la cultura popular. La conversación arranca aludiendo a la mítica saga Toy Story y a la saga de terror Muñeco Diabólico, destacando especialmente Muñeco Diabólico 2, la cual evoca recuerdos de infancia para los tertulianos. Entre risas, analizan los mejores personajes de la franquicia de Pixar, coronando al Señor Patata como uno de los más carismáticos por su particular personalidad, sin olvidar a otros entrañables secundarios como el perro Slinky, el asustadizo tiranosaurio T-Rex o los icónicos marcianitos verdes. Los tertulianos también dedican un espacio a debatir sobre el personaje de Buzz Lightyear y su actor de doblaje original, Tim Allen, cuya conocida faceta política conservadora en Estados Unidos suele generar comentarios en la industria. Asimismo, recuerdan con especial cariño la telecomedia Un chapuzas en casa, protagonizada por el propio Allen en la década de los noventa. Los colaboradores coinciden en que, a pesar de los años transcurridos, esta producción mantiene un encanto nostálgico muy particular que retrata a la perfección los clichés de la clase media estadounidense y su obsesión por el bricolaje doméstico. Otro de los grandes hitos de la era analógica que centra la atención del programa es Un padre en apuros, la comedia navideña protagonizada por Arnold Schwarzenegger en su desesperada búsqueda del muñeco Turboman. Los colaboradores reflexionan sobre cómo la película retrata satíricamente el consumismo navideño y la presión social que sufren los padres para conseguir el regalo estrella de la temporada. Durante la charla, se establece una inevitable comparación entre el superhéroe de la película y el personaje de Radiactivo-Man de The Simpsons, debatiendo sobre cuál de las dos franquicias parodió primero este arquetipo de héroe televisivo. El repaso de blockbusters de acción continúa con la saga Transformers, dirigida por el siempre espectacular y controvertido Michael Bay. Los contertulios defienden que, más allá de las críticas que habitualmente recibe el director por su exceso de explosiones y testosterona, la primera entrega de la saga estrenada a finales de la década de los dos mil representa el epítome del cine de entretenimiento moderno. Con una banda sonora imponente y efectos visuales rompedores para la época, la película logró actualizar con éxito la clásica rivalidad entre Autobots y Decepticons liderados por Optimus Prime. A continuación, se rescata del olvido Pequeños guerreros, la recordada cinta de 1998 dirigida por Joe Dante y producida por Steven Spielberg. A pesar de no haber alcanzado el estatus de obra maestra, los locutores destacan la enorme originalidad de su secuencia de créditos iniciales, en la que se muestra de forma casi militar el proceso de fabricación e inserción de chips en los juguetes de acción. Los colaboradores comparan esta fábula sobre la rebelión de los soldados de plástico y los pacíficos Gorgonitas con la mítica película Gremlins, señalando la marcada firma de autor que Joe Dante imprime en todas sus obras. La nostalgia ochentera y noventera alcanza su punto álgido con la mención de G.I. Joe, la adaptación a la gran pantalla dirigida por Stephen Sommers en 2009. A pesar de ser considerada por muchos como una producción menor, los tertulianos reivindican el valor del cine de Sommers -responsable también de las primeras entregas de La momia- como un entretenimiento desenfadado, honesto y muy disfrutable. El debate deriva en divertidas anécdotas de infancia sobre cómo jugaban con las figuras de acción originales, estirando la goma interior de los muñecos hasta romperlos, simulando bajas en combate de juguete. Para finalizar, se analiza el fenómeno cinematográfico de Barbie y, sobre todo, La Lego película. Respecto a esta última, dirigida por Phil Lord y Chris Miller, los colaboradores la catalogan como el ejemplo perfecto de cómo un enorme anuncio publicitario de dos horas puede transformarse en una obra de arte cinematográfica brillante, divertida y técnicamente revolucionaria. A través del humor absurdo y su pegadiza banda sonora, la película logró cautivar tanto a niños como a adultos, demostrando que la creatividad no está reñida con los intereses comerciales de las grandes marcas de juguetes.

Un recorrido por el talento nacional que ha conquistado la mítica radio estadounidense, destacando la psicodelia, el punk y el pop en euskera. En una nueva sección cultural de esRadio, los colaboradores comienzan compartiendo anécdotas internas antes de adentrarse en la recomendación musical del día. El tema principal gira en torno a la influyente emisora norteamericana KEXP, con sede en Seattle, Washington. Los locutores explican que se trata de una radio semipública que cuenta con el apoyo de la Universidad de Washington, ampliamente reconocida a nivel global por sus cuidadas y prestigiosas sesiones musicales en directo. El foco de la conversación se centra en la presencia de artistas españoles e iberoamericanos en esta plataforma, un fenómeno que ha propiciado el uso del término Kexpañol. Estas sesiones en vivo son equiparables en impacto a los conocidos programas Tiny Desk Concerts, pero se caracterizan por una puesta en escena más tradicional y una calidad de sonido excepcional. La andadura nacional en la emisora comenzó de la mano de Delorean, la banda vasca de música electrónica que viajó a los estudios de Seattle en 2014 para registrar un directo memorable con su tema Sansom. A continuación, el programa analiza la trayectoria de la banda madrileña Hinds, anteriormente conocidas como Deers, quienes ostentan el récord de haber grabado hasta cuatro sesiones distintas para la emisora estadounidense. Durante el espacio radiofónico, suena un fragmento de su tema Bamboo, perteneciente a su primera participación en el año 2015. Sus posteriores directos en los años 2018, 2020 y 2025 han consolidado su estatus internacional, manteniendo siempre su genuino estilo de garage y baja fidelidad. La estrecha relación entre KEXP y el panorama musical español se ha visto muy beneficiada gracias a la colaboración con el festival BIME de Bilbao. Este acuerdo de promoción ha facilitado que bandas como Cariño graben sus directos en un entorno único. El trío madrileño interpretó su tema Aún me acuerdo de todo en una sesión publicada en 2023, donde hicieron gala de su particular pop sencillo y pegadizo que cautivó a los oyentes de la emisora de Seattle. Una de las propuestas más singulares y experimentales analizadas en el programa de esRadio es la del renombrado productor Raül Refree. Su sesión en directo fue registrada en el festival Trans Musicales de Rennes, en Francia, en marzo de 2024. Interpretando la pieza Lo que esconden junto a una percusionista, la actuación destaca por una sobresaliente experimentación sonora en directo, donde el crujido de un plato de batería frotado con una baqueta genera texturas de una atmósfera inquietante. El viaje musical continúa en Pamplona de la mano de Melenas y su versión de Oso Polar, una adaptación al español del clásico Eisbaer de Grauzone. Esta sesión en directo, grabada en el festival Vive Latino de México en colaboración con el BIME, se publicó en febrero de 2025. El presentador elogia las marcadas influencias de post-punk y krautrock del cuarteto navarro, cuya energía se traslada de manera sobresaliente al formato de directo de la emisora. Por su parte, el proyecto musical Depresión Sonora ofrece uno de los directos con mejor calidad acústica de todo el repaso. Su interpretación de Como será vivir en el campo, publicada en febrero de 2026, destaca por la contundencia de sus ritmos. El locutor pone el acento en el uso de un módulo de percusión electrónica Roland, que aporta un sonido de batería muy característico y preciso, encajando a la perfección con la cuidada producción de KEXP. En una vertiente más ruidosa y distorsionada, el grupo gallego Triángulo de Amor Bizarro interpretó en directo su aclamado himno De la monarquía a la criptocracia. Los colaboradores coinciden en que la propuesta de la banda, densa y llena de capas de sonido, resulta difícil de trasladar a un formato acústico como el de una iglesia, aunque la sesión logra capturar toda la rabia y electricidad que les caracteriza sobre el escenario. El rock psicodélico andaluz tiene su representación con Derby Motoreta's Burrito Kachimba, quienes despliegan su potente directo en una iglesia bilbaína interpretando Gitana. Definido por el propio grupo como kinkidelia, su estilo fusiona el cante flamenco con un rock potente y lisérgico fuertemente inspirado por referentes como King Gizzard & the Lizard Wizard, garantizando el asombro del público internacional de la plataforma norteamericana. Otro hito destacado para la música nacional llega con la formación donostiarra Merina Gris y su tema Antes no era más feliz, publicado en abril de 2025. Esta sesión es histórica al tratarse de la primera banda en cantar en euskera en la emisora KEXP. Luciendo sus icónicas máscaras que ocultan sus rostros, el grupo ofrece una interpretación de pop violento de gran factura visual y sonora en el templo bilbaíno. Para cerrar este recorrido por el talento nacional en tierras norteamericanas, el programa rescata la sesión de Los Punsetes interpretando su clásico Mabuse. El presentador destaca la enorme fuerza de las guitarras y la habitual actitud estática y hierática de su cantante, Ariadna, idéntica a la que presenciaron en sus conciertos hace más de una década. Con este broche de oro finaliza una sección dedicada a descubrir la proyección exterior de la música española.

De 'Las Chicas Gilmore' a 'True Detective': los tertulianos sugieren viajes alternativos inspirados en grandes éxitos de la televisión. Los colaboradores de esRadio comentan de manera distendida el inicio del calor sofocante en Madrid y su deseo de escapar de vacaciones. A raíz de esto, plantean un divertido repaso por diversos destinos turísticos ficticios o reales que han cobrado fama gracias a conocidas series de televisión. La primera parada obligatoria de este viaje catódico es el idílico archipiélago de Hawái, escenario de la aclamada producción de HBO The White Lotus. Durante la conversación, se destaca el complejo hotelero real donde se rodó la primera temporada de la serie, el Four Seasons Resort Maui, un lugar de ensueño que ha visto incrementado su número de visitantes de forma espectacular gracias al éxito de la ficción. Los tertulianos bromean sobre los peligros de alojarse en un establecimiento con un director tan peculiar y perturbado como el de la trama. Asimismo, la charla deriva hacia otros clásicos de la pequeña pantalla ambientados en las islas, como Magnum, P.I., recordando detalles nostálgicos como el Ferrari del protagonista, los perros Zeus y Apolo y el emblemático club de la serie. Para aquellos oyentes que prefieran huir de la playa y el turismo de masas, se propone como alternativa Stars Hollow, el pintoresco pueblo de la mítica serie Las Chicas Gilmore. Este asentamiento ficticio, inspirado en pequeñas localidades del estado de Connecticut, representa el ideal de comunidad acogedora donde cada fin de semana se organiza un festival, una feria o un concurso de tartas. Entre risas, los colaboradores comparan este idílico ambiente norteamericano con las costumbres de los pueblos españoles, donde bromean con la tradición de tirar al pilón a los forasteros. También rememoran la presencia habitual de tiendas de esoterismo en las series de los años noventa. El debate continúa explorando opciones para los amantes del frío extremo y la oscuridad invernal. Se menciona la cuarta temporada de True Detective, protagonizada por Jodie Foster y ambientada en los gélidos parajes de Alaska. Los locutores coinciden en que, a pesar del indudable atractivo de la actriz, pasar unas vacaciones rodeado de crímenes y cadáveres congelados en el hielo puede resultar un tanto tétrico, por lo que sugieren con humor optar mejor por la nostalgia reconfortante de Doctor en Alaska. Uno de los integrantes del equipo comparte su experiencia veraniega visitando el impresionante glaciar Perito Moreno como ejemplo de turismo invernal alternativo. En el territorio nacional, Nerja surge como el destino nostálgico por excelencia en España gracias a Verano Azul. Sin embargo, el equipo advierte que la localidad andaluza ya no suena hoy en día al tierno silbido de la sintonía clásica de Chanquete, Julia y compañía, sino a ritmos mucho más modernos y discotequeros como la versión de "soca" popularizada por Henry Méndez. Por otro lado, se analiza la Albufera de Valencia, bellísimo humedal que sirvió de escenario para el thriller El Embarcadero. Aunque la idílica casa de la serie protagonizada por Álvaro Morte no existe en la realidad por tratarse de un decorado, el paraje real ofrece atardeceres de película, aunque con el gran inconveniente de sufrir plagas de mosquitos y el recuerdo imborrable de la histórica ruta del bacalao. Finalmente, el espacio de esRadio aborda el glamour clásico de los viajes marítimos a través de la mítica sintonía de Vacaciones en el Mar. Los presentadores analizan con ironía los pros y los contras de los cruceros, desde las elegantes noches de gala con el capitán hasta la pesadilla de tener que compartir mesa obligatoriamente con desconocidos pesados. Para concluir la sección de entretenimiento, mezclan el ambiente policial y peligroso de Corrupción en Miami con la divertida cotidianidad de Las Chicas de Oro, fantaseando con la idea de combinar persecuciones en Ferrari con confidencias nocturnas tomando tarta de queso en la cocina junto a Sophia, Blanche y el mismísimo Julio Iglesias.

