Sofá Sonoro

Las canciones de este episodio:

Takeshi Terauchi - 真室川音頭（山形県民謠）

Oasaka Monaurail - Quicksand

The Golden Cups - Hiwa-Mata-Noboru

The Mops - 朝まで待てない

Yukadan - 嫌んなった

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Todos los episodios y canciones del programa

En la música no abundan las figuras que están de paso. La música, la fama, es siempre una meta y rara vez un medio, un lugar en el uno está de paso. Ese es el caso de Cat Stevens. El cantante tuvo una irrupción tremenda en la música siendo muy joven.  

Sus canciones tranquilas, evocadoras y poéticas conectaron con un enorme público a comienzos de los años setenta y sus discos vendieron millones de copias. Un día el joven estaba nadando en las playas de Malibú cuando tuvo un susto, uno que le cambió la vida. 

Tras ver la muerte de cerca, Stevens se alejó de la música, se convirtió al Islam y estuvo casi treinta años sin grabar un disco, pero a comienzos de los setenta la realidad era otra. En esa época tan fascinante de la música la irrupción del folk tranquilo y reflexivo de Stevens resultó una anomalía, una genial anomalía.  

Esta semana queremos recordar la historia de aquel joven y recorrer la historia, canciones y contexto que rodeó la edición de Teaser and the Firecat, un disco que marcó la cima del cantante y que recordamos junto a Fernando Neira y Lucía Taboada. 

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PROGRAMA DE ARCHIVO: que recorre el regreso de la cantante a los escenarios y al estudio de grabación en los años noventa tras la muerte de su marido y gracias a una llamada de  Michael Stipe, de REM.

Hace setenta años que se hicieron las primeras canciones de rock and roll y en estas décadas hemos visto y oído de todo, bandas originales, grupos diferentes y otros que fueron pioneros. En todo este tiempo no ha habido, y probablemente no habrá, nadie como The Cramps. 

La banda liderada por Lux Interior y Poison Ivy mostró el lado más perverso de la música creando un mundo propio que mezclaba el rock instrumental de los 50 con la actitud del punk, la estética sado, los cómics, el cine cutre de terror, la literatura pulp y la provocación.

Poco se puede decir de una banda que antes de grabar un disco había actuado en un centro psiquiátrico con sus miembros hasta arriba de LSD.

Maquillaje al margen, el debut de los Cramps es un disco excelso, fresco y divertido producido por Alex Chilton de los Big Star y con un sonido arrollador y mucho amor por el rock clásico.

La banda no llegaría muy lejos, pero marcó un camino propio y mostró una cara auténtica creada a base de mezclar esas cosas que fascinaban a una pareja que se conoció en un curso sobre chamanismo.

Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro uno de los discos más extraños del rock, el perverso debut de The Cramps, trabajo que recorremos junto a Sara Morales y Lucía Taboada.

*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*

Las canciones de este episodio:

Adriano Celentano - Prisencolinensinainciusol

Premiata Forneria Marconi -Generale

Collettivo Ginsberg - Sera

Surfoniani - Rocket to Mars

Modena City Ramblers - Welcome to Tirana

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Todos los episodios y canciones del programa

A mediados de los años 90 surgió una banda en España que no ha tenido réplica ni tampoco precedente, una banda especial y diferente. Salvaje, exitosa y femenina. Una banda comandada por dos hermanas de Madrid: Dover.   

Parece que han pasado dos vidas desde aquella irrupción de Dover con su segundo disco. España y la música en España han cambiado mucho. En algunas cosas para mejor, en otras para peor. La España de Dover era una España en la que los bares no tenían hora de cierre y en el que las salas no cobraban a los grupos por tocar. Pero también era un país más machista y con más techos de cristal. Las hermanas Llanos rompieron algunos. “Éramos dos mujeres y eso imprimía al grupo una serie de cosas, si fuésemos cuatro hombres hubiera habido más grupies. Nos teníamos que recordar que éramos estrellas”, contaban en una entrevista.  

Devil Came To Me fue un disco inesperado que tuvo un éxito tremendo. Con una fuerte influencia del grounge de Seattle, las banda madrileña protagonizó una revuelta inesperada y se comieron el país de dos mordiscos con canciones frescas, salvajes y divertidas. 

La historia del disco y de la banda resulta trepidante y llena de curiosidades. Esta semana sentamos el segundo trabajo de Dover en el Sofá Sonoro y los recorremos de la mano del periodista Carlos Cano y con los reportajes de Lucía Taboada. 

Hay canciones que lo cambian todo, la vida de sus autores, la de sus intérpretes y la de los oyentes. En 1964 un experimento musical dio como resultado The Girl From Ipanema, una canción eterna que frenó la conquista mundial de los Beatles y que elevó la bossa nova a una nueva categoría.

Firmado por Stan Getz y Joao Gilberto, el disco cuenta también con Tom Jobim al piano, y autor también de las canciones, y presenta al mundo a Astrud Gilberto, la joven mujer de Joao. Astrud llegó de casualidad al proyecto y el éxito de los dos temas que cantó la convirtió en una estrella.

Esta semana invitamos al Sofá Sonoro a Arturo Lezcano para adentrarnos en la historia de este disco y de sus personajes para entender cómo se gestó este histórico disco y que supuso para sus intérpretes, que volvieron a coincidir en nuevos proyectos en los siguientes años.

En la fotografía a blanco y negro del disco se ve a un hombre en mangas de camisa y con corbata fina. Está sentado frente a un micrófono en una habitación que parece un sótano. En la pared hay un reloj inmenso y una carpeta con pinza. En la mesa, junto al micrófono, se ve un cenicero medio vacío, a su lado unas cerillas y un paquete. Mas allá hay un tocadiscos. La imagen es misteriosa, inquietante, hermosa. Arriba, con letra firme en color azul se le un nombre y un título. Donald Fagen. The Nightfly.

Tras media vida junto a Steely Dan, Donald Fagen grabó un disco en solitario. Un disco extraño, seductor. Nocturno y algo oscuro. En aquellas canciones, Fagen miraba con nostalgia a su infancia, a esos años 50 atenazados por el desastre nuclear y la Guerra Fría. Pero ese poso y esa mirada se van desarrollando a lo largo del disco en unas letras complejas que Fagen tardó ocho meses en terminar.

Aquel álbum poderoso fue disco de oro a comienzos de los años ochenta, en plena era de las estrellas del pop. Aquel logro resultó totalmente inesperado. Fagen no lo buscaba ni lo anhelaba. Él, que se había calificado de esnob del jazz, había triunfado conjugando pop y jazz con enorme maestría en una grabación compleja. Fagen tardó casi un año en dar por concluido el disco y después entró en una profunda crisis personal.

Donald Fagen no volvió a grabar un disco en 12 años. Su historia, como su música, resulta hipnótica. Hoy queremos recordar este The Nightfly, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Fernando Neira y con los reportajes de Lucía Taboada.

Las canciones de este episodio:

BCUC - Yinde

Big Bad Voodoo Daddy - Mr. Pinstripe Suit

Asagaya - In The Mountain of Bliss

The Attomic Fireballs - Man With The Hex

Los Mambo Jambo - La Rubia de la Curva

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Todos los episodios y canciones del programa

Con Camino Soria, el primer disco de Gabinete Caligari en EMI, el grupo madrileño asaltó la banca y se convirtió en una de las grandes bandas de los años ochenta con unas canciones originales, frescas y que reclamaban las raíces españolas frente a las influencias anglosajonas y el modernismo de cierta ola de la Movida Madrileña. 

Hay discos que captan un momento clave de una banda, una época de enorme inspiración donde todas las piezas encajan fácilmente, de una manera sencilla. Como por arte de magia. Tras un lustro intenso ese momento llegó para Gabinete Caligari con su disco de 1987. Treinta y tantos años después la obra culmen de Gabinete sigue teniendo fuerza y sonando de cine. 

Camino Soria es en realidad un disco de ruptura, de desamor, una oda a los perdedores, a los que lo intentan y nunca lo consiguen. Sobre esas bases fueron tomando forma las canciones de un disco que también tiene espacio para los amigos caídos y para los poetas rotos. Las muertes de Uli, saxofonista de la banda, y de Eduardo Haro Ibars, que murió antes de que se editase el disco, dejaron su huella en este disco. 

Cuando el álbum llegó a las calles, la carrera de Gabinete cambió de la noche a la mañana. Tras una década de duro trabajo en el underground musical, el grupo se abrió paso en las grandes ligas y comenzaron a actuar en las grandes plazas con un gira eterna y presencia constante en las radios. 

Esta semana recordamos la historia de estas canciones y el contexto de este álbum de la mano de la periodista Arancha Moreno y con los reportajes de Lucía Taboada. 

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Hay pocos artistas que hayan tenido la habilidad, la capacidad y el talento para cambiar el rumbo de la música. Entre 1959 y 1960 Miles Davis, Bill Evans y John Coltrane y lo hicieron dos veces. Juntos con Kind of Blue y por separado. Coltrane con Giant Steps y Evans con sus Portrait in Jazz.  

Ocho meses del monumental Kind Of Blue, Bill Evans volvió a un estudio de grabación junto a al bajista Scott LaFaro y él batería Paul Motian e hicieron un disco mágico en el que cabe todo y que retrata todo.  

¡El pianista reinventó el sonido del trío en el jazz poniendo todos los instrumentos en primer plano y con un peso equitativo, un experimento sonoro que nació sin ensayos y que se basa en el enorme talento de los músicos y en su capacidad de conectar, responder y conectarse al sonido que iban creando. Por desgracia el trío de Evans no duró mucho, poco después de empezar a rodar, en julio de 1961, Scott LaFaro murió prematuramente. A pesar de ello el legado sonoro de estos tres músicos es enorme y figura entre lo más destacado de la apabullante discografía de Bill Evans, protagonista del episodio de esta semana al que invitamos al periodista Fernando Navarro. 

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Las canciones de este episodio:

Zé Ramalho - Negro Amor

David Bowie - Amsterdam

Rosalía - I See a Darkness

Nina Simone - Ne Me Quitte Pas

Mayssa Karaa - White Rabbit

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Todos los episodios y canciones del programa

El año 2017 fue un año aciago para la música. Ese año nos dejaron figuras mayúsculas como Chuck Berry, Gregg Allman, Chester Bennington, Glen Campbell, Tom Petty, Fats Domino o Malcolm Young. Ninguno congregó a tanta gente en su adiós final como Johnny Hallyday. Casi un millón de personas acompañaron su cuerpo sin vida por los Campos Elíseos de París para despedir a un ícono francés. Una leyenda que moría a los 74 años y que vivió cada uno de ellos como si fuese el último ya fuese pisando el acelerador de su deportivo como esnifando hasta la última raya.

Hallyday representó mejor que nadie ese ideal del rock de vivir de deprisa y morir joven, pero vivió demasiado para esa máxima y su carrera y su figura se instalaron en una montaña rusa que tanto le subía al cielo de lo música como lo convertía en un paria, en algo obsoleto pasado de moda. Pero Johnny siempre volvía, se reinventaba y cuando no sabía qué hacer copiaba alguna nueva moda. Muchas de esas jugadas le salieron bien y su legado fue enorme.

Johnny coleccionó excesos, deportivos, mujeres, amantes, depresiones, pero sobre todo fue un hombre de escenarios. Nadie giró más que él o al menos nadie giró como lo hizo él. "En el escenario me evado. Estoy en mi propio mundo, puedo hacer de todo. Ya no soy yo mismo. No estoy allí. Olvido quien soy e intento interpretarme. Me da la confianza que no tengo como persona cuando no trabajo. Olvido quién soy en la vida real”, contaba Johnny en el documental de Netflix.

La carrera de Johnny Hallyday no tiene comparativa, Johhny lo hizo casi todo y fue único intentando ser otros. El adolescente que empezó copiando a Elvis y luego a las bandas inglesas, acabó siendo algo inimitable. Con una voz potente, unos profundos ojos azules y su melena rubia, Hallyday se comió Francia y también el mundo. Se puede decir que no inventó nada o que no fue el mejor en nada y sin embargo esto no quizá un ápice de mérito a su carrera. Hoy queremos recordar parte de su viaje y hemos puesto el ojo en Rivière Ouvre Ton lit su disco de 1969, un trabajo que se mueve entre el blues rock y la psicodelia de la época y que fue uno de sus trabajos más ambiciosos. Para recordar la obra de Johnny y sus canciones nos acompañan el músico Igor Paskual y Lucía Taboada con sus reportajes.

Rickie Lee Jones es una artista que ha hecho de todo. Desde sus días de camarera en el Troubadour de Los Ángeles, hasta su merecido estatus de maestra de la canción. Su carrera y su vida han transitado mil caminos y por ese viaje ha retratado personajes de todo tipo.  

Jones es una mujer difícil de calificar. En su música hay riesgos y aventuras. A lo largo de los años ha hecho discos de pop, de folk, de jazz e incluso de electrónica y a veces lo ha mezclado todo. Su discurso, además, resulta interesante. Hoy queremos sentar en el Sofá Sonoro un disco que es apabullante y también una locura. Con The Sermon On Exposition Boulevard, la cantante y compositora creó un álbum diferente que registró en una exposición y adaptando a canciones los textos del libro The Words, de Lee Cantelon, un proyecto que buscaba adaptar las palabras de Jesucristo para audiencias modernas. 

Partiendo de esta premisa, Jones se sumerge en un mundo fascinante que retrata ideas y sentimientos que se distancias de sus trabajos habituales. Con este disco, Jones dio un paso más en una dirección desconocida y puso a la crítica a sus pies rendida a la carrera de una mujer todoterreno que en este trabajo subió la apuesta. Para recordar estas canciones y esta historia nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada. 

Hay pocos músicos que hayan dejado una huella tan profunda, siendo tan distantes, como Morrissey, un artista capaz de arañar el alma con sus canciones. Tras una breve etapa con The Smiths, en la que marcó el rumbo de la música inglesa de sus años, Morrissey emprendió un viaje en solitario, un viaje marcado por sus siempre polémicas declaraciones y sus casi siempre tremendas canciones. Hoy vamos a aparcar al misántropo para recordar al músico sensible que hace veinte años editó Are You The Quarry, uno de los discos más recordados de aquel año.  

En 2004 Morrissey regresó a las tiendas tras siete años de silencio discográfico. A sus 45 años, Morrissey era ya un hombre maduro con una carrera fascinante que se remontaba tiempo atrás y que parecía que ya no tenía que demostrar, sin embargo el cantante y compositor entregó un álbum intenso, hermoso y poderoso que era de lo mejor de su carrera, aquel disco llegó a una Inglaterra muy diferente de la de sus inicios.

Sara Morales nos acompaña por la historia, contexto y canciones del regreso de Morrissey.

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Todos los episodios y canciones del programa

Las canciones de este episodio:

Malcolm Holcombe - Pitiful Blues

Motorama - To the South

Lukas Nelson - Carolina

Anna Ash - Righteously

Matthew E. White - One of These Days

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Todos los episodios y canciones del programa

Astral Weeks, el segundo disco de Van Morrison es una de grandes obras maestras de la música. Una religión para músicos como Bruce Springsteen. Un disco marcado por la mafia, la presión extrema y la seguridad de un chico de Belfast de 22 años que estaba convencido en las canciones que quería hacer, aunque nadie las quisiera escuchar. 

Cuando Van Morrison llegó al número 1 cantando Brown Eye Girl parecía que el viento soplaba a su favor, todo lo que pasó en los siguientes meses fueron golpes y más golpes. Muertes, demandas, negociaciones con matones, intentos de deportación, una boda fugaz y una huida a Boston para un nuevo comienzo. Tras esquivar mil obstáculos, Morrison terminó un disco que no gustó a nadie pero que es parte del maravilloso legado musical de los años sesenta. 

La historia de Astral Weeks lo tiene todo y fue el primer trabajo del músico de Belfast para Warner, un sello que quería fichar a la nueva estrella del pop y que se llevó a casa un viejoven huraño y estraño que hacía canciones próximas al jazz y que nadie entendía. 

Pero todos estos riesgos, miedos y obstáculos quedaron en nada con el paso del tiempo, cuando el disco de Morrison fue ganando peso y erigiéndose como un álbum mayúsculo, hermoso y poderoso, como una obra maestra de la música popular de los años sesenta.  Esta semana invitamos al periodista Fernando Neira a recorrer esta joya de la música.  

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Las canciones de este episodio:

Richard Hawley - Tonight the Streets are Ours

Jarvis Cocker - Aline

Jacques Dutronc - Et Moi Et Moi Et Moi

Pretenders - I Hate Myselft

Blackberry Smoke - Little Bit Crazy

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Todos los episodios y canciones del programa

 El 9 de octubre de 1973 murió Sister Rosetta Tharpe. Apenas nadie acudió a su funeral y nadie puso dinero para una lápida en condiciones. Rosetta llevaba una década malviviendo en un piso barato con una pierna amputada y sin apenas visitas. Así fue el final de una de las mujeres más importantes de la historia de la música.  

Cuando el mundo se volvió loco con el rock and roll a finales de los años cincuenta, Sister Rosetta llevaba 20 años tocando una Gibson E150 y haciendo una música que partiendo del góspel, el jazz y el blues había llevado en una dirección que bien se podría identificar como rock and roll. Aquella mujer que sonaba en las radios de las casas de los chicos negros y blancos fue la maestra de la siguiente generación.  

Medir hoy en día el legado de Rosetta es complicado, quizá la forma más adecuada es seguir el rastro de sus seguidores más apasionados. El Elvis adolescente la adoraba, Buddy Holly la era su fan número uno. Little Richard dio su primer concierto nocturno junto a ella y Chuck Berry se llegó a calificar como el mejor imitador de Sister Rosetta. Cuando Johnny Cash ingresó en el salón de la fama del rock en su discurso recordó a la gran maestra de los pioneros con un gran tributo. 

Medio siglo después de su muerte esta semana queremos recordar a esta pionera en el Sofá Sonoro y lo hacemos recordando su vida y sus canciones de la mano de Mario Tornero y Lucía Taboada. 

Las canciones de este episodio:

No Repl- Jesucristo García

Miki Hirayama Denshi Lenzi

Mei Semone- Inaka

Ezra Furman - Forever in Sunset

Sarah Shook - Motherfucker

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Todos los episodios y canciones del programa

En la música abundan los hermanos. Los hermanos cabrones. Los que se odian, insultan y compiten. Los lazos de sangre que han impulsado el rock. Los Davies, los Gallagher, los Knopfler o los Allman. Luego están ellos, los Young, los exiliados escoceses que crecieron marginados en Australia y que se conjuraron para vivir siempre por y para el rock and roll. George, Malcolm y Angus crearon ACDC y convirtieron esa banda en la más grande del rock y siguieron juntos, hermanados. Hasta que, como los buenos matrimonios, la muerte los fue separando.

ACDC irrumpió en la música con la idea de ir a por todas, de no dejarse nada dentro. En 21 meses grabaron sus cuatro primeros discos y luego llegaron a Europa y más tarde a EEUU para comerse el mundo. Cuando mejor estaban, cuando tras mucho trabajo, las cosas se ponían de cara, murió su cantante. “Al principio no sabíamos qué hacer, no queríamos a nadie que lo imitase, cuando Brian apareció nos voló la cabeza”, contaba Angus en una entrevista de la época.   

La muerte de Bon Scott llegó con la banda irrumpiendo en EEUU, país que conquistaron a base de giras y más giras. "En un año hicimos más que los Rolling Stone en toda su carrera", bromeaba el grupo. A pesar del duro golpe, ACDC se levantó rápido. Unos meses después de la muerte de Scott volvían al estudio junto a su nuevo cantante para grabar Back in Black, su tributo al amigo caído.

Con aquel disco los hermanos Young tocaron el cielo, vendieron millones de copias impulsados en parte por el morbo y en parte porque habían firmado una colección de canciones que se ganarían la eternidad y que pasarían a ser recitadas de memoria. 

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esa historia y esas canciones de la mano de Toni Castarnado y Lucía Taboada.

Las canciones de este episodio:

Charles Bradley - Changes

Bobby Womack - Somebody Special

Fantastic Negrito - Black Hole Sun

Angel Olsen - Big Time

Mon Laferte - Tu falta de querer

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Todos los episodios y canciones del programa

El año 2004 nos dejó una tremenda colección de discos que en los próximos meses cumplirán su vigésimo aniversario: Arcade Fire, The Killers, Wilco, Interpol, Tom Waits o Nick Cave.