El espacio nocturno de esRadio analiza el nexo entre cine y juguetes, repasando sagas como Toy Story, Barbie y clásicos como Pequeños Guerreros. El equipo del programa nocturno Prohibido Contar Ovejas en esRadio, integrado por Felipe Couselo, Miriam García, Juanma González, Isaac Biscaíno y Dani Palacios, presenta una entrega muy completa dedicada a analizar la estrecha relación entre el cine y los juguetes. Con el pretexto del anuncio de nuevas secuelas en la animación, los colaboradores repasan los títulos más significativos que han convertido a figuras de plástico y acción en auténticas estrellas de la gran pantalla, combinando la nostalgia con el análisis técnico y de doblaje. La charla comienza abordando la saga de Toy Story, analizando el peso de personajes secundarios de gran carisma como el Señor Patata o el perro Slinky. Los tertulianos recuerdan la trayectoria de Tim Allen, voz original de Buzz Lightyear, y su vinculación con la mítica comedia televisiva Un Chapuzas en Casa. Asimismo, se detienen en el cine de terror con Muñeco Diabólico 2, elogiando la atmósfera que rodea a Chucky y el extraordinario trabajo del actor de doblaje Jordi Brau, voz habitual de grandes estrellas de Hollywood en el cine español. Otro de los platos fuertes de la noche es el análisis de La LEGO Película, dirigida por Phil Lord y Chris Miller. Los colaboradores coinciden en que se trata de uno de los mejores ejemplos de largometraje comercial que logra trascender la mera publicidad para convertirse en una obra de animación brillante y sumamente imaginativa. En esta misma línea de grandes marcas de juguetería, se analiza el arrollador éxito de Barbie, dirigida por Greta Gerwig, destacando las interpretaciones de Ryan Gosling y Michael Cera como elementos clave de una de las operaciones de marketing más exitosas de la historia reciente del cine. La dosis de acción pura llega con la cinta Transformers, dirigida por Michael Bay, de la cual rememoran los discursos solemnes de Optimus Prime. El equipo también recupera títulos de culto de finales de los noventa como Pequeños Guerreros, la sátira de Joe Dante sobre el militarismo norteamericano protagonizada por los Gorgonitas y el Comando Élite, y la adaptación cinematográfica de G.I. Joe a cargo de Stephen Sommers, destacando la vibrante banda sonora compuesta por Alan Silvestri y el papel de la actriz Rachel Nichols. En el apartado musical, el espacio se traslada hasta las influyentes sesiones de directo de la emisora norteamericana KEXP en Seattle. Bajo el sello especial dedicado a la música en español, repasan la trayectoria de grupos nacionales que han dejado su impronta en estas prestigiosas grabaciones, como los vascos Delorean, las madrileñas Hinds o el grupo de pop independiente Cariño. También comentan las propuestas más vanguardistas de Refree, la banda pamplonesa Melenas, el post-punk de Depresión Sonora, y clásicos contemporáneos de la escena independiente patria como Triángulo de Amor Bizarro o Los Punsetes, rememorando su directo en una iglesia bilbaína durante el festival BIME. Para finalizar la noche, los tertulianos plantean una divertida selección de destinos turísticos ficticios inspirados en el cine y la televisión. Proponen desde los idílicos paisajes de Stars Hollow en Las Chicas Gilmore o el exclusivo complejo hotelero de Hawái de la aclamada producción The White Lotus, hasta el gélido ambiente de Alaska recreado en la última temporada de True Detective. En el panorama nacional, el viaje nostálgico incluye Nerja gracias a la mítica Verano Azul, la belleza de la Albufera valenciana mostrada en El Embarcadero, o el encanto de alta mar con el crucero de la recordada teleserie Vacaciones en el Mar.

De los Isley Brothers a Dua Lipa, el programa de esRadio recorre los himnos intergeneracionales que han hecho vibrar a multitudes. En esta nueva edición de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo nos invita a ponernos de pie y llenar de ritmo la noche a través de una cuidada selección musical diseñada para hacernos bailar. El programa realiza un fascinante viaje en el tiempo recorriendo grandes clásicos de la historia de la música popular, desvelando las anécdotas, el contexto y los secretos detrás de esas partituras legendarias que consiguieron arrastrar a multitudes enteras a las pistas de baile. El trayecto arranca en la década de los ochenta con The Go-Go's y su recordado éxito We Got the Beat, para saltar de inmediato al año 1959 con la mítica Shout de los Isley Brothers. Couselo explica detalladamente cómo este tema nació de forma improvisada durante una actuación en Washington D.C., cuando Ronald Isley comenzó a interactuar con el público interpretando una versión de Jackie Wilson. La tremenda respuesta de los asistentes propició la grabación de un sencillo dividido en dos partes que acabaría vendiendo más de un millón de copias, convirtiéndose en un himno generacional indispensable inmortalizado en películas tan emblemáticas como Desmadre a la americana. La música negra y el característico sonido de la Motown reclaman su protagonismo con la sensacional Dancing in the Street de Martha and the Vandellas, editada en 1964. Este clásico, que llegó al número dos de las listas estadounidenses y que posteriormente fue versionado de manera célebre por David Bowie y Mick Jagger, contó entre sus compositores con el gran Marvin Gaye. Sin abandonar la época dorada del soul, el programa rinde tributo a Sam Cooke con su contagiosa Twistin' the Night Away de 1962, una melodía que Cooke compuso inspirado por el curioso baile de unas de la alta sociedad y que quedó grabada en la retina del público gracias a la película El chip prodigioso. El viaje continúa con el arrollador Mambo Italiano popularizado por Rosemary Clooney en 1954, un tema cuya letra fue escrita deprisa y corriendo en una servilleta por Bob Merrill dentro de un restaurante y dictada por teléfono al estudio. De inmediato, Couselo nos traslada a 1962 con Little Eva y su archiconocida versión de The Loco-Motion, una pieza compuesta por la célebre pareja formada por Gerry Goffin y Carole King, quienes descubrieron el talento de Eva Boyd mientras esta trabajaba como su joven niñera de diecisiete años. El programa abre sus puertas a los ritmos caribeños y africanos gracias al inconfundible calipso de Harry Belafonte con Jump in the Line (Shake, Senora) de 1961, pieza icónica de la banda sonora de la película Beetlejuice. También brilla con luz propia la gran Miriam Makeba y su emblemático Pata Pata, canción de 1967 que trasladó al mundo entero las danzas de Johannesburgo y que ha sido objeto de innumerables adaptaciones, logrando ser un puente cultural de alcance global en el que colaboró incluso el cantante Chayanne. La incombustible Aretha Franklin hace acto de presencia con Rock Steady (1971), un torbellino funk extraído de su aclamado álbum Young, Gifted and Black, que contó con colaboraciones de la talla de Donny Hathaway al órgano y Dr. John en la percusión. Inmediatamente después suena Harlem Shuffle (1963) de Bob & Earl, una joya del soul que the rolling stones versionaron décadas más tarde y que recuperó una tremenda popularidad internacional recientemente gracias a su aparición en la aclamada película de acción Baby Driver. La apoteosis festiva llega con Kool & the Gang y su inmortal Celebration de 1980. Bajo el liderazgo de Robert "Kool" Bell, la banda facturó un tema concebido bajo una profunda base espiritual que, paradójicamente, terminó erigiéndose como la banda sonora de cualquier fiesta universal, liderando las listas de éxitos de todo el planeta. No podía faltar en esta cita el delirante y teatral clásico Time Warp, perteneciente al mítico musical cinematográfico The Rocky Horror Picture Show. A través de sus estrofas, los personajes van desgranando paso a paso las divertidas instrucciones de una coreografía que invita al espectador a sumarse de inmediato a la locura colectiva. Siguiendo con pasos de baile singulares, el programa pincha Walk Like an Egyptian (1986) de The Bangles, un gran éxito escrito por Liam Sternberg inspirado por los divertidos y torpes intentos de los pasajeros de un transbordador por mantener el equilibrio. Para cerrar este enérgico recorrido, Felipe Couselo nos regala el emblemático Dancing in the Dark de Bruce Springsteen, single de lanzamiento de su histórico álbum Born in the U.S.A. de 1984. El videoclip oficial de este tema, dirigido por Brian De Palma, no solo supuso el debut en pantalla de la actriz Courteney Cox, sino que sirvió de inspiración directa para el famoso baile de Carlton Banks en la serie de televisión El Príncipe de Bel-Air. El broche final lo pone Dua Lipa con su moderno Dance the Night, compuesto para la exitosa película Barbie, despidiendo así una hora de radio cargada de energía, historia y mucho movimiento.