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Lucía Taboada recorre los inicios del músico gallego hasta el final de Deluxe.

Escucha el episodio dedicado a Atlántico de Xoel López

Esta semana no hay programa con motivo de los Goya así que recuperamos este Sofá Sonoro que dedicamos al 'Básico' de Antonio Vega junto a Arancha Moreno y Lucía Taboada.

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Las canciones de este episodio:

Ghostwoman - The End of a Gun

Brittany Howard - Stay High

Theo Lawrence - Californi Poppy

Bella Gate - Hindsight

Jackson C. Frank - My Name is Carnival

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Todos los episodios y canciones del programa

Hay discos que son hijos de su tiempo y otros que se enmarcan en una tierra desconocida que nadie ha pisado antes y que pocos lo harán después. Juju, el cuarto trabajo de  Siouxsie And The Banshees encaja con esa etiqueta. Un disco poderoso, sugerente y divertido que ha sido reclamado por Radiohead o Suede como un referente, como una poderosa inspiración.

Susan Ballion proviene de un barrio residencial, llega a Londres siendo una cría y de la nada acaba subida a un escenario compartiendo festival con Sex Pistols y Clash en los orígenes del punk. Aquella chica no sabía cantar y nunca se había subido a un escenario. Esa fuerza, ese no tener miedo a nada, ese carácter la definen como personaje, como una artista capaz de todo que derribó muchas barreras y que lideró su propia banda y su propio proyecto desafiando a todo.

En Juju la banda alcanzó su cima creativa de la mano del guitarrista John McGeoch, que estuvo poco tiempo en el grupo, pero que tuvo una enorme influencia a la hora de perfilar un sonido propio, novedoso y a la par sugerente. Por todo ello esta semana sentamos en el Sofá Sonoro a la periodista Sara Morales para recorrer esta joya ochentera.

Lucía Taboada nos recuerda cosas que pasaron en el mundo hace 20 años

Muddy Waters hizo en los años sesenta toda una declaración de intenciones cuando cantó aquello de "el Blues tuvo un hijo y lo llamaron rock and roll". Sin embargo, a finales de aquella década, el blues volvió a rugir gracias a una nueva generación de músicos blancos que reclamaron el legado de sus mayores. Entre los Doors, Janis Joplin, John Mayall o Johnny Winter se coló una formación de chavales salvajes marcada por su amor a la raíces y la mala suerte que les persiguió: Canned Heat.

No es descabellado afirmar que todos los músicos fueron, antes que estrellas, enamorados de la música. El caso de Canned Heat va más allá. El grupo nació directamente de una comunidad de coleccionistas del discos de blues que decidió probar suerte y comenzar a hacer sus propias interpretaciones de las canciones que les volvían locos, pero las cosas, como suele decirse, se les fue de las mano y acabaron tocando en Monterey, Woodstock, Newport y conquistando Europa.

Esa cultura de coleccionistas, de tipos forofos con un gran conocimiento del género se plasma es su primer disco, trabajo que graban de la mano de Johnny Otis pero que no vería la luz hasta unos años después de tal modo que su debut oficial es el homónimo de julio de 1967 y con ese disco se presentan en el festival de Monterey con una actuación notable que les valió para ser portada de la prestigiosa revista Downbeat, eso es estar en el sitio adecuado en el momento perfecto.

Un punto clave del grupo fue 1968 cuando entre una conquista y la siguiente grabaron Boogie with Canned Heat, un disco con temas propios que fue un paso en una nueva dirección. Un trabajo que los convirtió en una banda con otro poso, un grupo capaz de partir de viejas composiciones perdidas para crear sus propias canciones y su propio sonido.

Por todo esto la historia de Canned Heat resulta fascinante y apuntaba alto, pero el grupo estuvo marcado por la muerte y la mala suerte que los condenó cuando el mundo empezaba a rendirse a su música. Esta semana rendimos tributo al grupo recordando sus canciones y su comienzo musical de la mano de Manuel Recio y Lucia Taboada.

Las canciones de este episodio:

Bill Fay - Filled With Wonder Once Again

Jim James - Wild Honey

Shulman Smith - Way Out West

Andwella - I Got a Woman

Sierra Ferrell - Dollar Bill Bar

Todos los episodios y canciones del programa

En aquella revolución cultural de los años ochenta en España florecieron decenas de bandas de todos los estilos, géneros y orígenes. Muchas de aquellas formaciones estaban allí porque se podía, porque todo valía, porque ese aire de libertad que flotaba en el ambiente invitaba a ello. En ese contexto nació El Último de la Fila, un grupo diferente a los demás en cuanto a su propuesta, su sonido y sus letras.

Tras un llamativo debut el grupo editó Enemigos de lo ajeno, un álbum que fue un salto en su carrera y que llegó en un 1986 que fue un punto de inflexión para Manolo y Quimi. En comparación con otras banda que irrumpieron en los ochenta, ellos ya estaban en la treintena, habían pasado (y fracasado) por otras bandas y veían que el sueño de una vida musical se alejaba. Pero esta ocasión, esta banda, iba a ser la buena y la definitiva y todo explotó con Insurrección y con Enemigos de lo ajeno, un disco que es parte de la historia del pop en España.

Tras años curtiéndose en la música todo explotó con este disco que capta el talento de Manolo para escribir letras afiladas, honestas y cruda que conectaron con miles de jóvenes y el ingenio musical que Quimi, capaz de coger por primera vez una guitarra de doce cuerdas e improvisar la música de Insurrección.

Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro el segundo disco de El Último de la Fila y para recorrerlo nos acompañan Arancha Moreno y Lucía Taboada.

Las canciones de este episodio:

Marie Queenie Lyons - See and Dont See

The Doors - Paris Blues

La Perra Blanco - Treat Me (Like a Man Shoud Do)

Caroline Polachek - Sunset

Gabriels - Blame

Todos los episodios y canciones del programa

Con 22 años los chicos de Green Day tenían tantas cosas a sus espaldas que ya estaban cansados de su escena, de su sonido e incluso de la propia vida. En 1993 el grupo se propuso de un giro y un salto al vacío... y ese salto acabó en una conquista mundial unos meses después, ya en 1994, cuando Dookie salió a las calles.

Tras el éxito de Dookie, Green Day se convirtió en la gran esperanza de la industria musical tras la muerte prematura de Kurt Cobain que en abril de aquel 19994 se pegó un tiro dejando un panorama extraño en el grounge, esa música que había trasformado la escena musical de comienzos de la década. Green Day no tuvo problemas en asumir su rol y dar un paso al frente con actitud y tomando riesgos.

Esta semana celebrados elaniversario de esta joya noventera de la mano del periodista David Moreu y con los reportajes de Lucía Taboada.

Todos los episodios de Sofá Sonoro dedicados a discos de los 90.

Recuperamos la entrevista que le hicieron a Alfonso Cardenal en La Ventana el pasado mes de diciembre por la edición de Vidas Perras (Ed.Silex), el libro de cuentos musicales alrededor de personajes de vidas duras que encontraron cierta redención en las canciones.

Estrenamos el 2024 a lo grande en el Sofá Sonoro y como es un día especial queremos hacer algo especial y pasar esta hora de radio a lo grande, con buena música y con las mejores cantantes de todos los tiempos, al menos para nosotros. Quería meter 24, una por cada año de este siglo, pero no serán tantas. Este episodio lo hemos bautizado como las Reinas de la Música y ahí cabe de todo, hay soul,  jazz, también blues, algo del rock, pero sobre todo mucha magia en este homenaje a las grandes mujeres y a las grandes voces de la historia.  

PLAYLIST | Los mejores programas dedicados a nuestras cantantes preferidas.

En 1994 sucedió de todo y todo a la vez: el grounge coincidió con el britpop, la explosión del hip hop, el nacimiento del indie en España o el debut de las bandas de triphop de Bristol. Pocas veces tantas corrientes musicales diferentes han coincidido en un periodo de tiempo tan pequeño.

Durante un tiempo parecía que cada país tenía su propio género. Mientras que en Estados Unidos sonaban Offspring, Green Day o Soundgarden y Pearl Jam, en Reino Unido irrumpían Blur, Oasis, Suede o Portishead y Massive Atack, mientras en España triunfaba el canto gregoriano y daban sus primeros pasos Extremoduro o Los Planetas.

Todo esto aderezado con el regreso de los Rolling Stones y discos fabulosos de Eric Clapton o Van Morrison, a lo que hay que sumar el renacimiento musical de Johnny Cash de la mano de Rick Rubin.

Hace 30 años se publicaron discos que son parte de la historia de la música y de la banda sonora de varias generaciones. La lista es eterna. Jeff Buckley editó Grace y se convirtió en una estrella, Weezer irrumpió con el delicioso disco azul. Alice in Chains llegó a lo más alto del Billboard con un EP, algo que nunca había sucedido anteriormente. En aquel año hubo álbumes eternos de Nine Inch Nails, Korn, Rancid, Massive Attack, Hole o Stone Temple Pilots.

TODOS LOS EPISODIOS DEDICADOS A DISCOS DE LOS NOVENTA

Esta semana vamos a hacer un Sofá Sonoro diferente, un programa para hablar de egos, de finales y de separaciones. En este episodio lo que vamos a escuchar son esos discos que las estrellas grabaron cuando estaban hartas de sus bandas, cuando se habían quedado solas o cuando estaban aburridas. Hay mil casos diferentes, pero todos tienen algo en común: la firma en la portada del disco ya no es la de un grupo.

En este episodio rendimos tributo a los Rolling Stones porque grabar un disco 60 años después del debut de tu banda es algo único y también mágico y hermoso. Sin embargo, los Stones, en concreto Jagger y Richards, llevan décadas enfrentados y en parte por el intento de Mick de hacer carrera en solitario, algo que Keith nunca vio bien. Ese caso se ha ido replicando a lo largo de la historia una y mil veces y ha sido el motivo de separación de decenas de grupos.