Un recorrido por las innovadoras piezas visuales para grupos como Blur, Jamiroquai o Radiohead firmadas por el aclamado realizador inglés. El programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, presentado por Felipe Couselo, dedica esta entrega a repasar la trayectoria de uno de los realizadores de videoclips más influyentes de las últimas décadas, el británico Jonathan Glazer. Glazer, consagrado recientemente en el cine comercial con largometrajes como La Zona de Interés, comenzó su andadura en el mundo audiovisual dirigiendo anuncios de televisión y piezas musicales. A lo largo del programa, Couselo analiza de forma amena y detallada una selección de las diez obras cumbre de este director, caracterizadas por su fuerza visual, su experimentación técnica y sus constantes referencias al mundo cinematográfico de autores como Stanley Kubrick. La andadura musical comienza con el clásico de 1995 'Karma Coma' de la banda de trip hop Massive Attack. Esta canción, perteneciente al aclamado álbum Protection, cuenta con un videoclip repleto de pasajes surrealistas y claustrofóbicos que rinden un claro homenaje a la película El Resplandor. Couselo recuerda cómo esta obra definió la madurez visual del género y captó la atención de otros artistas de la época. Ese mismo año, Glazer firmó su segundo gran trabajo dirigiendo el videoclip de 'The Universal' para la banda británica Blur, recogido en su disco The Great Escape. En esta pieza, el director recrea una estética futurista inspirada directamente en La Naranja Mecánica, posicionando a los miembros del grupo en una atmósfera blanca y perturbadora. El recorrido continúa en el año 1996 de la mano de Radiohead con la canción 'Street Spirit (Fade Out)', perteneciente al álbum The Bends. En este videoclip, rodado en un elegante blanco y negro en una zona desértica de California, Jonathan Glazer experimentó con diferentes velocidades de filmación, una técnica innovadora para la época que permitía intercalar imágenes a velocidad normal con otras extremadamente ralentizadas. Esta técnica de edición dotó a la pieza de una calidad mística que encajó a la perfección con la melancolía que transmite la voz de Thom Yorke. Sin duda, uno de los trabajos más icónicos y premiados del director llegó de la mano de Jamiroquai y su éxito Virtual Insanity, lanzado en 1996 dentro de su álbum Travelling Without Moving. El presentador explica la curiosa realización técnica de este videoclip, donde el cantante Jay Kay baila en una habitación mientras los muebles y las paredes parecen moverse de forma independiente. Felipe Couselo detalla que, al contrario de lo que muchos piensan, el suelo permanecía fijo y era la propia estructura de la habitación la que se desplazaba sobre raíles, un ingenioso truco que evitó costes desorbitados de producción y posibles accidentes durante el rodaje. En 1997, Glazer colaboró con el músico australiano Nick Cave en su desgarrador tema 'Into My Arms', del álbum The Boatman's Call. La realización destaca por su extrema sobriedad, presentando a diversos personajes en situaciones de profunda angustia emocional sobre un sobrio fondo negro. Aunque el propio Nick Cave consideraba la canción como una pieza optimista y sintió que el resultado visual era demasiado lúgubre, el videoclip se convirtió en un clásico por su capacidad para transmitir dolor y redención. Ese mismo año, el director repitió colaboración con Radiohead para el videoclip de Karma Police, una inquietante persecución nocturna grabada desde la perspectiva subjetiva de un coche que persigue a un hombre en mitad de la carretera. El programa avanza hacia el año 1998 con la banda Unkle y su tema 'Rabbit in Your Headlights', que cuenta con la colaboración vocal de Thom Yorke. El videoclip está protagonizado por el actor francés Denis Lavant, quien camina desorientado por un túnel de tráfico mientras es repetidamente arrollado por diversos vehículos en una metáfora visual impactante y cruda. Dos años más tarde, en el 2000, Glazer dirigió a Richard Ashcroft en 'A Song for the Lovers'. En esta ocasión, la cámara sigue al cantante en una habitación de hotel en tiempo real, integrando los sonidos ambientales y cotidianos con la propia melodía de la canción. La última etapa del repaso visual de Jonathan Glazer incluye la turbia pieza 'Live with Me' de Massive Attack en 2006, un crudo retrato de la decadencia y el alcoholismo protagonizado por una mujer en su apartamento. Asimismo, se destaca la colaboración en 2009 con el supergrupo The Dead Weather para el tema 'Treat Me Like Your Mother', donde Alison Mosshart y Jack White protagonizan un violento tiroteo en un descampado. Para cerrar esta entrega especial en esRadio, Couselo introduce como broche de oro la canción 'Phat Planet' del dúo Leftfield, tema que sirvió de banda sonora para el legendario anuncio de televisión de la marca de cerveza Guinness titulado 'Surfer' en 1999, considerado uno de los mejores spots publicitarios de la historia bajo la magistral dirección de Glazer.

Gisme y Coque repasan en esRadio su evolución desde tocar en la calle hasta llenar grandes recintos, guiados por la honestidad creativa. En esta entrega de esRadio, el presentador recibe a Gisme y Coque, integrantes de la banda de rock Ultraligera, para conversar sobre su trayectoria, su último trabajo de estudio y las experiencias acumuladas en sus intensas giras. Durante la charla suena su tema Tu Problema, una pieza que destaca por su energía y que sirve como ejemplo de la independencia creativa que caracteriza al grupo, el cual prefiere mantenerse fiel a su estilo propio antes que sumarse a las modas pasajeras de la industria musical. Los músicos comparten con la audiencia los detalles del proceso creativo detrás de sus canciones. Coque explica que la base musical de su tema principal surgió de un riff de guitarra que compuso en la habitación de un hotel durante una gira anterior, mientras que Gisme aprovechó una visita a una galería de arte para escribir la letra correspondiente. La composición definitiva se terminó de pulir en un trayecto entre A Coruña y Málaga, reflejando perfectamente la intensidad de la vida en la carretera. A pesar del rápido impacto de su EP y sus trabajos de larga duración, los miembros de la banda confiesan convivir de manera constante con la inseguridad del artista. Gisme reflexiona sobre una cierta falta de merecimiento que experimentan al ver a miles de personas corear sus temas, algo que les resulta chocante tras haber pasado bastantes años tocando en la calle, haciendo versiones de clásicos y cargando ellos mismos con todo su equipo técnico. Para la banda, su evolución no se debe a un único momento de éxito repentino, sino a un crecimiento progresivo muy medido y trabajado a lo largo de los años. Recuerdan con humildad cómo empezaron tocando ante apenas veinte personas en pequeños locales para luego pasar a cincuenta, cien y, finalmente, miles de seguidores en grandes recintos. Aunque el directo exige una enorme concentración física y mental para coordinar la habilidad psicomotriz fina con la memoria de las letras, los músicos disfrutan de la profunda conexión con el público que se genera cuando son conscientes de la magnitud de lo que ocurre sobre el escenario. La entrevista también deja espacio para el humor al hablar de la convivencia en los conciertos y de cómo gestionan las críticas de los demás. Ante la existencia de detractores y haters, el grupo prefiere no malgastar su tiempo ni su energía en responder, argumentando que incluso los mayores mitos de la historia del rock han tenido que lidiar con opiniones negativas a lo largo de sus carreras. Entre las anécdotas de festival más divertidas, recuerdan un accidentado encuentro con el dúo de rap Ajax y Prok, que comenzó con cierta tensión y terminó en una gran fiesta de camerino, o la experiencia de compartir cartel con artistas de estilos tan diferentes como Aitana Ocaña. Destacan que, más allá de las diferencias de género, dentro del colectivo musical predomina el compañerismo y el respeto mutuo. En el apartado técnico, explican que gran parte de su identidad se basa en la experimentación sonora. Revelan que muchos de los sonidos que el oyente podría identificar como sintetizadores son en realidad guitarras eléctricas tocadas con un dispositivo EBow, un aparato electromagnético que genera un sustain infinito, combinado con un minucioso trabajo en los pedales de efectos. Finalmente, los integrantes de la banda expresan su más sincero agradecimiento a los seguidores por el inmenso respeto que muestran en cada directo, asegurando que esta energía mutua es la que les da fuerzas para afrontar su exigente gira de verano, la cual los llevará por numerosos rincones de la geografía española. Asimismo, recuerdan con especial cariño el trato y el apoyo recibido por parte de bandas consagradas de la escena nacional como Lori Meyers, quienes les demostraron una gran generosidad en sus comienzos, tratándolos de igual a igual y enseñándoles valiosas lecciones de compañerismo sobre cómo comportarse dentro del panorama musical actual.

Felipe Couselo y su equipo analizan los lanzamientos de Prince y charlan con el grupo madrileño Ultraligera sobre su exitoso trabajo musical. En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el director Felipe Couselo y su equipo habitual, junto a colaboradores como Alma Espinosa, abren el espacio con el habitual tono desenfadado y humorístico. El espacio sirve como preámbulo para una completa agenda cultural y musical, donde las bromas entre los presentadores dan paso rápidamente a las secciones especializadas de la noche, consolidando el formato dinámico que caracteriza a la emisora. La andadura musical comienza de la mano de Isaac Vizcaíno, quien desgrana las novedades discográficas internacionales más destacadas. En primer lugar, se analiza el lanzamiento de material inédito de Prince, un artista célebre por su inabarcable catálogo oculto en su famosa cámara acorazada, adelantando detalles de proyectos como su próximo recopilatorio. Asimismo, el colaborador presenta el tema White Noise de la británica Holly Humberstone, detallando las particularidades de su EP y sus diferentes versiones acústicas. La sección se enriquece con la potencia de Mastodon y su sencillo Your Ghost Again, el proyecto unipersonal del neerlandés Cep, y el ritmo contagioso de Ex-Cops con Fake ID. Por su parte, Alma Espinosa toma las riendas de las artes escénicas para recomendar la obra Ópera y Zarzuela Dreams, un espectáculo que estará en cartel en el Teatro Rialto de Madrid hasta el próximo 6 de agosto. Bajo la experimentada dirección de Álvaro Sáez de Heredia y con la deslumbrante coreografía de Poty, este montaje propone un viaje de dos horas que busca democratizar la lírica tradicional española e internacional. La propuesta reinventa clásicos como La Traviata, Turandot, Rigoletto o Carmen mediante una puesta en escena vanguardista que incluye una pantalla led de grandes dimensiones, facilitando que el gran público conecte de manera íntima y renovada con géneros históricamente considerados elitistas. El séptimo arte también reclama su protagonismo en la tertulia de la casa. El equipo analiza los últimos proyectos de ciencia ficción vinculados al director Steven Spielberg, destacando la participación de Emily Blunt y la sutil elegancia del Alfa Romeo Giulia integrado en la trama, donde la empatía se erige como el verdadero motor emocional de la narración. Del mismo modo, se introduce el largometraje Por encima de tu cadáver —remake de la célebre cinta noruega The Trip dirigida por Tommy Wirkola—, una comedia negra de Prime Video protagonizada por Jason Segel y Samara Weaving que gira en torno a un matrimonio que planea asesinarse mutuamente en una cabaña aislada, desencadenando una sucesión de giros violentos y sumamente entretenidos. El broche de oro del programa lo pone una profunda entrevista a Gismero y Coque, integrantes de la emergente banda madrileña Ultraligera. Durante la conversación, los músicos comparten los entresijos de la grabación de su aclamado EP, Lapsus, y reflexionan sobre el arrollador éxito de temas como Cuando todo vaya mal o Tu problema. Con una madurez inusual para su juventud, los artistas explican cómo gestionan la intensidad de la vida en la carretera y la vorágine de actuar en los principales festivales españoles este verano, tales como el Mallorca Live Festival o el Río Babel. Asimismo, destacan la honestidad como pilar fundamental de su propuesta artística, agradeciendo la inquebrantable conexión intergeneracional que han logrado forjar con un público fiel que abarca desde melómanos experimentados hasta niños fascinados por el sonido del rock and roll.