Con esta excusa vamos a ver los proyectos en solitario de músicos de los Beatles, Blur, Oasis, Roxy Music, Wilco o Dire Strait. Pero también de Destiny's Child, The Cranberries, Police o The Band. Cada caso es diferente, pero también tiene cosas en común y nos sirve para escuchar esos discos y conocer esas historias. Historias de egos, a veces de traición, pero también hay casos de aburrimiento o de soledad. Un programa diferente para disfrutar de la mejor música.

The Super Super Blues Band fue el proyecto de Chess Records que juntó a Muddy Waters con Howlin' Wolf y Bo Diddley

En Chess Record había grandes músicos y grandes egos. El sello de Chicago había marcado tendencia en los años 40 electrificando el blues rural del sur de los Estados Unidos de la mano de los grandes intérpretes del género.

Veinte años después de los días de oro de Chess el panorama era otro. El esplendor del blues, si algún día fue tal, había pasado y los grandes maestros sobrevivían como podían. Sin embargo, al final de los años sesenta estalló el revival del blues rock de la mano de músicos y bandas como Jimi Hendrix, The Doors o Janis Joplin. A esa ola se intentaron subir las viejas estrellas de Chess que en los siguientes años grabarían discos acompañados por sus alumnos más aventajados. Antes de eso, Chess probó otro invento. Copiando el modelo de Fania Records, el sello de Chicago intentó juntar a todas sus estrellas en un mismo disco. Pero hubo un problema: todos eso músicos se llevaban mal y competían entre ellos.

En 1967 llegó el primer intento y en 1968 subieron la apuesta juntando a Howlin' Wolf con Muddy Waters y Bo Diddley. Mucho gallo en un gallinero que rellenaron con jóvenes y futuras estrellas como Otis Spann o Buddy Guy. El experimento no tuvo el éxito esperado. Quizá por el título del disco -The Super Super Blues Band-, puede que por su fea portada o incluso porque la suma de talentos no siempre ofrezca un mejor resultado.

A pesar de ello el álbum de estos gigantes es una obra poderosa. Producido por el eterno Willie Dixon, autor también de varios de los éxitos de los protagonistas, el disco es el testimonio de una reunión histórica de enemigos íntimos y leyendas del género que bien merece una escucha. Para recorrer esta joya del blues hemos invitado al periodista Ricardo de Querol y a Lucía Taboada.

Muchos de los grandes artistas han acabado plasmando en sus obras una parte de su propia historia que no han podido o sabido sacar de otra forma. En la música hay muchos ejemplos. Sinéad O'Connor es uno de ellos. “Cuando era pequeña no había terapias así que me metí en la música. Únicamente quería gritar”, contaba la cantante.

Para muchos Sinéad O'Connor es la chica de la cabeza rapada que lloraba cantando Nothing Compares 2U, para otros la joven que rompió una foto del Papa en televisión protestando por los abusos en la Iglesia. Pero O'Connor fue muchas cosas e hizo muchas cosas. La mayoría, cuando conoces el contexto, tienen explicación.

Sinéad fue víctima de abusos, luego una niña problemática y finalmente una madre desequilibrada. También una artista especial y tremendamente valiente. En este episodio queremos recordar su figura como la de una artista enorme que se atrevió con todo porque creemos que hay que recordar su legado, una historia que comenzó en 1987 cuando la cantante editó The Lion and The Cobra y que alcanzó su cima con I Do Not Want What I Haven't Got, cuando se convirtió en una de las grandes estrellas de la época.

Pero el reinado de la irlandesa fue breve porque se enfrentó a todo y luchó por todo. “La sociedad no espera que las mujeres digamos cosas”, apuntó en una entrevista al ser cuestionada sobre sus polémicas. El caso es que O´Connor criticó al Papa por los abusos sexuales que miles de irlandeses habían recibido, se negó a actuar en EEUU si antes de que saliese al escenario ponían su himno nacional, protestó por la invasión a Irak o el racismo en los Grammy, también cantó contra las políticas de Thatcher.

O´Connor siempre dijo lo que pensaba y lo que creía justo. Y el mundo no estaba preparado para ella. Todo por lo que luchó, como el derecho al aborto, y lo que criticó, como los abusos, fueron luchas justas y el tiempo ha acabado dando la razón a la irlandesa, pero su voz sonó demasiado alto demasiado pronto. En el año de su muerte queremos recordar su música en este Sofá Sonoro que compartimos con Mario Tornero.

En la vida se habla y se valora mucho aquello de estar en el sitio oportuno en el momento correcto como una de las claves del éxito, porque a veces es mejor tener algo de suerte que exceso de talento. Big Star tuvo más de lo segundo que de lo primero y nunca encontró su momento.  

Big Star fue una de las grandes bandas de los setenta, pero no hacían la música que se demandaba y cuando hicieron buenas canciones, que fue la mayoría de las veces, estas rara vez llegaban al público.  

En pleno boom de rock duro, del progresivo y de la música negra, los chicos de Memphis hacían un pop delicado y elegante que conecta más con el Wilco del siglo XXI que con los grupos de los setenta y los cantautores malditos. Su historia es fascinante y su música preciosa, pero todo comenzó con Number 1 Record, su disco de aquel fascinante 1972 que nos presentó a la banda de Memphis. 

Esta semana David Moreu se sienta en el Sofá Sonoro para recordar la historia, las canciones y la mala suerte que persiguió a Big Star. 

Recuperamos este programa de archivo con villancicos fascinantes a cargo de Otis Redding, U2, Stevie Nicks, Solomon Burke, James Brown o The Black Crowes.

Se nos escapa el año, un año intenso, convulso. Un año con guerras, con desastres, con muertes de gente que admiramos y que queremos, pero un año con otra cara en el que también nos han pasado cosas buenas. Cosas que nos han alegrado como individuos. Y todos esos eventos, esos sucesos, han tenido banda sonora. Hoy recopilamos nuestros temas favoritos, los que más compañía nos han hecho.

Playlist de Spotify con las canciones del programa.

Playlist del Sofá Sonoro | Descubre nuestra selección semanal.

Esta semana recuperamos de nuestro archivo el programa que dedicamos a My Aim is True, el debut de Elvis Costello.

Bill Whiters es uno de los tipos más singulares de la música. Tras servir una década en la armada el bueno de Bill acabó haciendo canciones, vendiendo millones de copias de sus discos y siendo todo un referente con una voz de oro durante otra década hasta que de nuevo Bill se cansó y lo dejó todo para no mirar atrás y empezar una nueva vida ajena a la música en los años 80.

La irrupción de Whiters fue a lo grande. Una de las primeras cosas que hizo en la música Bill fue escribir y cantar Ain't No Sunshine, un tema que lo convirtió en una estrella. “Nunca había escrito una canción, no sabía tocar nada y nunca había cantado fuera de la ducha, pero pensé que sería bonito entrar en la industria musical así que me arriesgué, puse hasta el último céntimo y grabé un disco yo solo con mi propio dinero. Me llevó dos años conseguir un contrato mientras trabajaba en la aviación. Mucha gente me decía que era muy mayor para comenzar una carrera. Tenía 32 años. Eso lo hizo más interesante", apuntaba. Aquella canción fue parte Just As I Am, el disco con el que se presentó al mundo en 1971, un año con una cosecha mítica de discos eternos entre la que brilla la obra magna de Withers.

Durante los siguientes años, Bill vivió por y para la música, pero sin ser nunca parte de la industria. Hasta que un día, después de vender millones decidió que ya había tenido bastante y cerró esa puerta de su vida para no volver a abrirla. Medio siglo después de su obra maestra toca volver a la música y al talento de Bill Withers porque no queremos que caiga en el olvido una de las mejores voces del soul. Para este viaje nos acompañan Sheila Blanco y Lucía Taboada.

Esta semana Sheila Blanco nos propone sentar en el Sofá Sonoro 'Just As I Am' de Bill Withers, autor del eterno 'Aint No Sunshine', que es parte de uno de los grandes discos de la historia del soul.

Las canciones de este episodio:

Maika Makovski - Bunch of littler bundens

The Pogues - Fairytale of New York

Glen Hansard  - Why Woman

Olivia Vedder - My Fathers Daughter

The Nuda Party - Sold out of love

Todos los episodios y canciones del programa

Esta semana dedicamos el programa a recordar 'Achtung Baby', uno de los discos más fascinantes de los años 90 y álbum que transformó la carrera de la banda irlandesa.

En 1991 solamente habían pasado 11 años desde el debut de U2, pero el mundo era un lugar muy diferente y esa década había pasado factura a la banda que llegó exhausta a ese momento clave que había tumbado a muchas de las bandas que habían inspirado a los irlandeses o que habían empezado a la par que ellos. En ese contexto la banda se reinventó y facturó uno de los mejores discos de su carrera. Hoy dedicamos el sofá sonoro a Achtung Baby.

En aquel curso enorme en el que se editaron álbumes eternos como Nevermind, el disco negro de Metálica, el debut de Pearl Jam o el Use Your Illusion de Guns and Roses, U2 demostró que tenía capacidad de reinventarse y encabronada por las malas de críticas de su anterior trabajo facturó un disco valiente que cambiaba el paso de su sonido. Para esta grabación la banda acudió al productor Brian Eno cuyo cometido era eliminar del disco cualquier cosa que sonase a U2 y el grupo definió el álbum como el sonido de cuatro tipos talando el Joshua Tree, el referencia a su disco más exitoso hasta ese momento.

Hace poco Bono reconoció algo en una charla con David Letterman que refleja muy bien la esencia de U2 y cómo ha operado la banda en momentos de duda o de estancamiento como el que vivían. “Raramente estoy en mi zona de confort y creo que ha sido duro para el grupo porque yo tampoco les dejo estar en la suya”, explicó el cantante.

Esta semana invitamos a la periodista Sara Morales para recorrer este momento clave en la carrera de la banda irlandesa.

Las canciones de este episodio:

Jesper Lindell - Moving Slow

First Aid Kid - My Silver Lining

The Talles Man On Earth - The Gardener

Daniel Norgren - Rolling Rolling Rolling

Kings of Convenience - Fever

Todos los episodios y canciones del programa

Poco antes de morir Justin Townes Earle, uno de los grandes compositores de su generación, contó en una entrevista que si no levantabas la vista de tu móvil y mirabas el mundo tus canciones no serían otra cosa que entradas de tu puto diario y nadie querría leer tu diario. Y era verdad, salvo que fueses Taylor Swift.