El espacio de esRadio viaja desde las anécdotas de Eric Clapton hasta el cine de terror 'giallo' y sus mejores influencias actuales. El director del programa, Felipe Couselo, da comienzo a una nueva entrega del espacio Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el cual se presenta repleto de humor, cine y anécdotas musicales. En esta ocasión, le acompañan en el estudio sus colaboradores habituales Juanma González, Daniel Palacios, Alma Espinosa e Isaac Vizcaíno. Tras una serie de bromas iniciales sobre la pérdida de una tableta en el gimnasio, el tobillo de Isaac y su posible participación en un combate de boxeo, el equipo introduce la primera canción de la noche: "Cocaine" de Eric Clapton. Al hilo de este tema, recuerdan la divertida anécdota de un concierto en Madrid donde un seguidor le arrojó un vinilo con una nota que impactó directamente en el pecho del guitarrista. El núcleo principal de esta edición se centra en repasar la trayectoria de destacados actores que cantan o músicos que han dado el salto a la gran pantalla. La primera en sonar es Scarlett Johansson con la banda Sugar for Sugar, interpretando una versión de New Order con fines benéficos para la lucha contra el sida. A continuación, el programa rescata a Keanu Reeves y su banda de rock alternativo Dogstar, de la que comentan su inminente regreso discográfico y su futura participación en el festival Motorbeach en la localidad soriana de Vinuesa. La lista de estrellas de Hollywood con proyectos musicales continúa con Hollywood Vampires, el grupo integrado por Johnny Depp, Alice Cooper y Joe Perry, quienes versionan clásicos del rock junto a colaboradores de la talla de Brian Johnson o Joe Walsh. Asimismo, los colaboradores analizan la faceta más desconocida y melancólica de Ryan Gosling a través de su proyecto de folk gótico Dead Man's Bones, que destaca por incorporar un coro infantil financiado por Flea, el carismático bajista de Red Hot Chili Peppers. El jazz y la música instrumental también tienen su espacio con la faceta de Woody Allen al clarinete y con Jeff Goldblum al frente de su Mildred Snitzer Orchestra. Sobre este último, destacan que actuará próximamente en Madrid dentro del ciclo de conciertos de las Noches del Botánico. También hay tiempo para escuchar a Zooey Deschanel con su dúo She & Him, cuya trayectoria y estilo vocal comparan con el proyecto de Leonor Watling en Marlango. En el panorama nacional, el equipo de Prohibido Contar Ovejas pincha la versión de "Agapimú" de Ana Belén junto a Ojete Calor, el grupo liderado por Carlos Areces, que se convirtió en un gran éxito de masas. Posteriormente, el programa se adentra en canciones que alcanzaron una enorme repercusión tras aparecer en series de televisión. El ejemplo más claro es "Running Up That Hill" de Kate Bush, cuyo uso en la serie de Netflix Stranger Things catapultó la canción al número uno en ventas décadas después de su publicación original, frustrando los planes de Taika Waititi de usarla en la película de Thor. El repaso a las sintonías televisivas inolvidables continúa con "Don't Stop Believin'" de Journey, asociada para siempre al mítico fundido a negro que cerró la serie Los Soprano, y que posteriormente volvió a popularizarse gracias a la serie Glee. También recuerdan el impacto de "Hide and Seek" de Imogen Heap en el dramático final de temporada de la serie juvenil The O.C.. En la última parte del programa, Juanma González y Daniel Palacios abren un espacio dedicado a analizar el subgénero del *giallo* a raíz de una propuesta de Paco Ros, colaborador del podcast De Par en Par. Los locutores explican que el giallo italiano se caracteriza por una cuidada estética visual de colores saturados, asesinos con guantes de cuero que emplean armas blancas y una trama detectivesca donde, como regla no escrita, el policía nunca es el asesino. Finalmente, presentan una selección de nueve neo-giallos contemporáneos rodados fuera de Italia. Entre los títulos elegidos destacan Instinto Básico de Paul Verhoeven, Maligno de James Wan, la cinta belga Amer, Última Noche en el Soho de Edgar Wright o la producción española Los ojos de Julia, protagonizada por Belén Rueda, demostrando que la huella de este singular género cinematográfico sigue muy presente en el cine actual.

Un recorrido sonoro por las creaciones de Anton Corbijn para U2 o Nirvana, de la mano de Felipe Couselo en las madrugadas musicales de esRadio. En esta entrega de Prohibido Contar Ovejas, el veterano programa de esRadio conducido por Felipe Couselo, se realiza un recorrido exhaustivo por la obra videográfica del prestigioso director y fotógrafo holandés Anton Corbijn. A lo largo de la emisión, el locutor desgrana la ytrayectoria de este creador visual, célebre por definir la estética de algunas de las bandas más influyentes del pop y del rock alternativo desde la década de los ochenta. La andadura musical del programa arranca con la banda británica Echo & the Bunnymen y su clásico tema Seven Seas, perteneciente al aclamado álbum Ocean Rain de 1984, un trabajo donde ya se hacía evidente la particular sensibilidad de Corbijn para retratar el misticismo del grupo liderado por Ian McCulloch. La relación profesional más emblemática y duradera de Anton Corbijn es, sin duda, la que mantiene con Depeche Mode. El programa rememora cómo esta alianza comenzó a forjarse a principios de los años ochenta, cuando el fotógrafo trabajaba para la influyente revista británica NME. Para ilustrar esta unión, suena A Question of Time, del álbum de 1986 Black Celebration. Felipe Couselo explica que, a pesar de que la banda de Dave Gahan y Martin Gore ya gozaba de éxito, fue la dirección de arte y los videoclips de Corbijn los que terminaron de perfilar su icónica y oscura identidad visual, una colaboración que se extendería durante décadas. El espacio radiofónico de esRadio también rescata la faceta de Corbijn vinculada a la música electrónica y de vanguardia, destacando su trabajo con los pioneros belgas Front 242. Se presenta el contundente corte Headhunter, lanzado en 1988 dentro del disco Front by Front. Couselo detalla cómo el director holandés logró plasmar la tensión y la frialdad industrial de la banda en imágenes abstractas y magnéticas, consolidando el estatus del grupo en la escena internacional. Asimismo, se menciona otra de sus célebres colaboraciones con la formación belga, el videoclip del tema Welcome to Paradise, que explotó esa misma línea estética. Uno de los momentos más anecdóticos del programa llega al hablar del histórico tema Personal Jesus, extraído del revolucionario álbum Violator de Depeche Mode. Felipe Couselo comparte con los oyentes de esRadio un recuerdo de su juventud: su primer no concierto, debido a que sus padres no le permitieron viajar a Pontevedra para presenciar la mítica gira de la banda en 1990. El locutor analiza el videoclip, una genialidad con reminiscencias de spaghetti western que fue rodada en el desierto de Almería, en España, lo que supuso un hito visual insoslayable. La influencia del realizador holandés también fue decisiva para los irlandeses U2, otra de las agrupaciones capitales de la historia del rock mundial. En el programa se pincha el universal himno One, del álbum Achtung Baby de 1992. Couselo explica las diversas versiones que existen de este videoclip, deteniéndose especialmente en la rodada en un Berlín recién unificado, donde los miembros de la banda aparecían caracterizados con estéticas de corte transformista. La alianza entre U2 y el realizador holandés dejaría otros grandes hitos como los vídeos de Mysterious Ways, Who’s Gonna Ride Your Wild Horses o Electrical Storm. El viaje sonoro continúa con la imponente figura de Nick Cave and the Bad Seeds y su dramática pieza Straight to You, del disco Henry’s Dream de 1992. Felipe Couselo expone cómo Corbijn asumió no solo la dirección del vídeo, sino también una parte fundamental de la escenografía, logrando capturar la intensidad casi teatral de la banda. Acto seguido, suena Dirty Black Summer de Danzig, tema incluido en Danzig III: How the Gods Kill. El locutor resalta la producción de este álbum a cargo de Rick Rubin y el diseño de portada de H.R. Giger, elementos que sumados a la imaginería gótica del vídeo redondean una obra oscura y potente. El programa también aborda colaboraciones que, a priori, podrían parecer menos habituales en la trayectoria de Corbijn, como su trabajo con la estrella del rock comercial Bryan Adams. Se escucha la balada Do I Have to Say the Words?, del exitoso álbum Waking Up the Neighbours de 1991, cuyo videoclip fue filmado a caballo entre Estambul e Islandia. Aprovechando este bloque, Couselo repasa el salto de Anton Corbijn al cine de ficción con largometrajes como Control de 2007, el biopic sobre Ian Curtis y Joy Division, y The American de 2010, un sobrio thriller protagonizado por George Clooney. Uno de los puntos álgidos de la emisión se centra en el icónico videoclip de Heart-Shaped Box de Nirvana, perteneciente a su último álbum de estudio In Utero de 1993. Couselo relata las tensiones creativas surgidas entre un obstinado Kurt Cobain, que deseaba tener un control total sobre el concepto visual, y Corbijn. Aunque inicialmente se barajó al realizador Kevin Kerslake, finalmente el holandés asumió la dirección, entregando una obra maestra de contrastes cromáticos y simbolismo surrealista que definiría la imaginería de la banda de Seattle en su etapa final. Para ir cerrando esta especial entrega musical en esRadio, suena My Friends de los Red Hot Chili Peppers, tema destacado de su álbum de 1995 One Hot Minute. Este fue un disco de transición marcado por la presencia de Dave Navarro a la guitarra, aportando una sonoridad diferente que Corbijn supo retratar con sobriedad en su correspondiente videoclip. Felipe Couselo despide el programa invitando a los oyentes a redescubrir la obra de un artista irrepetible que supo tender puentes entre la fotografía, la música y el cine con una elegancia visual única.

De Ritchie Valens a la elegancia pop de ABBA, esRadio analiza los grandes himnos rítmicos que transformaron las pistas de todo el planeta. Felipe Couselo regresa a los micrófonos de esRadio con una nueva y vibrante entrega de Prohibido Contar Ovejas, dedicada en esta ocasión a la segunda parte de su especial sobre canciones que invitan a bailar. Bajo el título de 'Let\'s Dance Again', el programa realiza un recorrido histórico por aquellos ritmos que han revolucionado las pistas de baile de todo el mundo. El viaje musical arranca en los albores del rock and roll con la mítica 'Rock Around the Clock' de Bill Haley & His Comets, grabada en 1954. Couselo explica cómo este género nació en la marginalidad y cómo los propios ejecutivos de la discográfica Decca no sabían muy bien cómo promocionar este nuevo sonido, llegando a catalogarlo de manera confusa como un 'nuevo foxtrot mezclado con algo', inaugurando así una época dorada de música y movimiento. La andadura continúa con la arrolladora versión que Wilson Pickett realizó de 'Land of a Thousand Dances', registrada en los míticos FAME Studios de Muscle Shoals, en Alabama. Este tema destaca por ser un auténtico catálogo de los bailes de la época, mencionando desde el mashed potato hasta el twist o el pony. A renglón seguido, el programa rinde homenaje a 'La Bamba' de Ritchie Valens, lanzada en 1958. Valens, que adaptó este son tradicional mexicano al lenguaje del rock and roll, tuvo una carrera fulminante que se truncó trágicamente a los 17 años en el accidente aéreo de 1959, conocido como 'el día que murió la música'. Su figura y este pilar del primer rock and roll volverían a brillar con fuerza décadas después gracias al biopic protagonizado por Lou Diamond Phillips y la interpretación de Los Lobos. El legendario sonido de la escudería Motown se hace presente a través de 'Do You Love Me' de The Contours. Escrita por el mismísimo Berry Gordy, la pieza estaba destinada en un principio a The Temptations, pero un retraso de estos permitió que The Contours la grabaran, convirtiéndola en un himno multimillonario en ventas que recuperaría toda su fuerza gracias a la película Dirty Dancing. Inmediatamente después, Couselo pincha la inmortal 'Twist and Shout' en la versión de The Beatles de 1963. El locutor relata las dificultades de aquella mítica sesión de grabación en la que un exhausto John Lennon forzó su voz al límite para dejar grabada una toma histórica, antes de recordar la célebre e irreverente frase que el propio Lennon lanzó ante la realeza británica en el Royal Variety Performance de aquel mismo año. El programa también abre las puertas al funk y al soul de la mano de Sly and the Family Stone y su revolucionario 'Dance to the Music' de 1968. Couselo describe la grabación como una explosión de frescura y caos organizada, donde los miembros de esta banda multirracial se presentan uno a uno junto a sus instrumentos. El viaje avanza hacia el año 2000 con la versión que el grupo británico Toploader hizo de 'Dancing in the Moonlight', un tema original de los setenta que la banda de la mano de Joseph Washbourn logró revitalizar para ofrecer un mensaje de armonía y buen rollo a una nueva generación de oyentes. La música disco se convierte en la gran protagonista de la segunda mitad del espacio. Couselo analiza el enorme impacto comercial de la música disco a través de éxitos como 'Shake Your Booty' de KC and the Sunshine Band, un tema de 1976 que conquistó las listas de ventas de todo el planeta. Asimismo, se destaca la trascendencia de 'The Hustle' de Van McCoy, un corte instrumental inspirado en los bailes de las discotecas del Bronx neoyorquino que se transformó en un verdadero fenómeno de masas antes del prematuro fallecimiento de McCoy en 1979. El broche de oro del especial lo ponen ABBA con 'Dancing Queen', considerada la obra cumbre del pop europeo, el hard rock de Aerosmith con 'Shut Up and Dance', y la elegancia de Donna Summer con 'Last Dance', demostrando que el ritmo y el baile son un lenguaje universal.