Tuvo que venir una pandemia mundial que nos encerró a todos en casa para que Taylor Swift, que había hecho carrera abriéndose en canal y retratando su vida, amores y errores, decidiese quitarse el foco y mirar a otro lado. “Este es el primer disco en el que no he tenido la necesidad de que fuera 100% autobiográfico. Antes sentía que tenía que hacer eso y que los fans tenían que escuchar un relato de mi vida sacado de los titulares. Eso acabó limitándome porque componer es mucho más que lo que sientes solo en tu experiencia propia”, explicaba la cantante.

Mientras el mundo se venía abajo, Swift se puso manos a la obra y de la mano de Jack Antonoff y Aaron Dessner dio forma a una canciones diferentes en forma, estilo y sonido. La cantante abandonó su universo musical y desde la distancia y desde su dormitorio creó un disco especial.

‘Folklore’ llegó por sorpresa y fue recibido con los brazos abiertos tanto por los seguidores habituales de la cantante como por un público nuevo menos dado a escuchar pop. Con este disco, Swift arrasó de nuevo tanto en los premios como en las listas de éxito y demostró que es una de las artistas más grandes de este sigo.

Para este viaje alrededor de la obra de la estadounidense nos acompaña el periodista Mario Tornero.

Las canciones de este episodio:

Adam Green - Cigarrettes burns Forever

Little Joy - With Strangers

Rodrigo Amarante - Tuyo

Beirut - Nantes

Los Canarios - Get On Your Knees

Todos los episodios y canciones del programa

 Hay bandas que se meten en la música por la gloria, otras por dinero y fama, algunas, solo algunas, lo hacen por el placer de hacer canciones que se hagan eternas.

Genesis comenzó a finales de los años sesenta y arrancó con fuerza y con ganas de comerse el mundo. Es verdad que al principio querían dinero, pero algo hizo click en el interior de la banda que vio que el camino rápido no les llevaba a donde querían y que había dar una vuelta larga y apostar por las canciones para que la gloria acabase llegando. "Nuestra meta en el 69 era hacer dinero, en el setenta también y lo era desde entonces. Y lo intentamos, pero normalmente nos volvemos ambiciosos. Nos volvemos ambiciosos cuando empezamos a pensar en lo que queremos hacer y a diseñar lo que vamos a hacer y eso precisamente suele acabar con el dinero que tenemos en nuestros bolsillos”.

La ambición de la banda se llevaba su dinero, pero esa ambición fue la también la que dejó joyas como Selling England by the Pound, un disco valiente, arriesgado, lleno de rincones en los que perderse y una apuesta que mostró lo mejor de la banda. El quinto disco de Genesis llegó en 1973 y marcó un cambio de rumbo en la trayectoria de la banda que se consagró como uno de los referentes del rock progresivo. Para recordar esta época, estas canciones y esta historia nos acompañan Fernando Neira y Lucía Taboada.

Cuando Jimi Hendrix aterrizó en el aeropuerto de Londres, en septiembre de 1966, el chico de Seattle no era consciente de la enorme influencia que iba a tener en la música. Ese viaje a la capital inglesa fue su puerta de acceso a la primera división y Hendrix no iba a desaprovechar esa oportunidad. Unas semanas después llamó a casa, a su padre, asegurándole que iba a triunfar tras un lustro recorriendo EEUU como guitarrista de otras bandas.

En su primer concierto en Inglaterra, con apenas unos pocos espectadores, dejó con la boca abierta a Paul McCartney. Hizo su show. Tocó de espaldas, con los dientes, inventó paisajes sonoros y llevó la guitarra a una nueva dimensión. Desde ahí, todo fue cuesta abajo. Unos meses después grabó su primer disco acompañado de una banda que le habían montado para la ocasión y en un sello creado para sacar su música.

El resultado de esa apuesta por el guitarrista fue Are You Experienced, uno de los discos de debut más apabullantes e influyentes de la historia del rock. Hendrix, un chico que apenas tenía interés en algo que no fuese la música, floreció cuando el álbum se establecía como concepto, como elemento artístico más allá de ser un contenedor de canciones radiables. El guitarrista vio en ello un mundo de posibilidades para dar rienda suelta a sus obsesiones y de ese modo elevó la música a una nueva dimensión.

Esta semana Manuel Recio y Lucía Taboada nos llevan a finales de los años sesenta para recordar el advenimiento de Jimi Hendrix.

Pues nos hemos liado este verano y hemos escrito un libro. Vidas Perras: cuentos musicales del Sofá Sonoro (Ed. Silex) es el primer libro de Alfonso Cardenal, director del programa, y en este episodio especial os contamos de qué trata. 

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Fatoumata Diawara es una de las mujeres más poderosas de la música actual, una cantante que usa su música como arma y altavoz y cuya carrera resulta tremendamente fascinante.

En 2018 Diawara dio un paso más en su carrera grabando un disco que presentaba un manifiesto ya desde el título. Fenfo se puede traducir como “cosas que decir” o “algo que decir” y eso fue lo que Diawara hizo cantando sobre las migraciones, la mutilación femenina o la aceptación de tu realidad y el racismo.

Con su tercer disco, Diawara subió la apuesta. Esta chica, que empezó haciendo cine y que se enamoró del sonido de las guitarras eléctricas, ha derribado muchas barreras a lo largo de su viaje. En su música hay ritmo, pero también activismo. Hay cosas que decir, como indica ese fenfo, y a la par una tremenda energía y ganas de disfrutar de la vida.

La carrera de Fatoumata dio un salto cuando The New York Times se fijó en su música y la señaló como una de las grandes voces de la World Music. Desde entonces ha compartido escenario con Paul McCartney y proyectos con Damon Albarn (Blur), pero sobre todo ha mantenido un paso firme en sus propias aspiraciones y ha editado discos que le han conseguido un público global rendido a su música.

Para recorrer la historia y las canciones de Diawara nos acompaña en el Sofá Sonoro la periodista Jimena Marcos.

Las canciones de este episodio:

Sallie Ford and The Sound Outside - I Swear

The Barbaras - Alone and Enough

Black Pumas - Fire

Eli Paperboy Reed - Bad Girl

Charles Bradley - Changes

Todos los episodios y canciones del programa

Hay discos que pillan al mundo con el pie cambiado y que llegan, incluso, a crear polémicas, a provocar insultos. Esos discos suelen venir por cambios de rumbo de sus autores y llegan, normalmente, tras huidas a ninguna parte que provocan revelaciones.  

Atlántico, de Xoel López, tiene todos esos ingredientes. Un final, una huida y cambio profundo. También algún insulto. Xoel López es y ha sido siempre un músico inquieto, un tipo que no ha tenido problemas en dejar las cosas y dejarlas cuando todavía funcionan, cuando están en lo alto. Lo hizo con su primer grupo y lo hizo también con Deluxe cuando despidió a la banda en su cima y se marchó a Argentina en enero de 2009 para escapar de todo, para perderse un rato y para ver si de todo aquello podía surgir algo.  

Y de eso surgió Atlántico, nuestro disco de esta semana, un trabajo diferente y especial que ha crecido mucho en esta última década y que finalmente terminó por enamorar a esos seguidores del músico gallego que no terminaron de entender ese giro artístico. 

Esta semana nos vamos a adentrar en Atlántico y lo hacemos de una manera diferente porque Arturo Lezcano, colaborador habitual del Sofá Sonoro, es amigo de la infancia de Xoel López y residía en Buenos Aires cuando el cantante aterrizó en la ciudad porque lo que fue testigo directo de la gestación de aquellas canciones. También nos acompañan Lucía Taboada, con sus reportajes, y el protagonista del disco con sus testimonios. 

Las canciones de este episodio:

Nick Waterhouse - B. Santa Ana 1986

Jake La Botz - Hobo On A Passenger Train.

Koko Jean and The Tonics

Cordovas - Louisiana Hurricane

Iziar Yagüe - Reckeless Blues.

Todos los episodios y canciones del programa

El ya lejano 1995 fue un año intenso en la música, sobre todo en Inglaterra cuando el britpop estalló y se expandió la Oasismania por todo el mundo. Aquel año se editaron discos muy recordados y uno de ellos llevaba la firma de Polly Jean Harvey, una mujer diferente, que no se podía etiquetar en nada de lo que se hacía entonces y que consiguió ganarse su propio espacio.

En aquel curso la inglesa presentó su tercer largo tras dos aplaudidos discos que habían desconcertado y enamorado a la crítica. Aquella chica pálida, de pelo negro y mirada penetrante trasmitía una enorme seguridad en sí misma y parecía la dueña de un universo propio y misterioso que se mostraba en canciones llenas de rabia, honestidad y fuerza.

En aquella década publicó cinco discos que son perfectos para perderse y para dejarse llevar. Esta semana vamos a dedicar el programa al tercero de ellos, a To Bring You My Love, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Toni Castarnado, autor de Las Chicas del Q (Ed. Silex), libro se adentra en el rock femenino de los noventa partiendo de la mítica portada que juntó a PJ Harvey con Tori Amos y Björk.

Las canciones de este episodio:

Charles Mingus - Devil Blues

The Handsome Family - Far From Any Road

The Allergies - Every Trick in the Book

Jade Bird - Uh Huh

Amy Lavere - Dreamer

Todos los episodios y canciones del programa

Esta semana recordamos a Kiss, una de las bandas más recordadas del rock y formación que apostó por una espectáculo que pocas bandas han podido igualar y que muchas han copiado. Para recorrer su historia nos adentramos en Alive, el disco que cambió su historia cuando estaban con el agua al cuello y su sello al borde de la quiebra. Para este viaje nos acompañan Toni Cartarnado y Eva Cruz. 

El jazz en un mar tan ancho y profundo como misterioso. Para algunos es una música inabarcable e incomprensible, para otros es medicina para el alma. La realidad es que, como las demás músicas, solamente trata de emocionarte, conmoverte o animarme. 

En el jazz hay cimas, genios, voces eternas y años mágicos. Dave Brubeck fue parte esencial de uno de ellos, el mejor. A pesar de los tremendos años 40, cuando el jazz era la música de los jóvenes modernos, el género tocó techo una década después, a finales de los 50, cuando una generación de aventureros e innovadores dio a luz a la vez a una cosecha eterna.  