Felipe Couselo y su equipo analizan la banda de Keanu Reeves, un bulo sobre Paul McCartney y el mejor rock de la mano de Frank Turner. Felipe Couselo inicia una nueva entrega de Prohibido Contar Ovejas en esRadio marcada por la ausencia de Isaac Vizcaíno, lo que da pie a las habituales bromas del equipo sobre sus características pulseras y su mística ausencia. Con la ayuda de Daniel Palacios, Miriam y Juanma González, el programa se adentra en una selección musical variopinta y repasa las novedades de la cartelera teatral y cinematográfica, prometiendo una velada repleta de análisis desenfadados y buen humor. En el plano musical, Felipe rescata en primer lugar a Frank Turner con su tema 'Jenny Bingham's Ghost', perteneciente al álbum No Man's Land lanzado en el año 2019. El locutor desvela la historia de este corte, que rinde tributo a un enigmático personaje femenino del folclore londinense vinculado a la célebre taberna The Underworld de Camden Town. A través de esta pieza, se destaca la sensibilidad del artista inglés para rescatar historias olvidadas de mujeres fascinantes a lo largo de los siglos. La propuesta musical continúa con la banda de Belfast Wynona Bleach y su enérgico sencillo 'Shrink', extraído de su reciente trabajo discográfico titulado Animal Style. Daniel Palacios analiza la interesante mezcla de esta formación de Irlanda del Norte, que conjuga melodías de power pop con guitarras ásperas y potentes. Esta combinación recuerda a los oyentes el sonido de bandas emblemáticas del rock alternativo de los noventa, como Alice in Chains, logrando un equilibrio perfecto entre melodía y crudeza. El programa también se detiene en Dogstar, la conocida banda californiana en la que milita el célebre actor Keanu Reeves al bajo. Se pincha su canción 'Everything Turns Around', perteneciente al álbum Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees. El equipo comenta el retorno de la formación tras más de dos décadas de silencio, aplaudiendo un estilo de rock sencillo y directo con matices de grunge que resulta ideal para la época estival y que demuestra la faceta más fardona y rockera del intérprete de Matrix. Felipe Couselo no oculta su entusiasmo al dar paso a los suecos Monolord y su potentísimo tema 'You Bastard'. Para el presentador, este corte representa la quintaesencia del doom metal y el stoner rock más pesado. Con un sonido que califica de granítico y monolítico, destaca el uso de distorsiones masivas que hacen las delicias de los seguidores de las corrientes musicales más densas y oscuras del panorama europeo actual. Uno de los momentos más singulares de la noche llega con la audición de 'Days We Left Behind', presentado con sorna como el primer adelanto del supuesto nuevo disco de Paul McCartney, titulado de forma ficticia The Boys of Dungeon Lane. El tema cuenta con la colaboración de figuras de la talla de Ringo Starr, Chrissie Hynde y Sharleen Spiteri. Sin embargo, el análisis del equipo revela de forma humorística que se trata de un ingenioso experimento sonoro y que, en realidad, este álbum y canción forman parte de una broma digital, confirmando que esto no existe en el catálogo oficial de la leyenda británica. En la sección de artes escénicas, Miriam presenta la obra de teatro Loba, que se representa en el Teatro Fernán Gómez del Centro Cultural de la Villa de Madrid. Escrita y dirigida por Juan Mairena, la obra rinde homenaje a la mítica diva de Hollywood Bette Davis, encarnada por la actriz Mélida Molina. El montaje aborda con gran acierto el problema del edadismo en el cine y recrea los históricos momentos de la visita de la actriz al Festival de San Sebastián en 1989, poco antes de su fallecimiento. Finalmente, Juanma González repasa la actualidad del séptimo arte. Entre los proyectos destacados se encuentra la futura adaptación de He-Man y los Masters del Universo bajo la dirección de Travis Knight, de la que se espera un tono aventurero similar al de Guardias de la Galaxia. En el cine patrio, se analiza la comedia de atracos Cada día nace un listo de Arantxa Echevarría, y el thriller de intriga La desconocida de Gabe Ibáñez, producciones que demuestran la variedad del cine español en esta temporada.

Desde Katy Perry hasta Iron Maiden, la agenda nacional de conciertos de verano ofrece opciones para todos los gustos y géneros musicales. El equipo del programa de esRadio comienza la sección con sus habituales bromas de tono desenfadado, especulando sobre nombres de ambientadores extravagantes antes de adentrarse en el tema principal del día: la llegada del calor y la completa guía de los festivales de música de verano en España. Los colaboradores coinciden en que nuestro país se ha consolidado como el destino líder en Europa para disfrutar de este tipo de eventos gracias a su excelente clima y a una infraestructura turística imbatible. La lista arranca con el célebre Primavera Sound, que tendrá lugar del 3 al 7 de junio en el Parc del Fòrum de Barcelona. Este macroevento contará con cabezas de cartel de la talla de The Cure y Gorillaz, posicionándose una vez más como uno de los encuentros musicales más modernos y masivos del continente. A continuación, se destaca el Mallorca Live Festival, programado del 12 al 14 de junio en el antiguo Aquapark de Calviá. Los presentadores repasan su ecléctico cartel, encabezado por los míticos Cypress Hill y la banda británica Kaiser Chiefs, señalando además la conveniencia de disfrutar de la música en un entorno isleño privilegiado. Para los amantes de los sonidos más puros, el Azkena Rock Festival regresa a Vitoria-Gasteiz del 18 al 20 de junio. En esta edición destaca la estelar presencia de Alice Cooper y de la banda sueca The Hives, consolidando a este festival vasco como una cita ineludible y legendaria para los apasionados del rock clásico y de culto. El primer fin de semana de julio presenta una acumulación de fechas casi abrumadora para los melómanos. El primero de los destacados es el Resurrection Fest en Viveiro, Lugo, que se celebrará del 1 al 4 de julio. Este festival se ha convertido en el gran referente del heavy metal en España, atrayendo este año a gigantes como Limp Bizkit, Sabaton y los incombustibles Iron Maiden. Paralelamente, para quienes prefieran el sur, se celebrará el Rock Imperium Festival en Cartagena del 3 al 5 de julio. El festival murciano compartirá algunas de las grandes bandas de metal del momento, destacando especialmente la actuación de Within Temptation y repitiendo la presencia de los británicos Iron Maiden en un espectacular recinto junto al mar. En esas mismas fechas, Barcelona acogerá el Barcelona Rock Fest en Santa Coloma de Gramenet. Los colaboradores destacan que este evento albergará la gira de despedida de los legendarios Megadeth, quienes estarán acompañados por una sorprendente reunión de los Sex Pistols, atrayendo a miles de nostálgicos del punk y el metal. Como alternativa a los sonidos más duros durante ese mismo fin de semana de julio, Rivas-Vaciamadrid celebrará una nueva edición del Festival Río Babel. El gran atractivo comercial de este año será la diva del pop internacional Katy Perry, que compartirá escenario con propuestas tan diversas como la banda venezolana de rock alternativo y ska Molotov. A mediados de julio, la actividad no decae con la llegada del Festival Cruïlla Barcelona en el Parc del Fòrum. Con un enfoque muy abierto, esta cita propone un cartel donde brillan con luz propia bandas históricas del indie y el rock alternativo como Pixies, Suede y Garbage, ofreciendo una experiencia musical muy variada. En Madrid, del 8 al 11 de julio, se celebrará el multitudinario Mad Cool en el recinto de Villaverde. A pesar de las dificultades organizativas sufridas en ediciones anteriores, los presentadores remarcan la potencia de un cartel que incluye a Foo Fighters, The War on Drugs y Florence and the Machine, posicionándolo como uno de los festivales más potentes a nivel global. Casi al mismo tiempo, el País Vasco ofrecerá el aclamado Bilbao BBK Live en Kobetamendi. Este festival, plenamente integrado en la naturaleza, contará con la participación de la estrella del pop británico Robbie Williams y del reconocido productor Calvin Harris, combinando grandes himnos pop con sesiones de música electrónica de vanguardia. Entrando en la segunda quincena de julio, el histórico Festival Internacional de Benicàssim celebra su trigésimo aniversario del 16 al 18 de julio. Convertido en todo un clásico del verano español, el FIB contará con artistas de renombre como Franz Ferdinand y The Kooks, atrayendo como siempre a un numeroso público tanto nacional como británico. La lista de recomendaciones continúa con el Low Festival, que se traslada del 31 de julio al 2 de agosto a un gran recinto en Torrevieja. Con una fuerte presencia de bandas de la escena independiente, el festival contará con la enérgica banda de rock británica Kasabian y destacados grupos del panorama indie español como Ginebras y Fangoria. Finalmente, los colaboradores cierran su repaso con el entrañable Sonorama Ribera en Aranda de Duero, del 5 al 9 de agosto. Considerado por los presentadores como uno de sus festivales preferidos por su ambiente familiar y cercano, el festival burgalés contará con grandes figuras del pop-rock en español como Love of Lesbian e Iván Ferreiro.

Desde Nueva York a Los Ángeles, el programa de esRadio analiza partituras de Jerry Goldsmith o Alan Silvestri que definieron una época dorada. El espacio de cine de esRadio arranca con un viaje nostálgico hacia una fórmula narrativa que parece haberse perdido en el Hollywood moderno: las secuencias de apertura de los años ochenta y noventa. Los colaboradores rememoran cómo las producciones de aquella época dorada se tomaban su tiempo para presentar el escenario de la historia mediante panorámicas urbanas espectaculares –habitualmente de ciudades como Nueva York o Los Ángeles– acompañadas de bandas sonoras memorables que sumergían de inmediato al espectador en la atmósfera del filme. La primera gran obra analizada es Manhattan, la obra maestra dirigida por Woody Allen en 1979. Con su célebre prólogo en blanco y negro, filmado magistralmente por Gordon Willis, la película rinde tributo a la gran manzana bajo los acordes de la música de George Gershwin. En la tertulia se destaca la extraordinaria voz en off del doblador español Miguel Ángel Valdivieso y se genera un interesante debate sobre las preferencias entre este largometraje y Annie Hall, dos de las cumbres del cineasta neoyorquino. El recorrido por estas aperturas legendarias continúa con Esta Casa es una Ruina, la popular comedia de 1986 producida por Amblin, la compañía de Steven Spielberg. Al son de la canción 'Two Hearts' interpretada por Stephen Bishop, la película presenta la clásica premisa de la joven pareja con aspiraciones que adquiere una vivienda que termina desmoronándose por completo. Los tertulianos bromean sobre la crudeza de las reformas domésticas y la asfixia financiera que retrataba la cinta, erigiéndose como un fiel reflejo de la sociedad estadounidense de los ochenta. La música vuelve a cobrar un protagonismo absoluto con el análisis de Gremlins 2: La Nueva Generación, la gamberra secuela dirigida por Joe Dante en 1990. Con una partitura del maestro Jerry Goldsmith, la cinta arranca con un plano aéreo de Nueva York que rápidamente desciende hacia el bullicio de Chinatown. Los colaboradores elogian la valentía del director al dinamitar la sensiblería de la primera entrega, utilizando incluso un prólogo de dibujos animados de los Looney Tunes y caricaturizando a Donald Trump a través del personaje de Daniel Clamp. En el ámbito del cine de catástrofes de finales de los noventa, se analiza la secuencia de créditos de Volcano. La película de 1997 sitúa al espectador en un soleado amanecer en Los Ángeles, utilizando una partitura de Alan Silvestri que acompaña el despertar de la metrópoli antes de que la lava comience a brotar del subsuelo. Se recuerda la dura competencia que mantuvo esta producción con Un Pueblo Llamado Dante's Peak, el otro gran título de volcanes de aquel año, que se saldó con un notable éxito de taquilla. Uno de los puntos álgidos de la conversación llega al abordar el inicio de Armas de Mujer, la aclamada cinta de Mike Nichols de 1988. Los tertulianos elogian la emblemática canción 'Let the River Run' de Carly Simon –ganadora del premio Oscar–, que suena mientras la cámara sobrevuela la Estatua de la Libertad hasta fijarse en el transbordador de Staten Island. En el programa se reivindica el papel de la protagonista, encarnada por Melanie Griffith, frente a lecturas contemporáneas que tachan erróneamente la obra de machista, cuando en realidad supuso un gran hito para el feminismo de la época. Finalmente, la tertulia concluye analizando los contrastes entre la sucia y obrera estampa de Detroit de Superdetective en Hollywood –ambientada de manera fantástica por el tema 'The Heat Is On'– y el idílico suburbio californiano de Poltergeist. En esta última producción de 1982, de nuevo con música de Jerry Goldsmith, el plano de una pacífica urbanización residencial sirve como la perfecta antesala para el terror sobrenatural, demostrando que detrás de la aparente prosperidad económica americana se esconden profundas pesadillas suburbanas.

Descubre qué conocidos intérpretes estuvieron a punto de liderar éxitos como 'Friends', 'The Walking Dead' o 'The Big Bang Theory' en esRadio. Los colaboradores de esRadio analizan en esta ocasión el impacto de las decisiones de reparto en algunas de las series de televisión más emblemáticas de las últimas décadas. Comenzando por la aclamada producción Breaking Bad, se debate sobre la figura del protagonista, Walter White, interpretado magistralmente por Bryan Cranston. Aunque hoy en día parece imposible imaginar a otro actor en el papel, durante la fase de desarrollo se barajaron nombres muy distintos. Entre los rumores más fuertes destacaron los de John Cusack y Matthew Broderick, dos perfiles que habrían dado un rumbo completamente diferente a la historia del profesor de química convertido en productor de metanfetamina. Durante la charla, se destaca que Matthew Broderick habría sido una opción interesante, mientras que John Cusack, quien ha estado más desaparecido en los últimos años, no terminaba de convencer a todos los tertulianos. De manera más distendida, proponen a Robin Williams como un Walter White ideal gracias a su versatilidad para pasar de la comedia al drama más oscuro. Otros nombres que surgen en la conversación son los de Paul Giamatti, cuya expresividad habría encajado a la perfección, y Matthew Rhys, conocido por su dualidad en series de espionaje. También se menciona en tono de broma cómo habría sido una versión española de la serie protagonizada por Antonio Resines. La segunda serie analizada es el drama de supervivencia zombi The Walking Dead, centrado en el personaje de Rick Grimes. Interpretado por Andrew Lincoln, este líder de supervivientes ha tenido una recepción divisiva entre los seguidores, llegando a ser objeto de numerosas bromas por el comportamiento de su familia en la ficción. Los tertulianos revelan que la primera opción del director Frank Darabont no era Lincoln, sino Thomas Jane, con quien ya había trabajado en la película La Niebla. Sin embargo, debido a compromisos de agenda, Jane no pudo aceptar el papel, lo que abrió la puerta al actor británico. Como alternativas ideales para el papel de Rick Grimes, los locutores de esRadio sugieren nombres como el de Aaron Eckhart, al que definen como una eterna promesa de Hollywood que merecía una segunda oportunidad en televisión. También proponen a un rejuvenecido Ed Harris, lo que habría permitido un curioso cruce de caminos con otros personajes de Stephen King. Se debate la opción de Pedro Pascal, de plena actualidad por The Last of Us, aunque se descarta debido a su saturada agenda actual. Otras propuestas de reparto incluyen a Matthew Fox o incluso a Patrick Swayze en una hipotética versión rodada años atrás. El debate continúa con Friends, una de las comedias más importantes de la historia de la televisión, donde el personaje de Chandler Bing, interpretado por el fallecido Matthew Perry, resulta prácticamente insustituible. Se revela que el actor Jon Cryer, conocido posteriormente por Dos Hombres y Medio, fue uno de los candidatos que se tantearon para el papel. Los colaboradores coinciden en que Cryer habría encajado mejor en el papel de Ross Geller que en el de Chandler. También se menciona que Johnny Galecki estuvo sobre la mesa antes de alcanzar la fama. Entre las propuestas alternativas para dar vida a Chandler, se destaca la sorprendente sugerencia de Bruce Campbell, que habría aportado un toque histriónico y muy particular a la dinámica del grupo de amigos de Manhattan. Los tertulianos también mencionan a Jason Bateman como una opción sólida debido a su capacidad para interpretar a personajes apocados pero con un lado irónico muy marcado. Finalmente, reflexionan sobre la figura de Ryan Reynolds, analizando su rápido ascenso y la posterior polarización de su imagen pública en la industria cinematográfica actual. La fantasía épica de Juego de Tronos también es objeto de análisis, centrándose en el icónico papel de Daenerys Targaryen. Aunque Emilia Clarke se convirtió en la indiscutible "Madre de Dragones", los tertulianos recuerdan que el episodio piloto original, que nunca llegó a emitirse, fue protagonizado por Tamzin Merchant. Tras descartarse ese primer metraje, Clarke asumió el papel definitivo. A pesar de que la actriz ha participado posteriormente en grandes franquicias fallidas como Terminator o Secret Invasion, su interpretación de Daenerys sigue siendo muy defendida. Como alternativas, los colaboradores sugieren nombres como Amanda Seyfried o la cotizada Ana de Armas. Para finalizar el repaso televisivo, los tertulianos se detienen en la comedia The Big Bang Theory y el personaje de Penny, interpretado por Kaley Cuoco. En el piloto original de la serie, el personaje femenino principal se llamaba Katie y era interpretado por Amanda Walsh, presentando un carácter mucho más cínico y oscuro que no gustó a los directivos de la cadena. Tras reescribir el papel para convertirlo en la optimista vecina Penny, se contrató a Cuoco. Los tertulianos proponen a Sydney Sweeney como una Penny excelente para una versión actual y concluyen señalando la dificultad de sustituir a Jim Parsons en su papel de Sheldon Cooper.

El programa de esRadio analiza los cástings alternativos de series míticas y repasa la agenda de los mejores festivales de música del verano. En esta nueva entrega del programa Prohibido Contar Ovejas de esRadio, el presentador Felipe Couselo y su equipo de colaboradores habituales comienzan la noche con su habitual tono desenfadado. Tras bromear sobre antiguos anuncios de coches y comentar la ausencia de su compañero Isaac Vizcaíno, de quien aseguran humorísticamente que se encuentra de vacaciones, abordan diversos temas de actualidad antes de dar paso a las secciones principales del programa. La primera gran sección de la noche está dedicada al mundo de las series de televisión, concretamente a un interesante ejercicio de imaginación: qué habría pasado si ciertos personajes icónicos hubieran sido interpretados por otros actores. El debate comienza con la aclamada producción Breaking Bad y el papel de Walter White, encarnado magistralmente por Bryan Cranston. Los colaboradores comentan los rumores de la época que situaban a Matthew Broderick y John Cusack como opciones de las productoras, coincidiendo en que Broderick habría encajado mejor que Cusack, y proponen alternativas tan dispares como Robin Williams, Paul Giamatti o, en clave nacional, Antonio Resines. El repaso continúa con otras producciones de gran éxito. En el caso de The Walking Dead, se analiza el papel de Rick Grimes, interpretado por Andrew Lincoln. Revelan que la primera opción para el papel fue Thomas Jane, y debaten sobre la antipatía que genera el personaje entre muchos seguidores, sugiriendo a Aaron Eckhart o a un Ed Harris más joven como sustitutos ideales. En cuanto a la mítica comedia Friends, se pone en duda que alguien pudiera haber igualado a Matthew Perry como Chandler Bing, rechazando la posibilidad de Jon Cryer por encajar mejor en el perfil de Ross Geller, y planteando a Johnny Galecki o Jason Bateman como alternativas interesantes. La sección de cástings alternativos se cierra con dos títulos de peso. Para Game of Thrones, recuerdan que en el episodio piloto no emitido el personaje de Daenerys Targaryen fue interpretado por Tamzin Merchant antes de que Emilia Clarke asumiera el rol de manera definitiva; como alternativas ideales proponen a Amanda Seyfried o Ana de Armas. Finalmente, analizan The Big Bang Theory y el papel de Penny, que en el primer piloto descartado se llamaba Katie y fue interpretado por Amanda Walsh, proponiendo a Sydney Sweeney como una opción contemporánea perfecta para el personaje de Kaley Cuoco. A continuación, Juanma González toma las riendas del programa con su sección dedicada a la música de Pino Donaggio para repasar la oferta de festivales musicales de este verano. Los colaboradores destacan que España se ha consolidado como el destino turístico predilecto para los amantes de los grandes conciertos estivales. Entre la amplia lista de eventos, destacan el prestigioso Primavera Sound de Barcelona, con artistas de la talla de The Cure o Massive Attack, el Mallorca Live Festival en Calviá y el Azkena Rock Festival de Vitoria, analizando sus carteles y comentando anécdotas sobre los viajes de los asistentes. La lista de festivales recomendados se extiende por toda la geografía española. Mencionan citas ineludibles para los amantes del rock y el metal como el Resurrection Fest de Viveiro y el Rock Imperium Festival de Cartagena, así como el Barcelona Rock Fest. Para un público más generalista o indie, repasan el cartel del Río Babel en Madrid, el Cruïlla en Barcelona, el multitudinario Mad Cool madrileño, el consagrado Bilbao BBK Live, el clásico FIB de Benicàssim, el Low Festival de Benidorm y el entrañable Sonorama Ribera de Aranda de Duero, alabando la enorme variedad de estilos que convivirán durante los próximos meses en los escenarios españoles. La recta final del programa se centra en un análisis nostálgico de las introducciones cinematográficas de los años ochenta y noventa. Los colaboradores rememoran cómo las películas de aquella época solían comenzar con espectaculares planos aéreos de grandes urbes y bandas sonoras memorables que sumergían de inmediato al espectador en la atmósfera de la historia. Como ejemplo paradigmático, analizan la apertura de la obra maestra de Woody Allen, Manhattan, acompañada por las inmortales melodías de George Gershwin y la mítica narración en la voz de Miguel Ángel Valdivieso. Para concluir la velada, el equipo de Prohibido Contar Ovejas analiza otros arranques cinematográficos inolvidables. Disfrutan de la música de Esta casa es una ruina, la divertida comedia protagonizada por Tom Hanks, y de la oscarizada canción Let the River Run de Carly Simon para la película Armas de mujer. El broche de oro lo pone el clásico de terror Poltergeist, cuya música de Jerry Goldsmith y su icónico retrato de los suburbios californianos de los años ochenta sirven para cerrar un programa cargado de cine, música y nostalgia.