Uno de esos discos de 1959 fue Time Out, del enorme Dave Brubeck. Un álbum arriesgado, innovador e influyente que marcó un nuevo camino sonoro y que acabó siendo uno de los trabajos más vendidos del jazz, junto a otros compañeros de cosecha como Kind of Blue (Miles Davis) o Giant Steps (John Coltrane), ambos de 1959. 

Dave Brubeck tenía 38 años cuando alumbró su obra maestra. A finales de los años 50, Brubeck era uno de los iconos del jazz. Lo era por su talento pero también porque en aquellos EEUU segregados y racistas era más cómodo vender y apostar por un músico blanco que por uno negro. Tras una etapa interesante todo cristalizó en esta obra maestro que lo consagró como uno de los grandes músicos de su generación. Por ello le dedicamos este Sofá Sonoro que compartimos con el músico y productor Igor Paskual. 

Aunque hay baterías que se han hecho un nombre propio en la música como Keith Moon, Ringo Starr o John Bonham la mayoría vive el éxito en un segundo plano discreto. Luego, otra especie aparte, en la de baterías que han dado un paso al frente para liderar sus propias bandas como Dave Grohl, a esa liga pertenece nuestro protagonista de esta semana Father John Misty. 

El que fuese batería de los deliciosos Fleet Foxes dejó su grupo para apostar por un proyecto personal, por imponer su voz y mostrar sus creaciones. Tras un par de discos interesantes todo cobró un nuevo sentido en 2017 con la edición de Pure Comedy, un álbum imponente y arriesgado que llegó en un curso agitado marcado por la investidura de Donald Trump como presidente de los EEUU, hecho que dio comienzo a una nueva etapa en el país y el mundo con el auge de los populismos.

Josh Tillman, nombre real del cantante, vislumbró esos cambios y de una manera inocente y satírica los retrato en su disco más arriesgado. El álbum coincidió con un momento especial en la vida del músico que dejó la bebida, las drogas y dio un paso artístico alejándose de la narración en primera persona para ganar perspectiva.

Pure Comedy es uno de esos discos que merecen la etiqueta de clásico moderno, sin haber sido un fenómeno de ventas si que es un disco memorable por tener esa capacidad de retratar el mundo y su época. Por ello lo sentamos esta semana en el Sofá Sonoro y lo recorremos de la mano de Fernando Navarro.

Las canciones de este episodio:

Sturgill Simpson - The Promise

Josh Ritter -Good Enough

Don Cavani - Me and My Bay

Cyndi Lauper - Just Your Fool

Cat Power - Ballad of a Thin Man

Todos los episodios y canciones del programa

Después de editar uno de los discos de debut más exitosos de la historia de la música, Norah Jones tomó el control de su carrera. La pianista aprovechó ese inesperado triunfo para tomar los mandos y dictar las normas.

Desde entonces, Jones ha tenido una carrera difícil de calificar. Siguió grabando discos exitosos, pero por el camino formó bandas de country, se juntó con sus viejas amigas y se apuntó a cualquier proyecto que llamase su atención. Gracias a esa actitud de subirse siempre al carro, Jones puede presumir de haber colaborado en decenas de proyectos interesantes y diferentes. Junto a su piano han cantado leyendas como Ray Charles, Willie Nelson o Mavis Staples, pero también se ha alejado del jazz para grabar junto a Billie Joe Armstrong, Wilco, Foo Fighters o artistas apenas conocidos.

Ahora Norah Jones triunfa con un divertido y fascinante podcast en el que se sienta al piano junto a diferentes músicos y ese programa nos ha recordado lo curiosa que es esta mujer y nos ha dado la idea de este programa en el que recorremos su carrera a través de la mil colaboraciones que ha realizado a lo largo de los años.

La vida de Tammi Terrell fue un infierno, su carrera, sin embargo, fue poderosa recordada por sus duetos junto a Marvin Gaye. Para llegar a esa cima la cantante pasó por un infierno.

Este reportaje de Lucía Taboada es parte del programa que dedicamos a su carrera y que puedes escuchar aquí. 

Las canciones de este episodio:

Galen and Paul - Lonely Town

Kurt Wagner y Cortney Tidwell - Eyes Look Away

Isobel Campbell y Mark Lanegan - No place to fall

Nick Lowe - Trobone

Palatine - Baton Rouge

Todos los episodios y canciones del programa

Nat King Cole es una de las figuras más importantes de la música estadounidense y una enorme influencia para cientos de estrellas que vieron y se rindieron al talento de Cole para tocar, cantar y para llenar un escenario con elegancia y clase.

La obra de Cole es enorme desde sus primeros discos de los años 40 hasta sus discos de mediados de los sesenta, cuando Cole murió convertido ya en leyenda.

La historia de Cole lo tiene todo y retrata también el papel, complicado papel, de las estrellas afroamericanas en aquel país racista de los años cuarenta y cincuenta.

Con todo en contra el vocalista llegó a emerger y a trascender asaltando las listas de éxitos blancas y tocando para presidentes de todos los partidos.

En 1957, cuando se había convertido en el primer afroamericano en presentar un programa en televisión, Cole dejó a un lado su cara más pop para grabar After Midnight, un disco inmenso que muestra su cara más fascinante.

Esta semana partimos de ese disco nocturno e íntimo para contar la historia de uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX y lo hacemos de la mano del periodista Manuel Recio.

Las canciones de este episodio:

Shemekia Copeland - Married To The Blues

Jonathan Jeremiah - Mountain

Ryan Bingham - Southside of Heaven

Tift Merrit - Traveling Alone

Mark Lanegan - Mack the Knife

Todos los episodios y canciones del programa

Cuando Liza Minnelli visitó la RAI 1 en la cima de su carrera dio una entrevista y acabó hablando de música. La protagonista de Cabaret habló de su heroína, allí dejó una frase que me parece perfecta para definir a Mina. "Es es a la música lo que De Niro al cine", dijo la cantante.

La lista de voces que han aclamado a Mina es excelsa. De Sarah Vaughan a Louis Armstrong el abanico es enorme como lo es Mina, una mujer con una carrera extensa y eterna, muy vanguardista y siempre asumiendo riesgos y en la primera línea.

Mina Mazzini es una de las figuras más peculiares de la música europea. Trabajó en el cine, en la televisión, cantó éxitos que se tradujeron a una docena de idiomas y transgredió las reglas de la Italia más conservadora y católica. También se depiló las cejas, se maquilló a su manera y en la cima de su popularidad se cansó de todo, fabricó su propio estudio y desapareció de la escena pública. Escondida en Lugano, en Suiza, la cantante ha editado 30 discos desde su exilio pero hoy vamos a poner el foco en Studio Uno, el álbum que grabó cuando presentaba el conocido espacio de la televisión pública italiana, un disco que llegó en 1965 y que esta semana recorremos de la mano del músico Igor Paskual y con los reportajes de Jimena Marcos.

Las canciones de este episodio:

Duana y Gregg Allman - Back Down Home With You

Link Wray - Fire and Brimstone

The Teskey Brothers - Forever You and Me

The Felice Brothers - Frankies Gun

HAIM - I´ve Been Down

Todos los episodios y canciones del programa

ARCHIVO | Esta semana recuperamos el Sofá Sonoro que hicimos dedicado al álbum más recordado de George Harrison.

Esta semana hacemos un programa diferente. Con motivo del nuevo lanzamiento de la banda inglesa vamos a recorrer su discografía escuchando las canciones menos reproducidas de los diez discos de los Stones que llegaron a lo más alto de las listas inglesas.

En 1995 se editaron discos de Radiohead, de Pulp, de Blur, de Massive Attack, de los Chemical Brothers, The PJ Harvey o de Elastica. La música británica se engalanó con su mejores ropas y el fenómeno del britpop llevó a su culmen. Aquel año en las islas británicas la música sonaba en cualquier esquina, en cada ciudad presumían de sus bandas locales y los festivales se peleaban por contratar primero a sus estrellas. Aquel año el foco acabó fijado en Manchester. El 2 de octubre Oasis publicó Whats the Story (Morning Glory).

La edición del segundo disco de la banda de los hermanos Gallagher marcó el punto álgido del aquel movimiento cultural creado por las revistas musicales y multiplicado por la prensa sensacionalista y generalista. Todos compraron la rivalidad entre Blur y Oasis, todos entendieron que lo que estaba pasando a mediados de los años noventa era comparable a aquel Swinging London de los años sesenta e Inglaterra se preparó para una nueva British Invasion que no fue del impacto de la que comandaron Beatles y compañía, pero que transmitió una sensación parecida. Un año después debutaron las Spice Girls en Inglaterra y los Back Street Boys en EEUU y el rock perdió fuerza en las listas de éxito, pero todo lo que sucedió en aquellos maravillosos noventas tuvo un impacto enorme en la música de los años posteriores.

El viaje de los hermanos Gallagher fue tremendamente agitado, pero para este disco todo encajó. El primer álbum de la banda contenía temas que llevaban años cociéndose a fuego lento, pero tras gastar todas las balas en ese debut, el grupo llegó al estudio con la necesidad de demostrar que nada de aquello había sido casualidad. Sin darle muchas vueltas, sin sentir la presión, Oasis firmó un disco redondo grabado casi del tirón. "Creo que todo el proceso duró 12 días de trabajo lo que es acojonante, lo hicimos del tirón y eso que llegamos al estudio con la mitad de las canciones sin terminar. Eso es algo que solo logras cuando eres joven porque no le das vueltas a las cosas", contaba la banda en un documental.

Esta semana comenzamos nueva temporada en Sofá Sonoro y lo hacemos recordando junto a Arancha Moreno la historia de uno de los discos más recordados y exitosos de los años noventa.

Las canciones de este episodio:

Sean Rowe - Squid Tattoo

Lucy Dacus - Going Going Gone

Elkin y Nelson - Chevere

Tami Neilson - You Were Main 

Joesef - Comedo

Spotify | Todas las canciones de la sección

Recuperamos el programa, ya emitido, que dedicamos a recorrer Night Beat de Sam Cooke junto a Fernando Neira

Las canciones de este episodio:

Ronnie Hawkins - Hey Boba Lou

Conjunto Don Pelegrín - Beat Gitano

Tito Ramírez - Diablo

Stereo Total - Relax Baby Be Cool

Whitney Rose - Analog

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Las canciones de este episodio:

Fiona Apple - Under the Table

Cotton Jones - Up A Tree

John Fullbright - Satan and St Paul

James Leg - Drinking to much

Imelda May - Its Your Voodoo Work

Escucha el Episodio 1

Escucha el Episodio 2

Escucha el Episodio 3

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Hay canciones que son parte de tu vida, de tu historia, incluso de tu relato. Frases que narran historias, que dicen verdades y cuentan mentiras. Canciones que tienen frases que hemos gritado, llorado y a veces, también cantado. Muchas de esas frases, en castellano, tienen como autor a Joaquín Sabina, muchas de ellas las escribió Joaquín para 19 días y 500 noches, un disco hermoso, redondo y con sabor a despedida.

En 1999 parecía que el mundo se iba a acabar, la gente hablaba con miedo del efecto 2000, del fin del siglo, de las últimas horas del milenio. En ese contexto, o quizás ajeno a todo ello, Joaquín Sabina entró a un estudio de grabación con la obsesión eterna de escribir la canción más hermosa del mundo. Quizá no le salió, pero sí consiguió acabar el mejor disco de su carrera. El músico más canalla, golfo y callejero se acercaba a los malditos 50 y con el peso de su propia historia acuestas grabó un disco que es parte de la historia de la música en castellano y que lo consolidó como uno de los mejores compositores españoles.

La historia de este disco comienza tras la fallida alianza con Fito Páez y termina con Sabina dejando las drogas tras la intensa gira que siguió al lanzamiento del álbum. Para este disco Joaquín se hizo acompañar de Alejo Stivel y dio un paso al frente mostrando su voz desnuda, sin adornos. Arenosa y a cara de perro para cantar al olvido, a la melancolía, a la derrota y al amor tóxico.

Un cuarto de siglo después ese disco se ha mostrado como la cima de Sabina, con un álbum con personalidad propia que envejece con estilo, sin perder un ápice de fuerza. Por todo ello, y porque era una deuda eterna, esta semana invitamos a Juan Puchades, director de Cuadernos Efe Efe y autor de un tremendo libro sobre esta joya, a recordar el contexto, las anécdotas y las canciones de este disco.

Las canciones de este episodio:

Shovels and Rope - Birmingham

Peter One - Staring Into The Blues

Rogér Fakhr - Lady Rain

Shakey Graves - City in a Bottle

Andrew Bird - Left Handed Kisses

Escucha el Episodio 1

Escucha el Episodio 2

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Bob Marley es uno de los grandes personajes de la música, un hombre ligado a un género, a una religión y a un país como casi nadie más lo ha sido o lo será. Marley vivió su vida a su manera, con sus normas y sus ideas, a veces polémicas pero casi nunca contradictorias.

Bob Marley tuvo una vida trepidante, repleta de grandes momentos y de situaciones al límite en una Jamaica que vivió una agitada independencia a comienzos de los años sesenta. Una década más tarde, Marley era una figura poderosa en la isla y tras un intento de asesinato escapó a Londres donde editó Exodus, el disco más importante de su carrera y nuestro trabajo de esta semana.

Exodus es un disco con dos caras bien diferentes e igual de poderosas. En la cara A se escucha al Marley más político y activista. El que contesta con Exodus al eslogan de la campaña electoral del primer ministro de Jamaica y el que reflexiona sobre la situación de la isla. La cara B es otra historia, es una colección de himnos perfecta, canciones pegadizas y eternas que son parte de la vida del reggae y de su autor.

El contexto, la historia y las canciones de este álbum resultan vibrantes y sorprendes y por ello es el disco perfecto para adentrarnos, de la mano de Arturo Lezcano y Lucía Taboada, en la carrera de Bob Marley y en este momento clave de su vida.

Las canciones de este episodio

Erlend Oye - La prima estate

Desmond Dekker - Israelites

Andrés Do Barro  - O Tren

Deer Tick - The Bump

The Detroit Cobras - Midnight Blues

Escucha el Episodio 1

Escucha el Episodio 2

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La historia de Jerry Lee está marcada por su música del diablo y por su veloz ascenso a la cima del rock para luego despeñarse desde lo más alto quemándolo todo como quemaba su propio piano. Cuando en su primera gira por Reino Unido la prensa descubrió que la niña que lo acompañaba era su mujer y que era su prima segunda de 13 años todo acabó para Jerry.

Tras ese escándalo Lewis pasó de cobrar 10.000 dólares por concierto a no más de 200. Vivió diez años en el abismo tocando cada noche saltando de ciudad en ciudad conduciendo como un loco para mantenerse a flote. Tras una década maldita salió a flote como cantante de country en los años setenta, una década marcada por sus adicciones y la muerte, la de dos mujeres y su hijo primogénito.

En los años ochenta comenzó su redención y en los dos mil grabó discos muy populares con colaboradores de lujo como Bruce Springsteen o Neil Young. Esta semana dedicamos el programa a recordar la tremenda vida de Jerry Lee Lewis junto a Fernando Navarro y Lucía Taboada.

Con las canciones de: 

Banditos - Time Wasted

Night Beats - Cautionary Tale

Odetta - Mama Told Me Not To Come

Alex Ebert - Truth

Kevin Morby - Beautiful Strangers

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Una selección de canciones para pasar el verano

Stanley Brinks and The Wave Pictures - Orange Juice

Losonouncane - Stormi

Lack Of Afro - Getting Kinda Boring

Mazouni - Écoute-moi camarade

Ben Harper - Trying Not To Fall In Love With You

Una joven Melody Gardot (1985) iba un día paseando en su bicicleta cuando un coche la arrolló. Melody no murió aquella tarde, pero su vida cambió para siempre. La contusión cerebral fue de tal calibre que aquella adolescente tuvo que empezar su vida de cero y aprenderlo todo paso a paso y con mucha paciencia. Gardot revivió y salió adelante sin memoria a corto plazo y en esa etapa comenzó una terapia musical que le abrió un nuevo camino vital cuando descubrió que sin memoria lo mejor que podía hacer era improvisar y para ello nada mejor que el jazz.

Unos años después de aquel accidente Melody Gardot grababa su primer disco, un trabajo por amor, sin pretensiones. Pero aquel disco llegó a las oficinas de Verve que fichó a la cantante y reeditó el álbum. Ahí la estadounidense fue cuando realmente pensó que la música podría ser una opción real. Se lo tomó en serio, pensó qué quería hacer y dos años después editó My One And Only Thrill, uno de los mejores discos de jazz vocal de este siglo. Un trabajo valiente, con personalidad y abrumador que vendió más de un millón de copias y convirtió a Gardot en una estrella.

Tras este éxito, Gardot ha tenido una carrera interesante y diferente, sin prisas. Mujer viajera y curiosa, Melody investiga para cada disco, viaje, aprende idiomas, se enamora de la comida, lee, charla y sobre todo escucha. Con esta receta ha ido dando forma a un cancionero único al que hoy dedicamos este episodio de Sofá Sonoro en compañía del periodista y escritor Toni Castarnado.

La súperbanda de los años 80 nació de la casualidad, de un encuentro entre grandes estrellas como George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty, Roy Orbison y Jeff Lynne.

En 1988 llegó a las tiendas el primer disco de los Traveling Wilburys, una aventura musical que juntó un talento descomunal que dejó aparcados sus egos, incluso inventándose sus nombres, para trabajar juntos en unas canciones divertidas que nacieron de forma conjunta.

Los padres de Jerry Lee Lewis hipotecaron su casa para comprar un piano a su hijo, así comienza una de las leyendas más increíbles del rock, una historia condenada por el diablo. Lucía Taboada nos cuenta su historia, sus primeros pasos hasta su fichaje por Sun Records.

Tras triunfar en 1985 con De un país en llamas Radio Futura subió la apuesta y cambió el rumbo. La banda cambió su alineación y se encerró en el estudio con la idea de dar con un sonido nuevo, de romper con los cánones anglosajones y definir un algo propio, nuevo y diferente.

Fueron meses de dudas y certezas, pero sobre todo de mucho trabajo y mucha presión. La banda iba a ir a grabar a Nueva York, a los estudios de Talking Heads y no querían perder el tiempo. Tras unos meses frenéticos llegaron a Manhattan con todo su nuevo disco perfilado, ensayado y definido. Allí se incorporaron The Uptown Horns y Daniel Ponce, percusionista cubano. En cinco semanas alumbraron La canción de Juan Perro, uno de los discos que definieron el sonido de la banda, de los años ochenta y del rock en castellano, el rock con acentos en su sitio, una forma de encajar las palabras sin forzaras y doblarlas.

Aquel álbum encumbró a la banda de los hermanos Auserón como una de las grandes formaciones de su generación y abrió puertas para nuevas apuestas sonoras. Esta semana recordamos aquella aventura neoyorquina y la gestación de aquel disco junto a los periodistas Arancha Moreno, Manuel Recio y con los reportajes de Lucía Taboada.

El intento de asesinato de Bob Marley fue un suceso que marcó su vida y también su carrera. Tras aquel terrible suceso el músico y su séquito se trasladaron a Londres. En la capital inglesa, Marley grabó Exodus, uno de los discos más importantes de su carrera y de la historia de la música jamaicana.

El 9 de noviembre de 2015 Allen Toussaint se subió a las tablas del Teatro Lara de Madrid. Con su pelo blanco, una chaqueta verde y su eterna sonrisa, el músico se sentó al piano y trajo a Madrid los ritmos de su adorada Nueva Orleans. Aquel fue el último concierto de Allen Toussaint, tras bajarse del escenario el pianista se empezó a encontrar mal. Murió en Madrid aquella misma noche.

Allen Toussaint fue uno de los grandes músicos de la ciudad más musical de EEUU, a lo largo de su carrera ha hecho de todo, casi siempre poniendo su talento al servicio de otros. Suyo es el piano de grandes discos de la músico y es el autor de los mejores himnos de Nueva Orleans, Allen ha trabajado con The Band, Dr. John o Paul McCartney, pero el resurgir de su figura llegó tras el maldito huracán que mató a 2.000 personas y que dejó a Allen sin casa, sin estudio y sin nada.Ante esa situación el músico dejó la ciudad. Se instaló primero en Baton Rouge y poco después en Nueva York. Lo que parecía que iba a ser una etapa breve acabó siendo un par de años, años clave en la carrera de Toussaint. En esa agitada etapa el pianista grabó un disco de éxito junto a Elvis Costello y de la mano del inglés viajó por los mejores escenarios de Estados Unidos, poco después comenzó una residencia en el Joe´s Pub de Nueva York. Allí, cada domingo y en un formato íntimo, actuaba recorriendo su extensa carrera. Toussaint grabó un disco en aquel local y ese es nuestro punto de partida para contar su historia en este episodio que compartimos con el periodista David Moreu y Lucía Taboada.