Análisis de los recursos musicales y narrativos fuera de época que grandes directores usan de forma deliberada para atrapar al espectador actual. En una nueva edición de Prohibido Contar Ovejas en esRadio, el presentador Felipe Couselo, acompañado por Dani Palacios, Juanma González y Gonzalo Contreras, dedica el programa a analizar los anacronismos intencionados en el cine. A diferencia de los errores históricos fortuitos, se centran en aquellas películas donde los directores introducen de forma deliberada elementos fuera de su época, principalmente musicales y narrativos, para lograr un determinado efecto estético, rítmico o dramático. El debate se abre con una de las obras más emblemáticas en este sentido: Moulin Rouge!, dirigida por Baz Luhrmann en 2001. Los colaboradores recuerdan el enorme impacto que supuso Moulin Rouge! en su estreno y la fiebre posterior por sus completísimas ediciones en DVD, que incluían menús ocultos y abundante material extra. Gonzalo Contreras destaca el nerviosismo técnico de Luhrmann y cómo su estilo hiperbólico y videoclipero —que ya se vio en Romeo + Julieta y más tarde en El Gran Gatsby o Elvis— encaja a la perfección con la banda sonora contemporánea en una historia ambientada en el París de 1899. Canciones de David Bowie, Queen o t.A.T.u. sirven para conectar de forma inmediata con el espectador moderno, destacando la escena del popurrí amoroso en el elefante como el punto de inflexión definitivo donde la película termina de atrapar al público. El segundo título analizado es Malditos Bastardos, la aclamada obra de Quentin Tarantino de 2009 ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Dani Palacios resalta cómo el realizador utiliza la música de forma magistral para romper las barreras temporales, utilizando el tema "Cat People (Putting Out Fire)" de David Bowie —compuesto en los años ochenta— en una de las escenas más tensas del filme. Además, se debate sobre la inclusión de composiciones clásicas de Ennio Morricone para películas italianas de los setenta y el anacronismo formal que supone la proyección dentro de la propia película, cuya edición ágil emula técnicas muy posteriores a los años cuarenta. La tertulia destaca la licencia histórica que se toma Tarantino al reescribir el final de la guerra en una sala de cine, convirtiendo el metraje en una obra maestra absoluta. A continuación, el equipo aborda Destino de Caballero, el filme de 2001 protagonizado por Heath Ledger que traslada los códigos de las comedias adolescentes y el cine de pandilleros a la Edad Media. El uso de temas míticos de Queen, Eric Clapton o Robbie Williams sirve para insuflar un aire festivo y deliberadamente juvenil a las justas medievales, creando una atmósfera que emula los espectáculos deportivos actuales. Juanma González repasa la trayectoria del director Brian Helgeland, responsable también de guiones brillantes como el de L.A. Confidential o la turbulenta producción de Payback con Mel Gibson, señalando cómo este enfoque desenfadado y pop convirtió a la película en un clásico de culto muy disfrutable para su generación. Finalmente, los tertulianos se detienen en la comedia de culto Los Caballeros de la Mesa Cuadrada, dirigida por Terry Gilliam y Terry Jones en 1975. En esta joya de los Monty Python, el anacronismo se utiliza como una herramienta de sátira política y social brutal, presentando a campesinos medievales que debaten sobre anarcosindicalismo o caballeros que discuten sobre la velocidad de vuelo de las golondrinas europeas y africanas. El colofón del filme, donde la fantasía medieval se rompe por completo al irrumpir la policía moderna en el rodaje, sirve para ilustrar la genialidad de un grupo que rompió la cuarta pared como nadie. La conversación concluye reflexionando sobre cómo la irreverencia de los cómicos británicos, que en su día escandalizó a los sectores conservadores, choca hoy con la cultura de la cancelación de la izquierda progresista, demostrando que su humor sigue siendo tan incómodo como necesario.

Anécdotas, humor al estilo Monty Python y los secretos del rodaje de los primeros largometrajes del famoso grupo musical británico en los sesenta. En esta nueva edición del programa Prohibido Contar Ovejas, el presentador Felipe Couselo, acompañado por sus colaboradores habituales Juanma González y Alicia Parente, dedica un monográfico especial a la filmografía de la mítica banda británica The Beatles. El programa arranca analizando el impacto cultural y cinematográfico de sus dos primeras producciones cinematográficas en la década de 1960: A Hard Day's Night y Help!, ambas bajo la dirección del cineasta Richard Lester. El primer bloque se centra en A Hard Day's Night, estrenada en 1964. Los colaboradores explican que, a pesar de ser la banda más famosa del planeta en ese momento, la discográfica EMI optó por rodar la película en blanco y negro debido a una evidente racanería presupuestaria. A pesar de estas limitaciones económicas, la obra fue un rotundo éxito de crítica y taquilla, llegando a conseguir varias nominaciones a los premios Oscar en categorías musicales y de guion. La cinta destaca por capturar el espíritu frenético de la 'beatlemanía' mediante un estilo que mezclaba el documental realista con el absurdo británico. Durante la conversación, se revelan detalles jugosos sobre el rodaje. Alicia resalta la aparición de la modelo Pattie Boyd como extra en la famosa escena del tren, un encuentro fortuito que daría pie a su matrimonio con George Harrison y que posteriormente inspiraría composiciones legendarias como 'Something' de la propia banda, o 'Layla' de Eric Clapton. Además, se destaca la presencia de un jovencísimo Phil Collins entre la multitud de adolescentes enloquecidos que aparecen al comienzo del filme, una de las muchas anécdotas que enriquecen este clásico del cine musical. Juanma González establece conexiones entre el humor de la película y el de otros referentes del humor británico. El ritmo caótico y los gags recuerdan notablemente al estilo que más tarde popularizarían los Monty Python, colectivo con el que George Harrison mantendría una estrecha relación de amistad y mecenazgo en el futuro. También se comenta la escena de la bañera en la que John Lennon balbucea en alemán, una clara referencia a la dura etapa de aprendizaje que la banda vivió en los clubs de Hamburgo a principios de los sesenta. Posteriormente, el debate se traslada a su segundo largometraje, Help!, estrenado en 1965. En esta ocasión, la trama abandona el tono semidocumental para sumergirse de lleno en una parodia de espías muy influenciada por la estética de las películas de James Bond. La disparatada historia gira en torno a un anillo de sacrificios que Ringo Starr no se puede quitar del dedo, lo que desencadena una persecución por parte de una secta mística y científicos locos a lo largo de localizaciones tan exóticas como las Bahamas o los Alpes. Los tertulianos comentan el ambiente que rodeó la producción, señalando que los músicos admitieron años después haber pasado gran parte del rodaje bajo los efectos de la marihuana, lo que explica el tono marcadamente surrealista de muchas de las escenas. A nivel estrictamente musical, el álbum homónimo dejó clásicos eternos como 'Ticket to Ride' o 'You're Going to Lose That Girl', además de la célebre balada Yesterday, una de las piezas más versionadas de la historia de la música popular, grabada en solitario por Paul McCartney con un cuarteto de cuerda. En el tramo final del espacio, Alicia y Juanma recuerdan la enorme presión que sufrían los músicos en su vida pública, evocando el peligroso incidente que vivieron en Filipinas al ser expulsados del país tras un malentendido con la primera dama Imelda Marcos. Para cerrar el programa de forma lúdica, Couselo somete a sus compañeros a un divertido juego de preguntas utilizando el Trivial Pursuit oficial de la banda, poniendo a prueba los conocimientos de los colaboradores antes de despedir la emisión. Felipe Couselo pone fin a esta primera entrega con la canción 'I Need You', compuesta por George Harrison. El locutor agradece la participación de Alicia Parente y Juanma González, emplazándolos a una segunda parte en el próximo programa de Prohibido Contar Ovejas en esRadio para abordar los títulos restantes de la filmografía beatle: Magical Mystery Tour, Yellow Submarine y Let It Be.

La emisión nocturna en esRadio analiza la tragedia teatral con Miriam Díaz-Aroca junto al tributo al talento imperecedero sobre Jeff Buckley. En una nueva entrega de Prohibido contar ovejas, el programa nocturno de esRadio conducido por Felipe Couselo, la audiencia vuelve a sumergirse en una amalgama de cultura, música de calidad y análisis crítico sin concesiones al pensamiento políticamente correcto. Fiel al estilo dinámico y libre que caracteriza a Libertad Digital y su grupo de comunicación, el espacio reúne a colaboradores habituales como Dani Palacios, Isaac Kene, Alma Espinosa y Juanma González para desgranar la actualidad del arte, el teatro y las pantallas, todo ello con la impecable asistencia técnica de Miriam García a los mandos de la emisión. La andadura comienza con la sección musical de Dani Palacios, quien trae al frente la inminente novedad discográfica de la legendaria banda de thrash metal Anthrax, que prepara el lanzamiento de su álbum Cursum Perficio, un título en latín que parece evocar un cierre de etapa definitivo. Asimismo, Palacios introduce al público en los sonidos oscuros y bailables de la agrupación de Las Vegas Social Order y su tema Ketamine Eyes, una propuesta de puro dark wave de herencia ochentera. Para rematar, el colaborador viaja a Australia de la mano del dúo Scratching y su sencillo Malvern Star, una delicada pieza de pop e indie folk cuya denominación homenajea a una icónica marca de bicicletas de dicho país. El turno de Isaac Kene aporta una dosis de feliz nostalgia e hibridación cultural al rescatar la sintonía mítica de Movie Record, antesala indiscutible del cine de infancia para varias generaciones. Kene conecta este recuerdo con la frescura rumbera de Uña y Carne, un proyecto liderado por el director de la cinta de culto Criando ratas. La sección se torna decididamente exótica al adentrarse en la escena centroasiática con la banda kazaja Moldanazar y, posteriormente, al reivindicar la audaz fusión de techno y tradición siria de Acid Arab con su magnético Jasmine al-Sham, un claro ejemplo de cómo la música electrónica puede enriquecerse de otras raíces sin caer en el burdo cosmopolitismo de escaparate. En el apartado de las artes escénicas, Alma Espinosa defiende con entusiasmo el montaje teatral La casa del mar, actualmente en cartel en el Teatro Infanta Isabel de Madrid. La obra, un intenso drama dirigido por Tonet Ferrer, supone la consagración definitiva de la actriz Miriam Díaz-Aroca en un registro trágico y doloroso alejado de los estereotipos infantiles y de comedia que marcaron sus inicios televisivos. Espinosa destaca la valentía de la puesta en escena a la hora de abordar temas tabú como la ludopatía y el duelo, mostrando las miserias y esperanzas de dos mujeres heridas por el destino en una solitaria cabaña frente al acantilado. El análisis cinematográfico y televisivo corre a cargo de Juanma González, quien despliega su habitual agudeza para comentar proyectos de gran calado. González destaca en primer lugar The Drama, una de las grandes apuestas de la productora A24 dirigida por Kristoffer Borgli y apadrinada por Ari Aster, que promete ser una ácida e incómoda comedia negra protagonizada por Zendaya y Robert Pattinson. También se detiene en Der Fall Collini (El caso Collini), un sobrio e implacable drama judicial alemán que bucea en la herencia de los crímenes nacionalsocialistas sin los clichés propagandísticos del progresismo actual. Por último, analiza el prometedor avance de The Boroughs, la nueva serie de ciencia ficción de Netflix apadrinada por los hermanos Duffer que, con un reparto estelar encabezado por Alfred Molina y Geena Davis, adopta un entrañable tono a lo Cocoon. El broche de oro del programa lo pone el propio Felipe Couselo con un sentido homenaje a Jeff Buckley, coincidiendo con el doloroso aniversario de su prematura muerte en aguas del río Wolf. Couselo reivindica Grace, el único álbum de estudio que el artista llegó a culminar en vida, como una de las obras cumbre de la historia de la música contemporánea. Con la mítica e imperecedera Lover, You Should've Come Over sonando de fondo, el espacio concluye recordando que el verdadero talento sobrevive a las modas pasajeras y a las tragedias del destino.