Cuando los jóvenes de Estados Unidos comenzaban a volverse locos con el rock and roll sucedió algo con lo que nadie contaba. Esa música nueva y peligrosa que iba a provocar el declive de la sociedad estadounidense no era solo cosa de hombres. Entre los Elvis, los Chucks Berry o los Jerre Lee Lewis se coló una mujer. Una chica morena, valiente y con voz rota que llevaba vestidos con flecos que le cosía su madre. Wanda Jackson enseñó a todas las mujeres de los años cincuenta que en el rock también había hueco para las chicas.

Wanda Jackson tenía 2 años menos que Elvis y acabó enterrando a todos los compañeros de generación, a todos los pioneros del rock hasta que se quedó sola en su trono, grabando discos maravillosos pasados los 70 años. Su historia resulta fascinante, desde sus días en el rock a su resurgir final, Wanda ha pasado por todo.

Tras sus días de rockera regresó al country para luego dejarlo todo por el góspel y su conversión religiosa. Tras años apartada del circuito regresó a la primera línea cuando nadie la esperaba y grabó discos tremendos con Elvis Costello, Jack White o más recientemente junto a Joan Jett. Por todo esto merecía mucho la pena adentrarse en la vida y en la música de Wanda Jackson y dedicarle este programa que compartimos con el periodista Fernando Navarro y con los reportajes de Lucía Taboada.

Aunque la música evoluciona y cambia a buen ritmo dando síntomas de buena salud hay géneros que se mantienen en el tiempo ajenos a modas, tendencias y algoritmos. Siempre habrá voces que anuncien la muerte del jazz o el asesinato del blues. La verdad es que a pesar de ello quedan chicos, chicas y bandas que siguen enamorados de estos sonidos y que siguen haciendo discos y canciones fascinantes.

En Sofá Sonoro nos gusta escuchar grandes discos, discos clásicos y creemos que el tiempo es un elemento necesario para ver y apreciar las cosas con poso y perspectiva, lejos de modas, ruidos en redes y tendencias. Por ello nos gusta ver la música desde la distancia, aunque eso no significa que no escuchemos música actual ni descubramos nuevos nombres cada semana.

En este episodio hemos querido traer al programa algunos de esos descubrimientos, algunos son recientes y otros llevan años con nosotros, pero todos son jóvenes y están en los primeros pasos de carreras que apuntan a ser más que interesantes. Para hacer la selección de este episodio hemos querido ver quiénes podrán ser los grandes referentes de los géneros que nos gustan y con esa premisa hemos juntado en el Sofá Sonoro a Colter Wall, J.S Ondara, Marcus King, Bobby Oroza, Lady Blackbird o Samara Joy.

Mirando el cartel del Live Aid de 1985 tardas menos nombrando a los ausentes que a los presentes. No estuvo ni Prince, ni Springsteen ni Michael Jackson. Casi todos los demás acudieron a la llamada de Bob Geldof, que un año antes un reportaje de la BBC sobre la hambruna en Etiopía cambió su vida para siempre. Bob decidió hacer algo y acabó montando uno de los eventos más gigantes y arriesgados de la música. Un festival con dos sedes en dos países diferentes y con todos los grandes nombres de los últimos 20 años. En esos conciertos actuaron Paul McCartney, Queen, U2, Madonna, Led Zeppelin, los Who, Dire Straits, Bob Dylan, Neil Young, los Beach Boy y la lista sigue y sigue.

En el Live Aid sucedieron mil cosas. Hubo fallos técnicos que dejaron sin sonido el micro de Paul McCartney durante Let It Be, también hubo reuniones imposibles como Led Zeppelin, Black Sabbath o los Beach Boys. También hubo duetos enormes, colaboraciones imposibles y mucha estrella dando conciertos de andar por casa.

También hubo momentos eternos, la mayoría de ellos tuvieron lugar en Wembley. El más recordado lo protagonizó Queen que dio un pase de 25 minutos mágicos e inolvidables que sirvieron para recordar al mundo la altura de Freddie Mercury como cantante. Otro momento tuvo a Bono de U2 de protagonista, cuando rescató del público a un chica que estaba siendo aplastada y se puso a bailar con ella. También brilló David Bowie cantando Heroes y Elton John con la actuación más larga de la cita.

En el Live Aid sucedieron muchas cosas y se recaudó mucho dinero. Luego hubo polémicas y críticas por el uso que se hizo de todos esos millones y por las formas de Geldof, pero ante todo quedaron algunas actuaciones eternas y la sensación de que la música y los músicos tenían fuerza para cambiar las cosas.

The Stranger es uno de esos escasos discos casi perfectos donde todo está en su sitio, donde todo encaja y donde las cosas tienen sentido. The Stranger es una colección de canciones perfecta para convertirse en una banda sonora.

El quinto trabajo de Billy Joel, el Piano Man, como se le conocía, llegó cuando el músico estaba al borde del abismo. Joel había tenido algunos éxitos importantes tras años dando tumbos, pero Columbia se estaba planteando rescindir su contrato al no alcanzar sus anteriores discos las cifras que esperaban desde la discográfica.

Con toda esa presión Joel subió la apuesta. Decidió formar una banda estable tras años trabajando con músicos de sesión diferentes. Justo esa banda fue la que le separó de George Martin, el productor de los Beatles, que no quiso trabajar con la nueva banda de Joel. Finalmente el pianista siguió sus instintos, confió el Phil Ramone y grabó el disco que cambió su carrera.

The Stranger es un disco tierno, al estilo Broadway, con arreglos elegantes y letras sugerentes en las que brillan las baladas. La formula cuajó y el quinto álbum de estudio de Billy Joel se convirtió en el álbum más vendido de Columbia en la década consolidando a Joel como una superestrella.

Esta semana recordamos este clásico del pop de la mano del periodista Fernando Navarro y con los reportajes de Lucía Taboada.

En 1988 una Madonna en proceso de divorcio de Sean Penn y con la mirada triste entró de nuevo a un estudio de grabación tras vender millones de copias de sus tres primeros discos. La chica, que acababa de cumplir 30 años, tenía miles de cosas en la cabeza. La muerte de su madre, la relación con su padre, la necesidad de ser ella misma, de tener una voz propia. Con todas esas cosas en mente Madonna dio forma a una de las grandes obras maestras del pop: Like a Prayer.

En 1988 una Madonna en proceso de divorcio de Sean Penn y con la mirada triste entró de nuevo a un estudio de grabación tras vender millones de copias de sus tres primeros discos. La chica, que acababa de cumplir 30 años, tenía miles de cosas en la cabeza. La muerte de su madre, la relación con su padre, la necesidad de ser ella misma, de tener una voz propia. Con todas esas cosas en mente Madonna dio forma a una de las grandes obras maestras del pop: Like a Prayer.

Para ese momento de su carrera, Madonna ya no tenía nada que demostrar, se podía haber retirado o sentado en su trono a mirar sus éxitos, pero ella no era así, era una chica ambiciosa y quería más. La cantante venía de firmar el disco más vendido de 1986, un trabajo que arrasó y que sacó 10 millones de copias al segundo disco de aquella lista. Para finales de década la cantante de Bay City era la gran figura de los ochenta junto a Michael Jackson, Whitney Houston y Prince, pero Madonna quería más y en 1989 publicó Like a Prayer y llegó a la cima más alta de la música.

Tantos años después es fácil valorar ese disco como una obra maestra del pop. Desde sus arreglos a su propuesta sonora y estética, pero entonces, cuando se editó, Like a Prayer era un trabajo arriesgado y diferente. Hace unos años, Patrik Leonard, socio y productor de Madonna recordaba en una charla ese momento. "Cuando terminamos Like a Prayer el sello le dijo a Madonna que si lanzaba esa canción iba a acabar con su carrera. Era una balada de 7 minutos que paraba y empezaba varias veces y que era armónicamente diferente a todo lo demás en la radio. Ella dijo que vale, que lo sentía pero que la iba a editar. Lo hizo y vendió 18 millones de copias, fue número 1 en todos los países y cambió el rumbo de la música en todos los sentidos".

Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar ese momento clave en la carrera de Madonna y lo hacemos junto al músico Igor Paskual y con los reportajes de Lucía Taboada.

En los primeros años de los noventa hubo una revolución musical que alumbró a una generación de músicos salidos del circuito underground que se había ido creando en los EEUU desde la década anterior con fanzines, sellos y salas y apostaron y defendieron otro tipo de música. Nirvana fue la que derribó la puerta y puso el foco en esa música y en esa escena, por allí se colaron Pearl Jam, Soundgarden o Alice in Chains.

Cada una de esas bandas marcó su camino y lograron sus propio hitos. Alice in Chains tuvo un viaje fascinante y un éxito enorme. Tras el poderoso debut, la banda se topó con un reto y muchos obstáculos. El camino no iba a ser sencillo. Dirt, el segundo paso del grupo, se grabó en Los Ángeles durante las salvajes protestas por la agresión a Rodney King. La ciudad estalló en saqueos y enfrentamientos policiales. El grupo tuvo que escapar durante unos días y refugiarse en el desierto. Pero aquel no fue el único problema, tampoco el más grave. La adicción a la heroína de Layne Staley, que recayó durante la grabación, fue un obstáculo enorme.

A pesar de todos los problemas, Alice in Chains consiguió facturar un disco rabioso y poderoso con un visión triste y tórrida del amor, las relaciones y la juventud y ese álbum caló profundamente en una generación que abrazó esas canciones y convirtió Dirt en su banda sonora y en himnos generacionales.

El impacto de Dirt fue enorme, sus ventas también y por todo ello sentamos estás canciones en el Sofá Sonoro de la mano de Toni Castarnado y Lucía Taboada.

Todos los episodios dedicados a discos de los años 90.