De Rosalía a La Oreja de Van Gogh: el nuevo pódcast analiza audaces adaptaciones sonoras que cambiaron el destino de temas icónicos. El presente episodio del pódcast musical se sumerge en el apasionante universo de las remezclas y versiones alternativas, reuniendo una selección de temas que se distancian notablemente de sus composiciones originales. Con el icónico tema Blue Monday de New Order (en su remezcla de 1995 por Hardfloor) sonando de fondo, el locutor introduce una sesión especialmente diseñada para los amantes de la música electrónica, el electropop y el synth-pop, contando con las aportaciones y comentarios de sus colaboradores habituales. La primera propuesta de la lista es la reinterpretación que el productor Kiko realizó en 2004 del éxito Rock Your Body de Justin Timberlake. El presentador desvela una curiosa anécdota histórica: este tema fue compuesto originalmente por el aclamado dúo The Neptunes, formado por Pharrell Williams y Chad Hugo, con el rey del pop, Michael Jackson, en mente. Tras el rechazo de este último, la canción acabó en manos de Timberlake, convirtiéndose en un hito de su carrera en solitario. La versión de Kiko, editada bajo el sello de culto Turbo Recordings de Tiga, aporta un marcado carácter de italo-disco y electro-house muy apreciado en las pistas de baile. A continuación, el programa analiza la sorprendente versión que la banda Queen of Japan hizo en el año 2000 del clásico de Kiss, I Was Made for Loving You. Caracterizados por sus extravagantes adaptaciones de himnos del rock, los de Múnich transforman la pomposidad de la pieza original en una propuesta de synth-pop minimalista. El locutor recuerda que el tema original de Kiss ya coqueteaba descaradamente con la música disco de finales de los setenta, un aspecto que esta versión explota desde una perspectiva electrónica mucho más fría y pausada. El viaje musical continúa en territorio nacional con Alaska y Dinarama y su emblemático álbum Deseo Carnal de 1984. En esta ocasión, se presenta la remezcla del tema Carne, huesos y tú a cargo de la banda madrileña Cycle. Fieles a su identidad sonora, Cycle inyecta guitarras afiladas, sintetizadores analógicos y un toque de rock electrónico industrial que refresca la canción original, dotándola de una atmósfera bailable pero oscura que entusiasma al equipo del programa. Uno de los momentos cumbres del programa llega con la remezcla de Slow de Kylie Minogue, firmada en 2005 por Michael Mayer y Reinhard Voigt. Este hipnótico y sugerente tema surgió casi de manera accidental en el estudio mientras trabajaban en otra producción. La combinación de una línea de bajo minimalista con la voz sugerente de la diva del pop da como resultado un clásico del techno pop contemporáneo. La música en español vuelve a tomar el protagonismo con Amatria y su versión de La Copa de Europa, el solemne cierre del aclamado disco Una semana en el motor de un autobús de Los Planetas. Publicada en 2015, esta adaptación logra el milagro de transformar la densidad melancólica y el ruidismo original en una pieza de indie pop luminoso y bailable, demostrando cómo una remezcla puede cambiar por completo la carga de una letra tan existencialista. El programa también rescata del recuerdo la magistral aportación de Playgroup (Trevor Jackson) a la discografía de Depeche Mode con su remezcla de Behind the Wheel. Concebida originalmente para la prestigiosa serie de sesiones DJ-Kicks de la discográfica K7, la remezcla desnuda el tema original de elementos innecesarios para potenciar un groove oscuro y altamente bailable, muy característico del sello Output Records que Jackson dirigía. En el plano de las sorpresas absolutas, destaca la versión de La negra flor de Radio Futura, realizada en 2011 por el proyecto barcelonés DeLaFe y Las Flores Azules para un homenaje organizado por el mítico periodista Julio Ruiz en su programa Disco Grande. La remezcla se adentra en terrenos de un hip-hop industrial denso y pesado, una dirección totalmente inesperada para el estilo habitualmente vitalista de DeLaFe. Hacia el final de la sesión, el locutor pincha la gélida y marcial remezcla que el productor francés Gesaffelstein hizo de A Palé de Rosalía en 2020, sustituyendo el aire trap original por un opresivo techno industrial oscuro. Acto seguido, suena la versión de Tiga del clásico de INXS, Need You Tonight, y se cierra el programa con una auténtica rareza humorística: la remezcla que el propio Tiga realizó en 2004 para el tema Bonus Track de La Oreja de Van Gogh. El locutor bromea afirmando que esta bizarra reinterpretación electrónica de la banda donostiarra bien pudo haber sido el detonante para que Amaia Montero abandonase la formación.

Del funk de James Brown al metal de Pantera, descubrimos cómo este recurso de percusión en la guitarra sostiene el ritmo de la música moderna. En este episodio se realiza un repaso exhaustivo sobre las notas fantasmas, también conocidas en el argot musical como dead notes o notas muertas. Los presentadores introducen la temática a raíz de una mención en el programa de radio Autoreverse, iniciando una animada conversación técnica y melómana sobre este recurso, que resulta ser una de las columnas vertebrales de la rítmica en la guitarra moderna a lo largo de diversos géneros musicales. La definición técnica de la nota fantasma se describe como el acto de rasguear las cuerdas de la guitarra con la púa o los dedos mientras la mano izquierda se posa sobre el mástil sin llegar a pisar los trastes. Esto impide que la cuerda vibre libremente y produzca una nota afinada, generando en su lugar un sonido puramente percusivo. Los locutores ponen como ejemplo cotidiano y fácilmente reconocible el célebre inicio de Smells Like Teen Spirit de la banda Nirvana, donde el característico rasgueo previo al riff principal constituye el ejemplo perfecto de esta técnica. El recorrido musical avanza hacia el funk y el soul, terrenos donde este recurso brilla con luz propia. Se destaca la figura de James Brown y su clásico Sex Machine, donde el guitarrista Jimmy Nolen asienta las bases del llamado scratching guitar. Asimismo, se analiza el trabajo de Nile Rodgers con la banda Chic en el éxito Good Times, utilizando la técnica del chucking para rellenar huecos rítmicos, lo que demuestra cómo la precisión rítmica puede dotar de una personalidad arrolladora a una composición sencilla. Posteriormente, el programa aborda exponentes más contemporáneos y virtuosos como Cory Wong, guitarrista de la banda Vulfpeck, de quien elogian su capacidad para combinar las notas fantasmas con el palm mute, una técnica que apaga el sonido con el dorso de la mano derecha justo después de pulsar la cuerda. En el ámbito del soul, rescatan Take Me to the River de Al Green, señalando que el guitarrista Teenie Hodges introduce estas notas muertas para otorgar al tema un patrón rítmico muy característico, priorizando la percusión sobre la melodía tradicional. La conversación se traslada después a estilos con mayor distorsión, donde las notas fantasmas adquieren un matiz diferente pero igualmente efectivo. Se menciona a leyendas de la guitarra como Stevie Ray Vaughan en Pride and Joy y a Jimi Hendrix en Voodoo Child, este último valiéndose además del pedal de efectos wah-wah. Los locutores coinciden en que la maestría de estos músicos radica en su habilidad para intercalar solos de alta complejidad con rasgueos apagados de manera casi simultánea y natural, destacando también a John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers en el tema Can't Stop. En el terreno acústico, se pone como ejemplo el tema More Than Words de la banda Extreme, donde los golpes sobre las cuerdas imitan el golpe de una caja de batería. Por contraposición, en el metal extremo se analiza a Dimebag Darrell de Pantera en el demoledor 5 Minutes Alone, o a Joey Z de Life of Agony en el tema Weeds de su álbum Soul Searching Sun, donde las notas muertas se mezclan con la distorsión y los acoples de guitarra para crear texturas densas y agresivas. Para finalizar la sección, los tertulianos bromean de forma distendida sobre la posibilidad de que exista un superhéroe llamado "El Notas Fantasma", lo que desvía la conversación hacia referencias cinematográficas de finales de los noventa y principios de los dos mil, como la película de culto The Phantom protagonizada por Billy Zane y Catherine Zeta-Jones, o la parodia Scary Movie 2 con Tori Spelling. El bloque concluye con la promesa de realizar una futura sección dedicada a las notas fantasmas en la batería, entre risas y comentarios sobre la dinámica interna de su propio programa.

Un repaso por las cintas de culto de los ochenta que marcaron la época dorada de los videoclubs y los efectos especiales analógicos. En este apasionante repaso por el cine de terror de los años ochenta, los colaboradores rememoran aquellas noches de desvelo que daban pie a descubrir joyas ocultas del videoclub. El punto de partida de la conversación es la película de culto Intruso en la noche (conocida originalmente como Intruder, de 1989), dirigida por Scott Spiegel y estrechamente vinculada al universo de Sam Raimi y su productora. Se trata de un slasher modélico ambientado en un supermercado durante el turno nocturno, donde los empleados son brutalmente asesinados. Los tertulianos destacan la truculencia de sus muertes, especialmente aquella en la que se utiliza una sierra de cinta para partir una cabeza por la mitad, lo que evidencia el carácter artesanal y desacomplejado de los efectos especiales de la época. El viaje nostálgico continúa con La quema (The Burning, 1981), una de las producciones más emblemáticas del subgénero de asesinos en campamentos de verano, escrita originalmente por los hermanos Weinstein. Se resalta la enorme influencia que tuvo el maestro de los efectos especiales Tom Savini, quien acababa de regresar de la guerra de Vietnam con una visión muy realista y cruda de la violencia física, algo que plasmó directamente en la gran pantalla. La cinta destaca por el uso de unas tijeras de podar como arma principal, creando escenas memorables de gore explícito y sumamente creativo que definieron la estética del cine de terror comercial estadounidense durante toda la década. Posteriormente, el debate se detiene en una obra algo menos conocida pero sumamente interesante por su componente metaliterario: Lecturas diabólicas (I, Madman, 1989), del director canadiense Tibor Takács, responsable también de la mítica La puerta (The Gate). La trama gira en torno a Virginia, una joven que lee una novela de terror sobre un médico deforme que arranca partes del rostro de sus víctimas, solo para descubrir que el asesino ha cobrado vida en su propia realidad. Los tertulianos alaban la atmósfera de cine noir y de estilo pulp que envuelve a la película, conectándola con la moda literaria de las novelas de bolsillo de terror de aquellos años, un fenómeno fuertemente impulsado por autores de la talla de Stephen King. La brutalidad vuelve a ser protagonista con El asesino de Rosemary (The Prowler, 1981), una salvaje cinta de Joseph Zito donde Tom Savini volvió a superarse a sí mismo en el diseño de las muertes, catalogadas por el grupo como unas de las más brutales y de peor gusto de la época, un factor que paradójicamente le añade valor artístico. De ahí pasan a comentar la extravagante secuela Hello Mary Lou: Prom Night II (1987), que funciona de manera independiente a la película original de la saga. La historia de Mary Lou Maloney, que regresa de la tumba con poderes sobrenaturales al más puro estilo de Freddy Krueger para recuperar su corona de graduación, es recordada con cariño por su espectacular e icónico póster ilustrado, donde se muestra a una chica saliendo de una taquilla envuelta en llamas. Los muñecos vivientes también tienen su espacio gracias a Dolls (1987), una producción de Charles Band dirigida por el gran Stuart Gordon. Esta breve película de apenas setenta minutos destaca por su tono gótico de cuento de hadas macabro, donde los juguetes cobran vida para impartir justicia contra aquellos adultos de mal corazón. El grupo analiza el uso magistral de la animación stop-motion y los efectos de escala, comparándola de manera favorable con la posterior y más longeva franquicia Puppet Master. Asimismo, se menciona de pasada El morador de las tinieblas (Cellar Dweller), escrita por un joven Don Mancini bajo seudónimo, consolidando el prolífico ecosistema de producciones de serie B de finales de los ochenta. Por último, los tertulianos recuerdan con una mezcla de horror y fascinación la película Transgen: Los genes de la muerte (The Kindred, 1987), célebre tanto por su inquietante póster, en el que se aprecia una mano tocando un frasco que contiene un feto deforme, como por la presencia de un estelar Rod Steiger en el reparto. La obra sobresale por sus excelentes y asquerosas mutaciones y transformaciones físicas corporales, que incluyen desde tentáculos hasta la aparición espontánea de branquias en los personajes humanos. En conclusión, el programa sirve como un completísimo y apasionado homenaje a una época dorada de creatividad analógica, donde las carátulas de los videoclubs despertaban la imaginación de los espectadores mucho antes de reproducir la cinta.